La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Desde su irrupción en 1997 en la escena musical mundial, procedentes del pequeño pueblo moldavo de Zece Prăjini, Fanfare Ciocărlia ha cautivado al público con su vibrante sonido de metales. Han contribuido a popularizar la música balcánica, participando en importantes películas e inspirando a músicos, DJ y artistas de todo el mundo. Conocidos por sus enérgicas actuaciones, estas leyendas de la música zíngara disfrutan tocando, entreteniendo y de gira.
Mientras tanto, en Canadá, Adrian Raso, cuyo estilo de interpretación es tan elegante y distintivo como los trajes impecablemente cortados que viste, desarrolla su virtuosismo en las cuerdas y se embarca en aventuras sonoras. Su estilo único fusiona jazz y rockabilly, ritmos latinos y metales balcánicos, folk italiano y funk, country y música clásica, soul y surf, siempre priorizando la melodía, el lirismo y los ritmos dinámicos.
Las cosas buenas requieren tiempo. Tras el éxito arrollador de Devil’s Tale (2014), donde los maestros rumanos unieron fuerzas con el aclamado guitarrista canadiense, el álbum alcanzó la cima de las listas europeas de músicas del mundo y preparó el terreno para giras inolvidables. El veredicto fue unánime: ¡Repitamos la experiencia! Y ahora, la espera ha terminado. La chispa ha vuelto a saltar y la magia se ha encendido: The Devil Rides Again (2025).
Si bien Devil´s Tale fue un ambicioso experimento musical —una audaz fusión de estilos—, la grabación de The Devil Rides Again demostró que su química era innegable. En esta ocasión, Raso, a la guitarra y el banjo, lidera a esta potente sección de metales a través de ocho composiciones instrumentales originales, así como nuevas versiones de "Jolene" de Dolly Parton y "I'm A Man" de The Spencer Davis Group.
El punto culminante del álbum es una impresionante reinterpretación de "Blue Drag" de Django Reinhardt. "Tarantella Noir es un homenaje a la música del sur de Italia, tan expresiva, dinámica e hipnótica. Se percibe la influencia de muchas culturas", explica Raso. "En cuanto a Transylvania Twist... bueno, ¡imagínense a Drácula sobre una tabla de surf! El solo de saxofón al estilo búlgaro es uno de mis momentos favoritos del álbum".
Tras reunirse con Fanfare Ciocărlia después de casi una década, Raso comenta: "Siempre me sorprende lo diversa que se ha vuelto la sección de metales con el paso de los años". La admiración es mutua. "La música de Adrian tiene el sonido de una sonrisa", dice el saxofonista Costel Oprică Ivancea. "Nos encanta sondear otros géneros musicales y la pasión de Adrian por la exploración es idéntica a la nuestra. La oportunidad de dar un paso atrás durante nuestro concierto e interpretar jazz con aires balcánicos, una canción country, una canción de rock y una hermosa melodía de Django Reinhardt fue una experiencia nueva y que disfrutamos muchísimo".
Con The Devil Rides Again, Adrian Raso y Fanfare Ciocărlia demuestran una vez más que cuando el jazz, el rockabilly y los metales balcánicos se fusionan, el resultado es pura magia.
tracks list:
01. Bugatti Be Kiddin' Me
02. Jolene
03. The Devil Rides Again
04. Blagona Blue
05. La Marquisette
06. I'm A Man
07. Blue Drag
08. Roma Stomp
09. Tarantella Noir
10. Stromboli
11. Transylvania Twist
Desde el corazón de Tamanrasset, en el sur de Argelia, Imarhan trasciende la tradición tuareg, entrelazando sintetizadores hipnóticos con el blues del desierto. El resultado es una obra atemporal, profundamente respetuosa de sus raíces, pero a la vez vibrante con un conmovedor sentido de la modernidad.
El propósito fundacional de Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam) al montar Imarhan siempre fue el de romper con los tópicos asociados al rock tuareg para expandir sus fronteras. Ampliar horizontes mediante la fusión con lenguajes de ondulaciones afines: el funk groove, la psicodelia, el raï argelino. Un leit motiv que explicitó ya en su debut homónimo de 2016, y en el que más tarde profundizó en su secuela, Temet (2018), y también en aquel Aboogi (2022) que contaba con las colaboraciones de Gruff Rhys, Japonais, Sulafa Elyas y Abdallah Ag Alhousseyni (de Tinariwen, banda que siempre ha ejercido una suerte de padrinazgo sobre los propios Imarhan).
La producción de este cuarto álbum, Essam, "relámpago" en tamasheq, marca un punto de inflexión. Para ello, cuentan con una labor de producción a cargo de Maxime Kosinetz, su ingeniero de sonido, en alianza con Emile Papandreou (del dúo francés de pop electrónico UTO), mezclando elementos orgánicos (percusión, guitarras, voces) con sonidos procesados y sintetizadores que amplían y enriquecen la paleta sonora de la banda, como se puede apreciar en uno de los temas más destacados, "Derhan N’Oulhine".
En cualquier caso, los diez cortes discurren con la naturalidad, el oficio y la espiritualidad (en torno a la melancolía del desarraigo, la memoria y la conexión con la tierra, y la preservación de la identidad colectiva) que acostumbran. La guitarra eléctrica de la bailable "Tellalt" apunta al trópico con claridad; la luminosa "Okcheur" se balancea sobre una cadencia funk cuyo hechizo es realzado por haces de sintetizador, y la intrigante "Azaman Amoutay" conecta, en la forma, con el latido del house.
Otros momentos se ciñen más a su canon habitual: "Tamiditin" es intimista, austera, tan solo tejida por guitarra y bajo eléctrico; "Tin Arayth" revela la veta más cruda y psicodélica del disco en un contagioso call and response; los coros masculinos y femeninos de "Adounia Tochal" embellecen su hechura de esperanzada letanía, y el cierre de casi ocho minutos de la hipnótica "Assagasswar", con el imzad (violín de una sola cuerda) conviviendo con sintetizadores modulares, nos dejan sumidas en un estado de trance. Essam es un álbum que respira tradición y ambición mediante un enfoque musical que mira hacia el futuro sin abandonar sus raíces. Suman y siguen, en esencia.
Lucas Santtana es cantante, compositor y productor musical brasileño originario de Salvador de Bahía. Sus canciones se mueven en la estética cadenciosa del tropicalismo, pero sus arreglos las transforman en arquitecturas sonoras, llenas de capas de sonidos y texturas. De hecho, es hijo de Roberto Sant´Ana, el legendario productor de Gilberto Gil, Caetano Veloso y Tom Zé (tío de Lucas). Sus letras aportan muchas referencias literarias, poéticas y cinematográficas: hablan tanto de cuestiones sociales como de la existencia, la relación del ser humano con la tecnología, la biosfera y otras temáticas.
Otra característica destacada de su obra es la intersección entre universos musicales. No hay una línea clara entre géneros musicales, pasados y futuros, acústico y eléctrico, tradición y vanguardia. En el año 2000 publicó su primer álbum, Eletro Ben Dodô, mientras componía para grandes estrellas de la Música Popular Brasileña (MPB) como Marisa Monte, Daniela Mercury o Céu.
Sus 25 años de carrera lo celebra con su décimo álbum, Brasiliano. Este trabajo (el anterior, O Paraíso, ofrecía una mirada emotiva al planeta Tierra) adopta la forma de un manifiesto multilingüe. El concepto que guía las once canciones sigue la idea de explorar la diversidad musical de Brasil a través de sus lenguas y dialectos, abarcando el portugués brasileño y sus lenguas romances hermanas. Así, el músico bahiano canta en portugués, francés, galego, castellano, occitano, criollo de Cabo Verde y tupí-guaraní. "Es una afirmación de una herencia íntima transmitida de generación en generación, un acto de resistencia política contra el olvido y la desaparición, y una celebración colectiva de raíces redescubiertas", explica Santtana.
Una auténtica celebración colectiva, contando para cada pieza con artistas como Gilberto Gil, Oxmo Puccino, Tainara Takua, Flavia Coelho, Chico César, Piers Faccini, Os Paralamas do Sucesso, Rachel Reis, Cocanha, María Lado, Dimartino y Karyna Gomes. Brasiliano es a la vez una oda a la diversidad lingüística y un testimonio de su poder simbólico. Con arreglos luminosos y complejos donde las voces se entrelazan como en una conversación polifónica, el álbum trata el lenguaje como un instrumento musical en sí mismo, pero también como una herramienta política.
Santtana cuestiona el patrimonio cultural, la identidad, la memoria colonial y la posibilidad de una lengua compartida. Con su singular enfoque -que fusiona ritmos populares, paisajes sonoros contemporáneos y melodías vibrantes- celebra el amor y el intercambio inherentes a las lenguas romances, donde la música se convierte en terreno fértil para encuentros y reinvención. Un álbum maravilloso.
tracks list:
01. A História da Nossa Língua (ft. Gilberto Gil)
02. Línguas Gerais (ft. Oxmo Puccino, Tainara Takua)
03. Liga (ft. Cocanha)
04. Strati di Tempo (ft. Dimartino)
05. Dans le Sud (ft. Flavia Coelho)
06. Cuendo Mi Lengua (ft. María Lado)
07. Ver Meu Povo Se Abraçar (ft. Chico César)
08. Eu Ainda Te Amo (ft. Rachel Reis)
09. Battre des Ailes (ft. Piers Faccini)
10. Que Seja Um Reggae (ft. Os Paralamas do Sucesso)
11. Independência (ft. Karyna Gomes)
Mário Lúcio, compositor, poeta, cantante y ministro de Cultura de Cabo Verde entre 2012 y 2016, ocupa un lugar destacado en la escena cultural y musical caboverdiana.
En Migrants (2022), Mário apela a nuestro humanismo y rinde homenaje a quienes han perdido la vida intentando cruzar tierras y mares a lo largo de los siglos. Este álbum, cronológicamente el décimo en la carrera del artista (desde su debut con Simentera hasta Funanight, publicado en 2018, y su más reciente Independance), es en sí mismo un gesto de migración y encuentros. Es la primera vez que Mário Lúcio confía los arreglos y la producción musical a Rui Ferreira, músico multiinstrumentista de Oporto, y a Sofía Adriana Portugal (cantante e investigadora vocal, enfocada en la fusión folk), lo que marca un gesto de apertura, de cruce entre sonoridades caboverdianas y europeas. En sus propias palabras, "Queria que a minha alma fosse lida pelo Outro" ("En este álbum, quería que mi alma fuera leída por otro").
La noción de mestizaje, diálogo y armonía entre culturas es el leitmotiv de esta obra, que rompe con las nociones de fronteras, barreras lingüísticas, color, religión o nación. Es también el más universal de sus álbumes: "Este álbum lleva consigo todo Cabo Verde y África, pero también dialoga con todas las estéticas musicales que las migraciones han hecho posibles", afirma. Las canciones narran la increíble historia personal de Mário Lúcio: su infancia en Tarrafal, Cabo Verde, sus viajes, su práctica del budismo y la religión yoruba, y sus reflexiones sobre la criollización, mezclando ritmos tradicionales caboverdianos con colores contemporáneos, introspección y compromiso. Hablan de experiencias, confesiones y creencias, pero también comparten esperanza y amistad. Habiendo escrito para Cesária Évora, Mayra Andrade y muchas y muchos otros, en este álbum vuelve a revelar todo su talento como poeta y compositor.
Un álbum que rinde homenaje a la epopeya humana y a la audacia de nuestros antepasados. La migración como metáfora antropológica del ser humano que busca, se mueve y se transforma.
tracks list:
01. Mi So
02. Migrants (Shakespearience)
03. Oficium
04. Tao
05. Querença
06. Ami
07. Babosa
08. Canto a Yemanjá
09. Clave de Fé
10. Adiós Amigo
11. Dos Amigo
12. Hino À Gratidão (bonus track)
Tinariwen, el grupo más legendario y emblemático de la música tuareg, vuelve con su álbum Hoggar, título que hace referencia a una cadena de montañas situada en el oeste del Sáhara, al sur de Argelia, en la provincia de Tamanrasset. Llamado en árabe el macizo de Ahaggar y en tamasheq Idurar Uhaggar, es un parque nacional culminado por el imponente monte Tahat, que preside el fondo de la portada.
Defensores acérrimos de la cultura nómada de su pueblo, que habita en las zonas fronterizas desérticas entre Mali y Argelia, la música de Tinariwen, con su sonido blues y guitarras y sus 45 años de existencia, ha cosechado reconocimiento mundial por su enérgica fusión de denuncia política, en lengua tamasheq, ritmos sincopados y melodías cautivadoras: un Grammy en 2012 por su álbum Tassili (2011) y nominados de nuevo por sus trabajos Elwan (2017) y Amadjar (2019).
En Hoggar, la banda vuelve a sus raíces (con sus fundadores Ibrahim Ag Alhabib, Abdallah Ag Alhousseyni y Touhami Ag Alhassane) y se reivindica como guardianes de esta tradición musical tuareg. Retoma sus orígenes componiendo con guitarras acústicas y cantando en comunidad alrededor de la hoguera del desierto, al tiempo que cede el testigo a una generación más joven de artistas y músicos invitados para mantener viva la llama de la rebeldía y la resistencia. Entre ellos y ellas, Liya Ag Ablil (Darra), de Terakaft, que pone su guitarra en seis de los temas, y Haiballah Akhamouk, Hicham Bouhasse e Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam), del grupo Imarhan, que se encarga de la producción técnica. El álbum ha sido grabado en su estudio Aboogi de Tamanrasset, con la ayuda del ingeniero Patrick Votan.
José González canta en castellano (aportando calidez a las melodías arquetípicas) en el tema "Imidiwan Takyadam", que habla de las madres y las hijas oprimidas por la tiranía infernal de la misoginia islamista, resaltada por un coro femenino que lamenta la difícil situación de sus hermanas. Una reivindicación femenina que es constante en el disco, como se percibe en el vídeo animado del blues trágico "Erghad Afewo" donde cantan "El desierto está en llamas / solo el enemigo está allí ahora", que muestra el amor incondicional de una joven pareja imponiéndose a las dificultades gracias a la ayuda de la música, o en las colaboraciones del disco, empezando por Sulafa Elyas (Sulaf), coprotagonista en la canción tradicional "Sagherat Assani" con su voz y su laúd; o de las voces tuareg de Wonou Walet Sidati (Tamikrest) y Nounou Kaola, determinantes en la emotiva cadencia de "Tad Adounya", una balada llena de compasión.
Tinariwen está actualmente afincado en Argelia, porque tuvieron que abandonar sus casas en el norte de Mali en 2024 debido a la represión de los militares malienses y de los mercenarios rusos del grupo Wagner, responsables de atrocidades como la quema de poblados, la matanza de animales y la violación de mujeres, algo que denuncian a través de su música. Así, en la aparente calma que desprenden las deslizantes guitarras y las percusiones rotundas de "Aba Malik", la doliente voz de Abdallah Ag Alhousseyni aprovecha para maldecir a Wagner.
Desde Argelia, siguen ahondando en el estilo que les ha hecho célebres, las guitarras eléctricas que dan razón de ser al blues del desierto y los cantos comunales de llamada y respuesta. Un signo de identidad que no solo refuerza su mensaje, sino que les sirve para seguir siendo fundamentales en un sonido que ha hecho historia. Otro invitado que los ayuda a conformarlo es el nigerino Anana Harouna, líder del incisivo grupo tuareg Kel Assouf, que aparece en los coros de "Asstaghfero Allah", un título que significa "Pueblo de Mahoma, temed a Dios" y cuya atmósfera reproduce las veladas nocturnas bajo las tiendas compartiendo música y té a la menta.
"N´ak Tenere Iyat" figura como lo más blues del disco, una canción que refleja la nostalgia y el assouf (la soledad), vista no como algo negativo sino como un estado de introspección y libertad. Teneré, además de ser el nombre de un desierto de Níger, significa en tamasheq "tierra vacía" y es la raíz del nombre de la banda, ya que Tinariwen es su plural, los desiertos. En un extremo opuesto, la rítmica "Amidinin Wadar Nohar" mezcla su amor por el Sáhara con las dificultades de la supervivencia en el desierto. No dudan en reconocer que lo tienen mucho más fácil quienes pueden cambiar el camello por un Toyota Land Cruiser en un "Khay Erilan" que los conecta directamente con el blues rural del Mississippi.
A pesar de todas las calamidades, el orgullo de pertenencia domina en la inicial "Amidinim Ehaf Solan", con su sonido marca de la casa de flotantes guitarras, voces de llamada y respuesta, palmas y darbukas, en la que cantan "aún tenemos un país, sediento y dolido, pero volverá a reverdecer y brotarán nuevas ramas". Y no solo eso, también tienen solidaridad con otros pueblos oprimidos, tal como demostró su participación en el emocionante ACT X PALESTINE celebrado en enero de 2026 en Barcelona.
El resultado son once temas de profunda emoción, melodías complejas y la calidez de voces que se funden en una armonía poderosa.
Antes de conquistar escenarios, Doctor Nativo ya tenía uno mucho más ruidoso, impredecible y honesto: las plazas de Barcelona y los vagones del Metro de Nueva York. Entre estaciones, anuncios automáticos y miradas distraídas, cantaba para sobrevivir, conectar y probar algo más importante que la fama: la reacción real de la gente cuando la música no tiene filtro ni producción, solo calle. Desde su debut en escenarios como el Lincoln Center en Nueva York, Doctor Nativo ha construido una trayectoria que une lo ancestral con lo contemporáneo sin pedir permiso.
Hoy, ese mismo artista centroamericano, reconocido por fusionar reggae, cumbia, hip-hop y sonidos ancestrales mayas, regresa con un nuevo capítulo creativo: BarrioKandela. El proyecto expande su propuesta de "reggae-kumbia" con una visión más urgente, política y espiritual, donde el barrio, la memoria y la resistencia cultural se convierten en el centro del sonido, mediante la participación de artistas de México, Belize y Guatemala. La gama de instrumentos de Nativo incluye una variedad de percusión (güiro, caparazón de tortuga, segundo tambor garífuna, trampa, maracas), guitarra acústica e instrumentos de viento de madera de chirimilla. Una sección compacta de violín (Maestro Javier Carrillo Velázquez, Hugo Indalecio Pérez San Juan, José Alberto Hernández Ortiz y Marco Antonio Tolentino Solano) y una trompeta (Juan Alejandro González Villaseñor) evocan las características distintivas del mariachi.
Rolando Marcelino (Chi-Chi) Sosa, artista garífuna que tocó con el desaparecido Aurelio Martínez, participa con la percusión y los coros. "Chocolate Kakaw" ha sido grabada con el rapero maya tz´utujil Chavajay, celebrando la importancia cultural del cacao; "Minorías" es un conmovedor himno migrante interpretado junto a su hermana guatemalteca y su tres cubano Adriana Primavera, de la agrupación Saoko (recientemente fallecida). Por su parte, la percusionista puertorriqueña Jennie "La Bestia" Delgado participa en "La Kocina", y "Caminantes" cuenta con la colaboración especial del veterano Roco Pachukote, integrante de la banda mexicana La Maldita Vecindad.
El trabajo se combina de forma muy cuidada. El brillante tema de apertura, "Miren quién llegó", sirve como una animada introducción a la perspectiva de Doctor Nativo, a la que se le da mayor peso mediante muestras de archivo procedentes de la emisora de radio guerrillera guatemalteca La Voz Popular, conocida por transmitir tanto en español como en maya durante el genocidio anti indígena y la guerra civil que tuvieron lugar en Guatemala bajo la junta militar respaldada por Reagan.
Rinden homenaje a sus predecesores musicales ("Original Kumbiambero" celebra a la leyenda colombiana de la cumbia, Andrés Landero), denuncian la avaricia capitalista y sus efectos en todo el planeta ("Se la cree"), buscan la inspiración divina ("Oxlajuj") y se entregan a un poco de hedonismo natural ("Fumancher@s"). Todo ello con un profundo respeto por las raíces que convierte a BarrioKandela en algo significativo y, a la vez, muy, muy fresco. BarrioKandela no es solo un lanzamiento musical: es una declaración de origen, resistencia y conciencia colectiva, en tiempos de fragmentación global, mediante el ritmo, el baile y la energía.
Doctor Nativo es uno de los talentos más destacados de Centroamérica. Su música es contagiosa y explosiva, contiene un profundo mensaje, enlazando lo ancestral con lo contemporáneo, la espiritualidad maya, el activismo social y la sabiduría popular, re-imaginando y remezclando ritmos tradicionales con letras socialmente conscientes que celebran la resistencia y el empoderamiento popular sobre un sonido potente, combinando reggae, cumbia, hip-hop e instrumentos prehispánicos. Su álbum debut, Guatemaya (2018), es un llamamiento a la justicia social para la mayoría indígena de su país.
Doctor Nativo (seudónimo de Juan Martínez) creció en Quetzaltenango, Guatemala. En 1990, durante la sangrienta guerra civil guatemalteca de la Guerra Fría, su padre, Arturo Martínez, fue asesinado junto con cinco amigos. La infancia de Nativo, de felicidad trabajando como DJ en el restaurante de su padre, "El Copetín", se tornó trágica. "En ‘El Copetín’ siempre había música: salsa, reggae, boleros, cumbias... la música era el único escape de los horrores de la guerra civil que asoló el país durante más de tres décadas. Mi padre era muy carismático y compasivo; siempre estaba dispuesto a ayudar. Tenía amigos entre la guerrilla guatemalteca y a menudo les dejaba usar el restaurante para sus reuniones; a veces incluso venían a casa a buscar comida y agua porque siempre teníamos provisiones del restaurante".
A los quince años, Nativo dejó la escuela y se dedicó a la música ambulante. Tras recorrer Europa, India y Latinoamérica tocando en las calles, la vida lo llevó a Cuba (país natal de su padre) para estudiar en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Finalmente se estableció en Barcelona, donde durante años tocó música en la calle y encontró su propia voz a través del contacto directo con la gente.
En 2010, Nativo regresó a Guatemala, donde asistió a su primera ceremonia maya y descubrió su Nahual (espíritu animal maya), iniciando así un intenso viaje espiritual. Dos años después, Nativo realizó un viaje de 16 horas a través de selva y montañas para reunirse con el productor y fundador de Stonetree Records, Ivan Duran, en su estudio en el vecino Belize, que recuerda "Sus canciones me impactaron como instantáneas Polaroid que capturaban el alma de una generación indígena joven y orgullosa que finalmente había despertado en Guatemala. Recuerdo haber pensado: ¡Hay esperanza! ¡La resistencia no ha muerto!". Así que, tras tocar una canción tras otra durante horas, el proceso de grabación comenzó en ese mismo instante.
Guatemaya revive a los ancestros y los libera en la pista de baile con temas como "Pa' que se Levanten", "El 20" y "La Voz Popular", que celebran la resistencia indígena y el empoderamiento popular, mientras que "Guatemaya" es una orgullosa afirmación de la identidad maya, interpretada por el rapero en lengua maya Tzutu Kan, que se ha convertido en una especie de himno entre la juventud guatemalteca.
El resultado es un capítulo totalmente nuevo en la música de Centroamérica y en Stonetree Records (este legendario sello independiente que dio a conocer al mundo a Andy Palacio, Aurelio Martínez y otras y otros grandes de la música garífuna). Guatemaya embruja a la audiencia, transformando temas de activismo y dolor en una celebración de libertad y alegría. Una de las propuestas más emocionantes de Centroamérica por su autenticidad y energía.
tracks list:
01. Guatemaya
02. Ay Morena
03. Sabrosura
04. Zion
05. B-Boy
06. El Mero Mero
07. El 20
08. La Voz Popular
09. Kandela
10. Pa' Que Se Levanten
Nacido en Mauritania y criado en Senegal, Daby Touré vivió más de un cuarto de siglo en París antes de mudarse a Montreal. Mientras su padre y sus tíos formaron la pionera banda de afropop Touré Kunda, Daby siempre ha seguido su propio camino musical, con influencias que van desde melodías folk africanas y blues del desierto, hasta jazz, pop, reggae, funk y soul. Bendecido con una mente abierta y un espíritu explorador, las pegadizas canciones de Touré tienen tantas probabilidades de atraer a fans de las estrellas africanas Habib Koité y Youssou N'Dour como a seguidores/as de Bob Marley, Paul Simon y Stevie Wonder. Soul, pop, música que podemos cantar sin fronteras.
Con Real World publicó Diam (2004), Stereo Spirit (2007), y Call My Name (con Skip McDonald, 2009). Lanzado en 2015 a través del sello Cumbancha, Amonafi es una obra que consolida a Daby Touré como un artesano del pop africano contemporáneo, destacando por su capacidad para fusionar melodías pegadizas con temas de profunda carga social. Amonafi, el título del álbum, significa "érase una vez" en Wolof, y refleja su deseo de narrar historias con una perspectiva novedosa sobre el pasado, el presente y el futuro de África. El disco se caracteriza por ser un proyecto muy personal: Touré canta en Wolof, Soninké y Pular, siendo su voz el eje central, utilizando registros que van desde tonos suaves hasta falsetes acrobáticos en canciones como "Kiba". Despliega su virtuosismo tocando la mayoría de los instrumentos (guitarra, bajo, teclados y percusión), lo que otorga al disco una coherencia íntima y artesanal. Aunque la producción es pulida, mantiene una esencia orgánica que recuerda a las formas más puras de la música africana; su singular visión revela un sonido complejo pero accesible, que desafía las expectativas y los estereotipos de lo que significa ser un artista africano en la actualidad.
A pesar de su sonido accesible, las letras de las canciones abordan realidades duras. "Amonafi" y "Khone" hablan sobre la colonización y la esclavitud en el continente africano; "Kiba", "Oma" y "Ndema" relatan los peligros y sufrimientos que enfrentan quienes abandonan su tierra en busca de un futuro a través de la migración.
Muchas de las canciones de Touré tienen como protagonistas a mujeres. Por ejemplo, "Debho" es un homenaje a las mujeres que, según Touré, "soportan el peso de toda nuestra sociedad". Canta: "A ti, que trabajas duro desde el amanecer hasta el atardecer / Oh, mujer de Djeri, te rindo homenaje / Tus ancestros te observan. Tus ancestros te bendicen". En contraste, "Kille" evoca la nostalgia de la vida y la atmósfera de su aldea natal.
Uno de los temas más destacados de Amonafi es "Khone", coescrito por el padre de Touré, Hamidou, junto con Bacary Waiga, en 1969. "Originalmente era un extenso tratado sobre el poder negro. Lo adapté a una versión a capella en la que canto que debemos ser conscientes de nuestra historia y transmitirla a las futuras generaciones. Hoy todos somos responsables del pasado". Por su parte, "Soninko" es un homenaje al pueblo soninké. "Intento contar nuestra historia... para destacar a nuestros pensadores. Hemos sido y seguimos siendo una gran civilización".
Arraigadas en la vida cotidiana pero conectadas con sueños más lejanos, las historias de Amonafi hablan a todo el mundo. Según Touré: "Cada canción intenta decirte algo, llevarte en un pequeño viaje que te permita reflexionar un instante sobre cada tema. He conocido gente increíble, culturas increíbles. Soy alguien conmovido por la humanidad". Touré también ha afrontado sus propias dificultades: "Sé lo que es el hambre, sé lo que es el calor, sé lo que es el dolor, sé lo que es la alegría, sé lo que es la evolución y sé lo que la energía puede aportar. Y también sé que acercarse a la gente puede cambiar las cosas en la vida".
Un disco ambicioso que arroja nueva luz sobre la historia africana con folk relajante, pop pegadizo y soul memorable.
tracks list:
01. Woyoyoye
02. Amonafi
03. Kiba
04. Oma
05. Emma
06. Little Song
07. If You
08. Khone
09. Kille
10. Debho
11. Mina
12. Soninko
13. Ndema
Tras el éxito de su álbum a dúo Our Calling (2025), el cantautor anglo-italiano Piers Faccini y el virtuoso maliense de kora Ballaké Sissoko presentan un nuevo EP con canciones originales. Siguiendo la misma línea que su álbum anterior, este nuevo EP pone de relieve la profunda conexión musical que estos dos artistas han forjado a lo largo de más de veinte años de amistad, así como la singularidad de su diálogo musical e intercultural. Juntos, incorporan los sonidos de la kora maliense a la música folk, y viceversa, con formas inglesas que a su vez abrazan la melodiosidad mandinka. Una vez más, estos dos aventureros musicales nos ofrecen canciones de una intensidad emocional que es, a su vez, original e inmensamente conmovedora.
"Melancholy", con el violonchelista Vincent Segal, y "Harbour", con Badjé Tounkara al ngoni, provienen de las sesiones de grabación originales en París. Su versión de "Special Rider Blues", del bluesman de Mississippi Skip James, se grabó en los estudios Maida Vale de la BBC en Londres. Finalmente, "When The Word Was Song" fue compuesta en conjunto durante su gira y grabada en directo sobre ruta.
Nacida en Sudán y residente en Brooklyn, Alsarah (nombre artístico de Sarah Mohamed Abunama-Elgadi) es cantante, compositora y etnomusicóloga, que lidera la banda The Nubatones en dos aclamados álbumes, Silt (2014) y Manara (2016), ambos publicados por Wonderwheel Recordings. También ha colaborado con el explorador musical Débruit en Aljawal (2013), siendo una de las contribuyentes a uno de los deliciosos trabajos de The Nile Project, Aswan (2014).
Surgidos de las conversaciones entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser, The Nubatones exploran temas como la migración, la identidad y la herencia musical Nubia. Su sonido, denominado "East African Retro Pop", combina melodías pentatónicas con influencias de Sudán, Egipto y otros países. La formación incluye al multiinstrumentista franco-togolés Mawuena Kodjovi y a Brandon Terzic (que sustituyó al desaparecido oudista armenio-estadounidense Haig Manoukian).
Alsarah & The Nubatones han presentado su tercer álbum de estudio, Seasons of the Road (Mawasim Altariq) un proyecto independiente que ha tardado más de cinco años en gestarse, producido por la propia Alsarah y en el que cabe destacar que, por primera vez, la banda incluye letras en inglés.
El desarrollo del álbum comenzó en Beirut a finales de 2018, durante una residencia en Station, antes de trasladarse a Sudán, donde la banda grabó el videoclip de "Men Ana", un impactante homenaje a la revolución sudanesa. Posteriormente, a su regreso a Nueva York, la banda fue testigo de las convulsiones globales derivadas del confinamiento por la COVID-19. Con el paso del tiempo, las inmersivas canciones de pop retro, soul y world fusion con raíces en el folclore nubio y sudanés se convirtieron en reflejos de historias cambiantes: revoluciones que comenzaban y terminaban, y guerras y genocidios transformados como la nueva normalidad. Las canciones se tornaron en hitos de las estaciones y del sinuoso camino a medida que se iban reuniendo en este disco. Seasons of the Road explora temas de migración, resiliencia y el viaje emocional entre Sudán y USA, una crónica de un camino difícil en el que nada es una llegada.
tracks list:
01. Fa3el fi eldawam / فاعل في الدوام
02. Men Ana / من انا
03. Sudani / سوداني
04. Bye Bye
05. Turn Around
06. Disco Star
07. Habibi / حبيبي
08. Tendo (Lullaby) / تندو (هدايه)
09. Outro
Uno de los poderes mágicos del arte en general, y de la música en particular, es la de crear países imaginarios. Este es el caso de esta Mandinka Persia inventada a lo largo de tres álbumes: Jardins migrateurs (2015), Traversées (2019) y Estuaire, editado a principios de año por Kiya Tabassian, iraní afincado en Montreal, y su colega senegalés Ablaye Cissoko, con la complicidad del percusionista canadiense Patrick Graham, que infunde ritmo y matices a esta conversación sonora. Estuaire (el estuario) es ese lugar mágico donde el río se encuentra con el océano, donde las aguas entrelazan sus historias, "donde el agua dulce se encuentra con el agua salada, como símbolo de paso, renovación y fertilidad", donde surgen posibilidades inesperadas, muy parecidas a los encuentros musicales imaginados por Constantinople. Sirve como metáfora de la interacción entre un griot (Ablaye Cissoko) y un bardo persa (Kiya Tabassian).
Estas nuevas grabaciones nacieron de conexiones auténticas, de esos momentos en que la vida revela su belleza oculta. Hablan de seres extraordinarios en su sencillez cotidiana, de esas y esos héroes discretos que transforman el mundo simplemente con su presencia. Estos relatos musicales son nuestros estuarios: puntos de encuentro entre nuestras tradiciones y las emociones universales, entre las historias locales y los corazones de todas partes. "Nuestra misión como griots e intermediarios musicales nos impulsa a transmitir belleza, a expresar esas cualidades humanas que merecen ser conocidas y reconocidas, a resaltar las luces que iluminan nuestro camino compartido", señalan en la presentación de este trabajo.
Con los años, su diálogo se ha profundizado, convirtiéndose en un intercambio musical profundo e inspirador. Y cuando las estrellas se alinean, durante un concierto, la kora mandinga y el setar persa entrelazan sus voces para crear un universo cautivador que suspende el tiempo y sosiega el alma. Un álbum donde se respira tanto el aliento griot como la espiritualidad sufí. De nuevo, sublimes.
Situado entre el folk y el rock, y letras con conciencia social, Zagate es el deslumbrante nuevo álbum de la gran artista argelina Souad Massi. Un trabajo con el que rompe moldes y en el que las canciones son enérgicas con letras desprovistas de ilusión, un álbum en el que alza la voz para denunciar la violencia contemporánea e invitar a la reflexión.
Grabado principalmente en Reino Unido, Zagate explora una gama de emociones intensas: dolor, ira y rebeldía, pero también esperanza y valentía. Al frente del proyecto, una vez más (ya produjo su álbum anterior, Sequana), se encuentra el guitarrista y productor Justin Adams. El rapero congoleño Youssoupha y el rapero ruandés-francés Gaël Faye participan como invitados junto a una banda estelar, que incluye a John Baggott al teclado (Massive Attack, Robert Plant) y a Billy Fuller (Robert Plant) al bajo.
Desde el rock eléctrico de "Ana Inssan" hasta el magnético afrobeat de "Samt", o desde el folk sahariano de "D'ici, De là-bas" hasta el blues parisino de "Chibani", cada tema de Zagate revela nuevos matices vocales. Asociada desde hace tiempo con la dulzura y la melancolía, Massi profundiza en su propia historia para producir uno de sus álbumes más auténticos hasta la fecha, donde la suavidad de su voz contrasta fuertemente con el peso del mundo actual. Aunque reacia a definirse como políticamente activa, el álbum ofrece una reflexión franca e implacable sobre los aspectos problemáticos de nuestro mundo: la guerra, la violencia, el racismo y las tragedias que inundan nuestras pantallas y pesan sobre nuestras conciencias. La portada (en akimbo -brazos en jarra-, con atuendo bereber y una línea divisoria en su rostro), es toda una declaración de intenciones: "Como artista, tengo la obligación de reaccionar; no puedo permanecer inerte y ajena a lo que sucede a mi alrededor. Me considero ciudadana, ante todo, y artista después. Debo reaccionar a través de mis palabras, de mi música; no puedo quedarme al margen, observando y escondiéndome. No tengo soluciones milagrosas; no soy politóloga, pero debemos permanecer conscientes y despiertos".
La palabra Zagate deriva de la expresión francesa "ça se gâte", que se usa en Argelia para indicar que "las cosas empeoran". Más que una referencia lingüística, el título afirma la doble herencia de Massi entre Argelia, donde nació, y Francia, donde ha vivido y creado música durante los últimos veintiséis años, lo que sienta las bases para un álbum intenso, un grito de alerta ante un mundo que parece desmoronarse, sin traicionar la fragilidad que la ha hecho famosa. Inspirada en "Kashmir" de Led Zeppelin, la canción que da título al álbum fusiona la tensión del rock con el lirismo magrebí, mientras Massi canta sobre la guerra y la devastación desde la perspectiva de un civil indefenso. En "Congo Connection", con la participación de Youssoupha, Souad denuncia la injusticia de un país maltratado y saqueado, marcado por la explotación infantil. "L'Equation" (con la impresionante viola d´amore de Jasser Haj Youssef) musicaliza las creencias del filósofo Averroes: "la ignorancia lleva al miedo, el miedo al odio y el odio a la violencia". Inspirada por la tradición sufí, Massi transforma su música en un espejo del mundo contemporáneo, fusionando poesía y compromiso cívico.
"Seymali ha forjado un blues del desierto diseñado para un entorno urbano: áspero, ruidoso e impactante... Sus letras, aunque nacidas de la rica tradición poética de la cultura morisca, están pensadas para bailar". (Mojo, en Glitterbeat) Noura Mint Seymali tiene una voz a la vez ancestral y atemporal con una tesitura fraguada en la crudeza de los espacios desérticos, pero conectada al presente; también es una virtuosa intérprete del ardine, un instrumento parecido a la kora, que solo se encuentra en Mauritania, que solo lo tocan mujeres, y que ella aprendió de su abuela, Mounina. Una griot (poeta, cantante, música, historiadora y guardiana cultural a partes iguales) y la viva imagen de la tradición musical de Mauritania, lo que hace que sus canciones no sean solo musicales, sino también vehículos de memoria, identidad y relato social. Entre la antigua tradición del noroeste de África, las guitarras eléctricas y la fuerza del rock.
Su padre, Seymali Ould Ahmed Vall, fue un reconocido compositor y erudito, y su madrasta, Dimi Mint Abba, una de las cantantes e intérpretes más famosas del país -entre otros, grabó Moorish Music from Mauritania (World Circuit, 1990), con el compositor, cantante y virtuoso del tidinit-ngoni, Khalifa Ould Eide-.
Como reflejo de su influencia y del reconocimiento que ha cosechado a lo largo de su carrera, Seymali ha sido galardonada recientemente con el premio WOMEX 25 Artist Award.
El sonido de su tercer álbum -le preceden, Tzenni (2014) y Arbina (2016)- recuerda sonidos gnawa y otras formaciones surgidas en torno al Sahel, como los legendarios Tinariwen y otras bandas similares surgidas en los últimos veinte años, en el que la guitarra de Jeich Ould Chighaly (su marido) y el bajo de Ousmane Touré elevan el voltaje eléctrico.
La coproducción se realizó junto a Matthew Tinari (baterista de Noura) y el bajista Mikey Coltun (Mdou Moctar). El resultado es el de un disco magnético, hipnótico, que arrastra al trance, a un delirio psicodélico en el desierto: el ardine pone la base melódica y espiritual; las guitarras eléctricas, la energía rock; los ritmos africanos (a través de la percusión y las palmas), la dimensión comunitaria, y el bajo y la batería lo acercan al funk.
Más que contar historias lineales, las canciones invocan estados emocionales personales y colectivos: celebración, relatos, diálogo interno, soledad, observación, vida cotidiana, espiritualidad, amor, elogios, referencias sociales y poesía oral. Seymali se presenta como una potente vocalista con una profunda conexión con el repertorio atemporal del griot y el deseo de crear mensajes frescos y contemporáneos. "Tengo canciones sobre una amplia gama de temas: canciones de amor, canciones de alabanza, canciones para bailar, canciones narrativas. En nuestra tradición, la poesía de diferentes fuentes se puede entrelazar en una interpretación. Parto de una base propia, hay versos que escribo, otros que cito o a los que hago referencia, como un músico de jazz que improvisa sobre otra canción de la tradición, pero el resultado siempre es una nueva creación, y la habilidad con la que un cantante puede sintetizar poesía en una especie de mosaico musical es, sin duda, parte de este arte". Yenbett no es solo un disco, sino una reformulación contemporánea de la música griot. Noura Mint Seymali logra respetar una tradición muy codificada y, al mismo tiempo, empujarla hacia terrenos experimentales. El resultado es un álbum profundamente cultural, intensamente físico y sorprendentemente moderno.
El fado es la expresión musical por excelencia del alma de Portugal, un género declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Su hilo conductor reside en la saudade, una especie de sentimiento de nostalgia y melancolía, su esencia. Y precisamente el sentimiento es lo más importante de este género artístico, máximo representante de la identidad lusa. Lo significativo es que la o el fadista cante con el alma, a corazón abierto, exponiendo las historias que narran sus canciones con claridad cristalina para sus oyentes.
Una de las voces actuales más importantes de este estilo de música es Carminho que, pese a actualizar el fado a su propia realidad, es siempre tremendamente respetuosa con la tradición que lo rodea. En su séptimo álbum, Eu Vou Morrer de Amor ou Resistir (publicado antes de su vibrante colaboración con Rosalía en LUX) entrega un trabajo que reivindica la tradición de su país a la vez que lo impulsa a la experimentación con ideas contemporáneas.
El tono general del disco coincide con lo que la memoria colectiva entiende como fado: ese regusto nostálgico y emotivo que transita por el dolor y el desgarro. Carminho no ha querido desprenderse de las referencias inequívocas del género, que han sido respetadas, pero alumbradas con arreglos audaces.
En "Saber", una musicalización de un poema de Ana Hatherly, participa Laurie Anderson, incluyendo un efecto de reverberación en su voz susurrante, entrelazando los versos en inglés de esta con los suyos en portugués. Otra colaboración reseñable en el disco es la del pianista portugués de jazz Mário Laginha, en "Dia cinzento", la única pieza que no tiene nada que ver con un fado tradicional, aunque mantenga su aura de tristeza afín.
En la preciosa "Pela minha voz" utiliza Ondas Martenot (un instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia) como base a lo largo de toda la canción. La guitarra eléctrica, completamente ajena a la tradición fadista, aparece en numerosas ocasiones, como en "À sombra de teu cabelo", una tierna oda a su hijo que le escribió cuando acababa de nacer, y en la sugerente "Diz agora que acabou".
Además de a Ana Hatherly, de quien adapta no solo el poema mencionado, sino también la apertura del disco, "Balada do país que dói", Carminho compone varias canciones a raíz de poemas de figuras claves del fado como Amália Rodrigues ("Sofrendo da alma") o Pedro Homem de Mello ("Canção à ausente"). Y es que uno de los aspectos que más le interesan a la artista de la música tradicional portuguesa es su naturaleza recicladora, ya que en el fado se usa a menudo material ya existente para crear nuevas composiciones.
En Eu Vou Morrer de Amor o Resistir, Carminho vuelve a firmar otra carta de amor al folclore musical de su país, pero esta vez con un paso más allá, combinando lo tradicional con decisiones estéticas modernas que suponen una evolución honesta para una artista que no cesa de buscar nuevas formas de expresión para ese lenguaje vivo y fascinante que es el fado.
tracks list:
01. Balada do país que dói
02. Trazes-me tanta saudade (Fado Ritz)
03. Saber (feat. Laurie Anderson)
04. Pela minha voz
05. Diz agora que acabou (Fado Acabou)
06. Lá vai Lisboa
07. Sofrendo da alma
08. Canção à ausente
09. À sombra to teu cabelo
10. Eu vou morrer de amor ou resistir (Fado Súplica)
11. Dia cinzento (feat. Mário Laginha)
El primer álbum en solitario en una década de la célebre arpista y compositora galesa Catrin Finch es también el más emotivo y personal. Notes To Self es un conjunto de once composiciones para arpa dedicadas a "Katy", su yo de 13 años (las notas del álbum de cada canción son una carta a "Katy", lo que añade profundidad y contexto a los temas). Usando el poder de la música y su aparentemente inagotable destreza con el instrumento que la ha acompañado desde los cinco años, explora temas de vulnerabilidad, expectativas, transformación y la imprevisibilidad de una vida que se desarrolla bajo la mirada pública.
Cada composición se inspira en su pasado: una carrera de una de las artistas más aventureras y pioneras de su generación. Su honestidad y valentía perdurables resuenan, invitando a las personas oyentes a conectar con su historia, mientras traduce sus luchas y triunfos en sonido. Notes To Self no solo muestra la evolución de Catrin como artista, sino que traza una trayectoria notable moldeada por sus experiencias como mujer lesbiana, superviviente de cáncer, hermana, hija y madre.
El álbum comienza con "13", un número mágico para Catrin y la era del yo pasado al que se dirige. Hay una inmediata sensación de inocencia en esta melodía inicial que se transforma en una sensación de aventura y progreso a medida que la pieza evoluciona hacia un arreglo más intrincado, con melodías danzantes y motivos complejos. "Adre" es una carta de amor a casa (Catrin creció en Llanon, Cardigan Bay, al oeste de Gales). Contiene hermosas y luminosas secuencias de arpa, interpretadas a un ritmo suave, con notas arpegiadas que evocan imágenes de olas ondulantes y vida marina en lento movimiento.
En contraste con esto está "Black Holes", inspirada en esos aterradores sueños infantiles sobre la existencia. La naturaleza contrastante de la música aquí se refleja en las notas de la canción, donde Catrin le escribe a una "Katy" de trece años sobre "estrés y profunda preocupación", pero señalando que "de la mayoría de los agujeros se pueden salir".
Otra pieza destacada es "Clear Sky", un hermoso fragmento musical que se interpreta con arpa acústica, lo que le da a la música un aire mucho más clásico. "Together Again" es una canción que aborda el cambio y la ansiedad en torno a los sentimientos; en el centro está esta solidez tranquilizadora a través de la melodía, una pieza llena de profundidad, emoción e inteligencia musical. Por su parte, "Môr Arianrhod" contiene notas graves que le aportan un carácter ligero y onírico, en el que abundan imágenes de ríos fluyendo y hojas mecidas por el viento. Notes To Self es otro ejemplo de la variedad y profundidad que se puede encontrar en el mundo del arpa. Este álbum, de poco menos de una hora de duración, se transmite con gran fluidez y está magistralmente compuesto, con reflujos, luces y sombras, y una gama de emociones que recorren las cuerdas. Añadir que las sentidas letras en las notas que acompañan cada canción le da al proyecto una mayor carga emocional. Una hermosa obra de una de las mejores, Notes To Self es un tesoro para guardar.
tracks list:
01. 13
02. Adre
03. Kin (feat. Ana-Gwen Wigley & Pegi Wigley)
04. Black Holes
05. Clear Sky (acoustic)
06. Who We Were
07. Together Again
08. Môr Arianrhod
09. There´s Always Time
10. Be Gone, Begin
11. Angels
Café Feminina es una vibrante colección de Putumayo que nos trae artistas contemporáneas de todo el mundo, unidas por el poder de la voz y la historia. Cantando en catalán, malgache, portugués, árabe, mandarín, francés, español, sánscrito y otros, estas artistas exploran el amor, el anhelo, la resiliencia y la transformación.
El álbum se mueve con soltura entre el folk íntimo, los ritmos ancestrales, el canto devocional y las texturas del pop moderno. Juntas, estas canciones crean un espacio de encuentro global donde las voces de las mujeres marcan el camino.
La cantautora parisina Aure Delaroière crea canciones íntimas y depuradas, marcadas por una intensidad serena y una contención poética, entrelazando el francés, el inglés y el español como reflejos fluidos de la identidad y la memoria. Nancy Vieira es una cantante conocida por su voz cautivadora y sus ricas versiones de géneros musicales tradicionales caboverdianos, que interpreta "Sol Di Nha Vida", una luminosa canción de amor escrita por Mário Lúcio que se inspira en la sensibilidad poética de Cabo Verde y el suave vaivén de la morna. Karima Nayt (cantante, bailarina y actriz argelina) canta "Benti", una súplica de una madre a su hija que abandonó su hogar en busca de libertad, moldeada por el amor y el peso de la tradición. Raya, nombre artístico de la compositora, cantante y actriz brasileña Paula Raia, se une a su compatriota Júlia Mestre en una meditación sobre el tiempo, el movimiento y la autodeterminación. Por su parte, Loko Gasy es un cuarteto malgache dedicados a renovar y preservar el patrimonio musical de su país, Madagascar, que ha desarrollado un sonido distintivo que llaman antsabeko que combina formas ancestrales con influencias del jazz contemporáneo y la fusión. En el centro del grupo se encuentra la cantante Saholiarisoa Safidinirina.
Anna Andreu es una cantautora catalana cuyas canciones se basan en la imaginería natural y la intensidad serena, donde la intimidad se vuelve luminosa y la contención cobra fuerza. "Roja i espessa" narra una impactante metáfora de transformación, pasando de la vulnerabilidad a una determinación firme.
La cantautora colombiana Victoria Sur es conocida por mezclar estilos folclóricos latinoamericanos con un sonido fresco, su música explora temas de amor, paz y naturaleza. "Si Se Te Olvida el Camino" es una canción de amor que transforma el recuerdo en promesa, donde un beso se convierte en el hilo que une a dos personas a través de la distancia. Van Lefan es una artista interdisciplinaria taiwanesa residente en Vancouver. Cantando en mandarín e inglés, fusiona folk, pop y texturas experimentales en canciones que exploran la ascendencia, la identidad y la pertenencia. "Green Island Serenade" es un clásico mandarín muy querido de Taiwán de la década de 1950, reinterpretado aquí como una canción de cuna personal y una carta de amor al hogar. Geneviève Racette es una cantautora de folk-pop-americana nacida en Quebec. Cantando tanto en francés como en inglés, conecta comunidades musicales con una voz profundamente personal. "Le roseau" es una silenciosa declaración de resiliencia tras el amor. Renée Sunbird es una cantautora, yogini y compositora ganadora de un Emmy formada en Viena, cuya música conecta la práctica contemplativa con el sonido global. "Namo Amitābha" combina un dhāranī sánscrito tradicional, un canto devocional utilizado para la meditación y la concentración, con una melodía original. El texto honra a Amitābha, el Buda de la luz infinita, la sabiduría y la compasión, e invoca el despertar y el resplandor interior.
tracks list:
01. Aure – Mi Corazón (France)
02. Nancy Vieira - Sol Di Nha Vida (Cabo Verde)
03. Karima Nayt – Benti (Algeria)
04. RAYA with Júlia Mestre - Comentário a Respeito de Belchior (Brazil)
05. Loko Gasy - Mampamangy (Madgascar)
06. Anna Andreu - Roja i espessa (Spain / Catalonia)
07. Victoria Sur - Si Se Te Olvida el Camino (Colombia)
08. Van Lefan - Green Island Serenade (Taiwan / Canada)
09. Geneviève Racette - Le roseau (Canada / Quebec)
10. Renée Sunbird - Namo Amitābha (Austria / India)
Durante los últimos 25 años, la cultura y la música tuareg han fascinado al mundo. Sus canciones poéticas, casi sagradas, inspiran a compositores occidentales; el virtuosismo de su guitarra fascina a figuras clave y, finalmente, su espiritualidad e hipnotismo meditativo impresionan a productores de música.
Con dos álbumes (Imarhan, en 2016, y Temet, en 2018) Imarhan (que en tamasheq significa "aquellos que se aman, que se codean y son sinceros") se ha convertido en un emblema de la nueva generación tuareg, revitalizando el "Assouf", el blues del desierto. El grupo, liderado por Iyad Sadam, forma parte de su cultura y de su ciudad, la capital del pueblo tuareg, con una puerta abierta al desierto.
En 2021, aprovechando el parón de la pandemia y parte de lo obtenido en sus conciertos, se decidieron a construir el primer estudio de grabación en su villa natal, Tamanrasset, llamado Aboogi, en homenaje a las primeras estructuras que ayudaron a formar sus pueblos ancestrales. De ahí que su último álbum se titulara así, reflejando el arraigado espíritu de comunidad que respiran sus canciones.
A diferencia de sus dos trabajos anteriores, este disco se revela más introspectivo, lleno de sensaciones y percepciones, con la colaboración de la banda hermana Tinariwen, los padrinos del Assouf: el genial músico Abdallah Ag Alhousseyni en "Tindjatan", y el poeta Mohamed Ag Itlale (alias Japonais) poniendo su suave ritmo en "Tamiditin".
Gruff Rhys (Super Furry Animals) canta una canción para sus héroes en su galés natal, "Adar Newlan". Invitando a la cantante sudanesa Sulafa Elyas en la conmovedora "Taghadart", se entiende que Imarhan está abierto a toda África, erigiéndose en portavoz de la juventud tuareg, dispersa y olvidada por los gobiernos de la zona.
Imarhan habla sobre el vínculo con la naturaleza, la opresión, la juventud perdida, pero también y especialmente sobre la esperanza y la lucha en riffs de guitarra arenosos, coros fascinantes y letras poéticas.
