AMMAR 808 – Maghreb United (2018)

Detrás de AMMAR 808 está Sofyann Ben Youssef, la mente sónica detrás de la sensación tunecina Bargou 08 y su monumental disco Targ (2017). Con Maghreb United los graves de la TR-808 se encuentran con ritmos panmagrebíes, voces atemporales y visiones futuristas. Se trata al mismo tiempo de una llamada a la acción que cuestiona los convencionalismos políticos en el norte de África y una reinvención electrónica radical del misticismo y fantasías folclóricas del Magreb.
AMMAR 808 y el proyecto someten la tradición musical de países como Marruecos, Argelia o Túnez, a una fuerza reactiva y electrizante, escribiendo su propia historia a base de ritmos palpitantes y la reinvención estética y sonora de sus raíces. A Youssef le acompañan The Maghreb United: Cheb Hassen Tej (Túnez), Sofiane Saidi (Argelia) y Mehdi Nassouli (Marruecos), voces que ayudan a articular uno de los proyectos electrónicos más vibrantes del presente del continente vecino. Con canciones de las historias del targ, gnawa y raï, y una TR-808 junto a un gembri distorsionado (interpretado por Nassouli), una flauta gasba y una gaita zokra (Lassaed Boughalmi), Maghreb United se extiende para abarcar toda la zona norteafricana.
"En el pasado, el Magreb era una región enorme, pero muy diversa dentro de sus fronteras. Pero hoy, el mundo mantiene a cada persona separada. El álbum no trata tanto de una región magrebí unida, sino de cómo podemos conectarnos mientras observamos nuestras diferencias (nuestras diferencias son también nuestra conexión) y las usamos para unirnos como humanos... Cuando hablas de los problemas de hoy, ya es demasiado tarde. La gente habla de lo que debería ser, cuando necesitas proyectar sobre el futuro", dice AMMAR 808.
Y con Maghreb United eso es exactamente lo que hace. Es la gran reinvención de la música de una región. Es una llamada a la acción. Es el futuro, ahora mismo.

Página web oficial: Sofyann Ben Youssef

tracks list:
01. Degdega (feat. Sofiane Saidi)
02. Sidi kommi (feat. Mehdi Nassouli)
03. Ain essouda (feat. Cheb Hassen Tej)
04. El bidha wessamra (feat. Cheb Hassen Tej)
05. Layli (feat. Mehdi Nassouli)
06. Alech taadini (feat. Cheb Hassen Tej)
07. Ichki lel bey (feat. Cheb Hassen Tej)
08. Kahl el inin (feat. Sofiane Saidi)
09. Boganga & sandia (feat. Mehdi Nassouli)
10. Zine ezzine (feat. Sofiane Saidi)





Urban Village – Udondolo (2021)

Con los pies en la tradición y la mirada en el futuro, los cuatro músicos de Urban Village se propusieron crear conciencia sobre la cultura y la historia del municipio sudafricano de Soweto, la ciudad dormitorio diseñada por el régimen del apartheid que se convirtió en el hogar de personas de todo el país, trayendo consigo sus diversas identidades culturales y musicales. Urban Village encarna esta historia, y nos plantean en su último trabajo Udondolo (Walking Stick) una cuestión no sólo musical sino identitaria, se inspiran en su educación en Soweto y construyen su imaginario a partir de la idea cuasi romántica de la vida en los entornos rurales.
Urban Village se formó en 2013 cuando el líder de la banda, el guitarrista Lerato Lichaba, se asoció con el vocalista y flautista Tubatsi Mpho Moloi (que también interpreta la mbira), el baterista Xolani Mtshali y el bajista Simangaliso Dlamini. Todos nacieron en Soweto en los últimos días del apartheid, y la historia de Urban Village es una de encuentros fortuitos y valores compartidos.
Lichaba es un ex alumno de Bantu Continua Uhuru Consciousness (BCUC), el colectivo de vanguardia de Soweto que toca "futuro pop afropsicodélico" y canta en los once idiomas oficiales de Sudáfrica. Naturalmente curioso, un día Lichaba se encontró con músicos zulúes mayores que tocaban maskandi en una esquina de Soweto. Lichaba se inspiró para comenzar a mezclar este maskandi de la vieja escuela y otros estilos de sus lugares natales y rurales a los que había estado expuesto para crear algo completamente nuevo. El laboratorio para estos experimentos serían sesiones de improvisación en clubes donde la palabra hablada, el hip-hop y el jazz comulgaran y donde Lichaba conoció a Tubatsi.
Cantado en inglés y zulú y cocinado en su estudio casero, Udondolo es un guiso con lo mejor de la música sudafricana de las últimas décadas: kwaito, jazz, amapiano, mbaqanga, pop, maskandi o swing, y la energía espiritual de los coros sudafricanos, cocidos a fuego lento, sin prisas y mezclando todos sus sabores. Un disco fresco y auténtico, en el que las ideas fluyen con suavidad, dejando espacio para respirar, pero trazando nuevos caminos en cada una de sus canciones. Además, Udondolo parece estar bañado por una luz clara, amable y alegre, dejando la agresión de los beats modernos a un lado. Cortes como las iniciales "Izivunguvungu", "Dindi" y "Ubaba", la simpatía de "Marabi" o "Empty K-Set" o la delicadeza de "Ubusuku" y "Umhlaba Wonke" conforman un trabajo sin apenas altibajos, delicioso, inclasificable y sorprendente.
Un viaje a través de todos los colores de Soweto, que se ha convertido en un laboratorio de música donde resuenan, aún hoy, las esperanzas de todo un pueblo.

facebook: Urban Village

tracks list:
01. Izivunguvungu
02. Dindi
03. Ubaba
04. Ubusuku
05. Madume
06. Sakhisizwe
07. Marabi
08. Umuthi
09. Inkani
10. Makolo Yanga
11. Empty K-Set
12. Umhlaba Wonke ft. Msaki





Catrin Finch & Seckou Keita – ECHO (2022)

Catrin Finch (la arpista más célebre de Gales) y Seckou Keita (uno de los intérpretes más excepcionales de la kora de Senegal) unieron su maestría y virtuosismo para grabar, hace casi diez años, el sublime Clychau Dibon, un precioso disco instrumental en el que confluían la música mandinga de África occidental y las antiguas melodías del País de Gales. Luego vino SOAR (2018), en el que exploraban su conexión emocional como migrantes y nómadas a través de la historia de Osprey (el águila pescadora), descubriendo y celebrando los paralelismos y las diferencias culturales entre el arpa galesa y la kora africana. ECHO vuelve a celebrar este sentido de conexión y lo convierte en un todo sin fisuras. También pone de relieve la importancia del amor, las relaciones, la muerte y la memoria, grandes temas existenciales especialmente presentes dadas las circunstancias excepcionales que hemos vivido en los dos últimos años de pandemia.
Partiendo de esta premisa, el álbum arranca con una radiante pieza titulada "Gobaith", que significa "esperanza" en galés. La música es hermosa en su complejidad y estructura, comenzando con un brillante estribillo de arpa, entrando la kora con toques de color sobre un susurro de las ricas notas del contrabajo de Claire Whitson antes de la suave introducción de las cuerdas.
La adición de cuerdas en cuatro de los temas es una novedad para el dúo, lo que marca un cambio distintivo en la forma de su sonido, creando una diferencia efectiva en la textura de las pistas con cuerdas involucradas y enfatizando el espacio donde están ausentes. No obstante, el equilibrio del sonido es idóneo en todo momento, y el septeto de cuerdas nunca ensombrece la esencia de los sonidos del arpa y de la kora.
Este equilibrio se muestra, de forma maravillosa, en "Chaminuka", una canción en homenaje al viejo amigo y compañero de Seckou, Chartwell Dutiro, virtuoso de la mbira. El patrón de arpa y kora imita la hermosa cadencia de la música mbira de Zimbabwe antes de la fluida transición a cuerdas, cuando Seckou canta en shona un lamento por su amigo, una preciosidad.
"Dual Rising" está inspirada en una colaboración que realizaron con el virtuoso arpista de joropo colombiano Edmar Castañeda. Una pieza de potentes arpegios que sugieren la improvisación libre, saltando entre arpa y kora y transmitiendo una sensación de libertad y energía pura que se transfiere maravillosamente en un escenario en vivo.
"Tabadabang" es una canción basada en la familia y en la inocencia de la aventura y los viajes en la infancia. La amabilidad y la gentil picardía que conforman el contexto se retratan en un sonido juguetón y suavemente eufórico, evocando esa inocencia de la infancia y la introducción sutil de las aventuras de la vida.
"Jeleh Calon" significa "sonrisa" en mandinga y "corazón" en galés. Las cuerdas de Catrin imitan el latido del corazón antes de que entre la kora de Seckou con una hermosa melodía que ilumina y proporciona una sonrisa efectiva. La introducción de otros sonidos de cuerda nuevamente permite que los dos instrumentos se entrelacen majestuosamente uno alrededor del otro, la música se desplaza y progresa como una vida.
"Jula Kuta" cierra el trabajo, siendo una demostración musical de lo lejos que han llegado Finch y Keita, con la intención de mostrar el rango de una kora de doble cuello que Seckou creó en 2007. Jugando con la escala cromática de D (Re) bemol a A (La) tanto en el arpa como en la kora, se divierten en algunos puntos al producir arpegios deliciosamente agudos. Llegado a este punto, la sutileza es una habilidad tan clave como la velocidad, y la música logra una sensación de satisfacción silenciosa a medida que los dos instrumentos se desvanecen. Ponen fin a otra obra maestra, un hermoso álbum de dos artistas que operan a la altura de su maestría.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Gobaith
02. Chaminuka
03. Dimanche
04. Dual Rising
05. Tabadabang
06. Jeleh Calon
07. Julu Kuta





Oumou Sangaré – Timbuktu (2022)

Oumou Sangaré es conocida en todo el mundo por su música vibrante que a menudo contiene mensajes revolucionarios sobre los derechos de las mujeres, la tradición y la pobreza. Considerada una de las reinas de la música africana, su corona está hecha del orgullo de un linaje femenino de cantantes aficionadas que tuvieron que salir adelante solas, trabajando de lo que fuese: sabe de lo que habla cuando menciona la labor incansable de las mujeres, en un país que soporta la poligamia, el matrimonio infantil y la mutilación genital, predominantemente en las regiones rurales. Ella consiguió consagrarse a la música.
Por su fuerte activismo social y cultural, la artista ostenta los títulos de Embajadora de Buena Voluntad de la ONU, Comandante de la Orden Nacional de Malí y Caballero de la Cultura en Francia.
En marzo de 2020, poco después del Festival Internacional de Wassoulou (FIWA), un evento que Oumou lanzó en 2016 para promover su región natal en el sur de Malí, Sangaré se fue a Estados Unidos. Solo había planeado quedarse unas semanas, pero llegó el confinamiento por Covid-19, primero en Nueva York y luego en Baltimore, un lugar en el que rápidamente se sintió como en casa. "Algo en esa ciudad me atrajo enseguida. Me sentí tan bien allí que me compré una casa". Una vez instalada en su nueva morada, pasó los días escribiendo canciones con la ayuda de un viejo amigo, Mamadou Sidibé, que ha sido el intérprete de kamele n'goni de Oumou Sangaré desde el principio.
De este periodo de reclusión forzosa nacieron diez de las once canciones de Timbuktu, el nombre de una "ciudad sagrada", venerada por Sangaré, que contiene toda la nostalgia de esos seis meses alejada de sus seres queridos y su oposición a la guerra, a todas las guerras, pero sobre todo a la que mantiene en pulsante dolor a Malí desde hace diez años. El contrapeso de la guerra es la música. La de Timbuktu es vitalista, bailable, muy reconocible en sus orígenes y, no obstante, con el atractivo de los arreglos del buen pop internacional.
Coproducido con Nicolas Quéré y Pascal Danaë, el álbum teje íntimas conexiones sonoras entre los instrumentos tradicionales de África Occidental y los vinculados a la historia del blues, sobre todo el kamele n'goni y sus herederos lejanos, el dobro y la guitarra slide. En el disco, la cantante expresa sus pensamientos sobre temas como los indescifrables misterios de la existencia, las canciones son metáforas hechas de la naturaleza africana y sus habitantes con las que Sangaré trabaja para rendir tributo "al amor, a la infancia desfavorecida y, sobre todo, a las mujeres que son las que más trabajan, las que primero se levantan y las últimas que se acuestan".
"La música está dentro de mí", declara Oumou. "Sin ella, no soy nada, ¡y nada puede quitármela! He puesto mi vida en este disco, toda mi vida, esta vida en la que he conocido el hambre, la humillación de la pobreza y el miedo, y de la que hoy saco la gloria".

Página web oficial: Oumou Sangaré

tracks list:
01. Wassulu Don
02. Sira
03. Degui N´Kelena
04. Gniani Sara
05. Timbuktu
06. Sarama
07. Kanou
08. Demissimw
09. Kêlê Magni
10. Dily Oumou
11. Sabou Dogoné





Bonga – Kintal da Banda (2022)

Ícono de la música angoleña, Bonga lleva más de cincuenta años de carrera artística y pertenece a esa casta de cantantes de África que han sublimado sus raíces, aportando un acertado significado al multifacético concepto de "africanidad". Nacido como José Adelino Barceló de Carvalho, cambió su nombre a Bonga Kuenda llegado a la adolescencia, una primera muestra de su conciencia sobre las realidades del colonialismo portugués.
"Toda la cultura angoleña estuvo bajo dominación portuguesa. Se prohibieron los idiomas tradicionales, al igual que la música africana. No teníamos armas con las que luchar, así que organizamos la resistencia cultural, especialmente formando grupos folclóricos, incluido Kissueia, mi primera banda. Con Kissueia canté canciones que revivían formas africanas ancestrales y cuyas letras hacían clara referencia a la convulsa situación de la época, la pobreza, la violencia colonial y la revuelta latente".
Con 23 años salió de su Angola natal para convertirse en atleta, llegando a ser plusmarquista portugués de los 400 metros, mientras jugaba un papel activo en el Movimiento Popular para la Liberación de Angola. En 1972 abandonó el atletismo para concentrarse únicamente en su música, haciéndose inmediatamente famoso en su Angola natal y en Portugal. Exiliado en Holanda, allí grabó con músicos caboverdianos un desgarrador primer álbum titulado Angola 72, disco que se convirtió rápidamente en una especie de banda sonora para la lucha de Angola por la independencia. En París grabó un segundo álbum que resultó tan importante como el primero, Angola 74, con una magnífica versión de "Sodade", que sería popularizada por Cesária Évora casi veinte años después. Después de la Revolución de los Claveles en abril de 1974, estos dos discos se convertirían en éxitos tanto entre migrantes de las ex colonias portuguesas como entre la ciudadanía portuguesa de ascendencia africana y europea.
A lo largo de estos años ha publicado más de cuarenta discos y escrito más de cuatrocientas canciones, cantando en portugués y en lenguas angoleñas tradicionales, y mezclando sonidos folclóricos portugueses, semba, kizomba y elementos latinos. Y aún mantiene intactas las ganas de seguir haciendo música. Kintal da Banda, su nuevo álbum, nos devuelve a las vivencias que marcaron su camino y encienden en la memoria la misma llama que llevó consigo al escenario en los momentos únicos de sus innumerables conciertos.
Grabado entre Lisboa y Paris, Kintal da Banda ha sido producido por el excelente guitarrista Betinho Feijó, el director musical que le ha acompañado en los últimos veintiocho años. El álbum está dedicado al patio de la casa en donde vivió de niño y también, por extensión, a todos los patios del mundo. Los patios son lugares de encuentro y de convivencia. Bonga recuerda las frases, los colores, los olores, y los sabores. Su patio, abrumado por un sol abrasador, era el lugar en donde familias y vecindad se encontraban, y donde se formó su conciencia social y política. En cuanto a la música, Kintal da Banda está salpicado de semba, la música "raíz" de su país. Un álbum lleno de nostalgia que no se desvía de las reivindicaciones sociales y políticas que siempre han impregnado la música de Bonga.

Página web oficial: Bonga Kuenda

tracks list:
01. Kintal da Banda
02. Kúdia Kuetu (feat. Camélia Jordana)
03. Kakibangá
04. Kalú Pu
05. Mukua Ndange
06. Sembenu
07. Kolenu
08. Ti Zuela
09. Gienda
10. Sem Kijila
11. Ivuenu





Dulce Pontes - Perfil (2022)

Dulce Pontes es una de las grandes cantantes del panorama musical portugués, destacando por la versatilidad de su voz y la emoción que transmite en cada canción que interpreta. Perfil es su nuevo disco que representa uno de sus proyectos más personales, con una vuelta a sus raíces, a las y los artistas y a las historias que la inspiran, una colección que se mueve entre el fado y la música popular portuguesa, y abre sus horizontes al jazz y a la música latina.
Con producción de Dulce Pontes y el músico cubano Yelsy Heredia, el proyecto tiene en su interior "un homenaje" que Dulce Pontes ha querido "hacer de una manera más amplia". "En primer lugar, Amália Rodrigues, siempre, pero no menos Hermínia Silva, también, Fernando Maurício y Alfredo Marceneiro, que tiene mucha historia que contar fuera de Portugal, y en Portugal también. Me da la idea de que las nuevas generaciones apenas saben y creo que es importante". "Sentí que tenía este álbum en deuda con la gente que ama el fado y a la que le gusta escucharme cantar fado, y que lo esperó mucho tiempo, a pesar de que siempre he seguido grabando fado. En cualquiera de mis registros fonográficos, siempre está ahí", señala.
"Na língua das canções", escrita por Tiago Torres da Silva, muestra la creatividad de Dulce Pontes y su voz. "Amapola" es una canción tradicional de los años 20 de José María Lacalle García, interpretada por primera vez íntegramente en portugués, con una impresionante adaptación de Dulce Pontes.
"Valsa da libertação" es la única colaboración del álbum, escrita por Pedro Homem de Mello, con arreglos y voz de Ricardo Ribeiro. Se incluye "Soledad", escrita por Cecília Meireles (con música de Alain Oulman) y cantada originalmente por la fadista Amália Rodrigues, pero nunca antes grabada en estudio. En este nuevo trabajo, Pontes canta temas popularizados por Alfredo Marceneiro, "O leilão da casa da Mariquinhas", Celeste Rodrigues, "Lenda das algas" y Hermínia Silva, "Fado mal falado". Además, realiza una deliciosa versión de un tema popular de Idanha-a-Nova, "Laranjinha".
"Porque" se basa en un hermoso poema de Sophia de Mello Breyner Andresen; "Retrato" con letra de Maria Mamede, está escrito y dedicado a Dulce Pontes, y "Dulce caravela", escrito y compuesto por la propia artista, es una oda al mar, llena de anhelo y esperanza.

Página web oficial: Dulce Pontes

tracks list:
01. Na língua das canções
02. Amapola
03. Leilão da casa da mariquinhas
04. Valsa da libertação (com Ricardo Ribeiro)
05. Soledad
06. Fado mal falado
07. Lenda das algas
08. Laranjinha
09. Porque
10. Retrato
11. Dulce caravela





Arooj Aftab – Vulture Prince (2021)

Pocas veces nos encontramos con un trabajo de una belleza tan absoluta y conmovedora como la de Vulture Prince, el último disco de la cantante y compositora Arooj Aftab por el que ha recibido el "Grammy Award for Best Global Music Performance".
Arooj Aftab es una artista pakistaní afincada en Brooklyn que, con cada proyecto que lleva a cabo, revela un lado diferente de su vasta personalidad musical. Reinterpreta, reimagina, resignifica, ya sea como cantante o como compositora de bandas sonoras (con Emmys y Oscars en su haber), como admiradora de Nusrat Fateh Ali Khan y Abida Parveen o como fan de Jeff Buckley y Prince, como revolucionaria de la música qawwali o los gazals o como importadora de vanguardias de la contemporánea, la clásica o el jazz.
Vulture Prince es su declaración más convincente y clara hasta el momento: una meditación sobre los diferentes tipos de pérdida, ninguna más profunda que la muerte del hermano menor de la vocalista, Maher, mientras escribía las canciones para este álbum. Sin embargo, las siete piezas nunca se sienten pesimistas, gracias a la ligereza inherente en su voz cristalina y la claridad de los arreglos. Los resultados son etéreos, pero nunca anodinos. La compositora tiene una extraña habilidad para hacer música con capas y capas de instrumentación, y que todo se sienta ligero, ordenado, minimalista en los oídos.
Actuando como un segundo capítulo del debut de Aftab en 2015, Bird Under Water, Vulture Prince abre con una nueva composición de "Baghon Main", una canción de su primer álbum, profundamente melancólica y nostálgica. Aftab emplea letras clásicas en urdu de los ghazales paquistaníes tradicionales, como "Mohabbat", donde lamenta un rechazo romántico cantando: "La tristeza de esto es igual a la tristeza de todo el mundo". Evita la instrumentación tradicional, aunque sus frases alargadas y serpenteantes a veces recuerdan a la música folk pakistaní. En su lugar, trabaja con un excelente elenco de artistas que dominan el jazz, la música clásica contemporánea y el folk, lo que permite que su voz maravillosamente meditativa se desplace en medio de la percusión manual de Jamey Haddad, el entramado de arpegios articulados por la resonante guitarra acústica de Gyan Riley y el arpa chispeante de Maeve Gilchrist, todos ellos acentuados por las tiernas notas del fliscorno de Nadje Noordhuis, los destellos etéreos del sintetizador de Shahzad Ismaily y el oleaje ambiental del violín de Darian Donovan Thomas. A lo largo del álbum, Aftab transforma el sufrimiento en belleza rapsódica con su fraseo exquisito y elástico, traduciendo el dolor en aceptación a medida que se desarrolla cada canción.
La guitarra de Badi Asad le da a "Diya Hai" otra reflexión sobre el amor perdido, cada frase es respondida por elegantes arreglos de cuerdas interpretados por el cuarteto Rootstock Republic. La adaptación de Aftab del poema de Rumi en "Last Night" emplea un escenario de reggae sorprendente, pero su canto bellamente medido evita que el pivote estilístico suene fuera de lugar.
Canciones que divagan a su ritmo, sin prisa, embriagadas por sus propias emociones, cálidas, tranquilas e, incluso, luminosas, hacen de Vulture Prince un trabajo que trasciende toda etiqueta y contexto. Excepcional.

Página web oficial: Arooj Aftab

tracks list:
01. Baghon Main (feat. Darian Donovan Thomas)
02. Diya Hai (feat. Badi Assad)
03. Inayaat
04. Last Night
05. Mohabbat
06. Saans Lo
07. Suroor





Redi Hasa – The stolen cello (2020)

Decca Records y el equipo de Ludovico Einaudi presentan con orgullo el álbum debut de Redi Hasa, considerado uno de los mejores cellistas del mundo: The stolen cello, la inspiradora historia de un joven atrapado en el conflicto albanés en los años 1990, mientras navega hacia su nueva vida en Italia con su posesión más preciada, un violonchelo robado.
Hijo menor de una profesora de violonchelo y un bailarín de la Universidad de las Artes de Tirana, Albania, Redi Hasa comenzó a estudiar violonchelo en la infancia, ingresando posteriormente en la misma Universidad. A partir de 1997 Albania se precipitó hacia la guerra civil, abrumada por la pobreza y los disturbios financieros. Con 20 años, inscrito en el Conservatorio, las nubes del conflicto comenzaron a acumularse sobre sus cabezas. "Tengo miedo de salir de casa. Todos tenemos miedo", dice, recordando un período que debería haber sido de despreocupación juvenil. El hermano mayor de Hasa, pianista y 11 años mayor que él y que vive en Italia, lo alentó a unirse a él para escapar de la escalada de violencia.
Al llegar al puerto de Bari por Mar, en el sur de Italia, incapaz de hablar el dialecto local, Hasa comienza el segundo acto de su vida, después de haberse llevado consigo el único artículo que podría ser de alguna ayuda: el violonchelo de la Academia de Música. Gracias a su talento, obtuvo el ingreso en el Conservatorio Tito Schipa de Lecce y contó con una beca con la que pudo terminar su formación musical, la misma que le ha llevado tan lejos.
Redi Hasa ha lanzado su primer álbum en solitario después de haber trabajado durante muchos años como parte del grupo de gira de Ludovico Einaudi, y participando en su ambicioso proyecto Seven Days Walking (2019). También ha colaborado con Kočani Orkestar, Boban Marković Orkestar, Bobby McFerrin y Paolo Fresu. En 2008 se unió a la Orchestra Notte della Taranta, y en 2010 comenzó un dúo muy exitoso con la cantante Maria Mazzotta, grabando dos álbumes y participando en muchos festivales internacionales.
El compositor albanés también ha colaborado con productores y compositores reconocidos internacionalmente como Mercan Dede, Alva Noto, Akin Sevgör y el propio Ludovico Einaudi con una selección de pistas para complementar el lanzamiento del álbum.
A través de su nuevo álbum, producido por Alberto Fabris y Titti Santini, Redi Hasa muestra (con su virtuosismo) la naturaleza "cantada" del violonchelo, explotando su voz con una historia profundamente personal de esperanza y supervivencia. Un homenaje a su historia como migrante que buscaba únicamente un futuro mejor. Una preciosidad.

Página web oficial: Redi Hasa

tracks list:
01. Dajti Mountain
02. Cherry Flowers (Lule Qershie)
03. Wave (Dallga)
04. Little Street Football Made of Socks (Topi Me Çorape)
05. Seasons going by (Stinët Që Kalojnë)
06. 1990 Autumn Escape (Ikja e Vjeshtës 1990)
07. The Snow (Bora)
08. Shadows Drown On The Streets (Rrugët Që Prisnin Hijet)
09. The Silence Of The Trail (Heshtja e Malit)
10. Time
11. Butterfly (Flutur)
12. The Prayer of the Moon (Lutja e Hënës)





Fatoumata Diawara – Maliba (2022)

La traslación de los planetas y la inclinación de la Tierra respecto al Sol, el derecho de niñas y niños a una educación de calidad, cómo descubrir la enfermedad de un paciente a través de su orina y el cálculo matemático para repartir una herencia; los límites del poder frente a la corrupción o la injusticia, los relatos de viajeros que llegaron a China o se hicieron a la mar rumbo a lo desconocido, la fundación de ciudades e imperios, cuentos y poesía... El contenido de los antiguos manuscritos de Tombuctú de entre los siglos XI y XX son el mayor patrimonio escrito del continente africano, y se muestra por primera vez al público gracias al acuerdo entre la asociación Savama-DCI y Google Arts & Culture, revelando la existencia de una profunda y riquísima tradición escrita en África. Es apenas una pequeña muestra, pero su historia es fascinante.
En 2012, el grupo yihadista Ansar Dine se hace con el control de Tombuctú e impone su radical visión de la vida. Entre otras medidas, destruyen edificios históricos como mausoleos o la puerta de la mezquita de Sidi Yahya. Los manuscritos estaban en peligro y residentes de la ciudad los sacan a escondidas, junto con muchos de sus tesoros. En enero de 2013, los extremistas queman varios cientos de legajos que estaban expuestos en el Cedrab; sin embargo, la treta funcionó y la pérdida fue mínima. Ansar Dine fue expulsado y, desde entonces, se están llevando proyectos para reconstruir las colecciones.
Maliba, de Fatoumata Diawara, forma la banda sonora de la presentación en línea de los manuscritos en Google Arts & Culture. Fatoumata canta sobre los tesoros de Malí y cuenta la historia de su preservación; las canciones brotan de los manuscritos y celebran el espíritu de la ciudad y su patrimonio cultural, y la importancia de valores como la educación, la unidad y la solidaridad.
"Kalan" hace alusión a los erúditos de los manuscritos de Tombuctú, que escribieron que la educación es un derecho humano básico al que deben poder acceder tanto niños como niñas. El orgullo de Malí, su resiliencia y su legado son el tema principal de "Mali Ba", que aboga por fomentar el patrimonio nacional. El rapero Master Soumy interviene: "I owe my humanity and honour to Timbuktu/Mali, Africa, Europe, it belongs to everyone". Otras voces participan, cantando en tamasheq, el idioma de los tuaregs, una ilustración musical de la unidad de Malí. En "One day", Fatoumata canta en inglés antes de hacerlo en bambara "We will realise/That the manuscripts in our possession/Have great significance", habla del legado de los manuscritos (algo de lo que saben bastante las familias que los han protegido durante generaciones), señalando la esperanza de que el conocimiento que albergan estos manuscritos llegue a todos los rincones del mundo.
"Save It" trata con incomodidad el legado de la esclavitud y las preguntas sobre qué partes de la herencia vale la pena salvar. En "Sini", Diawara apela a sus coetáneos/as malienses y de todo el mundo para que se unan y apoyen la protección de los tesoros culturales de Malí para generaciones venideras, desde la restauración física de sus monumentos más emblemáticos hasta la documentación de tradiciones musicales en vías de extinción.
"Yakandi" es un himno que concluye el álbum, haciendo un llamamiento a la unidad, la comunidad, las familias y ese sentimiento que nos produce sabernos en casa, "I don’t discriminate, we are all the same/The Bambara is black, you are white/Let’s unite and march together". Fatoumata muestra abiertamente lo orgullosa que está de su país y de sus gentes, a la vez que despierta en las y los oyentes el interés por aprender cosas de Malí, una tierra enamorada de la música, la cultura y la unidad de sus pueblos. Dice Diawara: "Este proyecto significa mucho para mí. Participar en la protección de los manuscritos de Tombuctú es un gran honor. Las condiciones para hombres y mujeres en Malí son muy diferentes y para una mujer involucrarse en esta preservación cultural es muy importante. Es increíble ser parte de esto y se siente como un sueño. Estoy tan orgullosa y tan feliz. Estoy muy en contacto con mi pasado ancestral. Muchas de las imágenes e ideas que utilizo me vienen en sueños, sueños sobre mis antepasados. Tener la oportunidad de ayudar a proteger nuestro legado ancestral y cultural es muy especial para mí".

Para saber más: "Los manuscritos de Tombuctú se abren al mundo"

Página web: Mali Magic

tracks list:
01. An ka bèn
02. Kalan
03. Maliba
04. One Day
05. Save It
06. Sini
07. Yakandi (feat. Tenin Nayan Diawara x Biwôrô Gang)





Mamak Khadem – Remembrance (2022)

Llamada "una de las maravillas de la música de trance", Mamak Khadem es una impresionante cantante y compositora de formación clásica persa, perteneciente a esa nueva generación surgida de la diáspora iraní de los años 80 del siglo XX que difunde, a lo largo del mundo, su exquisita cultura originaria a través de nuevos talentos musicales que combinan tradición e innovación al mismo tiempo.
Mamak Khadem ha recorrido muchos caminos en su extraordinaria vida. Pasó su infancia y juventud en Teherán durante una coyuntura crítica en la historia de Irán que transformó su vida. Después de dejar Irán para estudiar en Estados Unidos, pasó años como profesora antes de seguir su carrera como cantante y compositora profesional. Viajó para estudiar con grandes maestros de la música en Irán a lo largo de los años. Sus viajes artísticos y activistas le dieron forma a su voz y, hasta el día de hoy, sigue siendo una devota defensora de la diversidad cultural, el cultivo de la tradición musical persa y los derechos humanos.
Mamak interpreta una mezcla impresionante de estilos vocales persas clásicos y diversas influencias musicales contemporáneas. Fue fundadora de Axiom of Choice, la banda innovadora de fusión iraní que influyó y abrió las puertas a otras y otros músicos del género.
En su primer disco en solitario, Jostojoo (Forever Seeking, 2007), Khadem adapta la poesía persa de autores clásicos y contemporáneos para reorganizar en torno a ellas melodías tradicionales de diferentes regiones de Irán, Beluchistán, Armenia, Turquía, Grecia y Kurdistán. A Window To Color (2011) se basa en las palabras del poeta místico sufí y pintor, de origen iraní, Sohrab Sepehri (que incorpora ideas budistas en sus escritos pérsicos), transmitiendo un mensaje de contemplación y celebración de la naturaleza y el medio ambiente. Y en The Road (2015), Mamak sigue con su pasión por la interculturalidad, cruza las fronteras de varias regiones de Irán a Serbia, Bulgaria, Macedonia, Grecia y Al-Ándalus, y vuelve a utilizar de su herencia iraní (como la poesía de Rumí) para reimaginar canciones de otras culturas, tiempos y lugares.
Remembrance, su cuarto álbum en solitario, es un profundo y amoroso tributo a su difunto padre, Mohsen Khadem, y fue creado en el aislamiento de su casa de Santa Mónica durante la pandemia de Covid mientras él vivía sus últimos días en Irán. Debido a las restricciones de viaje, no pudo estar con él por última vez. Con ocho canciones originales elegantes y conmovedoras, Khadem captura un sentido universal de la belleza, el amor, la separación y la pérdida. Khadem escribe: "Remembrance es un viaje musical para sanar la gran pérdida de mi amado padre. Después de su fallecimiento durante la pandemia mundial en 2020, mi dolor ya no podría ser solo por él, sino por todos los que perdimos. El no poder estar a su lado fue profundamente difícil; sin embargo, para tantas personas migrantes en nuestro mundo, la vida misma es como una infinidad de limitaciones. Sentir en mi corazón que mi padre sabía cuánto lo amaba me da una sensación de plenitud y paz. Está conmigo ahora donde quiera que vaya. Dedico este trabajo a su hermosa alma."
Para Remembrance vuelve a utilizar bellísimos poemas de autores persas clásicos del siglo XIII (Saadi Shirazi y Jalāl al-Dīn Muḥammad Rūmī) para trazar su propio camino en cada canción, viajando a través de su sentido del dolor y buscando sabiduría en la memoria. A diferencia de sus trabajos anteriores (enfáticamente acústicos y teñidos con el sonido de la tradición), Remembrance es apropiadamente contemporáneo, con mucho sintetizador, solo puntuado por instrumentos de oriente, creando el efecto de otro mundo tan necesario para este viaje. Para ello, utiliza su voz apasionada y conmovedora y su fantástico estilo ululante combinado sobre grabaciones vocales exquisitamente construidas.
Su compromiso con los derechos humanos, el medio ambiente y el feminismo tienen su botón de muestra en "Entangled" y en la preciosa "Across The Oceans", inspirada en el trabajo de Mamak en los campos de refugiados, donde canta y organiza talleres para niñas y niños para que encuentren fortaleza y esperanza a través de la música. Para la canción, graba el coro de niños/as de forma remota, cuenta con la voz y el piano del Chris Martin (Coldplay), y con Coleman Barks para la traducción y recitación de la hermosa poesía de Rumí.
Co-escrito y co-producido por la propia Mamak Khadem, el gran Jamshied Sharifi, el guitarrista Marc Copely y el cellista Chris Votek, el disco incorpora una amplia gama de influencias musicales. A sus raíces persas en forma de voces e instrumentos musicales, Mamak y Jamshied añaden con elegancia otros elementos musicales como el blues, la música de cámara y la música celta, así como las fascinantes atmósferas electrónicas características de Sharifi. Un álbum memorable.

Página web oficial: Mamak Khadem

tracks list:
01. Remembrance
02. Mina
03. Entangled
04. Across The Oceans (feat. Chris Martin)
05. Dead and Alive
06. Face To Face
07. Messenger
08. Don´t Go Without Me





Quantic & Nidia Góngora – Almas Conectadas (2021)

Almas Conectadas es la segunda producción de Nidia Góngora, cantaora emblema del Pacífico colombiano, y el inquieto productor británico Will Holland, alias Quantic, e integra el recorrido, el viaje musical y la exploración de diferentes sonoridades en sus once años de trabajo conjunto: la recuperación de las tradiciones desde una óptica moderna, de la que son pioneros.
Después del referencial Curao (2017), con esta nueva obra muestran la inabarcable diversidad de dos artistas que trascienden etiquetas sonoras y reducciones geográficas. Su música, aunque nazca en las selvas y ríos de Timbiquí (el lugar de origen de Nidia Góngora, en la costa del Pacífico colombiano), y se haya grabado en el estudio de Quantic en Brooklyn, en realidad abarca todo el universo conocido.
Los temas resumen lo que el dúo ha ido aprendiendo (el uno de la otra, y viceversa) durante estos años de complicidad compartida, mostrando su habilidad para adaptarse a un sinfín de registros, desde la electrónica más sutil y paisajista al ritmo en trance de los tambores afro. Profundizando en el concepto del álbum, Nidia explica: "Almas Conectadas se refiere a la interrelación de las energías cósmicas, el aura y la forma en que se manifiestan desde lo abstracto; somos más que cuerpo y carne y existen innumerables elementos que nos conectan como seres que interactuamos en el universo, no siempre existe el contacto físico para estar conectados".
Almas Conectadas explora la nostalgia del amor imposible, celebra la soltería eterna, llora las almas perdidas en el mar y cuenta las historias de los habitantes de Timbiquí (cuya ubicación y contrastes culturales brindan una inspiración infinita). Protegiendo la esencia del rico cancionero de la región y tratando las tradiciones culturales de la costa del Pacífico con la mayor reverencia, Almas Conectadas es el matrimonio perfecto entre diversidad musical, creación colectiva y diálogo intercultural. Para Nidia, además, es un alegato por la vida y la dignidad, por su confianza en un futuro mejor para las nuevas generaciones en su país.
La voz magnética y la composición cautivadora de Nidia Góngora se combinan con la maestría musical incomparable y la producción pionera de Quantic, a través de once pistas impecables.

facebook: Quantic, Nidia Góngora

tracks list:
01. Doncella
02. El Chiclan
03. Balada Borracha
04. Almas Conectadas
05. Orozul
06. Adorar la Sangre
07. Adiós Chacón
08. Pronto Alivio
09. Macumba de Marea
10. El Avión
11. Vuelve





Lubomyr Melnyk – Corollaries (2013)

Corollaries es el primer trabajo del pianista ucraniano Lubomyr Melnyk en el sello británico Erased Tapes. Grabado y producido por el violinista Peter Broderick con la ayuda adicional de Nils Frahm y Martyn Heyne, el trabajo es un empeño personal del fundador de Erased Tapes, Robert Raths, por compartir el gran legado musical de Melnyk, considerado el pianista más rápido del mundo.
Lubomyr Melnyk es uno de los pianistas y compositores más innovadores y fascinantes de este siglo. Durante la década de 1970 desarrolló un lenguaje totalmente nuevo para el piano, llamado Música Continua, y, con ello, una impresionante técnica física y mental que no tiene precedentes en la historia del piano.
Melnyk siempre ha mostrado una religiosa devoción por el piano, esforzándose por descubrir nuevos horizontes en el proceso físico de tocar el instrumento. Como resultado, ha llevado el arte del piano a territorios desconocidos e inexplorados, donde el acto de interpretarlo llega a mezclarse con una dimensión meditativa y casi metafísica.
Sin tener en cuenta la fama o la fortuna, ha dedicado firmemente su vida a la búsqueda del amor pianístico y la excelencia, que a su vez han creado paisajes maravillosamente mágicos y nunca antes experimentados: para Melnyk, la música convierte al piano en una verdadera orquesta de sonido.
Los ritmos de "Pockets Of Light" a veces sugieren una afinidad con la secuencia "Metamorphosis" de Philip Glass de su álbum Solo Piano (1989). "The Six Day Moment", una pieza para piano solo, tiene un rango impresionante, la mano izquierda hace mucho más que un mero acompañamiento de bajo a las ondas de las notas más altas, la interacción crea cruces que tienen tanto delicadeza como poder.
Da paso a la moderación (comparativa) de “A Warmer Place”, con las notas de violín sostenidas de Broderick que complementan el cambio de Melnyk de patrones simples a más complejos a medida que la pieza se desarrolla en ritmo y variedad de colores.
"Nightrail From The Sun" trae el sonido de la guitarra de Martin Heyne, elevándose y sumergiéndose debajo de las líneas del piano, con una sincronización inmaculada que habla de la confianza mutua de los músicos a medida que avanzan en el diálogo, antes de que el violín de Broderick regrese para la melancólica "Le Miroir D'Amour" con sus ecos de sonatas para violín del siglo XIX, conservando su sensación elemental a medida que las figuras de Melnyk cobran fuerza para dejar emerger, de nuevo, el sonido final de Broderick.
Lubomyr Melnyk compone mientras toca. Cuando se le pide que describa cómo es vivir dentro de su música, dice que "todo mi cuerpo se transforma a medida que toco, honestamente se siente así. Mis dedos se sienten como los vientos del mundo, se siente como si estuvieras trascendiendo físicamente las dimensiones".

Para saber más: Lubomyr Melnyk

tracks list:
01. Pockets Of Light
02. The Six Day Moment
03. A Warmer Place
04. Nightrail From The Sun
05. Le Miroir D´Amour





Orquestra Afro-Brasileira – 80 anos (2021)

La fabulosa Orquestra Afro-Brasileira renace de la mano del productor Mario Caldato Jr. y su único superviviente, el percusionista Carlos Negreiros, para grabar un exuberante y poderoso álbum que festeja los 80 años de su creación.
Dirigida por el inconformista compositor Abigail Moura, la Orquestra Afro-Brasileira fue uno de los grupos más influyentes pero ignorados en la historia de la música brasileña. Funcionando durante casi treinta años hasta 1970, lanzaron solo dos álbumes, el primero de los cuales (Obaluayê!, 1957) ha sido reeditado recientemente por Day Dreamer Records, dejaron un legado de conciencia afrobrasileña que continúa resonando en la actualidad.
Combinando la espiritualidad yoruba, los cuentos populares, los Cantos do Candomblé, y la percusión tradicional brasileña y de África Occidental con la instrumentación de la tradición jazz de las big bands de los Estados Unidos, la Orquestra colocó la herencia afrobrasileña en un contexto nuevo y vital. Tejiendo narrativas emancipatorias en complejos polirritmos y poderosas líneas de viento sincopadas, el grupo jugó un papel educativo para quienes disfrutaron de sus actuaciones: la Orquestra se fundó con el propósito de estudiar y difundir la música folclórica y las tradiciones brasileñas, utilizando la sociología y la antropología para ello.
Para el percusionista, Carlos Negreiros, el mensaje de la música del grupo tuvo un impacto profundo: "Me di cuenta de lo que es ser negro... descubrí el extraordinario potencial de la música afrobrasileña en la cultura y en la construcción del ethos nacional".

Para saber más: "Afro-Brazilian Classical Music: The memory of black music in the Orquestra Afro-Brasileira"

tracks list:
01. Abertura
02. Agô
03. Saudação ao Rei Nagô
04. Canto para Omolu / Obaluayê
05. Tire o Calundu
06. Os Oinho de Yayá
07. Damurixá
08. Não Há Damurixá-Palmares
09. Preto Velho e Yayá
10. Lembarenganga





Toto Bona Lokua – Bondeko (2018)

Richard Bona, Lokua Kanza y Gérald Toto son tres músicos con asentadas carreras artísticas internacionales. El bajo del camerunés Richard Bona (vocalista, multiinstrumentista y compositor) es quizás el más reconocible del continente africano; el sonido del congoleño Lokua Kanza es intimista, de percusiones delicadas y sonidos puros, y Gérald Toto (martiniqués de origen) se ha labrado una gran carrera en calidad de vocalista por su tono dulce y su llamativo falsete. En 2004, este trío de ases decidió unirse para poner en común su amplísimo bagaje musical con Toto Bona Lokua.
En 2018 vuelven al trabajo colectivo para presentar Bondeko, un álbum superlativo, dando la sensación de no haberse separado nunca y de que retoman la grabación donde lo dejaron hacía trece años. Decía la nota de prensa de presentación que Toto, Bona y Kanza sentían que la utopía de entendimiento y hermandad que propusieron en el primer trabajo estaba ahora más lejos que entonces, y que por eso quisieron volver a reunirse: Bondeko significa "amistad y fraternidad" en lingala.
Cada miembro del trío canta en su lengua materna, todos interpretan las composiciones de sus compañeros o las coescriben, y es tal el entendimiento que parecen revivir el sueño de una unión panafricana.
La riqueza de matices que podemos encontrar en Bondeko, así como su amabilidad melódica, su orfebrería vocal y sus ritmos juguetones nos extrapolan a los tiempos felices. Es cada vez más difícil en nuestros días poder disfrutar de una obra artística cuyo objetivo sea la belleza simple. Bondeko es una isla de paz en el entorno de ruido, estrés y locura en el que nos empeñamos en vivir.
Las personalidades de los tres artistas relucen y se hacen notar, pero no interfieren en el desarrollo de un álbum majestuoso y vivaz que hace las delicias de cualquier oído. Este segundo trabajo creado por Richard Bona, Lokua Kanza y Gérald Toto es una oda al buen gusto. Las extraordinarias armonías instrumentales, el entretejido rítmico (en ocasiones en un segundo plano) y unas melodías vocales que tardaremos años en volver a encontrar en otro disco, hacen de Bondeko un trabajo soberbio guiado por las pautas de tres artistas que hace tiempo pueden incluirse dentro del podio de los nombres de "grandes" de la música.
Es, finalmente, uno de esos fenómenos artísticos que pocas veces ocurren en la industria discográfica: que una reunión puntual cree un segundo trabajo tan cautivador y logrado como su inspirado predecesor.

facebook: Toto Bona Lokua

tracks list:
01. Ma Mama
02. Naleki
03. Youwilé
04. Je Kango
05. Love Train
06. Ngum Nya Ko
07. Thitae
08. Tann Tanbou A
09. M'aa Kiana
10. Bukavu
11. Awo





Toto Bona Lokua (2004)

La unión de Gérald Toto, Richard Bona y Lokua Kanza dio lugar en 2004 a un álbum histórico, forjado por un profundo espíritu africano y dotado de unas excelentes armonías vocales fruto de estimulantes sesiones de improvisación.
Toto Bona Lokua fue el primer producto del sello frances No Format! por iniciativa de su director Laurent Bizot, que se encargó de la producción ejecutiva. Durante cinco días de diciembre de 2003, el congoleño Lokua Kanza, el antillano Gérald Toto y el camerunés Richard Bona se reunieron en un estudio parisino. El repertorio lo componen una serie de composiciones propias (firman cuatro cada uno), pero lo más interesante de Toto Bona Lokua no es tanto el trabajo de escritura como el entendimiento de los tres músicos, el diálogo que establecen, su capacidad para dar vida a un trío que no parece un proyecto de un solo disco.
Toto Bona Lokua combina músicas tradicionales africanas (especialmente presentes en los aspectos percusivos), improvisación jazzística y, en menor medida, pop. Esto se aprecia por la combinación de instrumentos occidentales y la presencia, aunque mínima, de instrumentación tradicional africana. Así pues, junto a patrones rítmicos y arreglos repetitivos que una reconoce como de procedencia africana, se aprecia el interés de los tres autores por el jazz y, también, su asimilación de las melodías deudoras del pop, algunas de ellas irresistiblemente pegadizas.
En cualquier caso, el aspecto más seductor de la música creada por Lokua Kanza, Gérald Toto y Richard Bona es su excepcional sencillez, el hecho de que prácticamente se trata de piezas interpretadas a capella, por mucho que se incorporaran arreglos instrumentales para subrayar los dibujos harmónicos y melódicos.
Toto Bona Lokua fue una de esas afortunadas ideas que marcan carreras, pues el disco en cuestión, una delicia de exquisita sencillez y rara belleza, fue poco a poco convirtiéndose, gracias al boca oreja, en un pequeño éxito. Un disco arrebatador.

facebook: Toto Bona Lokua

tracks list:
01. Ghana Blues (R. Bona)
02. Kwalelo (R. Bona)
03. Lamuka (L. Kanza)
04. L'Endormie (G. Toto)
05. Flutes (G. Toto)
06. The Front (R. Bona)
07. Na Ye (L. Kanza)
08. Help Me (G. Toto)
09. Stesuff (L. Kanza)
10. Where I Came From (G. Toto)
11. Seven Beats (R. Bona)
12. Lisanga (L. Kanza)





Youssou N´Dour et Le Super Etoile de Dakar – Mbalax (2021)

Youssou N'Dour, el mejor cantante y director musical de Senegal, ha pasado de su sexagésimo cumpleaños. Durante mucho tiempo ha desempeñado el papel de estadista en su país, tanto musical como políticamente. N'Dour ha llamado a su último álbum simplemente Mbalax, por el género en el que él y su banda Le Super Etoile de Dakar fueron pioneros a finales de los 70 y principios de los 80 del siglo XX. Es una vuelta a sus raíces, el mbalax senegalés puro. Dadas las críticas que ha recibido N'Dour por acercarse a los que están en el poder, Youssou lo siente como una decisión consciente, un recordatorio de sus raíces y un argumento a favor de su estatus institucional dentro del género.
El álbum contiene 12 títulos, y la producción corre a cargo de su hermano Bouba Ndour y de Patrick Tucker: el engranaje es preciso como un reloj, ofreciendo suficiente espacio en términos de base de sonido para los polirritmos a menudo complicados que caracterizan al mbalax.
Mbalax tiene la importancia adicional de haber sido escrito en 2020 durante el confinamiento por covid-19, lo que lleva a N'Dour a reflexionar sobre sus preocupaciones perennes, incluido el panafricanismo ("Mama Africa"), el medio ambiente ("Zéro déchets", que señala la importancia de preservar el medioambiente y los ecosistemas que nos ha dado la naturaleza; "Ndox", agua, el recurso más importante para nuestras vidas) y el perdón ("La solution c'est de pardonner").
Su banda toca las estructuras musicales más complejas y las rupturas rítmicas por las que el mbalax es tan conocido, como siempre muy apretado y con una soltura lúdica. Un momento conmovedor del disco es cuando N'Dour rinde homenaje al cantante senegalés Thione Seck, fallecido a principios de 2021, con "Ballago ndumbé Yaatma". Un hermoso coro y una guitarra desgarradora harán que, incluso a quienes no dominamos el wolof como idioma, sintamos que N'Dour no tiene nada más que respeto por el legado de Thione Seck.
Pero N'Dour se ha ganado sus tópicos, sus acordes de sintetizador y sus poderosas baladas, porque N'Dour y su banda hacen un sonido que es potente e inmediatamente atractivo para el oído. El hecho de que hayan seguido haciéndolo con cierta coherencia durante más de cuarenta años es una de las maravillas de la música internacional. "Es un deber imperativo rendiros un sentido homenaje. De 1981 a 2021, cuarenta años que caminamos, cuarenta años que me lleváis en el corazón. Esta canción ´Tatagal´ está dedicada a ustedes, mis Fans. Sepan que mido esta suerte y sepan, a cambio, que siempre trabajaré para mantener esa confianza… Las palabras no pueden expresar todo lo que siento, y es por eso que solo puedo decirles: JËRËJËF".

Página web oficial: Youssou N'Dour

tracks list:
01. Gagganti ko
02. Mama Africa
03. Ndox - L'eau
04. La solution c’est de pardonner
05. Mool - Degulu météo
06. Tatagal - Fans yi
07. Fay Bor
08. Ballago ndumbé Yaatma
09. Zéro déchets
10. Da fa laa
11. Wax ju Bari
12. Waññi ko





Rodrigo Leão – A Estranha Beleza da Vida (2021)

A Estranha Beleza da Vida es el último álbum de Rodrigo Leão, quien se pasó el confinamiento durante la pandemia por covid-19 en la hermosa región portuguesa de Alentejo y se dejó deslumbrar por la naturaleza que la rodea. De esta experiencia nació un nuevo e inesperado disco de material original, obra descrita por el propio Rodrigo como "la libertad de poder crear sin fronteras, sin límites", refinando su talento melódico con una sencillez desarmante y delicada.
Ex miembro del muy célebre grupo Madredeus y de la banda de rock alternativo Sétima Legião, Rodrigo se ha convertido en uno de los artistas más queridos y populares de Portugal desde que empezó en solitario, con varios discos de platino y oro y varios álbumnes número uno. También tiene una sólida carrera internacional y como compositor regular para cine y televisión.
Esta conexión con el mundo cinematográfico no es accidental. Rodrigo ha compuesto y concebido algunos de sus mejores discos como si fueran películas o una historia para contar. Como en una película, todo se reduce al casting de las voces que darán vida a cada personaje de la narrativa; Rodrigo luego agrega sonidos y estados de ánimo para crear el corte final que le da a cada disco su propia diversidad e identidad, dictada por cada una de sus historias.
Rodrigo acababa de lanzar un nuevo disco, O Método (2020), cuando golpeó la pandemia de covid-19, lo que obligó a cancelar su gira mundial. Rodrigo se retiró con su familia al campo y allí comenzó a crear, inspirado por la naturaleza que lo rodeaba. "Empecé a pensar en este disco en octubre de 2020, cuando regresé a Lisboa después de meses en el campo. Pude sentir una diferencia en las primeras canciones: algo más positivo, más feliz, diferente a los estados de ánimo del disco anterior. Algunos de ellos me hicieron pensar en un tiempo mucho antes del nuestro. Tal vez esto no fue un accidente, tal vez fue un intento inconsciente de olvidar lo que estaba sucediendo…".
A Estranha Beleza da Vida ha sido realizado con sus colaboradores habituales, músicos, arreglistas y productores: Pedro Oliveira, João Eleutério, Pedro Moreira y Carlos Tony Gomes. Y, como siempre, Rodrigo ha invitado a un elenco global de artistas a contribuir. La cantante y compositora canadiense Michelle Gurevich canta en el primer sencillo, "Friend of a Friend", mientras que Kurt Wagner (de Lambchop) aparece en "Who Can Resist". Otras colaboraciones incluyen a la andaluza Martirio en "Voz de Sal"; a la cantautora portuguesa Surma, en "O Ovo do Tempo", y al multiinstrumentista y productor madrileño Suso Sáiz, en el tema que da nombre al disco "A Estranha Beleza da Vida".
"Me he querido vengar de la pandemia", anotaba el portugués como espoleta creativa para esta obra. Sosiego y belleza frente a la incertidumbre y el dolor de estos meses eternos, un álbum que destaca por ser positivo, alegre y festivo.

Página web oficial: Rodrigo Leão

tracks list:
01. Friend of a Friend (feat. Michele Gurevich)
02. A Sala
03. Sibila
04. Who Can Resist (feat. Kurt Wagner)
05. 45 Segundos
06. O Ovo do Tempo
07. Voz de Sal (feat. Martirio)
08. Introdução nº 8
09. A Valsa da Petra
10. O Maestro
11. Old Happiness
12. Janeiro 2021
13. Estrela do Norte
14. A Estranha Beleza da Vida





Petrona Martínez – Ancestras (2021)

Petrona Martínez es una de las artistas más importantes de la música de Colombia que se ha distinguido por romper fronteras: contra todo pronóstico pasó del entorno campesino a ganar dos nominaciones al Grammy Latino, conquistar la admiración de audiencias internacionales, y recorrer el mundo promocionando el bullerengue, género ancestral afro liderado por mujeres mayores en el Caribe colombiano.
Ancestras es la obra cumbre de esta artista de 82 años, un trabajo con sabor a legado para las nuevas generaciones que arranca con un testimonio sobre los recuerdos de la primera composición que hizo en su carrera ("El Niño Roncón", que ha permanecido inédita hasta ahora), y que cierra con una reflexión sobre el futuro del bullerengue, un ritmo que es todo un símbolo de la comunidad afro del Caribe colombiano y que ella ha contribuido a engrandecer. Un espacio que preserva los legados de amor y resistencia de sus ancestras que, en esta ocasión, se nutre rompiendo fronteras al crear puentes interculturales entre 14 mujeres de la diáspora africana, incluidas las ganadoras del Grammy Susana Baca y Angélique Kidjo, una de las mujeres más influyentes del mundo en 2020 según la BBC de Londres.
Así, Petrona y su bullerengue (pero también chalupa, son palenque y fandango) ensancha estos ritmos mezclándolos con los del litoral Pacífico (junto a Nidia Góngora), la timba cubana (Aymée Nuviola), la cultura mariachi (Flor de Toloache), el afrobeat (Angélique Kidjo) y el jazz (Briana Thomas); además, participan de idiomas como el fon (África), garifuna (Centroamérica), portugués (Brasil), criollo palenquero (Colombia) y otras lenguas del continente.
Ancestras ha sido producido entre Bogotá, el Caribe y Nueva York por Manuel García-Orozco (Chaco) y Mayte Montero para Chaco World Music, asumiendo un carácter documental con testimonios orales de Petrona, obras visuales, artículos académicos y hasta un vídeo de animación stop-motion. Como álbum enaltecedor del empoderamiento femenino, este es el fruto de un equipo interdisciplinar integrado mayoritariamente por mujeres: las ingenieras de sonido María Elisa Ayerbe, Soular, y María Triana; las artistas visuales Lido Pimienta, Ledania, Isaura Angulo y Karen Flórez con sus obras gráficas; y las escritoras afrofeministas Ochy Curiel, Mónica Carrillo y Natalia Santiesteban Mosquera, quienes aportaron textos al cuadernillo de 40 páginas que acompaña el álbum.

tracks list:
01. La Primera Composición de Petrona Martínez
02. El Niño Roncón (Bullerengue Chalupiao) - Susana Baca
03. Bobby (Son Palenque – Rumba Pacífica) - Nidia Góngora y Eryen Korath
04. Mujeres en Lenguas de Abya Yala
05. Ay Mi Gallina (Afrobeat – Chalupa) – Angélique Kidjo
06. Parí Mujeres (Chalupa)
07. El Piano de Dolores y Estefanía (Rumba – Chalupa – Timba) - Aymée Nuviola
08. El Ventarrón (Chalupa) - Joselina Llerena Martínez
09. San Antonio de Pauda (Fandango – Salve)
10. Mejor Que Me Mate dios (Bullerengue sentado) - Xênia França, Neta y Yomira John
11. Compadre Que A Su Comadre (Fandango de lengua) - Enerolisa Nuñez, Anggie Bryan, Mónica Carrillo y Mai-Elka Prado
12. Juego de Ontología Acústica (Testimonio)
13. Los Tres Solitos (Chalupa)
14. [Ni]ño Carabalí (Bullerengue Mariachi) - Flor de Toloache
15. Juancho (Chalupa) - Joselina Llerena Martínez
16. La Cantadora (Bullerengue – Jazz) - Brianna Thomas
17. La Langosta (Chalupa)
18. El Futuro del Bullerengue (Testimonio)





Liraz – Zan (2020)

Liraz Charhi es una cantante, compositora, actriz y activista cultural persa-israelí que, con su música, ha hecho lo que parecía imposible: reunir a artistas de países en conflicto (Israel e Irán, con músicas/os bajo un temible escrutinio por parte de la policía secreta) para trabajar en un álbum clandestino y lanzarlo en medio de una pandemia global. Zan, que significa "mujeres" en farsi, es un trabajo en el que fusiona sus raíces iraníes y su educación israelí para homenajear a las mujeres de Irán, alentándolas a trabajar por un cambio positivo y la libertad femenina en el Medio Oriente y en todo el mundo. Un proyecto asombroso y vital, que sirve para recordarnos lo verdaderamente valientes que pueden ser muchas y muchos artistas, y la fortuna que tenemos de poder disfrutar de las libertades que demasiado fácilmente damos por sentadas.
La familia de Liraz (judío-persa) emigró a Israel durante los años setenta, justo cuando la Revolución iraní estaba tomando forma. Aunque cambia de país, su cultura seguirá siendo iraní. Saltó hasta Estados Unidos para trabajar como actriz en grandes producciones de cine, y fue en la comunidad persa de Tehrangeles, Los Ángeles, donde comenzó a escuchar música de mujeres de antes de la revolución y descubre no solo nuevos sonidos, sino una nueva forma de expresar su música en términos modernos y políticos contemporáneos.
La música de Liraz podemos etiquetarla como electro-pop, como ya empezara a perfilar en su álbum debut Naz (2018). En Zan, la cantante entrega una nueva colección de piezas donde hay momentos para el baile junto a otros pasajes que describe como "persiansonics retro" en los que recupera la música pop iraní anterior a la revolución. Canciones para danzar, sonreír y pensar, afirma.
Las historias que cuentan las canciones la llevan al alma de su país, historias que le transmitieron en su familia cuando aún era una niña, porque recuerda que su madre y su abuela fueron mujeres valientes capaces de derribar muros. "Canto por estas mujeres, para ellas" explica la artista. Y así lo ha hecho con una producción que califica de "música underground" en el mejor sentido, verdadero pop político con nombres retenidos por seguridad. Colaboraciones clandestinas que comenzaron en las sombras de internet pero que surgieron de los altavoces en una mezcla de instrumentos persas tradicionales junto con ritmos de club y melodías de llamada a la acción.
Zan, editado por el sello Glitterbeat, es un logro digno y grande, emprendido por artistas en riesgo. La honestidad, la pasión, el compromiso y la esperanza brillan en cada nota y matiz. Liraz ha abierto su revolución privada a todo el mundo, lo que le ha valido el "Best Artist Award Winner" de la Revista Songlines para 2021.

facebook: Liraz

tracks list:
01. Zan Bezan
02. Injah
03. Dolate Eshg
04. Joon Joon
05. Shab Gerye
06. Mastam
07. Bia Bia
08. Hala
09. Nafas
10. Lalai