Minyeshu – Netsa (2022)

Minyeshu Kifle Tedla, conocida profesionalmente como Minyeshu, es una cantante y compositora que ha obtenido reconocimiento mundial por su combinación única de música africana tradicional con influencias contemporáneas. Netsa es el título de su último trabajo, en el que explora la naturaleza, el amor y la unidad y el poder del esfuerzo artístico. Una reflexión sobre lo que Minyeshu ha sido y cómo le gustaría que brillara su luz en el futuro: libertad creativa, expresión y desafío.
Nacida en la ciudad etíope de Adama, la familia de Minyeshu se mudó a la capital, Adís Abeba, donde desarrolló su pasión por las artes escénicas y se colocó en un camino de expresión creativa, entretenimiento y exploración de la música tradicional etíope, el jazz y el soul. Solo unos años más tarde, se unió al Teatro Nacional de Etiopía, donde sus talentos naturales se mejoraron al compartir experiencias de aprendizaje con personas de ideas afines, y expresar su dedicación a las ricas tradiciones de la cultura etíope (incluidos los estilos amárico, gurage y oromo) a través del arte de la música, el canto y la danza.
A través de sus estudios, descubrió al compositor Mulatu Astatke, el padre del Ethio-jazz, influencia que se siente en muchas de las obras de Minyeshu. Al finalizar su formación, su sed de nuevas experiencias llevó a Minyeshu a Europa, viviendo primero en Bélgica y asentándose, finalmente, en Países Bajos.
Su considerable talento ha llevado a Minyeshu a lanzar cuatro aclamados álbumes antes de Netsa, colaborando también con artistas como Manu Dibango y la banda holandesa New Cool Collective. Minyeshu también es una dedicada defensora de la justicia social y los derechos humanos. Ha trabajado con varias organizaciones, incluido el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo y la Asociación de Mujeres Abogadas de Etiopía, para promover la igualdad de género y el empoderamiento de las mujeres.
Netsa significa "libre" en amárico. Como a gran parte del mundo, 2020 le dio a Minyeshu una pausa para la contemplación. Había una respuesta contundente para cada pregunta que se hacía: música. Netsa es una colección de canciones que exploran temas de unidad, amor, la autoexploración y contemplación del mundo natural, y la apreciación de la belleza en todo ello. Compuesto y producido por la propia Minyeshu y Eric van de Lest, la canción de apertura "Fidel" (que significa "alfabeto") presenta el sonido intrigante de la chechezeya, uno de los instrumentos tradicionales más místicos de Etiopía. En contraste, los tonos suaves de "Qulef" ("la clave") y la melodía inquietante de la balada "Fiker" ("Amor") ralentizan el tempo y permiten la reflexión.
Minyeshu utiliza teclados, batería, bajo, violín y piano mezclados con los sonidos tradicionales del masenqo, washint, kirar y el cautivador chechezeya. Los sonidos de los temas son de clara influencia ethio-jazz ("Erta Ale" y "Ethio yo yo Pia", por ejemplo), aportando energía y celebración, como "Qhakaza Thando" y "Yene Africa", que evocan sensaciones reggae junto con inspiraciones étnicas y de jazz más claras, proclamando la riqueza y diversidad de la cultura africana. "Mi música es una celebración de la diversidad, un puente entre culturas y un recordatorio de que todos estamos conectados a través del poder del ritmo y de la melodía".

Página web oficial: Minyeshu

tracks list:
01. Fidel (Alphabet)
02. Qulef (The Key)
03. Yene Africa (My Africa) – feat. Afrika Mamas
04. Fiker (Love)
05. Ethio yo yo Pia
06. Marewa (My Honey)
07. Abay (The Blue Nile)
08. Qhakaza Thando (Shine Up Love) – feat. Afrika Mamas
09. Erta Ale
10. Getee (My Jewel)





Lucas Santtana – O Paraíso (2023)

Lucas Santtana, original de Salvador de Bahía (como Caetano Veloso, Gilberto Gil o Tom Zé), es un magnífico cantante y compositor que lleva grabando desde finales del siglo pasado y llega ahora a su noveno disco, O Paraíso, grabado en París, donde reside.
El concepto del disco tiene que ver con la imagen que tenemos de un lugar paradisíaco. Cada vez que vamos de vacaciones a un paraje de gran belleza, en plena naturaleza, la frase "esto es el paraíso" se apodera de nosotras. Intuitivamente, vemos el planeta Tierra como un sitio maravilloso. Sin embargo, en O Paraíso, Santtana (quien fuera colaborador de los gigantes Gilberto Gil y Caetano Veloso en sus 20 años) nos insta, en diez canciones, a modificar nuestra línea de pensamiento: una reivindicación del aquí y el ahora, de cuidar el mundo en el que vivimos porque no existe otro tan perfecto. Como respuesta a la política de Bolsonaro de abrir la jungla amazónica a una mayor explotación, Lucas Santtana nos trae un disco en el que la causa ambiental es su principal motivo.
"What’s Life", por ejemplo, fue compuesta a partir de un texto en inglés de la bióloga estadounidense Lynn Magulis (se abre con un "We are the nature" que resulta una perfecta sátira aludiendo al hombre-máquina de "The Robots" de Kraftwerk), mientras que "Vamos Ficar Na Terra" critica la obsesión con otros planetas de Elon Musk y "La Biosphère" se presenta como la obligada canción protesta. Incluso resulta fácil comprender cómo encajan en el planteamiento las versiones "Errare Humanum Est" de Jorge Ben, momento álgido del disco, y "The Fool on the Hill" de The Beatles, aquí a dúo con la cantante francesa Flore Benguigui, del grupo galo L’Impératrice.
Con sutiles arreglos electrónicos y un clima de bossa, saltando del portugués al francés y el inglés, este heredero de la Tropicália ofrece una mezcla exquisita de música brasileña y jazz, como también puede comprobarse en el juguetón divertimento "Muita Pose, Pouca Yoga", con la preciosa voz de la brasileña afincada en París Flavia Coelho.
Su voz tenor, sus suaves canciones y su delicada forma de tocar la guitarra hacen que su mensaje cale más profundamente desde la serenidad y el tono sensual, invitándonos finalmente en "No Interior de Tudo" a conectarnos con nuestro ser más profundo extrayendo energía del inconsciente colectivo que habita bajo la superficie del océano. Lucas Santtana demuestra que la herencia tropicalista sigue viva y que dialoga a la perfección con la chanson y hasta el folk indie anglosajón. Sin fronteras y eterno.

facebook: Lucas Santtana

tracks list:
01. O Paraíso
02. What's Life
03. Vamos Ficar Na Terra
04. Errare Humanum Est
05. La Biosphère
06. Muita Pose, Pouca Yoga (feat. Flavia Coelho)
07. The Fool on the Hill (feat. Flore Benguigui)
08. No Interior de Tudo
09. A Transmissão
10. Sobre la Memoria





Meelodi - The Great Blue Wheel (2020)

Meloodi comenzó como un proyecto entre el dúo, con sede en Bergen, Ole Andre Farstad, músico y productor, y el pintor y cantante Medi Farmani, de Irán. En 2019, la cantante siria Nawar Alnaddaf se unió al proyecto, junto con un elenco permanente formado por los músicos Per Jørgensen, Snorre Bjerk y Anders Bitustøyl. En noviembre de 2020, la banda lanzó el álbum The Great Blue Wheel, al que el periódico Aftenposten se refirió como "la mejor sorpresa de invierno", y que marca una nueva era para Meelodi como banda.
En este su tercer álbum, se musicalizan poemas de grandes poetas persas como el matemático, astrónomo, filósofo y poeta persa Omar Khayyam; la poetisa, filósofa y pionera feminista Táhirih Qurrat al-´Ayn, y Nimá Yooshij, iniciador del movimiento literario de la nueva poesía.
Las amplias influencias de la guitarra de Farstad y su conocimiento práctico de instrumentos de cuerda de todo el mundo se encuentran con las interpretaciones de Farmani de la poesía persa en una colaboración verdaderamente intercultural, ampliada con las aportaciones de otras y otros artistas de Siria, Reino Unido, Senegal y Canadá. World Music sin pretensiones: una hermosa fusión de sonidos inspirados en África Occidental, México, Medio Oriente y Noruega, lograda con delicadeza y sensibilidad hacia las culturas.
La guitarra de Farstad funciona muy bien con la kora de Kadialy Kouyate, haciéndose eco de las colaboraciones de los grandes Ali Farka Touré y Toumani Diabaté, dando paso a la impresionante voz principal de Farmani mientras que ocasionalmente emergen los instrumentos como contramelodía. La percusión sutil sustenta los arreglos que también presentan los sonidos característicos de la nyatiti (lira de Kenia), la mohan veena (una guitarra deslizante parecida a la cítara), el banjo, el ngoni, el guzheng (cítara china), el oud y el saxo y más. Una mezcla embriagadora y perfectamente equilibrada.

facebook: Meelodi

tracks list:
01. Kolli
02. The Great Blue Wheel
03. Tahere
04. Musca Domestica
05. Moonbeams
06. Seven Thousand Years
07. Hell Bound
08. The Oxus





Maya Youssef – Finding Home (2022)

Finding Home es el segundo álbum de la artista siria y residente en el Reino Unido Maya Youssef, en el que trabaja a través de sentimientos de pérdida y destrucción hasta que su sonido alcanza un lugar más allá de la guerra y la violencia: la música como lugar de esperanza.
Maya Youssef comenzó a llamar la atención hace cinco años con su álbum debut Syrian Dreams. Presentó el qānūn como parte de un conjunto de música de cámara, con violonchelo y percusión. Syrian Dreams es simultáneamente un álbum virtuoso y melancólico, que pretende dar una respuesta musical a la guerra en Siria. Maya Youssef está convencida de que la música puede curar heridas y aliviar traumas. Esta convicción es algo que expresa no solo musical o verbalmente, como atestiguan sus conciertos y su trabajo teatral con la infancia refugiada de Siria.
En Finding Home, Maya Youssef está convirtiendo su trabajo por la paz en melodía: "La música se mueve a través de la pérdida, la trascendencia y la magia, con una llegada final a un lugar esperanzador", escribe en las notas. Hogar para ella, en tiempos de movimientos globales de personas refugiadas y actos de guerra, no significa necesariamente un lugar geográfico; es más un hogar espiritual y emocional, un lugar (a veces imaginario) de paz y ternura. Las personas pueden proporcionar un hogar, y también el mundo natural. El hogar original no volverá como se conocía, gran parte de la ciudadanía siria lo ha perdido sin siquiera tener la oportunidad de decir adiós. Y lo mismo ocurre ahora para cientos de miles de ucranianas y ucranianos, lo que significa que Finding Home es doblemente relevante en el mundo de hoy.
Un conjunto de cámara ampliado ayuda a Maya Youssef a explorar este tema. El conjunto incluye al pianista británico Al McSween, al bajista italiano de jazz Mikele Montolli, la violonchelista Shirley Smart, la percusionista venezolana Elizabeth Nott, y la Opera North´s Orchestra a las cuerdas.
Las nueve composiciones provienen de una imaginación libre que se alimenta tanto de fuentes árabes como del jazz occidental. Youssef construye música a partir de experiencias de dolor de maneras muy diferentes: la foto de una madre cargando a su hijo a través de una lluvia de bombas, se transforma en una improvisación digna que evoca la imagen de una madre acunando suavemente y cantando a su hijo, acompañada de violines que casi susurran. "In My Mother's Sweet Embrace" es también una conmovedora contemplación de la propia ausencia de su madre.
"An Invitation to Daydream" se inspira en las delicadas pinturas bidimensionales de la pintora libanesa Huguette Caland. En "Jasmine Bayati" expresa su anhelo por su ciudad natal de Damasco, cuyo símbolo es el jazmín, como una exuberancia de baile. El tiempo oscuro del covid se vierte en la melodía pacífica de "Silver Lining", que habla de una nueva y rebelde voluntad de vivir.
Algunos de los elementos más convincentes de este álbum son los pasajes en los que Maya Youssef se basa en formas árabes tradicionales, dándoles un nuevo escenario, como "Samai Of Trees". "Soul Fever" es otra canción inspirada en una obra de arte, "Unravelling" de Samira Abbasy, un retrato al carbón que hace referencia a la diva egipcia Oum Kulthum, y que proporciona el punto de partida para la canción, que se construye dramáticamente, llevada por una tensión ardiente y erótica.
En la balada "Walk With Me", Youssef juega con el diálogo entre qānūn y el cuarteto de cuerdas. Y "My Homeland", un himno de alabanza a Siria, que es al mismo tiempo un lamento, casi tiene el potencial de convertirse en una balada pop gracias a la pegadiza pero quejumbrosa línea de piano.
De la guerra y el desarraigo a un sentimiento diferente de hogar; de la pandemia y el confinamiento a un nuevo vigor. Finding Home es un viaje a menudo catártico hacia un mañana incierto lleno de desafíos. Desgarrador y electrizante, también ofrece ternura y calor, como un hogar.

Página web oficial: Maya Youssef

tracks list:
01. An Invitation To Daydream
02. In My Mother's Sweet Embrace (feat. Hamsa Mounif)
03. Samai of Trees
04. Jasmine Bayati: To An Earth Angel
05. Silver Lining
06. Lullaby: A Promise of a Rainbow
07. Soul Fever
08. My Homeland
09. Walk With Me (Quartet version)
10. Walk With Me (feat. Leo Abrahams)





Montparnasse Musique – Archeology (2022)

Underground a overground. Bosque a metrópolis. El norte de África y Sudáfrica, encontrándose, excavando, hallando oro en las vetas. En la intersección de las pistas de baile y el ritual, de la electrónica y la ceremonia, se encuentran tanto mundos antiguos como modernos. Otros mundos, donde las inhibiciones se desvanecen y las distorsiones del baile y el trance nos llevan más allá y muy lejos. Esto es Archeology, el asombroso álbum debut de Montparnesse Musique, envuelto en imágenes sorprendentes y editado por Real World Records. Un trabajo donde concurren los ritmos en vivo del África tradicional y urbana y los sonidos programados de la moderna Johannesburgo. Un sonido distintivo: salvaje a la vez que matizado, netamente panafricano.
Montparnasse Musique es la historia de dos productores que se conocieron en la estación de tren de Montparnasse en París. Es el equilibrio de dos sensibilidades distintas: la pasión del productor argelino-francés Nadjib Ben Bella por los ritmos orgánicos, y el amor por la síntesis del DJ sudafricano Aero Manyelo en el ámbito digital. Montparnasse Musique es una mezcla audaz de sabores frescos y procesados, la arena acústica del África tradicional combinada con el pulso de la moderna Johannesburgo: gqom, kwaito, techno, afrohouse.
En Archeology, el dúo transcontinental colabora con Project de Kenia (que rapea en swahili), y con las bandas congoleñas de Kasai Allstars (el cantante Muambayi), Konono Nº 1 (el vocalista e intérprete de likembe Menga Waku), Mbongwana Star, Basokin (el guitarrista Mopero Mupemba y Diesel Mukonkole a la percusión) y el cantante y multinstrumentista Cubain Kabeya, en pistas forjadas a partir de los ritmos tribales y las voces místicas de las selvas tropicales de Kasai, amplificadas por el rugido agresivo de los instrumentos forjados a mano del desierto urbano de Kinshasa, y aumentado con la precisión resbaladiza de las herramientas electrónicas.
El resultado final es una evolución inevitable de Congotronics. Pero hay más, mucho más. En cada escucha de Archeology se descubren nuevas texturas en la unión de lo tradicional y lo electrónico que hablan musicalmente al cuerpo. Y, como señalan los propios Ben Bella y Manyelo, "estamos enviando paz, amor y buenas vibraciones a toda África".
Para saber más: "Archeology" – Montparnasse Musique

Página web oficial: Montparnasse Musique

tracks list:
01. Bonsoir (feat. Muambuyi & Mopero Mupemba)
02. Malele (feat. Menga Waku)
03. Luendu (feat. Muambuyi & Mopero Mupemba)
04. Badarou
05. Kamoulan (feat. Muambuyi, Mopero Mupemba & Amar Chaoui)
06. Mwangaza (feat. Project, Muambuyi, Mopero Mupemba & Cubain Kabeya)
07. Bonjour (feat. Muambuyi & Mopero Mupemba)
08. Makonda (feat. Menga Waku)
09. Plowman (feat. Cubain Kabeya)
10. Panter (feat. Muambuyi & Mopero Mupemba)
11. Chibinda Ilunga
12. Muparue (feat. Cubain Kabeya)





Sona Jobarteh - Badinyaa Kumoo (2022)

Badinyaa Kumool es el esperado último trabajo de la virtuosa de la kora Sona Jobarteh, un precioso y vigoroso tributo a su Gambia natal y a sus gentes de una de las grandes artistas africanas que rompieron la tradición patriarcal que impedía a las mujeres interpretar instrumentos reservados en exclusiva a los hombres.
Respetada durante mucho tiempo como la primera kora femenina de éxito internacional, hace más de una década desde el último álbum de Sona Jobarteh, cuando hizo un tardío debut en solitario con Fasiya de 2011. Parte de "su" forma de ser artista y música es el canto, que ha hecho componente integral de sus actuaciones. El valor de estos cánticos también radica en el idioma en el que se cantan, en mandenká o mandinga. Una elección hecha para promover los idiomas locales y la identidad cultural, una misión a la que ha dedicado gran parte de su tiempo fundando, para ello, The Gambia Academy, descrita (nada menos) como "el modelo para un nuevo sistema educativo africano".
Como señala la propia Jobarteh, "Badinyaa Kumoo significa ´palabras de unidad´. Pero esta traducción es un compromiso. Fasiya tenía que ver con la herencia cultural que proviene del padre, mientras que Badinyaa trata sobre la madre, o más bien el concepto mucho más amplio de la maternidad y lo que representa simbólicamente la madre en una comunidad. Se refiere a la unidad, a ese sentimiento único que existe entre las y los descendientes de una misma madre. Era culturalmente relevante en la sociedad griot y lo sigue siendo hoy, aunque el contexto haya cambiado: ya no estamos en un pueblo, sino que somos ciudadanía del mundo, seguimos siendo parte de una empresa. Badinyaa enfatiza la importancia de encontrar formas en las que podamos lograr ese sentido de unidad."
Badinyaa Kumoo está repleto de excelentes nuevas composiciones en las que canta en mandinga mientras la instrumentación occidental se mezcla a la perfección con el djembé y el calabash y su gloriosa interpretación de la kora.
Grabado en casa en Gambia, en hoteles y estudios en París y Dakar y en una habitación en Nueva York, Sona también toca el bajo, la guitarra y el violonchelo. No obstante, este no es un álbum de fusión sino más bien un disco lleno de tradición africana sutilmente aumentada por elementos globales. Su elección de colaboradores también es ecléctica. "Kambengwo" es un himno al mbalax, al panafricanismo, y cuenta para ello con el propio Youssou N'Dour; con Ballaké Sissoko hace un memorable dúo de kora titulado "Ballaké", en su honor. El cantante yemení Ravid Kahalani agrega su inquietante voz a "Kafaroo", y el temperamental saxo de Kirk Whalum se escucha en "Nna Mooya".
Badinyaa Kumoo está llamado a convertirse en otro clásico de Sona Jobarteh, un equilibrio único entre la preservación de su rico patrimonio cultural y un estilo moderno y accesible que se relaciona con la era actual y con audiencias de todo el mundo. En el corazón de su éxito, su activismo por el continente africano.

Página web oficial: Sona Jobarteh

tracks list:
01. Musolou
02. Dunoo (feat. Musa Filly Jobarteh)
03. Kambengwo (feat. Youssou N'Dour)
04. Ballaké (feat. Ballaké Sissoko)
05. Fondinkeeya
06. Kafaroo (feat. Ravid Kahalani)
07. Ubuntu
08. Gambia
09. Nna Kangwo (feat. Jock Webb)
10. Nna Mooya (feat. Kirk Whalum)
11. Meeya
12. Taariko (feat. Zihirina Abdoulahi Maiga)







Souad Massi – Sequana (2022)

A menudo considerada la voz femenina más bella del norte de África, Souad Massi ha forjado su reputación a lo largo de una carrera que abarca más de 20 años. Impulsada por una determinación inquebrantable de hablar de lo que más valora (la libertad y la justicia) sus canciones están impregnadas de amor, altruismo y valentía, con una voluntad constante de erradicar la intolerancia. Se ha dicho que es la Tracy Chapman del Magreb. Lejos de la ola de ruptura del raï, Souad Massi, inspirada en sus raíces y con la guitarra colgada al hombro, trajo un nuevo sonido a la música argelina.
Sequana es el décimo álbum de Massi, producido por el guitarrista británico Justin Adams. Si sus discos anteriores estaban caracterizados por el folk y el chaabi, su abanico musical se expande para incluir sonidos del Sahel, el Caribe y Brasil, pero siempre manteniendo el sello de identidad de sus orígenes bereberes. Entre las y los artistas invitados se encuentran el cantautor Piers Faccini y la flautista Naïssam Jalal.
Souad Massi continúa su camino como una mujer comprometida y liberada que canta sobre las cosas que le importan: los problemas sociales, las relaciones humanas, el exilio y la relación de lo humano con la naturaleza; de ahí las dos margaritas en los ojos de la portada del disco. Sobre el respeto a la naturaleza habla "Dib El Raba", nos explica Souad: "En marzo, en Argelia, es la época de las lluvias, y todo cambia constantemente, la vida misma es así, caprichosa, llena de asombro. Dib El Raba es una metáfora de la transformación, cardos en rosas, mentiras en castigos, lobos solitarios en manadas beneficiosas". Su suave voz se completa con el mandole argelino, aportando su característico sonido.
"Dessine-moi un pays" es una canción acerca de las personas refugiadas que huyen de los regímenes totalitarios, y está impregnada de influencias del norte de África, con un cuarteto de cuerdas que se balancea, pero luego viene chanson, rock, bossa nova y country, todo con un telón de fondo fluido de guitarras de Adams.
"Une Seule Etoile" (sobre un texto de Michel Françoise y música de Hassan Bendjael) señala los signos de esperanza para Argelia, basada en una escenografía musical intercultural que borra el orgullo, ve lo esencial y acoge a cualquier persona independientemente de su origen. Por su parte, "Mirage" es un trance sahariano sobre el exilio ("mis heridas nunca sanarán") que encuentra la redención a dúo con el invitado Piers Faccini.
"Sequana" expresa angustia por la difícil situación de la adolescencia de hoy, implorando a la diosa del Sena Sequana, que vigila sus manantiales de agua dulce, que les preste su ayuda. La canción más sorprendente del álbum, "Twam", es un estudio furioso y palpitante sobre la esquizofrenia y una mujer "perdida y sin un alma que la acompañe" para quien "la locura se ha apoderado de la razón". Es un recordatorio de que Massi tocó una vez en una banda de rock, de vuelta a Argel, y presenta a Adams tocando la guitarra eléctrica y la percusión bendir.
El dolor del romance roto es profundo en "Ciao bello" y en "Ch´ta", pero en "L´Espoir" la esperanza brota eternamente. Y el final "Víctor (Le Son de la Main)" es un recuerdo de los horrores de las dictaduras, un homenaje a ese gran cantautor Víctor Jara, quien fue torturado y asesinado por el régimen de Pinochet en Chile en 1973.
Sequana es una incorporación imperdible al extraordinario catálogo de Souad Massi.

Página web oficial: Souad Massi

tracks list:
01. Dessine-moi Un Pays
02. Une Seule Etoile
03. Mirage (feat. Piers Faccini)
04. Hurt
05. Dib El Raba
06. Ciao Bello
07. Sequana
08. Twam
09. Ch´ta
10. L´Espoir
11. Victor (Le Son de la Main)





Valeria Castro – chiquita (2021)

Con una sensibilidad única, una estética cuidada y una identidad marcada por la evocación del folclore, Valeria Castro, una de las promesas femeninas más importantes del momento en Iberoamérica, presenta su primer EP chiquita, una recopilación de canciones que escribió con afecto y cuidado desde "chiquita", cuando empezó en el mundo de la música.
Una guitarra y una voz dulce, capaz de las escalas más delicadas, han hecho de Valeria Castro un fenómeno emergente con epicentro propio en la música de autor/a española. Letras sensibles y exquisitas cargadas de memoria y honestidad acompañan a un sonido impregnado de la herencia musical que se entrelaza con la música folclórica de las islas Canarias.
Dándose a conocer en redes sociales con un perfil autogestionado de versiones en acústico, poco a poco fue creciendo y dejando ver su talento como cantautora para, de mano de Warner Music Spain, lanzar un proyecto en homenaje a las canciones que marcaron los 90 y 2000 en España. Tras la cálida acogida de las versiones, llegando a conseguir con alguna los nueve millones de reproducciones en Spotify, publica su EP con temas propios.
En chiquita, Valeria (originaria de La Palma) nos muestra su talento como compositora, siempre acompañada por su músico Alberto Torres con la guitarra, el violín y la percusión, y que produce junto a Nacho Mur. Tres singles como carta de presentación que han cautivado corazones: "guerrera", un canto a la sororidad y el empoderamiento; "ay, amor", que trata de darle voz al drama de la migración y el exilio, y "la corriente", bañada de los sonidos de su "isla bonita" sobre el devenir constante del tiempo.

Página web oficial: Valeria Castro

tracks list:
01. ay, amor
02. la corriente
03. guerrera
04. culpa
05. cuídate
06. cómo te voy a olvidar
bonus track: poquito (2022)





Amélia Muge – Amélias (2022)

Maria Amélia Salazar Muge, o sencillamente Amélia Muge, es una cantante y compositora portuguesa (nacida en Mozambique) que lleva una vida entera entregada a la música y a la difusión de los valores culturales de Portugal: su timbre vocal parece estar hecho para el fado y la música popular portuguesa. Artista de fina sensibilidad e incomparable voz, Amélia Muge ha sabido conquistar su espacio de forma ecléctica, haciendo reinterpretaciones que van desde las raíces de la música tradicional, pasando por los desafíos de la fusión multicultural hasta los lenguajes más contemporáneos.
Pionera en el canto individual con ambientes vocales, Muge ha sabido desarrollar potencialidades tímbricas en interacción de muestras hechas con su voz, siendo este componente el que ha utilizado regularmente en su mayoría de obras.
Su primer disco Múgica se publicó en 1992, producido por Antonio José Martins, al que seguiría dos años después Todos os Dias, producido por José Mário Branco, con quien firmaría en 1995 el espectáculo Maio Maduro Maio recogido en disco y con la participación de João Afonso, en homenaje a Zeca.
En 2006 formó parte del proyecto "Cantos na Maré", y dos años después presentó el espectáculo Uma Autora, 202 Canções. Con el griego Michales Loukovikas produjo Periplus Deambulações Luso-gregas, nominado en el Premio Autores de la Sociedad Portuguesa de Autores en la categoría de Mejor Álbum de 2012. Ha recibido dos veces el Prémio José Afonso concedido por el Ayuntamiento de Amadora, por sus trabajos Taco A Taco (1998) y Maio Maduro Maio. De 2014 es su disco Amélia Com Versos de Amália, presentando en 2018 el álbum Archipiélagos – Passagens.
A lo largo de su trayectoria musical, Amélia Muge ha trabajado con artistas de diferentes disciplinas. Poetas como Cesário Verde, Fernando Pessoa o pintores como Grabato Dias (António Quadros) tienen cabida en su obra. Ha escrito canciones para Pedro Moutinho, Rui Júnior y Cristina Branco, y ha colaborado musicalmente con Júlio Pereira, Amancio Prada, Ray Lema, Mafalda Arnauth y Uxía, entre otras.
Amélias es su último trabajo, donde da continuidad a su voz musicalizada con sus otras diversas voces que forman la base del acompañamiento, en un resultado inesperado, sorprendente y único. Es un homenaje a la riqueza del canto colectivo femenino, en gran parte a capela, trayendo recuerdos sonoros de esta primigenia expresión vocal, en una lectura más contemporánea que no remueve su raíz común, revisitando otros y nuevos enfoques.
El componente visual siempre ha sido un elemento fundamental en su trabajo, incluyendo en este CD una colección de 13 postales que ilustran las canciones, lo que convierte a Amélias en un trabajo exquisito, digno de recreo y disfrute.

Página web: Amélia Muge

tracks list:
01. Se a vida é pintura
02. Meu coraçao emigrou
03. Chove muito, chove tanto
04. O tempo arrefece
05. D. Falçao
06. Às portas do céu
07. A prenda dos amantes
08. Fica mais um bocadinho
09. Un recuerdo
10. Diferente
11. Santa Engrácia
12. Versão condensada do nascimento dos desertos
13. As alcaparras





Lido Pimienta – Miss Colombia (2020)

El último álbum de Lido Pimienta, Miss Colombia, cuenta con 11 canciones nuevas y originales que celebran audazmente la extática hibridez musical de electrónica y cumbia de Lido, siendo a la vez desafiante y delicada, exploratoria y confrontativa, como ya estableciera en sus dos primeros álbumes, Color, lanzado en 2010, y La Papessa (ganador del Premio Polaris 2016 como álbum canadiense del año).
Una escena absurda en vivo y en directo, como de telerrealidad, en la final del concurso televisado de Miss Universo de 2015, y las reacciones derivadas de ello fueron el detonante de este disco: en lugar de mencionar a la representante de Filipinas como ganadora, el presentador se equivoca nombrando a la concursante colombiana; enmendado el error, la ola de mensajes de odio, burla y racismo desde Colombia hacia el presentador y la ganadora hizo que la artista se cuestionara sobre lo que implica ser colombiana y sobre el trato que recibe de su país por ser mujer, por ser migrante, por ser negra, por ser indígena wayuu, por ser iconoclasta.
La ola de odio racial que aquello despertó en su país llevó a pensar a Pimienta, feminista afro-indígena, en todo lo que le distanciaba de sus compatriotas. Si no se identificaba con esa oleada de odio, ¿seguía siendo realmente colombiana? Eso la llevó a reflexionar sobre su doble condición de expatriada, y a establecer un diálogo consigo misma sobre cómo, pese a amar Colombia, su cultura y su folclore, dándole además difusión en el hemisferio norte, se sentía mucho más identificada con los valores morales de su nuevo país. Rechaza el racismo –que ella misma, con sangre indígena y africana, había experimentado–, la violencia indiscriminada y como modo de vida, el sexismo, la LGBTIfobia y la desafección de la clase política colombiana para con las y los más desfavorecidos y, aun así, estar visceralmente unida a él.
Grabado en su estudio casero, con algunos registros adicionales realizados en la histórica ciudad colombiana de San Basilio de Palenque, todas las canciones de Miss Colombia fueron escritas y arregladas por Lido, coproduciendo el álbum con Matt Smith, también conocido como Prince Nifty.
Musicalmente profundiza en la historia de las músicas afrolatinas, desde el Palenque hasta la cumbia, estilos que Lido abrazó después de participar con el Sexteto Tabalá, uno de los colectivos artísticos más representativos de las comunidades africanas en Colombia (que también aparecen en el álbum). El disco también cuenta con Li Saumet de Bomba Estéreo.
La ascendencia y el mestizaje exaltados por la autora, afincada en Canadá desde 2005, se acentúan con aspereza en la portada, que hace juego con el título del álbum. En ella, por cuenta de la fotógrafa Daniela Murillo, Lido Pimienta encarna a una suerte de santa o reina, o ambas, en un altar color pastel que remite a los retablos sincréticos y populares de la América hispanizada y evangelizada.
La segunda mitad de Miss Colombia es una reafirmación valiente de la herencia cultural recibida por Lido. En el preludio a la canción "Quiero que me salves", el maestro cantor Rafael Cassiani Cassiani narra el origen del Sexteto Tabalá, agrupación legendaria de la música caribeña colombiana oriunda de Palenque de San Basilio –el primer pueblo negro libre de América– que, enseguida, acompañan a la cantante en la canción del mismo nombre. "Pelo Cucú" es una exaltación del pelo de los afrodescendientes y cuenta con el respaldo vocal de las cantaoras del Grupo Raíces de Palenque.
Antes del epílogo, el álbum concluye con "Resisto y ya", una invitación festiva, bailable y sencilla a salir al encuentro y a celebrar el cambio a pesar de quienes se oponen a la transformación de la sociedad y el cambio de paradigmas por cuenta de las personas marginadas.

Página web oficial: Lido Pimienta

tracks list:
01. Para transcribir (SOL)
02. Eso que tú haces
03. Nada (feat. Li Saumet)
04. Te quería
05. No pude
06. Coming Thru
07. Quiero que me salves (Preludio feat. Rafael Cassiani Cassiani)
08. Quiero que me salves (feat. Sexteto Tabala)
09. Pelo Cucú (feat. La Burgos)
10. Resisto y ya
11. Para transcribir (LUNA)





Gérald Toto – Sway (2018)

Cantante, guitarrista, arreglista y compositor antillano residente en París, Gérald Toto es conocido, sobre todo, en calidad de vocalista, por su modulación dulce, su llamativo falsete y su ambigua tonalidad oral. En más de una ocasión ha sido comparado con Caetano Veloso. Su música está influida por la estética criolla, pero también por el neo-soul, el R&B, el pop, el jazz, el folk y la música caribeña. Un artista recomendable para quienes disfruten con el folclore africano, especialmente aquel desprovisto de clichés y más abierto a tendencias contemporáneas, con predilección por los sonidos negros.
La última vez que escuchamos a Gérald Toto fue en el sublime álbum Bondeko, grabado con sus compañeros de viaje Lokua Kanza y Richard Bona, cuyo "telón de fondo de ensueño" e "inmaculadas armonías dulces" llevaron a comparar al trío con "un Crosby, Stills y Nash africanos".
Sin embargo, ese trabajo fue, simplemente, el capítulo más reciente de una carrera de impresionante pedigrí. Francés de origen antillano, su familia era apasionada amante de la música y el hogar en el que creció vibraba con los sonidos del soul estadounidense, la música dance afrocaribeña, el zouk congoleño y el makossa de Camerún.
En la década de 1990 se sumergió en el underground francés como un audaz aventurero de la world music. Además de sus propios álbumes atmosféricos y experimentales, ha trabajado con artistas tan diversos como el cantante de raï argelino Faudel, los hipsters parisinos Nouvelle Vague y el electrofuturismo oriental del tunecino Smadj.
Lo más significativo de todo es que en 2004 se relacionó por primera vez con el cantante congoleño Lokua Kanza y la estrella camerunesa de afro-jazz Richard Bona, una feliz unión que condujo al álbum colaborativo Toto Bona Lokua. El disco causó sensación y se convirtió en un clásico, fruto de su profundo espíritu panafricano y sus excelentes armonías vocales. Las prósperas carreras en solitario de los tres significaron que pasaron más de una docena de años antes de que encontraran una ventana en sus agitadas agendas para ir al estudio a grabar una continuación (Bondeko, 2018).
Las canciones de Sway (2018) no gritan ni buscan impresionar. Como toda la buena música, se insinúan silenciosamente con una sutileza benévola y seductora. Suave y melodiosa pero ágil y llena de matices audaces, la música que Toto hace en Sway nos lleva en un viaje imaginario a un mundo que tiene tiempo para detenerse y mirar, y donde el frenético estruendo de la modernidad se reduce a un murmullo, sus canciones parecen punteadas de un cuenco de aire fresco y sol mientras envuelven a la persona oyente en una dulce caricia de ensueño atemporal.
Los temas de Sway rechazan la categorización simple, un crisol cultural de folk acústico, jazz, soul, pop y blues con fronteras cosmopolitas que abarcan sabores criollos y caribeños. Grabado y producido por el propio Gérald Toto, "My Girlfriend" (coescrita con Jule Japhet) es un dulce romance teñido de samba; "Away Alive" flota en la etérea ligereza del ser; en "Umbaka" juega con un doo-wop futurista.
"Sway" nos invita a disfrutar de un ritmo diáfano y salpicado de luz. "You Got Me" nos mueve al ritmo de un jazz-blues sincopado. "Let It Blow" (escrito con Alice Orpheus) es un inquietante dream-pop que desafía la gravedad, mientras que los ritmos electrónicos de "It's a Love Pain" emocionan; "The Night Is Coming" (con su ambientación electrónica) y "Dutiful Love" (en el que se mueve al son de la guitarra acústica del blues) cierran Sway que, como su título indica, nos invita a movernos al ritmo suave de la vida.

Página web oficial: Gérald Toto

tracks list:
01. Alger 69
02. Day by Day
03. My Girlfriend
04. Away Alive
05. Umbaka
06. Sway
07. You Got Me
08. Let It Blow
09. It´s A Love Pain
10. The Night Is Coming
11. Dutiful Love





Lúcia de Carvalho – Pwanga (2022)

En una aldea remota de Angola, un grupo de campesinas posan para una foto de despedida. Se ven tristes pero las caras serias solo se deben a la solemnidad del momento. El fotógrafo no habla su idioma. Le pide al traductor las palabras mágicas para hacerlas sonreír antes de presionar el disparador de la cámara. "Pwanga ni Puy?" ¿Luz u oscuridad? Y los rostros de las mujeres se iluminan con una amplia sonrisa: "Pwanga!"
Esta es la historia detrás de "Phowo" (Mujer), uno de los temas de Pwanga (Luz), el título del tercer álbum de Lúcia de Carvalho, grabado y mezclado por Jean Lamoot (Mano Negra, Noir Désir, Souad Massi) entre Francia, Brasil y Angola.
África y Brasil están en Pwanga, formando el corazón de Lúcia que vive y escribe al son del tambor, encontrando palabras, melodías y ritmos en un mismo impulso; un diamante en bruto que su cómplice (Edouard Heilbronn) pule, enriqueciendo las armonías y la imaginería sonora y convirtiendo las canciones del álbum en películas de viajes.
Carvalho une la dulzura al poder, el significado a la esencia, la luz a las raíces profundas de un árbol nacido en África, cuyas ramas abrazan el mundo, cuyas flores aparecen como 13 cantos conmovedores y soleados. Tardó en darse cuenta, pero su propio nombre proclama su vocación y lo ha hecho bien desde el principio. Lúcia, "luz", de Carvalho, "el roble" en portugués: la fuerza del árbol. Una revelación que resume acertadamente su búsqueda poética y humana: "arraigar la luz".
Hay una magnífica unidad en el conjunto de temas, bastante sorprendente teniendo en cuenta que canta en seis idiomas y combina una variedad de estilos, incluidos samba, semba, afrobeat, rap, rock, reggae, funk y pop latino. Todo surge del sentido de Carvalho de su propia identidad a partir de tantas piezas: nacida en Angola, pasó parte de su infancia en un hogar infantil portugués y, posteriormente, fue adoptada por una familia francesa; a los 16 años se unió a un conjunto brasileño y actuó con ellos durante una década, convirtiéndose en la vocalista principal, antes de lanzarse en solitario como cantautora. El autorretrato que finalmente compone muestra unas raíces angoleñas, un tallo portugués y unas flores brasileñas, nutridas en suelo francés.
Colaboran en el disco el ilustre cantante brasileño Chico César, la potente y cálida voz de la cantante Anna Tréa, y dos veteranos de la música angoleña: el percusionista Galiano Neto y el productor-guitarrista Betinho Feijo, conocidos por su larga trayectoria junto al gran Bonga Kwenda. Mientras que el virtuoso Zé Luis Nascimento (Mayra Andrade, Ayo, Cesária Évora) supo realzar la esencia de cada tema con su original y variado vocabulario moviéndose entre percusiones brasileñas, orientales y occidentales. Más de treinta artistas la acompañan, sin olvidar la preciosa participación de las mujeres campesinas de Mumanga (Angola) en "Phowo" (a quienes rinde tributo). Sonido y luz en abundancia de colores.

Página web oficial: Lúcia de Carvalho

tracks list:
01. Somahaka (feat. Sañaelle)
02. Desperta (feat Chico César)
03. Maria
04. Yallah (feat. Anna Tréa)
05. Humano
06. PRKTCRACIA
07. Dentro
08. Buoy!
09. Harmony
10. Tristeza
11. Saeli
12. Phowo
13. Happiness





María Peláe - La Folcrónica (2022)

María Peláe es un ser de luz, andaluza y flamenca como sello de identidad, una de esas personas que tiene en la sonrisa su escaparate y que irradia optimismo y alegría a raudales independientemente de que la olla de papas, a las que tanto hace referencia, hierva con más o menos entusiasmo. Su música se caracteriza por sus letras comprometidas y cargadas de crítica social, vivencias personales y, por supuesto, con una buena dosis de picaresca y tintes lorquianos. El "sonido Peláe" toca palos del flamenco (con su rapeo) y sonidos latinos con ritmos urbanos.
Han pasado 5 años desde su primer disco de estudio Hipocondría, el cual fue financiado a través de una campaña de Crowfdunding. Con un largo camino en la música, de más de doce años, María ha obtenido numerosos reconocimientos y premios como cantautora.
La Folcrónica esta coescrito con su inseparable Alba Reig (Sweet California), que realiza una magnífica producción en la que también participan otros productores como Riki Rivera y Allnightproducer desde Barcelona. "Hecho como un buen potaje, a fuego lento y con amor", como señala la artista, el disco cuenta con grandes colaboraciones de "mujeres de arte" (como ella las llama): Sandra Carrasco, Las Niñas, Pastora Soler, Nia y Vanesa Martín.
En "La Confesión" pone la mira en uno de los pecados capitales, la lujuria. El punteo de la guitarra conduce a la corriente más flamenca de la cantante en "Por si te vas", el abrazo de la cantautora hacia el amor propio, los coros y las palmas de Riki Rivera entonan la reconciliación con una misma tras una mala relación. La ironía llega al álbum de la mano de "Y quién no". El estilo Peláe reina en la producción entrelazando los sonidos más actuales con el folclore, recayendo el pregón de la malagueña sobre el uso excesivo de las redes sociales para tratar de aparentar a través de ellas.
Con la cantaora Sandra Carrasco interpreta "Te espero en jarra", historia reivindicativa y autobiográfica en la que mira desafiante a los haters "esperándolos en jarra", "Qué fácil es saltarse las alarmas sin el foco en tu cara". "Cuéntale" celebra la vuelta de Las Niñas. El flamenco-funky siembra la esencia del grupo, el que más ha hecho mella en la artista, según sus declaraciones. Alba Molina, Aurora Power y Vicky Luna vuelven a la música, tras quince años, por la puerta grande.
"La Quería" cuenta con Pastora Soler, una invitada con la que rinde honor al lado más elegante del despecho. Tras el flamenco, su fusión funky y los ritmos urbanos, María vuelve a sorprender con la salsa producida por Riki Rivera e interpretada por Nia Correia en "Cómo están las cosas", reproche e ironía visten los compases latinos del tema.
"Que vengan a por mí" quizás sea el tema que más conecta con la raíz de cantautora de la artista, la vuelta a sus inicios a base de voz y guitarra. Este tema es un paso al frente para reivindicar la libertad frente al acoso de la ultraderecha a las y los profesionales que trabajamos por el feminismo y el respeto a la diversidad, "Que apunten mi nombre, soy la primera de su lista, La cara roja, el nudo en esta voz, pañuelo lila". Siguiendo la misma línea vindicativa, apegado a sonidos urbanos llega "Mi tío Juan", haciendo referencia a aquellas personas que no han podido vivir su vida como realmente quieren por la LGBTIfobia.
"Historia de vida" es un precioso bolero que interpreta junto a Vanesa Martín, una vuelta de tuerca del amor a la realidad, y su viaje por las diferentes etapas de la vida. "La Niña" no podía quedar fuera, guasa e ironía para una historia con tintes autobiográficos, las dificultades para visibilizar el lesbianismo en determinados entornos. Y "Tanguillo del desahogo" cierra el disco, una de las canciones que más evidencian su admiración por Lola Flores.
En definitiva, con La Folcrónica María Peláe abre las puertas hacia una evolución que la ha hecho crecer sin olvidar su raíz de cantautora de las que fueron testigos las primeras salas de sus conciertos. Reivindicación, crítica social, empoderamiento, amor y despecho, abarcando una influencia de vertientes musicales con un trabajo hecho con cuidado y esmero en su concepto y dirección artistica. Un disco redondo.

Página web oficial: María Peláe

tracks list:
01. La Confesión
02. Por si te vas
03. Y quién no
04. Te espero en jarra (con Sandra Carrasco)
05. Cuéntale (con Las Niñas)
06. La Quería (con Pastora Soler)
07. Cómo están las cosas (con Nia)
08. Que vengan a por mí
09. Mi tío Juan
10. Historia de vida (con Vanesa Martín)
11. La Niña
12. Tanguillo del desahogo





AMMAR 808 – Global Control / Invisible Invasion (2020)

El álbum anterior de AMMAR 808, Maghreb United (2018), una poderosa mezcla de graves TR-808 y ritmos y voces panmagrebíes, recibió elogios generalizados de la crítica y sacudió las pistas de baile en toda Europa, el norte de África y más allá. En esta ocasión, Sofyann Ben Youssef (el productor detrás de AMMAR 808) se marchó hasta la región Tamil Nadu en el sur de la India con el fin de registrar en la ciudad de Chennai, con su equipo, las bases de este trabajo fascinante en el que amalgama los ritmos de trance de los templos hasta las músicas urbanas y la electrónica más avanzada. El resultado sonoro es una pócima sonora rítmica y futurista que contagia y transporta.
"Cuando tenía 20 años fui a Delhi y estudié durante meses", explica el artista tunecino. "Aprendí a tocar el sitar y tabla e hice muchas grabaciones, comencé a absorber la cultura, a aprender. El hinduismo tiene un panteón de dioses, y muestra una cultura de libertad diferente. Después de 2011 y el inicio de la Primavera Árabe en Túnez, en mi tierra natal, me pregunto cada vez más sobre la libertad y mi propia identidad". La respuesta musical la iría a buscar tras experimentar en el trabajo anterior con voces y ritmos de la región norteafricana del Magreb, Maghreb United (2018).
"Pasé 24 días allí", recuerda. "Encontré a cantantes y músicos increíbles a través de un hombre llamado Paul Jacob. Él es dueño del estudio donde trabajé, y él mismo es músico y productor, y conoce las historias y sus gentes". La mitología y la tradición recorren todo el álbum que, contrario a lo que podría parecer (fue publicado justo en el comienzo de la pandemia mundial) el título no hace referencia al Covid-19, "para mí, en el sistema de creencias hindú, la invasión invisible ocurre en el cerebro, el alma. Somos invadidos sin siquiera verlo externamente, y este sistema decreta nuestro destino. Y por lo general lo aceptamos, en lugar de luchar contra él".
El virus nos arrojó a un universo distópico. Esta realidad no difiere a partes de la mitología hindú. A veces, señala, "algunas de las historias son como una película de ciencia ficción... llena de historias de guerras globales, dioses con máquinas voladoras y armas divinas y eventos de nivel de extinción... una historia sutil y misteriosa de la humanidad". "Ey paavi", por ejemplo. Proviene del Mahabharata, uno de los grandes relatos épicos en sánscrito de la India, compuesto hace más de 2000 años. La canción relata un episodio de enfrentamiento y destrucción entre Bhima y Duryodhana; es casi como escuchar la retórica de algunos líderes hoy en día, pero procede directamente del folclore, del teatro en la calle.
La mitología y la tradición recorren todo el disco. "Mahaganapatim" es otro tema dedicado al dios Ganesha, por ejemplo, mientras que las canciones "Marivere gati" y "Pahi jagajjanani" tienen sus raíces en la historia del sur de la India. AMMAR 808 vincula el sentido de lo que ha sido con lo que será. Mito antiguo conformado por electrónica pulsante y expansiva. El pasado recibiendo un reinicio estimulante y caleidoscópico.
Global Control / Invisible Invasion también es un álbum de canciones, algunas en el idioma tamil, dada la tradición vocal que es el hilo principal de la música carnática (a diferencia de la música del norte, que es en gran parte instrumental). Asimismo, es un álbum deliberadamente percusivo, otro reflejo de la propia India. Una gran producción, beat electrónico encajado con la milenaria sabiduría oriental.

Página web oficial: Sofyann Ben Youssef

tracks list:
01. Marivere gati (feat. Susha)
02. Ey paavi (feat. Kali Dass)
03. Mahaganapatim (feat. K.L. Sreeram)
04. Duryodhana (feat. Thanjai Nayandi Melam)
05. Geeta duniki (feat. Susha)
06. Arisothari yen devi (feat. Kali Dass)
07. Pahi jagajjanani (feat. Susha)
08. Summa solattumaa (feat. Yogeswaran Manickam)





AMMAR 808 – Maghreb United (2018)

Detrás de AMMAR 808 está Sofyann Ben Youssef, la mente sónica detrás de la sensación tunecina Bargou 08 y su monumental disco Targ (2017). Con Maghreb United los graves de la TR-808 se encuentran con ritmos panmagrebíes, voces atemporales y visiones futuristas. Se trata al mismo tiempo de una llamada a la acción que cuestiona los convencionalismos políticos en el norte de África y una reinvención electrónica radical del misticismo y fantasías folclóricas del Magreb.
AMMAR 808 y el proyecto someten la tradición musical de países como Marruecos, Argelia o Túnez, a una fuerza reactiva y electrizante, escribiendo su propia historia a base de ritmos palpitantes y la reinvención estética y sonora de sus raíces. A Youssef le acompañan The Maghreb United: Cheb Hassen Tej (Túnez), Sofiane Saidi (Argelia) y Mehdi Nassouli (Marruecos), voces que ayudan a articular uno de los proyectos electrónicos más vibrantes del presente del continente vecino. Con canciones de las historias del targ, gnawa y raï, y una TR-808 junto a un gembri distorsionado (interpretado por Nassouli), una flauta gasba y una gaita zokra (Lassaed Boughalmi), Maghreb United se extiende para abarcar toda la zona norteafricana.
"En el pasado, el Magreb era una región enorme, pero muy diversa dentro de sus fronteras. Pero hoy, el mundo mantiene a cada persona separada. El álbum no trata tanto de una región magrebí unida, sino de cómo podemos conectarnos mientras observamos nuestras diferencias (nuestras diferencias son también nuestra conexión) y las usamos para unirnos como humanos... Cuando hablas de los problemas de hoy, ya es demasiado tarde. La gente habla de lo que debería ser, cuando necesitas proyectar sobre el futuro", dice AMMAR 808.
Y con Maghreb United eso es exactamente lo que hace. Es la gran reinvención de la música de una región. Es una llamada a la acción. Es el futuro, ahora mismo.

Página web oficial: Sofyann Ben Youssef

tracks list:
01. Degdega (feat. Sofiane Saidi)
02. Sidi kommi (feat. Mehdi Nassouli)
03. Ain essouda (feat. Cheb Hassen Tej)
04. El bidha wessamra (feat. Cheb Hassen Tej)
05. Layli (feat. Mehdi Nassouli)
06. Alech taadini (feat. Cheb Hassen Tej)
07. Ichki lel bey (feat. Cheb Hassen Tej)
08. Kahl el inin (feat. Sofiane Saidi)
09. Boganga & sandia (feat. Mehdi Nassouli)
10. Zine ezzine (feat. Sofiane Saidi)





Urban Village – Udondolo (2021)

Con los pies en la tradición y la mirada en el futuro, los cuatro músicos de Urban Village se propusieron crear conciencia sobre la cultura y la historia del municipio sudafricano de Soweto, la ciudad dormitorio diseñada por el régimen del apartheid que se convirtió en el hogar de personas de todo el país, trayendo consigo sus diversas identidades culturales y musicales. Urban Village encarna esta historia, y nos plantean en su último trabajo Udondolo (Walking Stick) una cuestión no sólo musical sino identitaria, se inspiran en su educación en Soweto y construyen su imaginario a partir de la idea cuasi romántica de la vida en los entornos rurales.
Urban Village se formó en 2013 cuando el líder de la banda, el guitarrista Lerato Lichaba, se asoció con el vocalista y flautista Tubatsi Mpho Moloi (que también interpreta la mbira), el baterista Xolani Mtshali y el bajista Simangaliso Dlamini. Todos nacieron en Soweto en los últimos días del apartheid, y la historia de Urban Village es una de encuentros fortuitos y valores compartidos.
Lichaba es un ex alumno de Bantu Continua Uhuru Consciousness (BCUC), el colectivo de vanguardia de Soweto que toca "futuro pop afropsicodélico" y canta en los once idiomas oficiales de Sudáfrica. Naturalmente curioso, un día Lichaba se encontró con músicos zulúes mayores que tocaban maskandi en una esquina de Soweto. Lichaba se inspiró para comenzar a mezclar este maskandi de la vieja escuela y otros estilos de sus lugares natales y rurales a los que había estado expuesto para crear algo completamente nuevo. El laboratorio para estos experimentos serían sesiones de improvisación en clubes donde la palabra hablada, el hip-hop y el jazz comulgaran y donde Lichaba conoció a Tubatsi.
Cantado en inglés y zulú y cocinado en su estudio casero, Udondolo es un guiso con lo mejor de la música sudafricana de las últimas décadas: kwaito, jazz, amapiano, mbaqanga, pop, maskandi o swing, y la energía espiritual de los coros sudafricanos, cocidos a fuego lento, sin prisas y mezclando todos sus sabores. Un disco fresco y auténtico, en el que las ideas fluyen con suavidad, dejando espacio para respirar, pero trazando nuevos caminos en cada una de sus canciones. Además, Udondolo parece estar bañado por una luz clara, amable y alegre, dejando la agresión de los beats modernos a un lado. Cortes como las iniciales "Izivunguvungu", "Dindi" y "Ubaba", la simpatía de "Marabi" o "Empty K-Set" o la delicadeza de "Ubusuku" y "Umhlaba Wonke" conforman un trabajo sin apenas altibajos, delicioso, inclasificable y sorprendente.
Un viaje a través de todos los colores de Soweto, que se ha convertido en un laboratorio de música donde resuenan, aún hoy, las esperanzas de todo un pueblo.

facebook: Urban Village

tracks list:
01. Izivunguvungu
02. Dindi
03. Ubaba
04. Ubusuku
05. Madume
06. Sakhisizwe
07. Marabi
08. Umuthi
09. Inkani
10. Makolo Yanga
11. Empty K-Set
12. Umhlaba Wonke ft. Msaki





Catrin Finch & Seckou Keita – ECHO (2022)

Catrin Finch (la arpista más célebre de Gales) y Seckou Keita (uno de los intérpretes más excepcionales de la kora de Senegal) unieron su maestría y virtuosismo para grabar, hace casi diez años, el sublime Clychau Dibon, un precioso disco instrumental en el que confluían la música mandinga de África occidental y las antiguas melodías del País de Gales. Luego vino SOAR (2018), en el que exploraban su conexión emocional como migrantes y nómadas a través de la historia de Osprey (el águila pescadora), descubriendo y celebrando los paralelismos y las diferencias culturales entre el arpa galesa y la kora africana. ECHO vuelve a celebrar este sentido de conexión y lo convierte en un todo sin fisuras. También pone de relieve la importancia del amor, las relaciones, la muerte y la memoria, grandes temas existenciales especialmente presentes dadas las circunstancias excepcionales que hemos vivido en los dos últimos años de pandemia.
Partiendo de esta premisa, el álbum arranca con una radiante pieza titulada "Gobaith", que significa "esperanza" en galés. La música es hermosa en su complejidad y estructura, comenzando con un brillante estribillo de arpa, entrando la kora con toques de color sobre un susurro de las ricas notas del contrabajo de Claire Whitson antes de la suave introducción de las cuerdas.
La adición de cuerdas en cuatro de los temas es una novedad para el dúo, lo que marca un cambio distintivo en la forma de su sonido, creando una diferencia efectiva en la textura de las pistas con cuerdas involucradas y enfatizando el espacio donde están ausentes. No obstante, el equilibrio del sonido es idóneo en todo momento, y el septeto de cuerdas nunca ensombrece la esencia de los sonidos del arpa y de la kora.
Este equilibrio se muestra, de forma maravillosa, en "Chaminuka", una canción en homenaje al viejo amigo y compañero de Seckou, Chartwell Dutiro, virtuoso de la mbira. El patrón de arpa y kora imita la hermosa cadencia de la música mbira de Zimbabwe antes de la fluida transición a cuerdas, cuando Seckou canta en shona un lamento por su amigo, una preciosidad.
"Dual Rising" está inspirada en una colaboración que realizaron con el virtuoso arpista de joropo colombiano Edmar Castañeda. Una pieza de potentes arpegios que sugieren la improvisación libre, saltando entre arpa y kora y transmitiendo una sensación de libertad y energía pura que se transfiere maravillosamente en un escenario en vivo.
"Tabadabang" es una canción basada en la familia y en la inocencia de la aventura y los viajes en la infancia. La amabilidad y la gentil picardía que conforman el contexto se retratan en un sonido juguetón y suavemente eufórico, evocando esa inocencia de la infancia y la introducción sutil de las aventuras de la vida.
"Jeleh Calon" significa "sonrisa" en mandinga y "corazón" en galés. Las cuerdas de Catrin imitan el latido del corazón antes de que entre la kora de Seckou con una hermosa melodía que ilumina y proporciona una sonrisa efectiva. La introducción de otros sonidos de cuerda nuevamente permite que los dos instrumentos se entrelacen majestuosamente uno alrededor del otro, la música se desplaza y progresa como una vida.
"Jula Kuta" cierra el trabajo, siendo una demostración musical de lo lejos que han llegado Finch y Keita, con la intención de mostrar el rango de una kora de doble cuello que Seckou creó en 2007. Jugando con la escala cromática de D (Re) bemol a A (La) tanto en el arpa como en la kora, se divierten en algunos puntos al producir arpegios deliciosamente agudos. Llegado a este punto, la sutileza es una habilidad tan clave como la velocidad, y la música logra una sensación de satisfacción silenciosa a medida que los dos instrumentos se desvanecen. Ponen fin a otra obra maestra, un hermoso álbum de dos artistas que operan a la altura de su maestría.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Gobaith
02. Chaminuka
03. Dimanche
04. Dual Rising
05. Tabadabang
06. Jeleh Calon
07. Julu Kuta