La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Fatoumata Diawara ha construido su carrera sobre la tradición wassoulou de su Malí natal, las inflexiones afrobeat y la producción electrónica. Massa, su nuevo trabajo con Matthieu Chédid (-M-, que ya produjo su magnífico Fenfo), regresa al bambara, la lengua de sus raíces malienses. De hecho, Massa significa "lo eterno" en bambara, y el disco justifica esa palabra.
Introspectivo y poderoso, el álbum explora la maternidad, la fe, la resiliencia y la transmisión entre generaciones en una lengua que no cree que el tiempo sea el asunto. A través de estas canciones, Fatoumata invita a las y los oyentes -sin importar su origen- a abrazar la gratitud y a aceptar que el destino es una parte inevitable del viaje humano.
El álbum incluye, además, un emotivo homenaje a su difunto padre, cuyo amor sigue guiándola más allá de su partida. "Tati Bakary" es el eje emocional del álbum, y se nutre de la tradición wassoulou, arraigada en la región occidental de Malí de la que es originaria su familia.
La producción de Chédid, construida en torno al donso ngoni, el arpa de los cazadores de Malí, sintetizadores y percusiones en capas, no moderniza a Diawara sino que da a sus materiales tradicionales unas texturas pop donde moverse, vistiendo los temas de instrumentaciones que rozan la perfección.
El resultado es un sonido que, a la vez que mantiene sus raíces, mira hacia el futuro. Con Massa, Fatoumata reafirma su lugar como una de las voces más fundamentales de la música africana, convirtiendo su verdad personal en una resonancia universal.
Angam es un quinteto, afincado en París, que surgió del encuentro entre el cantautor marroquí Lakhdar Boussaf y el compositor y guitarrista francés Emmanuel Blanc, cuyo interés compartido por la fusión de culturas marcó la dirección del grupo.
Boussaf, originario de Oujda, comenzó en la música muy joven y posteriormente se trasladó a Francia, donde trabajó en proyectos que unían estilos orientales y occidentales. Blanc, de Montpellier, se formó en guitarra, orquestación y música para cine antes de dedicarse a las músicas del mundo como vía para explorar la expresión poética e intercultural. Junto a Omar Koukou, Mouss y Gérald Portocallis, Angam fusiona el oud, la mandola, las guitarras y la percusión en un sonido que oscila entre piezas rítmicas y baladas reflexivas.
Dar Biya está profundamente influenciado por el folclore del norte de África y la música gnawa, utilizando dialectos tradicionales como el árabe marroquí, darija (marcado por siglos de influencia amazigh, francesa y española). A través de sus composiciones, Angam entrelaza vertientes temáticas y musicales en torno a la migración y la nostalgia de la tierra natal, el amor desde la distancia y la esperanza del reencuentro con los seres queridos que quedaron atrás.
Un trabajo de identidad puente y fusión cultural, donde la temática lírica se complemente con un diálogo transcultural en su instrumentación, apoyada de guitarras y sintetizadores de corte occidental, para reflejar la vida dividida entre París y Marruecos.
tracks list:
01. Ach Tamel
02. Dak Biya
03. Dani Dani
04. Wala Liam
05. Lifat
06. Fine Hbabi
07. Ya Zina Rahet
08. Safart
09. Laisse moi te dire
10. Rough
11. Aouin
La música pausada siempre ha poseído un poder singular. Mucho antes de que se hablara de "bienestar" o "autocuidado", la gente ya arrullaba a sus hijos e hijas para que durmieran, acompasaba su respiración al ritmo de un tambor o entonaba cánticos para alcanzar la quietud antes de orar. Global Tranquility reúne canciones de muy diversas culturas que comparten esta cualidad: son temas sosegados y espaciosos, creados para suavizar el ruido de la vida cotidiana en lugar de competir con él. Algunas de estas piezas fueron compuestas específicamente para la meditación y la práctica del yoga. Otras provienen de tradiciones de nanas y baladas, de prácticas curativas arraigadas en comunidades concretas o, simplemente, de artistas que buscan un registro más tranquilo dentro de su propio género. En conjunto, ofrecen un mapa libre e informal de cómo las distintas culturas se acercan a la calma.
Directamente del ámbito mundial del yoga y la meditación, Manish Vyas (quien lleva décadas componiendo música para el pranayama y otras prácticas de respiración yóguica) aporta "Mahabandh"; esta pieza se construye en torno al tono lento y pausado de la flauta bansuri y está diseñada para acompañar una secuencia de respiración específica. Jai-Jagdeesh se mueve en una tradición afín: el kirtan, la música de canto devocional del sijismo; su tema "Mera Man Lochai" adapta un himno centenario de anhelo espiritual a un arreglo contemporáneo y sosegado. Sheffy Oren Bach se inspira en su propia labor como terapeuta musical y en los talleres que imparte sobre la voz y la respiración; "Bayit" refleja esa misma intención al evocar un hogar construido a partir de la cercanía, más que de cuatro paredes. Las tres artistas surgen de comunidades interconectadas -que abarcan desde la India e Israel hasta otros lugares- donde la música actúa como una herramienta para aquietar la mente, y no simplemente como una forma de arte para la escucha pasiva.
Otras canciones se nutren de tradiciones sanadoras arraigadas en lugares específicos. "Saimavik", interpretada por un trío de artistas inuit y quebequenses, toma su nombre y su inspiración de una iniciativa de bienestar de Nunavut y Nunavik basada en prácticas centradas en el trauma para las comunidades del norte; el título de la canción se traduce, muy acertadamente, como "un lugar de plenitud". Desde África Occidental llega un tipo de quietud diferente, aunque afín: tanto "Fragile", de Ben Aylon y Roei Hermon, como "Faloufema", de Moh! Kouyaté, se apoyan en esa cualidad expansiva y pausada que caracteriza gran parte de la música de las regiones desérticas y de sabana del continente, donde las grandes distancias y los horizontes abiertos moldean una percepción del tiempo musical más lenta y paciente. Tanto el xalam de Aylon como el violonchelo y la trompeta de Kouyaté parecen respirar en el espacio abierto en lugar de apresurarse a llenarlo.
En otras partes del álbum, la tranquilidad adopta la forma de antiguas tradiciones de baladas y canciones de cuna. "Òran an Amadain Bhòidhich", del grupo Hò-rò, es una canción gaélica transmitida de generación en generación en las Tierras Altas y las islas de Escocia, interpretada a un ritmo que siempre ha encajado bien en estancias silenciosas y largas noches de invierno. "Øyeblikket", de Kristin Asbjørnsen, transmite esa misma quietud nórdica; su letra en noruego describe una calma repentina en medio de un momento difícil, acompañada por el tipo de arreglo austero y evocador del invierno propio de la canción escandinava.
Finalmente, algunas canciones hallan la calma a través del romance y un ritmo suave, en lugar de recurrir a rituales o nanas. "Amor e Paz", de Luísa Maita, es una delicada bossa nova compuesta como homenaje a João Gilberto e inspirada en la imagen de un padre que arrulla a su hijo para que se duerma. "Breath", una pieza instrumental para dos guitarras del dúo The TWO, bebe tanto del delta blues como de la música criolla de Mauricio, demostrando así que el carácter meditativo e hipnótico propio del blues lento puede trasladarse con la misma facilidad al océano Índico que al sur de Estados Unidos.
Lo que une a todas estas canciones, a pesar de sus diferentes idiomas y tradiciones, es un instinto compartido: que la música puede ralentizar el tiempo, aquietar una mente acelerada y ofrecer un momento de verdadero descanso. Global Tranquility es una invitación a escuchar pausadamente, a respirar al compás y a apreciar los diversos caminos que personas de todo el mundo han encontrado para llegar a ese mismo lugar de serenidad.
(Fuente: Global Tranquility - Putumayo)
tracks list:
01. Ben Aylon with Roei Hermon – Fragile (Israel / Senegal)
02. Saimavik with Riit, Juurini & Simon Walls – Saimavik (Canada)
03. Manish Vyas - Mahabandh: The Great Lock (India)
04. Hò-rò - Òran an Amadain Bhòidhich (Scotland / UK)
05. The TWO – Breath (Mauritius / Switzerland)
06. Kristin Asbjørnsen – Øyeblikket (Norway)
07. Jai-Jagdeesh - Mera Man Lochai (USA)
08. Moh! Kouyaté – Faloufema (Guinea)
09. Sheffy Oren Bach - בית (Bayit) (Israel)
10. Luísa Maita – Amor e Paz (Brazil)
Originaria del Congo, y floreciendo incluso durante la dolorosa época en que el país pasó a llamarse Zaire, la rumba africana se convirtió en uno de los triunfos musicales más gloriosos del continente. Asombra que una música tan dulce, vibrante y optimista pudiera surgir de una tierra que sufrió los horrores del colonialismo belga, la guerra civil y luego los padecimientos de la era de Mobutu, pero durante años esta fusión de estilos congoleños y cubanos dominó las pistas de baile del continente. La rumba africana triunfó gracias a la interpretación de guitarristas extraordinarios, liderados, por supuesto, por el legendario Franco Luambo.
Y ahora llega un nuevo y memorable álbum de uno de los primeros discípulos de Franco, un héroe de la guitarra decidido a mantener viva la rumba. Syran Mbenza, después de quince años sin editar nuevo material discográfico, aquí cuenta con un elenco de artistas acompañantes que son iconos vivos de la música congoleña: Malage de Lugendo, Ballou Canta, Wuta Mayi, Nyboma, Bahati la Douce, Viviane Arnoux, Luis Manresa y Samba Mapangala.
A sus 75 años, Mbenza es uno de los guitarristas más respetados del continente africano y ha contribuido decisivamente a la popularización de estos ritmos en todo el mundo. Comenzó su carrera a finales de los 60 del siglo XX, cuando aún era estudiante en su ciudad natal, la capital y mayor urbe de la República Democrática del Congo. Tocó con bandas locales hasta convertirse en profesional y trabajar con diversos grupos y cantantes durante los 70 en el entonces Zaire (nombre del país centro africano entre 1971 y 1997), entre ellos con Sam Mangwana, que le llevó a París en 1979; en la capital francesa se estableció en el comienzo de la década de los 80 para alcanzar la fama, como músico de sesión con artistas de todo el continente africano y el Caribe francés haciendo la escena parisina un hervidero de soukous y zouk.
En 1980, grabó su primer álbum en solitario, Kouame. Desde entonces, se ha establecido en la capital francesa, donde además de trabajar sobre todo con artistas congoleños, ha grabado una decena de trabajos propios. Entre los proyectos destaca Les Quatre Etoiles creado junto a Nyboma Mwan'Dido, Bopol Mansiamina y Wuta Mayi, que llegara a ser uno de los grupos más destacados en la década de los ochenta de la escena soukous, y Kékélé, la banda producida por Ibrahima Sylla y en la que también estuvieron con los cantantes Loko Massengo, Bumba Massa, Nyboma, Wuta Mayi y el ídolo de la guitarra Papa Noël.
Ahora, con Rumba Africa, Mbenza regresa con un álbum que muestra su trabajo de guitarra relajado pero enérgico, seguro, pero nunca ostentoso, en un conjunto que suena fresco y exuberante. La mayoría de las canciones fueron escritas por el propio Mbenza, y abarcan desde la vibrante "Caro Ya Maniema" hasta la melódica "Na Boyi", pasando por la encantadora y suave "Niekese Maneno". En casi todos los temas participan diferentes cantantes, o combinaciones de cantantes, todas ellas y ellos magníficamente acompañados por Mbenza, quien luego se luce con solos marcados por un saxofón preciso. Se trata de una rumba con sonido contemporáneo, con sorpresas añadidas, desde el violín en "Bana OK Odemba" hasta el solo de acordeón en "Siluvangi". Un clásico que pareciera haber viajado desde la era analógica para disfrutar al máximo en el presente digital.
tracks list:
01. Caro Ya Maniema (feat. Malage de Lugendo)
02. Na Boyi (feat. Malage de Lugendo)
03. Maguy Ank (feat. Ballou Canta & Wuta Mayi)
04. Rumba O Demba (feat. Wuta Mayi)
05. Pepe (feat. Nyboma)
06. Siluvangi (feat. Wuta Mayi, Bahati la Douce & Viviane Arnoux)
07. Germaine (feat. Malage de Lugendo, Wuta Mayi, Bahati la Douce & Luis Manresa)
08. Bana OK Odemba (feat. Wuta Mayi & Malage de Lugendo)
09. Niekese Maneno (feat. Samba Mapangala)
10. Yo Ade (feat. Malage de Lugendo & Bahati la Deuce)
11. Lola (feat. Malage de Lugendo & Bahati la Douce)
Dawda Jobarteh forma parte de una de las dinastías musicales más ilustres de África Occidental. Bautizado en honor al primer presidente de Gambia, mecenas de su padre, Amadou Bansang Jobarteh, es griot por herencia, aunque no empezó a tocar la kora hasta que se mudó a Dinamarca en 1999. Desde entonces, ha integrado su majestuoso y vibrante sonido en diversos contextos musicales, colaborando con artistas de diferentes orígenes y tradiciones.
Uno de los primeros músicos europeos en reconocer y apoyar el talento de Dawda fue el guitarrista y figura clave del jazz experimental danés, Pierre Dørge, y hoy ese legado se puede apreciar en los frecuentes conciertos a dúo de Dawda con el baterista Stefan Pasborg. Si bien el jazz es un elemento fundamental en la trayectoria de Dawda, no es el único, y en álbumes anteriores ha colaborado con músicos como Shashank Subramanyam, flautista del sur de la India, el bajista camerunés Etienne Mbappé y el vocalista y letrista senegalés Souleymane Faye.
En su cuarto álbum para Sterns Music cuenta con el apoyo de su percusionista Salieu Dibba, y del Admeta String Quartet: Freja Guldberg Larsen (violín), Selma Trammitzke Milling (violín) María Vara de Alba (viola) y Maria Kolby Sonstad (cello), con arreglos de Dawda junto al saxofonista y compositor Jens Christian 'Chappe' Jensen; en dos temas, con la atractiva voz de la cantante danesa de folk Jullie Hjetland.
Su interpretación de la kora es amplia y ecléctica: clásica y tradicional en la magnífica pieza instrumental "Sunset In Batumi", con un toque rockero gracias a un pedal de efectos en "Soaring Wild Lands" y con una síncopa jazzística en "Brikama by Night", mientras que "Admeta Harmony" es una fusión sublime y lírica de kora, cuerdas y el dulce saxofón de Chappe Jensen.
En el otro lado de este espectro musical se encuentran los arreglos propios de Dawda del repertorio tradicional gambiano: "Sunjata" y "Tutu Jara", todo ello cohesionado por sus composiciones instrumentales originales y cautivadoras.
Nacido en el seno de un antiguo linaje, Dawda Jobarteh explora y expande sus tradiciones musicales. Como el mismo señala, "hacer música es como crear arte".
tracks list:
01. Sunset In Batumi
02. Sunjata
03. Soaring Wild Land
04. Golden Horses
05. Admeta Harmony
06. Tykke In Mandinka
07. Efo
08. Brikama By Night
09. Tutu Jara
Desde su irrupción en 1997 en la escena musical mundial, procedentes del pequeño pueblo moldavo de Zece Prăjini, Fanfare Ciocărlia ha cautivado al público con su vibrante sonido de metales. Han contribuido a popularizar la música balcánica, participando en importantes películas e inspirando a músicos, DJ y artistas de todo el mundo. Conocidos por sus enérgicas actuaciones, estas leyendas de la música zíngara disfrutan tocando, entreteniendo y de gira.
Mientras tanto, en Canadá, Adrian Raso, cuyo estilo de interpretación es tan elegante y distintivo como los trajes impecablemente cortados que viste, desarrolla su virtuosismo en las cuerdas y se embarca en aventuras sonoras. Su estilo único fusiona jazz y rockabilly, ritmos latinos y metales balcánicos, folk italiano y funk, country y música clásica, soul y surf, siempre priorizando la melodía, el lirismo y los ritmos dinámicos.
Las cosas buenas requieren tiempo. Tras el éxito arrollador de Devil’s Tale (2014), donde los maestros rumanos unieron fuerzas con el aclamado guitarrista canadiense, el álbum alcanzó la cima de las listas europeas de músicas del mundo y preparó el terreno para giras inolvidables. El veredicto fue unánime: ¡Repitamos la experiencia! Y ahora, la espera ha terminado. La chispa ha vuelto a saltar y la magia se ha encendido: The Devil Rides Again (2025).
Si bien Devil´s Tale fue un ambicioso experimento musical —una audaz fusión de estilos—, la grabación de The Devil Rides Again demostró que su química era innegable. En esta ocasión, Raso, a la guitarra y el banjo, lidera a esta potente sección de metales a través de ocho composiciones instrumentales originales, así como nuevas versiones de "Jolene" de Dolly Parton y "I'm A Man" de The Spencer Davis Group.
El punto culminante del álbum es una impresionante reinterpretación de "Blue Drag" de Django Reinhardt. "Tarantella Noir es un homenaje a la música del sur de Italia, tan expresiva, dinámica e hipnótica. Se percibe la influencia de muchas culturas", explica Raso. "En cuanto a Transylvania Twist... bueno, ¡imagínense a Drácula sobre una tabla de surf! El solo de saxofón al estilo búlgaro es uno de mis momentos favoritos del álbum".
Tras reunirse con Fanfare Ciocărlia después de casi una década, Raso comenta: "Siempre me sorprende lo diversa que se ha vuelto la sección de metales con el paso de los años". La admiración es mutua. "La música de Adrian tiene el sonido de una sonrisa", dice el saxofonista Costel Oprică Ivancea. "Nos encanta sondear otros géneros musicales y la pasión de Adrian por la exploración es idéntica a la nuestra. La oportunidad de dar un paso atrás durante nuestro concierto e interpretar jazz con aires balcánicos, una canción country, una canción de rock y una hermosa melodía de Django Reinhardt fue una experiencia nueva y que disfrutamos muchísimo".
Con The Devil Rides Again, Adrian Raso y Fanfare Ciocărlia demuestran una vez más que cuando el jazz, el rockabilly y los metales balcánicos se fusionan, el resultado es pura magia.
tracks list:
01. Bugatti Be Kiddin' Me
02. Jolene
03. The Devil Rides Again
04. Blagona Blue
05. La Marquisette
06. I'm A Man
07. Blue Drag
08. Roma Stomp
09. Tarantella Noir
10. Stromboli
11. Transylvania Twist
Desde el corazón de Tamanrasset, en el sur de Argelia, Imarhan trasciende la tradición tuareg, entrelazando sintetizadores hipnóticos con el blues del desierto. El resultado es una obra atemporal, profundamente respetuosa de sus raíces, pero a la vez vibrante con un conmovedor sentido de la modernidad.
El propósito fundacional de Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam) al montar Imarhan siempre fue el de romper con los tópicos asociados al rock tuareg para expandir sus fronteras. Ampliar horizontes mediante la fusión con lenguajes de ondulaciones afines: el funk groove, la psicodelia, el raï argelino. Un leit motiv que explicitó ya en su debut homónimo de 2016, y en el que más tarde profundizó en su secuela, Temet (2018), y también en aquel Aboogi (2022) que contaba con las colaboraciones de Gruff Rhys, Japonais, Sulafa Elyas y Abdallah Ag Alhousseyni (de Tinariwen, banda que siempre ha ejercido una suerte de padrinazgo sobre los propios Imarhan).
La producción de este cuarto álbum, Essam, "relámpago" en tamasheq, marca un punto de inflexión. Para ello, cuentan con una labor de producción a cargo de Maxime Kosinetz, su ingeniero de sonido, en alianza con Emile Papandreou (del dúo francés de pop electrónico UTO), mezclando elementos orgánicos (percusión, guitarras, voces) con sonidos procesados y sintetizadores que amplían y enriquecen la paleta sonora de la banda, como se puede apreciar en uno de los temas más destacados, "Derhan N’Oulhine".
En cualquier caso, los diez cortes discurren con la naturalidad, el oficio y la espiritualidad (en torno a la melancolía del desarraigo, la memoria y la conexión con la tierra, y la preservación de la identidad colectiva) que acostumbran. La guitarra eléctrica de la bailable "Tellalt" apunta al trópico con claridad; la luminosa "Okcheur" se balancea sobre una cadencia funk cuyo hechizo es realzado por haces de sintetizador, y la intrigante "Azaman Amoutay" conecta, en la forma, con el latido del house.
Otros momentos se ciñen más a su canon habitual: "Tamiditin" es intimista, austera, tan solo tejida por guitarra y bajo eléctrico; "Tin Arayth" revela la veta más cruda y psicodélica del disco en un contagioso call and response; los coros masculinos y femeninos de "Adounia Tochal" embellecen su hechura de esperanzada letanía, y el cierre de casi ocho minutos de la hipnótica "Assagasswar", con el imzad (violín de una sola cuerda) conviviendo con sintetizadores modulares, nos dejan sumidas en un estado de trance. Essam es un álbum que respira tradición y ambición mediante un enfoque musical que mira hacia el futuro sin abandonar sus raíces. Suman y siguen, en esencia.
Lucas Santtana es cantante, compositor y productor musical brasileño originario de Salvador de Bahía. Sus canciones se mueven en la estética cadenciosa del tropicalismo, pero sus arreglos las transforman en arquitecturas sonoras, llenas de capas de sonidos y texturas. De hecho, es hijo de Roberto Sant´Ana, el legendario productor de Gilberto Gil, Caetano Veloso y Tom Zé (tío de Lucas). Sus letras aportan muchas referencias literarias, poéticas y cinematográficas: hablan tanto de cuestiones sociales como de la existencia, la relación del ser humano con la tecnología, la biosfera y otras temáticas.
Otra característica destacada de su obra es la intersección entre universos musicales. No hay una línea clara entre géneros musicales, pasados y futuros, acústico y eléctrico, tradición y vanguardia. En el año 2000 publicó su primer álbum, Eletro Ben Dodô, mientras componía para grandes estrellas de la Música Popular Brasileña (MPB) como Marisa Monte, Daniela Mercury o Céu.
Sus 25 años de carrera lo celebra con su décimo álbum, Brasiliano. Este trabajo (el anterior, O Paraíso, ofrecía una mirada emotiva al planeta Tierra) adopta la forma de un manifiesto multilingüe. El concepto que guía las once canciones sigue la idea de explorar la diversidad musical de Brasil a través de sus lenguas y dialectos, abarcando el portugués brasileño y sus lenguas romances hermanas. Así, el músico bahiano canta en portugués, francés, galego, castellano, occitano, criollo de Cabo Verde y tupí-guaraní. "Es una afirmación de una herencia íntima transmitida de generación en generación, un acto de resistencia política contra el olvido y la desaparición, y una celebración colectiva de raíces redescubiertas", explica Santtana.
Una auténtica celebración colectiva, contando para cada pieza con artistas como Gilberto Gil, Oxmo Puccino, Tainara Takua, Flavia Coelho, Chico César, Piers Faccini, Os Paralamas do Sucesso, Rachel Reis, Cocanha, María Lado, Dimartino y Karyna Gomes. Brasiliano es a la vez una oda a la diversidad lingüística y un testimonio de su poder simbólico. Con arreglos luminosos y complejos donde las voces se entrelazan como en una conversación polifónica, el álbum trata el lenguaje como un instrumento musical en sí mismo, pero también como una herramienta política.
Santtana cuestiona el patrimonio cultural, la identidad, la memoria colonial y la posibilidad de una lengua compartida. Con su singular enfoque -que fusiona ritmos populares, paisajes sonoros contemporáneos y melodías vibrantes- celebra el amor y el intercambio inherentes a las lenguas romances, donde la música se convierte en terreno fértil para encuentros y reinvención. Un álbum maravilloso.
tracks list:
01. A História da Nossa Língua (ft. Gilberto Gil)
02. Línguas Gerais (ft. Oxmo Puccino, Tainara Takua)
03. Liga (ft. Cocanha)
04. Strati di Tempo (ft. Dimartino)
05. Dans le Sud (ft. Flavia Coelho)
06. Cuendo Mi Lengua (ft. María Lado)
07. Ver Meu Povo Se Abraçar (ft. Chico César)
08. Eu Ainda Te Amo (ft. Rachel Reis)
09. Battre des Ailes (ft. Piers Faccini)
10. Que Seja Um Reggae (ft. Os Paralamas do Sucesso)
11. Independência (ft. Karyna Gomes)
Mário Lúcio, compositor, poeta, cantante y ministro de Cultura de Cabo Verde entre 2012 y 2016, ocupa un lugar destacado en la escena cultural y musical caboverdiana.
En Migrants (2022), Mário apela a nuestro humanismo y rinde homenaje a quienes han perdido la vida intentando cruzar tierras y mares a lo largo de los siglos. Este álbum, cronológicamente el décimo en la carrera del artista (desde su debut con Simentera hasta Funanight, publicado en 2018, y su más reciente Independance), es en sí mismo un gesto de migración y encuentros. Es la primera vez que Mário Lúcio confía los arreglos y la producción musical a Rui Ferreira, músico multiinstrumentista de Oporto, y a Sofía Adriana Portugal (cantante e investigadora vocal, enfocada en la fusión folk), lo que marca un gesto de apertura, de cruce entre sonoridades caboverdianas y europeas. En sus propias palabras, "Queria que a minha alma fosse lida pelo Outro" ("En este álbum, quería que mi alma fuera leída por otro").
La noción de mestizaje, diálogo y armonía entre culturas es el leitmotiv de esta obra, que rompe con las nociones de fronteras, barreras lingüísticas, color, religión o nación. Es también el más universal de sus álbumes: "Este álbum lleva consigo todo Cabo Verde y África, pero también dialoga con todas las estéticas musicales que las migraciones han hecho posibles", afirma. Las canciones narran la increíble historia personal de Mário Lúcio: su infancia en Tarrafal, Cabo Verde, sus viajes, su práctica del budismo y la religión yoruba, y sus reflexiones sobre la criollización, mezclando ritmos tradicionales caboverdianos con colores contemporáneos, introspección y compromiso. Hablan de experiencias, confesiones y creencias, pero también comparten esperanza y amistad. Habiendo escrito para Cesária Évora, Mayra Andrade y muchas y muchos otros, en este álbum vuelve a revelar todo su talento como poeta y compositor.
Un álbum que rinde homenaje a la epopeya humana y a la audacia de nuestros antepasados. La migración como metáfora antropológica del ser humano que busca, se mueve y se transforma.
tracks list:
01. Mi So
02. Migrants (Shakespearience)
03. Oficium
04. Tao
05. Querença
06. Ami
07. Babosa
08. Canto a Yemanjá
09. Clave de Fé
10. Adiós Amigo
11. Dos Amigo
12. Hino À Gratidão (bonus track)
Tinariwen, el grupo más legendario y emblemático de la música tuareg, vuelve con su álbum Hoggar, título que hace referencia a una cadena de montañas situada en el oeste del Sáhara, al sur de Argelia, en la provincia de Tamanrasset. Llamado en árabe el macizo de Ahaggar y en tamasheq Idurar Uhaggar, es un parque nacional culminado por el imponente monte Tahat, que preside el fondo de la portada.
Defensores acérrimos de la cultura nómada de su pueblo, que habita en las zonas fronterizas desérticas entre Mali y Argelia, la música de Tinariwen, con su sonido blues y guitarras y sus 45 años de existencia, ha cosechado reconocimiento mundial por su enérgica fusión de denuncia política, en lengua tamasheq, ritmos sincopados y melodías cautivadoras: un Grammy en 2012 por su álbum Tassili (2011) y nominados de nuevo por sus trabajos Elwan (2017) y Amadjar (2019).
En Hoggar, la banda vuelve a sus raíces (con sus fundadores Ibrahim Ag Alhabib, Abdallah Ag Alhousseyni y Touhami Ag Alhassane) y se reivindica como guardianes de esta tradición musical tuareg. Retoma sus orígenes componiendo con guitarras acústicas y cantando en comunidad alrededor de la hoguera del desierto, al tiempo que cede el testigo a una generación más joven de artistas y músicos invitados para mantener viva la llama de la rebeldía y la resistencia. Entre ellos y ellas, Liya Ag Ablil (Darra), de Terakaft, que pone su guitarra en seis de los temas, y Haiballah Akhamouk, Hicham Bouhasse e Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam), del grupo Imarhan, que se encarga de la producción técnica. El álbum ha sido grabado en su estudio Aboogi de Tamanrasset, con la ayuda del ingeniero Patrick Votan.
José González canta en castellano (aportando calidez a las melodías arquetípicas) en el tema "Imidiwan Takyadam", que habla de las madres y las hijas oprimidas por la tiranía infernal de la misoginia islamista, resaltada por un coro femenino que lamenta la difícil situación de sus hermanas. Una reivindicación femenina que es constante en el disco, como se percibe en el vídeo animado del blues trágico "Erghad Afewo" donde cantan "El desierto está en llamas / solo el enemigo está allí ahora", que muestra el amor incondicional de una joven pareja imponiéndose a las dificultades gracias a la ayuda de la música, o en las colaboraciones del disco, empezando por Sulafa Elyas (Sulaf), coprotagonista en la canción tradicional "Sagherat Assani" con su voz y su laúd; o de las voces tuareg de Wonou Walet Sidati (Tamikrest) y Nounou Kaola, determinantes en la emotiva cadencia de "Tad Adounya", una balada llena de compasión.
Tinariwen está actualmente afincado en Argelia, porque tuvieron que abandonar sus casas en el norte de Mali en 2024 debido a la represión de los militares malienses y de los mercenarios rusos del grupo Wagner, responsables de atrocidades como la quema de poblados, la matanza de animales y la violación de mujeres, algo que denuncian a través de su música. Así, en la aparente calma que desprenden las deslizantes guitarras y las percusiones rotundas de "Aba Malik", la doliente voz de Abdallah Ag Alhousseyni aprovecha para maldecir a Wagner.
Desde Argelia, siguen ahondando en el estilo que les ha hecho célebres, las guitarras eléctricas que dan razón de ser al blues del desierto y los cantos comunales de llamada y respuesta. Un signo de identidad que no solo refuerza su mensaje, sino que les sirve para seguir siendo fundamentales en un sonido que ha hecho historia. Otro invitado que los ayuda a conformarlo es el nigerino Anana Harouna, líder del incisivo grupo tuareg Kel Assouf, que aparece en los coros de "Asstaghfero Allah", un título que significa "Pueblo de Mahoma, temed a Dios" y cuya atmósfera reproduce las veladas nocturnas bajo las tiendas compartiendo música y té a la menta.
"N´ak Tenere Iyat" figura como lo más blues del disco, una canción que refleja la nostalgia y el assouf (la soledad), vista no como algo negativo sino como un estado de introspección y libertad. Teneré, además de ser el nombre de un desierto de Níger, significa en tamasheq "tierra vacía" y es la raíz del nombre de la banda, ya que Tinariwen es su plural, los desiertos. En un extremo opuesto, la rítmica "Amidinin Wadar Nohar" mezcla su amor por el Sáhara con las dificultades de la supervivencia en el desierto. No dudan en reconocer que lo tienen mucho más fácil quienes pueden cambiar el camello por un Toyota Land Cruiser en un "Khay Erilan" que los conecta directamente con el blues rural del Mississippi.
A pesar de todas las calamidades, el orgullo de pertenencia domina en la inicial "Amidinim Ehaf Solan", con su sonido marca de la casa de flotantes guitarras, voces de llamada y respuesta, palmas y darbukas, en la que cantan "aún tenemos un país, sediento y dolido, pero volverá a reverdecer y brotarán nuevas ramas". Y no solo eso, también tienen solidaridad con otros pueblos oprimidos, tal como demostró su participación en el emocionante ACT X PALESTINE celebrado en enero de 2026 en Barcelona.
El resultado son once temas de profunda emoción, melodías complejas y la calidez de voces que se funden en una armonía poderosa.
Antes de conquistar escenarios, Doctor Nativo ya tenía uno mucho más ruidoso, impredecible y honesto: las plazas de Barcelona y los vagones del Metro de Nueva York. Entre estaciones, anuncios automáticos y miradas distraídas, cantaba para sobrevivir, conectar y probar algo más importante que la fama: la reacción real de la gente cuando la música no tiene filtro ni producción, solo calle. Desde su debut en escenarios como el Lincoln Center en Nueva York, Doctor Nativo ha construido una trayectoria que une lo ancestral con lo contemporáneo sin pedir permiso.
Hoy, ese mismo artista centroamericano, reconocido por fusionar reggae, cumbia, hip-hop y sonidos ancestrales mayas, regresa con un nuevo capítulo creativo: BarrioKandela. El proyecto expande su propuesta de "reggae-kumbia" con una visión más urgente, política y espiritual, donde el barrio, la memoria y la resistencia cultural se convierten en el centro del sonido, mediante la participación de artistas de México, Belize y Guatemala. La gama de instrumentos de Nativo incluye una variedad de percusión (güiro, caparazón de tortuga, segundo tambor garífuna, trampa, maracas), guitarra acústica e instrumentos de viento de madera de chirimilla. Una sección compacta de violín (Maestro Javier Carrillo Velázquez, Hugo Indalecio Pérez San Juan, José Alberto Hernández Ortiz y Marco Antonio Tolentino Solano) y una trompeta (Juan Alejandro González Villaseñor) evocan las características distintivas del mariachi.
Rolando Marcelino (Chi-Chi) Sosa, artista garífuna que tocó con el desaparecido Aurelio Martínez, participa con la percusión y los coros. "Chocolate Kakaw" ha sido grabada con el rapero maya tz´utujil Chavajay, celebrando la importancia cultural del cacao; "Minorías" es un conmovedor himno migrante interpretado junto a su hermana guatemalteca y su tres cubano Adriana Primavera, de la agrupación Saoko (recientemente fallecida). Por su parte, la percusionista puertorriqueña Jennie "La Bestia" Delgado participa en "La Kocina", y "Caminantes" cuenta con la colaboración especial del veterano Roco Pachukote, integrante de la banda mexicana La Maldita Vecindad.
El trabajo se combina de forma muy cuidada. El brillante tema de apertura, "Miren quién llegó", sirve como una animada introducción a la perspectiva de Doctor Nativo, a la que se le da mayor peso mediante muestras de archivo procedentes de la emisora de radio guerrillera guatemalteca La Voz Popular, conocida por transmitir tanto en español como en maya durante el genocidio anti indígena y la guerra civil que tuvieron lugar en Guatemala bajo la junta militar respaldada por Reagan.
Rinden homenaje a sus predecesores musicales ("Original Kumbiambero" celebra a la leyenda colombiana de la cumbia, Andrés Landero), denuncian la avaricia capitalista y sus efectos en todo el planeta ("Se la cree"), buscan la inspiración divina ("Oxlajuj") y se entregan a un poco de hedonismo natural ("Fumancher@s"). Todo ello con un profundo respeto por las raíces que convierte a BarrioKandela en algo significativo y, a la vez, muy, muy fresco. BarrioKandela no es solo un lanzamiento musical: es una declaración de origen, resistencia y conciencia colectiva, en tiempos de fragmentación global, mediante el ritmo, el baile y la energía.
Doctor Nativo es uno de los talentos más destacados de Centroamérica. Su música es contagiosa y explosiva, contiene un profundo mensaje, enlazando lo ancestral con lo contemporáneo, la espiritualidad maya, el activismo social y la sabiduría popular, re-imaginando y remezclando ritmos tradicionales con letras socialmente conscientes que celebran la resistencia y el empoderamiento popular sobre un sonido potente, combinando reggae, cumbia, hip-hop e instrumentos prehispánicos. Su álbum debut, Guatemaya (2018), es un llamamiento a la justicia social para la mayoría indígena de su país.
Doctor Nativo (seudónimo de Juan Martínez) creció en Quetzaltenango, Guatemala. En 1990, durante la sangrienta guerra civil guatemalteca de la Guerra Fría, su padre, Arturo Martínez, fue asesinado junto con cinco amigos. La infancia de Nativo, de felicidad trabajando como DJ en el restaurante de su padre, "El Copetín", se tornó trágica. "En ‘El Copetín’ siempre había música: salsa, reggae, boleros, cumbias... la música era el único escape de los horrores de la guerra civil que asoló el país durante más de tres décadas. Mi padre era muy carismático y compasivo; siempre estaba dispuesto a ayudar. Tenía amigos entre la guerrilla guatemalteca y a menudo les dejaba usar el restaurante para sus reuniones; a veces incluso venían a casa a buscar comida y agua porque siempre teníamos provisiones del restaurante".
A los quince años, Nativo dejó la escuela y se dedicó a la música ambulante. Tras recorrer Europa, India y Latinoamérica tocando en las calles, la vida lo llevó a Cuba (país natal de su padre) para estudiar en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Finalmente se estableció en Barcelona, donde durante años tocó música en la calle y encontró su propia voz a través del contacto directo con la gente.
En 2010, Nativo regresó a Guatemala, donde asistió a su primera ceremonia maya y descubrió su Nahual (espíritu animal maya), iniciando así un intenso viaje espiritual. Dos años después, Nativo realizó un viaje de 16 horas a través de selva y montañas para reunirse con el productor y fundador de Stonetree Records, Ivan Duran, en su estudio en el vecino Belize, que recuerda "Sus canciones me impactaron como instantáneas Polaroid que capturaban el alma de una generación indígena joven y orgullosa que finalmente había despertado en Guatemala. Recuerdo haber pensado: ¡Hay esperanza! ¡La resistencia no ha muerto!". Así que, tras tocar una canción tras otra durante horas, el proceso de grabación comenzó en ese mismo instante.
Guatemaya revive a los ancestros y los libera en la pista de baile con temas como "Pa' que se Levanten", "El 20" y "La Voz Popular", que celebran la resistencia indígena y el empoderamiento popular, mientras que "Guatemaya" es una orgullosa afirmación de la identidad maya, interpretada por el rapero en lengua maya Tzutu Kan, que se ha convertido en una especie de himno entre la juventud guatemalteca.
El resultado es un capítulo totalmente nuevo en la música de Centroamérica y en Stonetree Records (este legendario sello independiente que dio a conocer al mundo a Andy Palacio, Aurelio Martínez y otras y otros grandes de la música garífuna). Guatemaya embruja a la audiencia, transformando temas de activismo y dolor en una celebración de libertad y alegría. Una de las propuestas más emocionantes de Centroamérica por su autenticidad y energía.
tracks list:
01. Guatemaya
02. Ay Morena
03. Sabrosura
04. Zion
05. B-Boy
06. El Mero Mero
07. El 20
08. La Voz Popular
09. Kandela
10. Pa' Que Se Levanten
Nacido en Mauritania y criado en Senegal, Daby Touré vivió más de un cuarto de siglo en París antes de mudarse a Montreal. Mientras su padre y sus tíos formaron la pionera banda de afropop Touré Kunda, Daby siempre ha seguido su propio camino musical, con influencias que van desde melodías folk africanas y blues del desierto, hasta jazz, pop, reggae, funk y soul. Bendecido con una mente abierta y un espíritu explorador, las pegadizas canciones de Touré tienen tantas probabilidades de atraer a fans de las estrellas africanas Habib Koité y Youssou N'Dour como a seguidores/as de Bob Marley, Paul Simon y Stevie Wonder. Soul, pop, música que podemos cantar sin fronteras.
Con Real World publicó Diam (2004), Stereo Spirit (2007), y Call My Name (con Skip McDonald, 2009). Lanzado en 2015 a través del sello Cumbancha, Amonafi es una obra que consolida a Daby Touré como un artesano del pop africano contemporáneo, destacando por su capacidad para fusionar melodías pegadizas con temas de profunda carga social. Amonafi, el título del álbum, significa "érase una vez" en Wolof, y refleja su deseo de narrar historias con una perspectiva novedosa sobre el pasado, el presente y el futuro de África. El disco se caracteriza por ser un proyecto muy personal: Touré canta en Wolof, Soninké y Pular, siendo su voz el eje central, utilizando registros que van desde tonos suaves hasta falsetes acrobáticos en canciones como "Kiba". Despliega su virtuosismo tocando la mayoría de los instrumentos (guitarra, bajo, teclados y percusión), lo que otorga al disco una coherencia íntima y artesanal. Aunque la producción es pulida, mantiene una esencia orgánica que recuerda a las formas más puras de la música africana; su singular visión revela un sonido complejo pero accesible, que desafía las expectativas y los estereotipos de lo que significa ser un artista africano en la actualidad.
A pesar de su sonido accesible, las letras de las canciones abordan realidades duras. "Amonafi" y "Khone" hablan sobre la colonización y la esclavitud en el continente africano; "Kiba", "Oma" y "Ndema" relatan los peligros y sufrimientos que enfrentan quienes abandonan su tierra en busca de un futuro a través de la migración.
Muchas de las canciones de Touré tienen como protagonistas a mujeres. Por ejemplo, "Debho" es un homenaje a las mujeres que, según Touré, "soportan el peso de toda nuestra sociedad". Canta: "A ti, que trabajas duro desde el amanecer hasta el atardecer / Oh, mujer de Djeri, te rindo homenaje / Tus ancestros te observan. Tus ancestros te bendicen". En contraste, "Kille" evoca la nostalgia de la vida y la atmósfera de su aldea natal.
Uno de los temas más destacados de Amonafi es "Khone", coescrito por el padre de Touré, Hamidou, junto con Bacary Waiga, en 1969. "Originalmente era un extenso tratado sobre el poder negro. Lo adapté a una versión a capella en la que canto que debemos ser conscientes de nuestra historia y transmitirla a las futuras generaciones. Hoy todos somos responsables del pasado". Por su parte, "Soninko" es un homenaje al pueblo soninké. "Intento contar nuestra historia... para destacar a nuestros pensadores. Hemos sido y seguimos siendo una gran civilización".
Arraigadas en la vida cotidiana pero conectadas con sueños más lejanos, las historias de Amonafi hablan a todo el mundo. Según Touré: "Cada canción intenta decirte algo, llevarte en un pequeño viaje que te permita reflexionar un instante sobre cada tema. He conocido gente increíble, culturas increíbles. Soy alguien conmovido por la humanidad". Touré también ha afrontado sus propias dificultades: "Sé lo que es el hambre, sé lo que es el calor, sé lo que es el dolor, sé lo que es la alegría, sé lo que es la evolución y sé lo que la energía puede aportar. Y también sé que acercarse a la gente puede cambiar las cosas en la vida".
Un disco ambicioso que arroja nueva luz sobre la historia africana con folk relajante, pop pegadizo y soul memorable.
tracks list:
01. Woyoyoye
02. Amonafi
03. Kiba
04. Oma
05. Emma
06. Little Song
07. If You
08. Khone
09. Kille
10. Debho
11. Mina
12. Soninko
13. Ndema
Tras el éxito de su álbum a dúo Our Calling (2025), el cantautor anglo-italiano Piers Faccini y el virtuoso maliense de kora Ballaké Sissoko presentan un nuevo EP con canciones originales. Siguiendo la misma línea que su álbum anterior, este nuevo EP pone de relieve la profunda conexión musical que estos dos artistas han forjado a lo largo de más de veinte años de amistad, así como la singularidad de su diálogo musical e intercultural. Juntos, incorporan los sonidos de la kora maliense a la música folk, y viceversa, con formas inglesas que a su vez abrazan la melodiosidad mandinka. Una vez más, estos dos aventureros musicales nos ofrecen canciones de una intensidad emocional que es, a su vez, original e inmensamente conmovedora.
"Melancholy", con el violonchelista Vincent Segal, y "Harbour", con Badjé Tounkara al ngoni, provienen de las sesiones de grabación originales en París. Su versión de "Special Rider Blues", del bluesman de Mississippi Skip James, se grabó en los estudios Maida Vale de la BBC en Londres. Finalmente, "When The Word Was Song" fue compuesta en conjunto durante su gira y grabada en directo sobre ruta.
Nacida en Sudán y residente en Brooklyn, Alsarah (nombre artístico de Sarah Mohamed Abunama-Elgadi) es cantante, compositora y etnomusicóloga, que lidera la banda The Nubatones en dos aclamados álbumes, Silt (2014) y Manara (2016), ambos publicados por Wonderwheel Recordings. También ha colaborado con el explorador musical Débruit en Aljawal (2013), siendo una de las contribuyentes a uno de los deliciosos trabajos de The Nile Project, Aswan (2014).
Surgidos de las conversaciones entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser, The Nubatones exploran temas como la migración, la identidad y la herencia musical Nubia. Su sonido, denominado "East African Retro Pop", combina melodías pentatónicas con influencias de Sudán, Egipto y otros países. La formación incluye al multiinstrumentista franco-togolés Mawuena Kodjovi y a Brandon Terzic (que sustituyó al desaparecido oudista armenio-estadounidense Haig Manoukian).
Alsarah & The Nubatones han presentado su tercer álbum de estudio, Seasons of the Road (Mawasim Altariq) un proyecto independiente que ha tardado más de cinco años en gestarse, producido por la propia Alsarah y en el que cabe destacar que, por primera vez, la banda incluye letras en inglés.
El desarrollo del álbum comenzó en Beirut a finales de 2018, durante una residencia en Station, antes de trasladarse a Sudán, donde la banda grabó el videoclip de "Men Ana", un impactante homenaje a la revolución sudanesa. Posteriormente, a su regreso a Nueva York, la banda fue testigo de las convulsiones globales derivadas del confinamiento por la COVID-19. Con el paso del tiempo, las inmersivas canciones de pop retro, soul y world fusion con raíces en el folclore nubio y sudanés se convirtieron en reflejos de historias cambiantes: revoluciones que comenzaban y terminaban, y guerras y genocidios transformados como la nueva normalidad. Las canciones se tornaron en hitos de las estaciones y del sinuoso camino a medida que se iban reuniendo en este disco. Seasons of the Road explora temas de migración, resiliencia y el viaje emocional entre Sudán y USA, una crónica de un camino difícil en el que nada es una llegada.
tracks list:
01. Fa3el fi eldawam / فاعل في الدوام
02. Men Ana / من انا
03. Sudani / سوداني
04. Bye Bye
05. Turn Around
06. Disco Star
07. Habibi / حبيبي
08. Tendo (Lullaby) / تندو (هدايه)
09. Outro
Uno de los poderes mágicos del arte en general, y de la música en particular, es la de crear países imaginarios. Este es el caso de esta Mandinka Persia inventada a lo largo de tres álbumes: Jardins migrateurs (2015), Traversées (2019) y Estuaire, editado a principios de año por Kiya Tabassian, iraní afincado en Montreal, y su colega senegalés Ablaye Cissoko, con la complicidad del percusionista canadiense Patrick Graham, que infunde ritmo y matices a esta conversación sonora. Estuaire (el estuario) es ese lugar mágico donde el río se encuentra con el océano, donde las aguas entrelazan sus historias, "donde el agua dulce se encuentra con el agua salada, como símbolo de paso, renovación y fertilidad", donde surgen posibilidades inesperadas, muy parecidas a los encuentros musicales imaginados por Constantinople. Sirve como metáfora de la interacción entre un griot (Ablaye Cissoko) y un bardo persa (Kiya Tabassian).
Estas nuevas grabaciones nacieron de conexiones auténticas, de esos momentos en que la vida revela su belleza oculta. Hablan de seres extraordinarios en su sencillez cotidiana, de esas y esos héroes discretos que transforman el mundo simplemente con su presencia. Estos relatos musicales son nuestros estuarios: puntos de encuentro entre nuestras tradiciones y las emociones universales, entre las historias locales y los corazones de todas partes. "Nuestra misión como griots e intermediarios musicales nos impulsa a transmitir belleza, a expresar esas cualidades humanas que merecen ser conocidas y reconocidas, a resaltar las luces que iluminan nuestro camino compartido", señalan en la presentación de este trabajo.
Con los años, su diálogo se ha profundizado, convirtiéndose en un intercambio musical profundo e inspirador. Y cuando las estrellas se alinean, durante un concierto, la kora mandinga y el setar persa entrelazan sus voces para crear un universo cautivador que suspende el tiempo y sosiega el alma. Un álbum donde se respira tanto el aliento griot como la espiritualidad sufí. De nuevo, sublimes.
Situado entre el folk y el rock, y letras con conciencia social, Zagate es el deslumbrante nuevo álbum de la gran artista argelina Souad Massi. Un trabajo con el que rompe moldes y en el que las canciones son enérgicas con letras desprovistas de ilusión, un álbum en el que alza la voz para denunciar la violencia contemporánea e invitar a la reflexión.
Grabado principalmente en Reino Unido, Zagate explora una gama de emociones intensas: dolor, ira y rebeldía, pero también esperanza y valentía. Al frente del proyecto, una vez más (ya produjo su álbum anterior, Sequana), se encuentra el guitarrista y productor Justin Adams. El rapero congoleño Youssoupha y el rapero ruandés-francés Gaël Faye participan como invitados junto a una banda estelar, que incluye a John Baggott al teclado (Massive Attack, Robert Plant) y a Billy Fuller (Robert Plant) al bajo.
Desde el rock eléctrico de "Ana Inssan" hasta el magnético afrobeat de "Samt", o desde el folk sahariano de "D'ici, De là-bas" hasta el blues parisino de "Chibani", cada tema de Zagate revela nuevos matices vocales. Asociada desde hace tiempo con la dulzura y la melancolía, Massi profundiza en su propia historia para producir uno de sus álbumes más auténticos hasta la fecha, donde la suavidad de su voz contrasta fuertemente con el peso del mundo actual. Aunque reacia a definirse como políticamente activa, el álbum ofrece una reflexión franca e implacable sobre los aspectos problemáticos de nuestro mundo: la guerra, la violencia, el racismo y las tragedias que inundan nuestras pantallas y pesan sobre nuestras conciencias. La portada (en akimbo -brazos en jarra-, con atuendo bereber y una línea divisoria en su rostro), es toda una declaración de intenciones: "Como artista, tengo la obligación de reaccionar; no puedo permanecer inerte y ajena a lo que sucede a mi alrededor. Me considero ciudadana, ante todo, y artista después. Debo reaccionar a través de mis palabras, de mi música; no puedo quedarme al margen, observando y escondiéndome. No tengo soluciones milagrosas; no soy politóloga, pero debemos permanecer conscientes y despiertos".
La palabra Zagate deriva de la expresión francesa "ça se gâte", que se usa en Argelia para indicar que "las cosas empeoran". Más que una referencia lingüística, el título afirma la doble herencia de Massi entre Argelia, donde nació, y Francia, donde ha vivido y creado música durante los últimos veintiséis años, lo que sienta las bases para un álbum intenso, un grito de alerta ante un mundo que parece desmoronarse, sin traicionar la fragilidad que la ha hecho famosa. Inspirada en "Kashmir" de Led Zeppelin, la canción que da título al álbum fusiona la tensión del rock con el lirismo magrebí, mientras Massi canta sobre la guerra y la devastación desde la perspectiva de un civil indefenso. En "Congo Connection", con la participación de Youssoupha, Souad denuncia la injusticia de un país maltratado y saqueado, marcado por la explotación infantil. "L'Equation" (con la impresionante viola d´amore de Jasser Haj Youssef) musicaliza las creencias del filósofo Averroes: "la ignorancia lleva al miedo, el miedo al odio y el odio a la violencia". Inspirada por la tradición sufí, Massi transforma su música en un espejo del mundo contemporáneo, fusionando poesía y compromiso cívico.
"Seymali ha forjado un blues del desierto diseñado para un entorno urbano: áspero, ruidoso e impactante... Sus letras, aunque nacidas de la rica tradición poética de la cultura morisca, están pensadas para bailar". (Mojo, en Glitterbeat) Noura Mint Seymali tiene una voz a la vez ancestral y atemporal con una tesitura fraguada en la crudeza de los espacios desérticos, pero conectada al presente; también es una virtuosa intérprete del ardine, un instrumento parecido a la kora, que solo se encuentra en Mauritania, que solo lo tocan mujeres, y que ella aprendió de su abuela, Mounina. Una griot (poeta, cantante, música, historiadora y guardiana cultural a partes iguales) y la viva imagen de la tradición musical de Mauritania, lo que hace que sus canciones no sean solo musicales, sino también vehículos de memoria, identidad y relato social. Entre la antigua tradición del noroeste de África, las guitarras eléctricas y la fuerza del rock.
Su padre, Seymali Ould Ahmed Vall, fue un reconocido compositor y erudito, y su madrasta, Dimi Mint Abba, una de las cantantes e intérpretes más famosas del país -entre otros, grabó Moorish Music from Mauritania (World Circuit, 1990), con el compositor, cantante y virtuoso del tidinit-ngoni, Khalifa Ould Eide-.
Como reflejo de su influencia y del reconocimiento que ha cosechado a lo largo de su carrera, Seymali ha sido galardonada recientemente con el premio WOMEX 25 Artist Award.
El sonido de su tercer álbum -le preceden, Tzenni (2014) y Arbina (2016)- recuerda sonidos gnawa y otras formaciones surgidas en torno al Sahel, como los legendarios Tinariwen y otras bandas similares surgidas en los últimos veinte años, en el que la guitarra de Jeich Ould Chighaly (su marido) y el bajo de Ousmane Touré elevan el voltaje eléctrico.
La coproducción se realizó junto a Matthew Tinari (baterista de Noura) y el bajista Mikey Coltun (Mdou Moctar). El resultado es el de un disco magnético, hipnótico, que arrastra al trance, a un delirio psicodélico en el desierto: el ardine pone la base melódica y espiritual; las guitarras eléctricas, la energía rock; los ritmos africanos (a través de la percusión y las palmas), la dimensión comunitaria, y el bajo y la batería lo acercan al funk.
Más que contar historias lineales, las canciones invocan estados emocionales personales y colectivos: celebración, relatos, diálogo interno, soledad, observación, vida cotidiana, espiritualidad, amor, elogios, referencias sociales y poesía oral. Seymali se presenta como una potente vocalista con una profunda conexión con el repertorio atemporal del griot y el deseo de crear mensajes frescos y contemporáneos. "Tengo canciones sobre una amplia gama de temas: canciones de amor, canciones de alabanza, canciones para bailar, canciones narrativas. En nuestra tradición, la poesía de diferentes fuentes se puede entrelazar en una interpretación. Parto de una base propia, hay versos que escribo, otros que cito o a los que hago referencia, como un músico de jazz que improvisa sobre otra canción de la tradición, pero el resultado siempre es una nueva creación, y la habilidad con la que un cantante puede sintetizar poesía en una especie de mosaico musical es, sin duda, parte de este arte". Yenbett no es solo un disco, sino una reformulación contemporánea de la música griot. Noura Mint Seymali logra respetar una tradición muy codificada y, al mismo tiempo, empujarla hacia terrenos experimentales. El resultado es un álbum profundamente cultural, intensamente físico y sorprendentemente moderno.
