Amélia Muge – Amélias (2022)

Maria Amélia Salazar Muge, o sencillamente Amélia Muge, es una cantante y compositora portuguesa (nacida en Mozambique) que lleva una vida entera entregada a la música y a la difusión de los valores culturales de Portugal: su timbre vocal parece estar hecho para el fado y la música popular portuguesa. Artista de fina sensibilidad e incomparable voz, Amélia Muge ha sabido conquistar su espacio de forma ecléctica, haciendo reinterpretaciones que van desde las raíces de la música tradicional, pasando por los desafíos de la fusión multicultural hasta los lenguajes más contemporáneos.
Pionera en el canto individual con ambientes vocales, Muge ha sabido desarrollar potencialidades tímbricas en interacción de muestras hechas con su voz, siendo este componente el que ha utilizado regularmente en su mayoría de obras.
Su primer disco Múgica se publicó en 1992, producido por Antonio José Martins, al que seguiría dos años después Todos os Dias, producido por José Mário Branco, con quien firmaría en 1995 el espectáculo Maio Maduro Maio recogido en disco y con la participación de João Afonso, en homenaje a Zeca.
En 2006 formó parte del proyecto "Cantos na Maré", y dos años después presentó el espectáculo Uma Autora, 202 Canções. Con el griego Michales Loukovikas produjo Periplus Deambulações Luso-gregas, nominado en el Premio Autores de la Sociedad Portuguesa de Autores en la categoría de Mejor Álbum de 2012. Ha recibido dos veces el Prémio José Afonso concedido por el Ayuntamiento de Amadora, por sus trabajos Taco A Taco (1998) y Maio Maduro Maio. De 2014 es su disco Amélia Com Versos de Amália, presentando en 2018 el álbum Archipiélagos – Passagens.
A lo largo de su trayectoria musical, Amélia Muge ha trabajado con artistas de diferentes disciplinas. Poetas como Cesário Verde, Fernando Pessoa o pintores como Grabato Dias (António Quadros) tienen cabida en su obra. Ha escrito canciones para Pedro Moutinho, Rui Júnior y Cristina Branco, y ha colaborado musicalmente con Júlio Pereira, Amancio Prada, Ray Lema, Mafalda Arnauth y Uxía, entre otras.
Amélias es su último trabajo, donde da continuidad a su voz musicalizada con sus otras diversas voces que forman la base del acompañamiento, en un resultado inesperado, sorprendente y único. Es un homenaje a la riqueza del canto colectivo femenino, en gran parte a capela, trayendo recuerdos sonoros de esta primigenia expresión vocal, en una lectura más contemporánea que no remueve su raíz común, revisitando otros y nuevos enfoques.
El componente visual siempre ha sido un elemento fundamental en su trabajo, incluyendo en este CD una colección de 13 postales que ilustran las canciones, lo que convierte a Amélias en un trabajo exquisito, digno de recreo y disfrute.

Página web: Amélia Muge

tracks list:
01. Se a vida é pintura
02. Meu coraçao emigrou
03. Chove muito, chove tanto
04. O tempo arrefece
05. D. Falçao
06. Às portas do céu
07. A prenda dos amantes
08. Fica mais um bocadinho
09. Un recuerdo
10. Diferente
11. Santa Engrácia
12. Versão condensada do nascimento dos desertos
13. As alcaparras





Lido Pimienta – Miss Colombia (2020)

El último álbum de Lido Pimienta, Miss Colombia, cuenta con 11 canciones nuevas y originales que celebran audazmente la extática hibridez musical de electrónica y cumbia de Lido, siendo a la vez desafiante y delicada, exploratoria y confrontativa, como ya estableciera en sus dos primeros álbumes, Color, lanzado en 2010, y La Papessa (ganador del Premio Polaris 2016 como álbum canadiense del año).
Una escena absurda en vivo y en directo, como de telerrealidad, en la final del concurso televisado de Miss Universo de 2015, y las reacciones derivadas de ello fueron el detonante de este disco: en lugar de mencionar a la representante de Filipinas como ganadora, el presentador se equivoca nombrando a la concursante colombiana; enmendado el error, la ola de mensajes de odio, burla y racismo desde Colombia hacia el presentador y la ganadora hizo que la artista se cuestionara sobre lo que implica ser colombiana y sobre el trato que recibe de su país por ser mujer, por ser migrante, por ser negra, por ser indígena wayuu, por ser iconoclasta.
La ola de odio racial que aquello despertó en su país llevó a pensar a Pimienta, feminista afro-indígena, en todo lo que le distanciaba de sus compatriotas. Si no se identificaba con esa oleada de odio, ¿seguía siendo realmente colombiana? Eso la llevó a reflexionar sobre su doble condición de expatriada, y a establecer un diálogo consigo misma sobre cómo, pese a amar Colombia, su cultura y su folclore, dándole además difusión en el hemisferio norte, se sentía mucho más identificada con los valores morales de su nuevo país. Rechaza el racismo –que ella misma, con sangre indígena y africana, había experimentado–, la violencia indiscriminada y como modo de vida, el sexismo, la LGBTIfobia y la desafección de la clase política colombiana para con las y los más desfavorecidos y, aun así, estar visceralmente unida a él.
Grabado en su estudio casero, con algunos registros adicionales realizados en la histórica ciudad colombiana de San Basilio de Palenque, todas las canciones de Miss Colombia fueron escritas y arregladas por Lido, coproduciendo el álbum con Matt Smith, también conocido como Prince Nifty.
Musicalmente profundiza en la historia de las músicas afrolatinas, desde el Palenque hasta la cumbia, estilos que Lido abrazó después de participar con el Sexteto Tabalá, uno de los colectivos artísticos más representativos de las comunidades africanas en Colombia (que también aparecen en el álbum). El disco también cuenta con Li Saumet de Bomba Estéreo.
La ascendencia y el mestizaje exaltados por la autora, afincada en Canadá desde 2005, se acentúan con aspereza en la portada, que hace juego con el título del álbum. En ella, por cuenta de la fotógrafa Daniela Murillo, Lido Pimienta encarna a una suerte de santa o reina, o ambas, en un altar color pastel que remite a los retablos sincréticos y populares de la América hispanizada y evangelizada.
La segunda mitad de Miss Colombia es una reafirmación valiente de la herencia cultural recibida por Lido. En el preludio a la canción "Quiero que me salves", el maestro cantor Rafael Cassiani Cassiani narra el origen del Sexteto Tabalá, agrupación legendaria de la música caribeña colombiana oriunda de Palenque de San Basilio –el primer pueblo negro libre de América– que, enseguida, acompañan a la cantante en la canción del mismo nombre. "Pelo Cucú" es una exaltación del pelo de los afrodescendientes y cuenta con el respaldo vocal de las cantaoras del Grupo Raíces de Palenque.
Antes del epílogo, el álbum concluye con "Resisto y ya", una invitación festiva, bailable y sencilla a salir al encuentro y a celebrar el cambio a pesar de quienes se oponen a la transformación de la sociedad y el cambio de paradigmas por cuenta de las personas marginadas.

Página web oficial: Lido Pimienta

tracks list:
01. Para transcribir (SOL)
02. Eso que tú haces
03. Nada (feat. Li Saumet)
04. Te quería
05. No pude
06. Coming Thru
07. Quiero que me salves (Preludio feat. Rafael Cassiani Cassiani)
08. Quiero que me salves (feat. Sexteto Tabala)
09. Pelo Cucú (feat. La Burgos)
10. Resisto y ya
11. Para transcribir (LUNA)





Gérald Toto – Sway (2018)

Cantante, guitarrista, arreglista y compositor antillano residente en París, Gérald Toto es conocido, sobre todo, en calidad de vocalista, por su modulación dulce, su llamativo falsete y su ambigua tonalidad oral. En más de una ocasión ha sido comparado con Caetano Veloso. Su música está influida por la estética criolla, pero también por el neo-soul, el R&B, el pop, el jazz, el folk y la música caribeña. Un artista recomendable para quienes disfruten con el folclore africano, especialmente aquel desprovisto de clichés y más abierto a tendencias contemporáneas, con predilección por los sonidos negros.
La última vez que escuchamos a Gérald Toto fue en el sublime álbum Bondeko, grabado con sus compañeros de viaje Lokua Kanza y Richard Bona, cuyo "telón de fondo de ensueño" e "inmaculadas armonías dulces" llevaron a comparar al trío con "un Crosby, Stills y Nash africanos".
Sin embargo, ese trabajo fue, simplemente, el capítulo más reciente de una carrera de impresionante pedigrí. Francés de origen antillano, su familia era apasionada amante de la música y el hogar en el que creció vibraba con los sonidos del soul estadounidense, la música dance afrocaribeña, el zouk congoleño y el makossa de Camerún.
En la década de 1990 se sumergió en el underground francés como un audaz aventurero de la world music. Además de sus propios álbumes atmosféricos y experimentales, ha trabajado con artistas tan diversos como el cantante de raï argelino Faudel, los hipsters parisinos Nouvelle Vague y el electrofuturismo oriental del tunecino Smadj.
Lo más significativo de todo es que en 2004 se relacionó por primera vez con el cantante congoleño Lokua Kanza y la estrella camerunesa de afro-jazz Richard Bona, una feliz unión que condujo al álbum colaborativo Toto Bona Lokua. El disco causó sensación y se convirtió en un clásico, fruto de su profundo espíritu panafricano y sus excelentes armonías vocales. Las prósperas carreras en solitario de los tres significaron que pasaron más de una docena de años antes de que encontraran una ventana en sus agitadas agendas para ir al estudio a grabar una continuación (Bondeko, 2018).
Las canciones de Sway (2018) no gritan ni buscan impresionar. Como toda la buena música, se insinúan silenciosamente con una sutileza benévola y seductora. Suave y melodiosa pero ágil y llena de matices audaces, la música que Toto hace en Sway nos lleva en un viaje imaginario a un mundo que tiene tiempo para detenerse y mirar, y donde el frenético estruendo de la modernidad se reduce a un murmullo, sus canciones parecen punteadas de un cuenco de aire fresco y sol mientras envuelven a la persona oyente en una dulce caricia de ensueño atemporal.
Los temas de Sway rechazan la categorización simple, un crisol cultural de folk acústico, jazz, soul, pop y blues con fronteras cosmopolitas que abarcan sabores criollos y caribeños. Grabado y producido por el propio Gérald Toto, "My Girlfriend" (coescrita con Jule Japhet) es un dulce romance teñido de samba; "Away Alive" flota en la etérea ligereza del ser; en "Umbaka" juega con un doo-wop futurista.
"Sway" nos invita a disfrutar de un ritmo diáfano y salpicado de luz. "You Got Me" nos mueve al ritmo de un jazz-blues sincopado. "Let It Blow" (escrito con Alice Orpheus) es un inquietante dream-pop que desafía la gravedad, mientras que los ritmos electrónicos de "It's a Love Pain" emocionan; "The Night Is Coming" (con su ambientación electrónica) y "Dutiful Love" (en el que se mueve al son de la guitarra acústica del blues) cierran Sway que, como su título indica, nos invita a movernos al ritmo suave de la vida.

Página web oficial: Gérald Toto

tracks list:
01. Alger 69
02. Day by Day
03. My Girlfriend
04. Away Alive
05. Umbaka
06. Sway
07. You Got Me
08. Let It Blow
09. It´s A Love Pain
10. The Night Is Coming
11. Dutiful Love





Lúcia de Carvalho – Pwanga (2022)

En una aldea remota de Angola, un grupo de campesinas posan para una foto de despedida. Se ven tristes pero las caras serias solo se deben a la solemnidad del momento. El fotógrafo no habla su idioma. Le pide al traductor las palabras mágicas para hacerlas sonreír antes de presionar el disparador de la cámara. "Pwanga ni Puy?" ¿Luz u oscuridad? Y los rostros de las mujeres se iluminan con una amplia sonrisa: "Pwanga!"
Esta es la historia detrás de "Phowo" (Mujer), uno de los temas de Pwanga (Luz), el título del tercer álbum de Lúcia de Carvalho, grabado y mezclado por Jean Lamoot (Mano Negra, Noir Désir, Souad Massi) entre Francia, Brasil y Angola.
África y Brasil están en Pwanga, formando el corazón de Lúcia que vive y escribe al son del tambor, encontrando palabras, melodías y ritmos en un mismo impulso; un diamante en bruto que su cómplice (Edouard Heilbronn) pule, enriqueciendo las armonías y la imaginería sonora y convirtiendo las canciones del álbum en películas de viajes.
Carvalho une la dulzura al poder, el significado a la esencia, la luz a las raíces profundas de un árbol nacido en África, cuyas ramas abrazan el mundo, cuyas flores aparecen como 13 cantos conmovedores y soleados. Tardó en darse cuenta, pero su propio nombre proclama su vocación y lo ha hecho bien desde el principio. Lúcia, "luz", de Carvalho, "el roble" en portugués: la fuerza del árbol. Una revelación que resume acertadamente su búsqueda poética y humana: "arraigar la luz".
Hay una magnífica unidad en el conjunto de temas, bastante sorprendente teniendo en cuenta que canta en seis idiomas y combina una variedad de estilos, incluidos samba, semba, afrobeat, rap, rock, reggae, funk y pop latino. Todo surge del sentido de Carvalho de su propia identidad a partir de tantas piezas: nacida en Angola, pasó parte de su infancia en un hogar infantil portugués y, posteriormente, fue adoptada por una familia francesa; a los 16 años se unió a un conjunto brasileño y actuó con ellos durante una década, convirtiéndose en la vocalista principal, antes de lanzarse en solitario como cantautora. El autorretrato que finalmente compone muestra unas raíces angoleñas, un tallo portugués y unas flores brasileñas, nutridas en suelo francés.
Colaboran en el disco el ilustre cantante brasileño Chico César, la potente y cálida voz de la cantante Anna Tréa, y dos veteranos de la música angoleña: el percusionista Galiano Neto y el productor-guitarrista Betinho Feijo, conocidos por su larga trayectoria junto al gran Bonga Kwenda. Mientras que el virtuoso Zé Luis Nascimento (Mayra Andrade, Ayo, Cesária Évora) supo realzar la esencia de cada tema con su original y variado vocabulario moviéndose entre percusiones brasileñas, orientales y occidentales. Más de treinta artistas la acompañan, sin olvidar la preciosa participación de las mujeres campesinas de Mumanga (Angola) en "Phowo" (a quienes rinde tributo). Sonido y luz en abundancia de colores.

Página web oficial: Lúcia de Carvalho

tracks list:
01. Somahaka (feat. Sañaelle)
02. Desperta (feat Chico César)
03. Maria
04. Yallah (feat. Anna Tréa)
05. Humano
06. PRKTCRACIA
07. Dentro
08. Buoy!
09. Harmony
10. Tristeza
11. Saeli
12. Phowo
13. Happiness





María Peláe - La Folcrónica (2022)

María Peláe es un ser de luz, andaluza y flamenca como sello de identidad, una de esas personas que tiene en la sonrisa su escaparate y que irradia optimismo y alegría a raudales independientemente de que la olla de papas, a las que tanto hace referencia, hierva con más o menos entusiasmo. Su música se caracteriza por sus letras comprometidas y cargadas de crítica social, vivencias personales y, por supuesto, con una buena dosis de picaresca y tintes lorquianos. El "sonido Peláe" toca palos del flamenco (con su rapeo) y sonidos latinos con ritmos urbanos.
Han pasado 5 años desde su primer disco de estudio Hipocondría, el cual fue financiado a través de una campaña de Crowfdunding. Con un largo camino en la música, de más de doce años, María ha obtenido numerosos reconocimientos y premios como cantautora.
La Folcrónica esta coescrito con su inseparable Alba Reig (Sweet California), que realiza una magnífica producción en la que también participan otros productores como Riki Rivera y Allnightproducer desde Barcelona. "Hecho como un buen potaje, a fuego lento y con amor", como señala la artista, el disco cuenta con grandes colaboraciones de "mujeres de arte" (como ella las llama): Sandra Carrasco, Las Niñas, Pastora Soler, Nia y Vanesa Martín.
En "La Confesión" pone la mira en uno de los pecados capitales, la lujuria. El punteo de la guitarra conduce a la corriente más flamenca de la cantante en "Por si te vas", el abrazo de la cantautora hacia el amor propio, los coros y las palmas de Riki Rivera entonan la reconciliación con una misma tras una mala relación. La ironía llega al álbum de la mano de "Y quién no". El estilo Peláe reina en la producción entrelazando los sonidos más actuales con el folclore, recayendo el pregón de la malagueña sobre el uso excesivo de las redes sociales para tratar de aparentar a través de ellas.
Con la cantaora Sandra Carrasco interpreta "Te espero en jarra", historia reivindicativa y autobiográfica en la que mira desafiante a los haters "esperándolos en jarra", "Qué fácil es saltarse las alarmas sin el foco en tu cara". "Cuéntale" celebra la vuelta de Las Niñas. El flamenco-funky siembra la esencia del grupo, el que más ha hecho mella en la artista, según sus declaraciones. Alba Molina, Aurora Power y Vicky Luna vuelven a la música, tras quince años, por la puerta grande.
"La Quería" cuenta con Pastora Soler, una invitada con la que rinde honor al lado más elegante del despecho. Tras el flamenco, su fusión funky y los ritmos urbanos, María vuelve a sorprender con la salsa producida por Riki Rivera e interpretada por Nia Correia en "Cómo están las cosas", reproche e ironía visten los compases latinos del tema.
"Que vengan a por mí" quizás sea el tema que más conecta con la raíz de cantautora de la artista, la vuelta a sus inicios a base de voz y guitarra. Este tema es un paso al frente para reivindicar la libertad frente al acoso de la ultraderecha a las y los profesionales que trabajamos por el feminismo y el respeto a la diversidad, "Que apunten mi nombre, soy la primera de su lista, La cara roja, el nudo en esta voz, pañuelo lila". Siguiendo la misma línea vindicativa, apegado a sonidos urbanos llega "Mi tío Juan", haciendo referencia a aquellas personas que no han podido vivir su vida como realmente quieren por la LGBTIfobia.
"Historia de vida" es un precioso bolero que interpreta junto a Vanesa Martín, una vuelta de tuerca del amor a la realidad, y su viaje por las diferentes etapas de la vida. "La Niña" no podía quedar fuera, guasa e ironía para una historia con tintes autobiográficos, las dificultades para visibilizar el lesbianismo en determinados entornos. Y "Tanguillo del desahogo" cierra el disco, una de las canciones que más evidencian su admiración por Lola Flores.
En definitiva, con La Folcrónica María Peláe abre las puertas hacia una evolución que la ha hecho crecer sin olvidar su raíz de cantautora de las que fueron testigos las primeras salas de sus conciertos. Reivindicación, crítica social, empoderamiento, amor y despecho, abarcando una influencia de vertientes musicales con un trabajo hecho con cuidado y esmero en su concepto y dirección artistica. Un disco redondo.

Página web oficial: María Peláe

tracks list:
01. La Confesión
02. Por si te vas
03. Y quién no
04. Te espero en jarra (con Sandra Carrasco)
05. Cuéntale (con Las Niñas)
06. La Quería (con Pastora Soler)
07. Cómo están las cosas (con Nia)
08. Que vengan a por mí
09. Mi tío Juan
10. Historia de vida (con Vanesa Martín)
11. La Niña
12. Tanguillo del desahogo





AMMAR 808 – Global Control / Invisible Invasion (2020)

El álbum anterior de AMMAR 808, Maghreb United (2018), una poderosa mezcla de graves TR-808 y ritmos y voces panmagrebíes, recibió elogios generalizados de la crítica y sacudió las pistas de baile en toda Europa, el norte de África y más allá. En esta ocasión, Sofyann Ben Youssef (el productor detrás de AMMAR 808) se marchó hasta la región Tamil Nadu en el sur de la India con el fin de registrar en la ciudad de Chennai, con su equipo, las bases de este trabajo fascinante en el que amalgama los ritmos de trance de los templos hasta las músicas urbanas y la electrónica más avanzada. El resultado sonoro es una pócima sonora rítmica y futurista que contagia y transporta.
"Cuando tenía 20 años fui a Delhi y estudié durante meses", explica el artista tunecino. "Aprendí a tocar el sitar y tabla e hice muchas grabaciones, comencé a absorber la cultura, a aprender. El hinduismo tiene un panteón de dioses, y muestra una cultura de libertad diferente. Después de 2011 y el inicio de la Primavera Árabe en Túnez, en mi tierra natal, me pregunto cada vez más sobre la libertad y mi propia identidad". La respuesta musical la iría a buscar tras experimentar en el trabajo anterior con voces y ritmos de la región norteafricana del Magreb, Maghreb United (2018).
"Pasé 24 días allí", recuerda. "Encontré a cantantes y músicos increíbles a través de un hombre llamado Paul Jacob. Él es dueño del estudio donde trabajé, y él mismo es músico y productor, y conoce las historias y sus gentes". La mitología y la tradición recorren todo el álbum que, contrario a lo que podría parecer (fue publicado justo en el comienzo de la pandemia mundial) el título no hace referencia al Covid-19, "para mí, en el sistema de creencias hindú, la invasión invisible ocurre en el cerebro, el alma. Somos invadidos sin siquiera verlo externamente, y este sistema decreta nuestro destino. Y por lo general lo aceptamos, en lugar de luchar contra él".
El virus nos arrojó a un universo distópico. Esta realidad no difiere a partes de la mitología hindú. A veces, señala, "algunas de las historias son como una película de ciencia ficción... llena de historias de guerras globales, dioses con máquinas voladoras y armas divinas y eventos de nivel de extinción... una historia sutil y misteriosa de la humanidad". "Ey paavi", por ejemplo. Proviene del Mahabharata, uno de los grandes relatos épicos en sánscrito de la India, compuesto hace más de 2000 años. La canción relata un episodio de enfrentamiento y destrucción entre Bhima y Duryodhana; es casi como escuchar la retórica de algunos líderes hoy en día, pero procede directamente del folclore, del teatro en la calle.
La mitología y la tradición recorren todo el disco. "Mahaganapatim" es otro tema dedicado al dios Ganesha, por ejemplo, mientras que las canciones "Marivere gati" y "Pahi jagajjanani" tienen sus raíces en la historia del sur de la India. AMMAR 808 vincula el sentido de lo que ha sido con lo que será. Mito antiguo conformado por electrónica pulsante y expansiva. El pasado recibiendo un reinicio estimulante y caleidoscópico.
Global Control / Invisible Invasion también es un álbum de canciones, algunas en el idioma tamil, dada la tradición vocal que es el hilo principal de la música carnática (a diferencia de la música del norte, que es en gran parte instrumental). Asimismo, es un álbum deliberadamente percusivo, otro reflejo de la propia India. Una gran producción, beat electrónico encajado con la milenaria sabiduría oriental.

Página web oficial: Sofyann Ben Youssef

tracks list:
01. Marivere gati (feat. Susha)
02. Ey paavi (feat. Kali Dass)
03. Mahaganapatim (feat. K.L. Sreeram)
04. Duryodhana (feat. Thanjai Nayandi Melam)
05. Geeta duniki (feat. Susha)
06. Arisothari yen devi (feat. Kali Dass)
07. Pahi jagajjanani (feat. Susha)
08. Summa solattumaa (feat. Yogeswaran Manickam)





AMMAR 808 – Maghreb United (2018)

Detrás de AMMAR 808 está Sofyann Ben Youssef, la mente sónica detrás de la sensación tunecina Bargou 08 y su monumental disco Targ (2017). Con Maghreb United los graves de la TR-808 se encuentran con ritmos panmagrebíes, voces atemporales y visiones futuristas. Se trata al mismo tiempo de una llamada a la acción que cuestiona los convencionalismos políticos en el norte de África y una reinvención electrónica radical del misticismo y fantasías folclóricas del Magreb.
AMMAR 808 y el proyecto someten la tradición musical de países como Marruecos, Argelia o Túnez, a una fuerza reactiva y electrizante, escribiendo su propia historia a base de ritmos palpitantes y la reinvención estética y sonora de sus raíces. A Youssef le acompañan The Maghreb United: Cheb Hassen Tej (Túnez), Sofiane Saidi (Argelia) y Mehdi Nassouli (Marruecos), voces que ayudan a articular uno de los proyectos electrónicos más vibrantes del presente del continente vecino. Con canciones de las historias del targ, gnawa y raï, y una TR-808 junto a un gembri distorsionado (interpretado por Nassouli), una flauta gasba y una gaita zokra (Lassaed Boughalmi), Maghreb United se extiende para abarcar toda la zona norteafricana.
"En el pasado, el Magreb era una región enorme, pero muy diversa dentro de sus fronteras. Pero hoy, el mundo mantiene a cada persona separada. El álbum no trata tanto de una región magrebí unida, sino de cómo podemos conectarnos mientras observamos nuestras diferencias (nuestras diferencias son también nuestra conexión) y las usamos para unirnos como humanos... Cuando hablas de los problemas de hoy, ya es demasiado tarde. La gente habla de lo que debería ser, cuando necesitas proyectar sobre el futuro", dice AMMAR 808.
Y con Maghreb United eso es exactamente lo que hace. Es la gran reinvención de la música de una región. Es una llamada a la acción. Es el futuro, ahora mismo.

Página web oficial: Sofyann Ben Youssef

tracks list:
01. Degdega (feat. Sofiane Saidi)
02. Sidi kommi (feat. Mehdi Nassouli)
03. Ain essouda (feat. Cheb Hassen Tej)
04. El bidha wessamra (feat. Cheb Hassen Tej)
05. Layli (feat. Mehdi Nassouli)
06. Alech taadini (feat. Cheb Hassen Tej)
07. Ichki lel bey (feat. Cheb Hassen Tej)
08. Kahl el inin (feat. Sofiane Saidi)
09. Boganga & sandia (feat. Mehdi Nassouli)
10. Zine ezzine (feat. Sofiane Saidi)





Urban Village – Udondolo (2021)

Con los pies en la tradición y la mirada en el futuro, los cuatro músicos de Urban Village se propusieron crear conciencia sobre la cultura y la historia del municipio sudafricano de Soweto, la ciudad dormitorio diseñada por el régimen del apartheid que se convirtió en el hogar de personas de todo el país, trayendo consigo sus diversas identidades culturales y musicales. Urban Village encarna esta historia, y nos plantean en su último trabajo Udondolo (Walking Stick) una cuestión no sólo musical sino identitaria, se inspiran en su educación en Soweto y construyen su imaginario a partir de la idea cuasi romántica de la vida en los entornos rurales.
Urban Village se formó en 2013 cuando el líder de la banda, el guitarrista Lerato Lichaba, se asoció con el vocalista y flautista Tubatsi Mpho Moloi (que también interpreta la mbira), el baterista Xolani Mtshali y el bajista Simangaliso Dlamini. Todos nacieron en Soweto en los últimos días del apartheid, y la historia de Urban Village es una de encuentros fortuitos y valores compartidos.
Lichaba es un ex alumno de Bantu Continua Uhuru Consciousness (BCUC), el colectivo de vanguardia de Soweto que toca "futuro pop afropsicodélico" y canta en los once idiomas oficiales de Sudáfrica. Naturalmente curioso, un día Lichaba se encontró con músicos zulúes mayores que tocaban maskandi en una esquina de Soweto. Lichaba se inspiró para comenzar a mezclar este maskandi de la vieja escuela y otros estilos de sus lugares natales y rurales a los que había estado expuesto para crear algo completamente nuevo. El laboratorio para estos experimentos serían sesiones de improvisación en clubes donde la palabra hablada, el hip-hop y el jazz comulgaran y donde Lichaba conoció a Tubatsi.
Cantado en inglés y zulú y cocinado en su estudio casero, Udondolo es un guiso con lo mejor de la música sudafricana de las últimas décadas: kwaito, jazz, amapiano, mbaqanga, pop, maskandi o swing, y la energía espiritual de los coros sudafricanos, cocidos a fuego lento, sin prisas y mezclando todos sus sabores. Un disco fresco y auténtico, en el que las ideas fluyen con suavidad, dejando espacio para respirar, pero trazando nuevos caminos en cada una de sus canciones. Además, Udondolo parece estar bañado por una luz clara, amable y alegre, dejando la agresión de los beats modernos a un lado. Cortes como las iniciales "Izivunguvungu", "Dindi" y "Ubaba", la simpatía de "Marabi" o "Empty K-Set" o la delicadeza de "Ubusuku" y "Umhlaba Wonke" conforman un trabajo sin apenas altibajos, delicioso, inclasificable y sorprendente.
Un viaje a través de todos los colores de Soweto, que se ha convertido en un laboratorio de música donde resuenan, aún hoy, las esperanzas de todo un pueblo.

facebook: Urban Village

tracks list:
01. Izivunguvungu
02. Dindi
03. Ubaba
04. Ubusuku
05. Madume
06. Sakhisizwe
07. Marabi
08. Umuthi
09. Inkani
10. Makolo Yanga
11. Empty K-Set
12. Umhlaba Wonke ft. Msaki





Catrin Finch & Seckou Keita – ECHO (2022)

Catrin Finch (la arpista más célebre de Gales) y Seckou Keita (uno de los intérpretes más excepcionales de la kora de Senegal) unieron su maestría y virtuosismo para grabar, hace casi diez años, el sublime Clychau Dibon, un precioso disco instrumental en el que confluían la música mandinga de África occidental y las antiguas melodías del País de Gales. Luego vino SOAR (2018), en el que exploraban su conexión emocional como migrantes y nómadas a través de la historia de Osprey (el águila pescadora), descubriendo y celebrando los paralelismos y las diferencias culturales entre el arpa galesa y la kora africana. ECHO vuelve a celebrar este sentido de conexión y lo convierte en un todo sin fisuras. También pone de relieve la importancia del amor, las relaciones, la muerte y la memoria, grandes temas existenciales especialmente presentes dadas las circunstancias excepcionales que hemos vivido en los dos últimos años de pandemia.
Partiendo de esta premisa, el álbum arranca con una radiante pieza titulada "Gobaith", que significa "esperanza" en galés. La música es hermosa en su complejidad y estructura, comenzando con un brillante estribillo de arpa, entrando la kora con toques de color sobre un susurro de las ricas notas del contrabajo de Claire Whitson antes de la suave introducción de las cuerdas.
La adición de cuerdas en cuatro de los temas es una novedad para el dúo, lo que marca un cambio distintivo en la forma de su sonido, creando una diferencia efectiva en la textura de las pistas con cuerdas involucradas y enfatizando el espacio donde están ausentes. No obstante, el equilibrio del sonido es idóneo en todo momento, y el septeto de cuerdas nunca ensombrece la esencia de los sonidos del arpa y de la kora.
Este equilibrio se muestra, de forma maravillosa, en "Chaminuka", una canción en homenaje al viejo amigo y compañero de Seckou, Chartwell Dutiro, virtuoso de la mbira. El patrón de arpa y kora imita la hermosa cadencia de la música mbira de Zimbabwe antes de la fluida transición a cuerdas, cuando Seckou canta en shona un lamento por su amigo, una preciosidad.
"Dual Rising" está inspirada en una colaboración que realizaron con el virtuoso arpista de joropo colombiano Edmar Castañeda. Una pieza de potentes arpegios que sugieren la improvisación libre, saltando entre arpa y kora y transmitiendo una sensación de libertad y energía pura que se transfiere maravillosamente en un escenario en vivo.
"Tabadabang" es una canción basada en la familia y en la inocencia de la aventura y los viajes en la infancia. La amabilidad y la gentil picardía que conforman el contexto se retratan en un sonido juguetón y suavemente eufórico, evocando esa inocencia de la infancia y la introducción sutil de las aventuras de la vida.
"Jeleh Calon" significa "sonrisa" en mandinga y "corazón" en galés. Las cuerdas de Catrin imitan el latido del corazón antes de que entre la kora de Seckou con una hermosa melodía que ilumina y proporciona una sonrisa efectiva. La introducción de otros sonidos de cuerda nuevamente permite que los dos instrumentos se entrelacen majestuosamente uno alrededor del otro, la música se desplaza y progresa como una vida.
"Jula Kuta" cierra el trabajo, siendo una demostración musical de lo lejos que han llegado Finch y Keita, con la intención de mostrar el rango de una kora de doble cuello que Seckou creó en 2007. Jugando con la escala cromática de D (Re) bemol a A (La) tanto en el arpa como en la kora, se divierten en algunos puntos al producir arpegios deliciosamente agudos. Llegado a este punto, la sutileza es una habilidad tan clave como la velocidad, y la música logra una sensación de satisfacción silenciosa a medida que los dos instrumentos se desvanecen. Ponen fin a otra obra maestra, un hermoso álbum de dos artistas que operan a la altura de su maestría.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Gobaith
02. Chaminuka
03. Dimanche
04. Dual Rising
05. Tabadabang
06. Jeleh Calon
07. Julu Kuta





Oumou Sangaré – Timbuktu (2022)

Oumou Sangaré es conocida en todo el mundo por su música vibrante que a menudo contiene mensajes revolucionarios sobre los derechos de las mujeres, la tradición y la pobreza. Considerada una de las reinas de la música africana, su corona está hecha del orgullo de un linaje femenino de cantantes aficionadas que tuvieron que salir adelante solas, trabajando de lo que fuese: sabe de lo que habla cuando menciona la labor incansable de las mujeres, en un país que soporta la poligamia, el matrimonio infantil y la mutilación genital, predominantemente en las regiones rurales. Ella consiguió consagrarse a la música.
Por su fuerte activismo social y cultural, la artista ostenta los títulos de Embajadora de Buena Voluntad de la ONU, Comandante de la Orden Nacional de Malí y Caballero de la Cultura en Francia.
En marzo de 2020, poco después del Festival Internacional de Wassoulou (FIWA), un evento que Oumou lanzó en 2016 para promover su región natal en el sur de Malí, Sangaré se fue a Estados Unidos. Solo había planeado quedarse unas semanas, pero llegó el confinamiento por Covid-19, primero en Nueva York y luego en Baltimore, un lugar en el que rápidamente se sintió como en casa. "Algo en esa ciudad me atrajo enseguida. Me sentí tan bien allí que me compré una casa". Una vez instalada en su nueva morada, pasó los días escribiendo canciones con la ayuda de un viejo amigo, Mamadou Sidibé, que ha sido el intérprete de kamele n'goni de Oumou Sangaré desde el principio.
De este periodo de reclusión forzosa nacieron diez de las once canciones de Timbuktu, el nombre de una "ciudad sagrada", venerada por Sangaré, que contiene toda la nostalgia de esos seis meses alejada de sus seres queridos y su oposición a la guerra, a todas las guerras, pero sobre todo a la que mantiene en pulsante dolor a Malí desde hace diez años. El contrapeso de la guerra es la música. La de Timbuktu es vitalista, bailable, muy reconocible en sus orígenes y, no obstante, con el atractivo de los arreglos del buen pop internacional.
Coproducido con Nicolas Quéré y Pascal Danaë, el álbum teje íntimas conexiones sonoras entre los instrumentos tradicionales de África Occidental y los vinculados a la historia del blues, sobre todo el kamele n'goni y sus herederos lejanos, el dobro y la guitarra slide. En el disco, la cantante expresa sus pensamientos sobre temas como los indescifrables misterios de la existencia, las canciones son metáforas hechas de la naturaleza africana y sus habitantes con las que Sangaré trabaja para rendir tributo "al amor, a la infancia desfavorecida y, sobre todo, a las mujeres que son las que más trabajan, las que primero se levantan y las últimas que se acuestan".
"La música está dentro de mí", declara Oumou. "Sin ella, no soy nada, ¡y nada puede quitármela! He puesto mi vida en este disco, toda mi vida, esta vida en la que he conocido el hambre, la humillación de la pobreza y el miedo, y de la que hoy saco la gloria".

Página web oficial: Oumou Sangaré

tracks list:
01. Wassulu Don
02. Sira
03. Degui N´Kelena
04. Gniani Sara
05. Timbuktu
06. Sarama
07. Kanou
08. Demissimw
09. Kêlê Magni
10. Dily Oumou
11. Sabou Dogoné





Bonga – Kintal da Banda (2022)

Ícono de la música angoleña, Bonga lleva más de cincuenta años de carrera artística y pertenece a esa casta de cantantes de África que han sublimado sus raíces, aportando un acertado significado al multifacético concepto de "africanidad". Nacido como José Adelino Barceló de Carvalho, cambió su nombre a Bonga Kuenda llegado a la adolescencia, una primera muestra de su conciencia sobre las realidades del colonialismo portugués.
"Toda la cultura angoleña estuvo bajo dominación portuguesa. Se prohibieron los idiomas tradicionales, al igual que la música africana. No teníamos armas con las que luchar, así que organizamos la resistencia cultural, especialmente formando grupos folclóricos, incluido Kissueia, mi primera banda. Con Kissueia canté canciones que revivían formas africanas ancestrales y cuyas letras hacían clara referencia a la convulsa situación de la época, la pobreza, la violencia colonial y la revuelta latente".
Con 23 años salió de su Angola natal para convertirse en atleta, llegando a ser plusmarquista portugués de los 400 metros, mientras jugaba un papel activo en el Movimiento Popular para la Liberación de Angola. En 1972 abandonó el atletismo para concentrarse únicamente en su música, haciéndose inmediatamente famoso en su Angola natal y en Portugal. Exiliado en Holanda, allí grabó con músicos caboverdianos un desgarrador primer álbum titulado Angola 72, disco que se convirtió rápidamente en una especie de banda sonora para la lucha de Angola por la independencia. En París grabó un segundo álbum que resultó tan importante como el primero, Angola 74, con una magnífica versión de "Sodade", que sería popularizada por Cesária Évora casi veinte años después. Después de la Revolución de los Claveles en abril de 1974, estos dos discos se convertirían en éxitos tanto entre migrantes de las ex colonias portuguesas como entre la ciudadanía portuguesa de ascendencia africana y europea.
A lo largo de estos años ha publicado más de cuarenta discos y escrito más de cuatrocientas canciones, cantando en portugués y en lenguas angoleñas tradicionales, y mezclando sonidos folclóricos portugueses, semba, kizomba y elementos latinos. Y aún mantiene intactas las ganas de seguir haciendo música. Kintal da Banda, su nuevo álbum, nos devuelve a las vivencias que marcaron su camino y encienden en la memoria la misma llama que llevó consigo al escenario en los momentos únicos de sus innumerables conciertos.
Grabado entre Lisboa y Paris, Kintal da Banda ha sido producido por el excelente guitarrista Betinho Feijó, el director musical que le ha acompañado en los últimos veintiocho años. El álbum está dedicado al patio de la casa en donde vivió de niño y también, por extensión, a todos los patios del mundo. Los patios son lugares de encuentro y de convivencia. Bonga recuerda las frases, los colores, los olores, y los sabores. Su patio, abrumado por un sol abrasador, era el lugar en donde familias y vecindad se encontraban, y donde se formó su conciencia social y política. En cuanto a la música, Kintal da Banda está salpicado de semba, la música "raíz" de su país. Un álbum lleno de nostalgia que no se desvía de las reivindicaciones sociales y políticas que siempre han impregnado la música de Bonga.

Página web oficial: Bonga Kuenda

tracks list:
01. Kintal da Banda
02. Kúdia Kuetu (feat. Camélia Jordana)
03. Kakibangá
04. Kalú Pu
05. Mukua Ndange
06. Sembenu
07. Kolenu
08. Ti Zuela
09. Gienda
10. Sem Kijila
11. Ivuenu





Dulce Pontes - Perfil (2022)

Dulce Pontes es una de las grandes cantantes del panorama musical portugués, destacando por la versatilidad de su voz y la emoción que transmite en cada canción que interpreta. Perfil es su nuevo disco que representa uno de sus proyectos más personales, con una vuelta a sus raíces, a las y los artistas y a las historias que la inspiran, una colección que se mueve entre el fado y la música popular portuguesa, y abre sus horizontes al jazz y a la música latina.
Con producción de Dulce Pontes y el músico cubano Yelsy Heredia, el proyecto tiene en su interior "un homenaje" que Dulce Pontes ha querido "hacer de una manera más amplia". "En primer lugar, Amália Rodrigues, siempre, pero no menos Hermínia Silva, también, Fernando Maurício y Alfredo Marceneiro, que tiene mucha historia que contar fuera de Portugal, y en Portugal también. Me da la idea de que las nuevas generaciones apenas saben y creo que es importante". "Sentí que tenía este álbum en deuda con la gente que ama el fado y a la que le gusta escucharme cantar fado, y que lo esperó mucho tiempo, a pesar de que siempre he seguido grabando fado. En cualquiera de mis registros fonográficos, siempre está ahí", señala.
"Na língua das canções", escrita por Tiago Torres da Silva, muestra la creatividad de Dulce Pontes y su voz. "Amapola" es una canción tradicional de los años 20 de José María Lacalle García, interpretada por primera vez íntegramente en portugués, con una impresionante adaptación de Dulce Pontes.
"Valsa da libertação" es la única colaboración del álbum, escrita por Pedro Homem de Mello, con arreglos y voz de Ricardo Ribeiro. Se incluye "Soledad", escrita por Cecília Meireles (con música de Alain Oulman) y cantada originalmente por la fadista Amália Rodrigues, pero nunca antes grabada en estudio. En este nuevo trabajo, Pontes canta temas popularizados por Alfredo Marceneiro, "O leilão da casa da Mariquinhas", Celeste Rodrigues, "Lenda das algas" y Hermínia Silva, "Fado mal falado". Además, realiza una deliciosa versión de un tema popular de Idanha-a-Nova, "Laranjinha".
"Porque" se basa en un hermoso poema de Sophia de Mello Breyner Andresen; "Retrato" con letra de Maria Mamede, está escrito y dedicado a Dulce Pontes, y "Dulce caravela", escrito y compuesto por la propia artista, es una oda al mar, llena de anhelo y esperanza.

Página web oficial: Dulce Pontes

tracks list:
01. Na língua das canções
02. Amapola
03. Leilão da casa da mariquinhas
04. Valsa da libertação (com Ricardo Ribeiro)
05. Soledad
06. Fado mal falado
07. Lenda das algas
08. Laranjinha
09. Porque
10. Retrato
11. Dulce caravela





Arooj Aftab – Vulture Prince (2021)

Pocas veces nos encontramos con un trabajo de una belleza tan absoluta y conmovedora como la de Vulture Prince, el último disco de la cantante y compositora Arooj Aftab por el que ha recibido el "Grammy Award for Best Global Music Performance".
Arooj Aftab es una artista pakistaní afincada en Brooklyn que, con cada proyecto que lleva a cabo, revela un lado diferente de su vasta personalidad musical. Reinterpreta, reimagina, resignifica, ya sea como cantante o como compositora de bandas sonoras (con Emmys y Oscars en su haber), como admiradora de Nusrat Fateh Ali Khan y Abida Parveen o como fan de Jeff Buckley y Prince, como revolucionaria de la música qawwali o los gazals o como importadora de vanguardias de la contemporánea, la clásica o el jazz.
Vulture Prince es su declaración más convincente y clara hasta el momento: una meditación sobre los diferentes tipos de pérdida, ninguna más profunda que la muerte del hermano menor de la vocalista, Maher, mientras escribía las canciones para este álbum. Sin embargo, las siete piezas nunca se sienten pesimistas, gracias a la ligereza inherente en su voz cristalina y la claridad de los arreglos. Los resultados son etéreos, pero nunca anodinos. La compositora tiene una extraña habilidad para hacer música con capas y capas de instrumentación, y que todo se sienta ligero, ordenado, minimalista en los oídos.
Actuando como un segundo capítulo del debut de Aftab en 2015, Bird Under Water, Vulture Prince abre con una nueva composición de "Baghon Main", una canción de su primer álbum, profundamente melancólica y nostálgica. Aftab emplea letras clásicas en urdu de los ghazales paquistaníes tradicionales, como "Mohabbat", donde lamenta un rechazo romántico cantando: "La tristeza de esto es igual a la tristeza de todo el mundo". Evita la instrumentación tradicional, aunque sus frases alargadas y serpenteantes a veces recuerdan a la música folk pakistaní. En su lugar, trabaja con un excelente elenco de artistas que dominan el jazz, la música clásica contemporánea y el folk, lo que permite que su voz maravillosamente meditativa se desplace en medio de la percusión manual de Jamey Haddad, el entramado de arpegios articulados por la resonante guitarra acústica de Gyan Riley y el arpa chispeante de Maeve Gilchrist, todos ellos acentuados por las tiernas notas del fliscorno de Nadje Noordhuis, los destellos etéreos del sintetizador de Shahzad Ismaily y el oleaje ambiental del violín de Darian Donovan Thomas. A lo largo del álbum, Aftab transforma el sufrimiento en belleza rapsódica con su fraseo exquisito y elástico, traduciendo el dolor en aceptación a medida que se desarrolla cada canción.
La guitarra de Badi Asad le da a "Diya Hai" otra reflexión sobre el amor perdido, cada frase es respondida por elegantes arreglos de cuerdas interpretados por el cuarteto Rootstock Republic. La adaptación de Aftab del poema de Rumi en "Last Night" emplea un escenario de reggae sorprendente, pero su canto bellamente medido evita que el pivote estilístico suene fuera de lugar.
Canciones que divagan a su ritmo, sin prisa, embriagadas por sus propias emociones, cálidas, tranquilas e, incluso, luminosas, hacen de Vulture Prince un trabajo que trasciende toda etiqueta y contexto. Excepcional.

Página web oficial: Arooj Aftab

tracks list:
01. Baghon Main (feat. Darian Donovan Thomas)
02. Diya Hai (feat. Badi Assad)
03. Inayaat
04. Last Night
05. Mohabbat
06. Saans Lo
07. Suroor





Redi Hasa – The stolen cello (2020)

Decca Records y el equipo de Ludovico Einaudi presentan con orgullo el álbum debut de Redi Hasa, considerado uno de los mejores cellistas del mundo: The stolen cello, la inspiradora historia de un joven atrapado en el conflicto albanés en los años 1990, mientras navega hacia su nueva vida en Italia con su posesión más preciada, un violonchelo robado.
Hijo menor de una profesora de violonchelo y un bailarín de la Universidad de las Artes de Tirana, Albania, Redi Hasa comenzó a estudiar violonchelo en la infancia, ingresando posteriormente en la misma Universidad. A partir de 1997 Albania se precipitó hacia la guerra civil, abrumada por la pobreza y los disturbios financieros. Con 20 años, inscrito en el Conservatorio, las nubes del conflicto comenzaron a acumularse sobre sus cabezas. "Tengo miedo de salir de casa. Todos tenemos miedo", dice, recordando un período que debería haber sido de despreocupación juvenil. El hermano mayor de Hasa, pianista y 11 años mayor que él y que vive en Italia, lo alentó a unirse a él para escapar de la escalada de violencia.
Al llegar al puerto de Bari por Mar, en el sur de Italia, incapaz de hablar el dialecto local, Hasa comienza el segundo acto de su vida, después de haberse llevado consigo el único artículo que podría ser de alguna ayuda: el violonchelo de la Academia de Música. Gracias a su talento, obtuvo el ingreso en el Conservatorio Tito Schipa de Lecce y contó con una beca con la que pudo terminar su formación musical, la misma que le ha llevado tan lejos.
Redi Hasa ha lanzado su primer álbum en solitario después de haber trabajado durante muchos años como parte del grupo de gira de Ludovico Einaudi, y participando en su ambicioso proyecto Seven Days Walking (2019). También ha colaborado con Kočani Orkestar, Boban Marković Orkestar, Bobby McFerrin y Paolo Fresu. En 2008 se unió a la Orchestra Notte della Taranta, y en 2010 comenzó un dúo muy exitoso con la cantante Maria Mazzotta, grabando dos álbumes y participando en muchos festivales internacionales.
El compositor albanés también ha colaborado con productores y compositores reconocidos internacionalmente como Mercan Dede, Alva Noto, Akin Sevgör y el propio Ludovico Einaudi con una selección de pistas para complementar el lanzamiento del álbum.
A través de su nuevo álbum, producido por Alberto Fabris y Titti Santini, Redi Hasa muestra (con su virtuosismo) la naturaleza "cantada" del violonchelo, explotando su voz con una historia profundamente personal de esperanza y supervivencia. Un homenaje a su historia como migrante que buscaba únicamente un futuro mejor. Una preciosidad.

Página web oficial: Redi Hasa

tracks list:
01. Dajti Mountain
02. Cherry Flowers (Lule Qershie)
03. Wave (Dallga)
04. Little Street Football Made of Socks (Topi Me Çorape)
05. Seasons going by (Stinët Që Kalojnë)
06. 1990 Autumn Escape (Ikja e Vjeshtës 1990)
07. The Snow (Bora)
08. Shadows Drown On The Streets (Rrugët Që Prisnin Hijet)
09. The Silence Of The Trail (Heshtja e Malit)
10. Time
11. Butterfly (Flutur)
12. The Prayer of the Moon (Lutja e Hënës)





Fatoumata Diawara – Maliba (2022)

La traslación de los planetas y la inclinación de la Tierra respecto al Sol, el derecho de niñas y niños a una educación de calidad, cómo descubrir la enfermedad de un paciente a través de su orina y el cálculo matemático para repartir una herencia; los límites del poder frente a la corrupción o la injusticia, los relatos de viajeros que llegaron a China o se hicieron a la mar rumbo a lo desconocido, la fundación de ciudades e imperios, cuentos y poesía... El contenido de los antiguos manuscritos de Tombuctú de entre los siglos XI y XX son el mayor patrimonio escrito del continente africano, y se muestra por primera vez al público gracias al acuerdo entre la asociación Savama-DCI y Google Arts & Culture, revelando la existencia de una profunda y riquísima tradición escrita en África. Es apenas una pequeña muestra, pero su historia es fascinante.
En 2012, el grupo yihadista Ansar Dine se hace con el control de Tombuctú e impone su radical visión de la vida. Entre otras medidas, destruyen edificios históricos como mausoleos o la puerta de la mezquita de Sidi Yahya. Los manuscritos estaban en peligro y residentes de la ciudad los sacan a escondidas, junto con muchos de sus tesoros. En enero de 2013, los extremistas queman varios cientos de legajos que estaban expuestos en el Cedrab; sin embargo, la treta funcionó y la pérdida fue mínima. Ansar Dine fue expulsado y, desde entonces, se están llevando proyectos para reconstruir las colecciones.
Maliba, de Fatoumata Diawara, forma la banda sonora de la presentación en línea de los manuscritos en Google Arts & Culture. Fatoumata canta sobre los tesoros de Malí y cuenta la historia de su preservación; las canciones brotan de los manuscritos y celebran el espíritu de la ciudad y su patrimonio cultural, y la importancia de valores como la educación, la unidad y la solidaridad.
"Kalan" hace alusión a los erúditos de los manuscritos de Tombuctú, que escribieron que la educación es un derecho humano básico al que deben poder acceder tanto niños como niñas. El orgullo de Malí, su resiliencia y su legado son el tema principal de "Mali Ba", que aboga por fomentar el patrimonio nacional. El rapero Master Soumy interviene: "I owe my humanity and honour to Timbuktu/Mali, Africa, Europe, it belongs to everyone". Otras voces participan, cantando en tamasheq, el idioma de los tuaregs, una ilustración musical de la unidad de Malí. En "One day", Fatoumata canta en inglés antes de hacerlo en bambara "We will realise/That the manuscripts in our possession/Have great significance", habla del legado de los manuscritos (algo de lo que saben bastante las familias que los han protegido durante generaciones), señalando la esperanza de que el conocimiento que albergan estos manuscritos llegue a todos los rincones del mundo.
"Save It" trata con incomodidad el legado de la esclavitud y las preguntas sobre qué partes de la herencia vale la pena salvar. En "Sini", Diawara apela a sus coetáneos/as malienses y de todo el mundo para que se unan y apoyen la protección de los tesoros culturales de Malí para generaciones venideras, desde la restauración física de sus monumentos más emblemáticos hasta la documentación de tradiciones musicales en vías de extinción.
"Yakandi" es un himno que concluye el álbum, haciendo un llamamiento a la unidad, la comunidad, las familias y ese sentimiento que nos produce sabernos en casa, "I don’t discriminate, we are all the same/The Bambara is black, you are white/Let’s unite and march together". Fatoumata muestra abiertamente lo orgullosa que está de su país y de sus gentes, a la vez que despierta en las y los oyentes el interés por aprender cosas de Malí, una tierra enamorada de la música, la cultura y la unidad de sus pueblos. Dice Diawara: "Este proyecto significa mucho para mí. Participar en la protección de los manuscritos de Tombuctú es un gran honor. Las condiciones para hombres y mujeres en Malí son muy diferentes y para una mujer involucrarse en esta preservación cultural es muy importante. Es increíble ser parte de esto y se siente como un sueño. Estoy tan orgullosa y tan feliz. Estoy muy en contacto con mi pasado ancestral. Muchas de las imágenes e ideas que utilizo me vienen en sueños, sueños sobre mis antepasados. Tener la oportunidad de ayudar a proteger nuestro legado ancestral y cultural es muy especial para mí".

Para saber más: "Los manuscritos de Tombuctú se abren al mundo"

Página web: Mali Magic

tracks list:
01. An ka bèn
02. Kalan
03. Maliba
04. One Day
05. Save It
06. Sini
07. Yakandi (feat. Tenin Nayan Diawara x Biwôrô Gang)





Mamak Khadem – Remembrance (2022)

Llamada "una de las maravillas de la música de trance", Mamak Khadem es una impresionante cantante y compositora de formación clásica persa, perteneciente a esa nueva generación surgida de la diáspora iraní de los años 80 del siglo XX que difunde, a lo largo del mundo, su exquisita cultura originaria a través de nuevos talentos musicales que combinan tradición e innovación al mismo tiempo.
Mamak Khadem ha recorrido muchos caminos en su extraordinaria vida. Pasó su infancia y juventud en Teherán durante una coyuntura crítica en la historia de Irán que transformó su vida. Después de dejar Irán para estudiar en Estados Unidos, pasó años como profesora antes de seguir su carrera como cantante y compositora profesional. Viajó para estudiar con grandes maestros de la música en Irán a lo largo de los años. Sus viajes artísticos y activistas le dieron forma a su voz y, hasta el día de hoy, sigue siendo una devota defensora de la diversidad cultural, el cultivo de la tradición musical persa y los derechos humanos.
Mamak interpreta una mezcla impresionante de estilos vocales persas clásicos y diversas influencias musicales contemporáneas. Fue fundadora de Axiom of Choice, la banda innovadora de fusión iraní que influyó y abrió las puertas a otras y otros músicos del género.
En su primer disco en solitario, Jostojoo (Forever Seeking, 2007), Khadem adapta la poesía persa de autores clásicos y contemporáneos para reorganizar en torno a ellas melodías tradicionales de diferentes regiones de Irán, Beluchistán, Armenia, Turquía, Grecia y Kurdistán. A Window To Color (2011) se basa en las palabras del poeta místico sufí y pintor, de origen iraní, Sohrab Sepehri (que incorpora ideas budistas en sus escritos pérsicos), transmitiendo un mensaje de contemplación y celebración de la naturaleza y el medio ambiente. Y en The Road (2015), Mamak sigue con su pasión por la interculturalidad, cruza las fronteras de varias regiones de Irán a Serbia, Bulgaria, Macedonia, Grecia y Al-Ándalus, y vuelve a utilizar de su herencia iraní (como la poesía de Rumí) para reimaginar canciones de otras culturas, tiempos y lugares.
Remembrance, su cuarto álbum en solitario, es un profundo y amoroso tributo a su difunto padre, Mohsen Khadem, y fue creado en el aislamiento de su casa de Santa Mónica durante la pandemia de Covid mientras él vivía sus últimos días en Irán. Debido a las restricciones de viaje, no pudo estar con él por última vez. Con ocho canciones originales elegantes y conmovedoras, Khadem captura un sentido universal de la belleza, el amor, la separación y la pérdida. Khadem escribe: "Remembrance es un viaje musical para sanar la gran pérdida de mi amado padre. Después de su fallecimiento durante la pandemia mundial en 2020, mi dolor ya no podría ser solo por él, sino por todos los que perdimos. El no poder estar a su lado fue profundamente difícil; sin embargo, para tantas personas migrantes en nuestro mundo, la vida misma es como una infinidad de limitaciones. Sentir en mi corazón que mi padre sabía cuánto lo amaba me da una sensación de plenitud y paz. Está conmigo ahora donde quiera que vaya. Dedico este trabajo a su hermosa alma."
Para Remembrance vuelve a utilizar bellísimos poemas de autores persas clásicos del siglo XIII (Saadi Shirazi y Jalāl al-Dīn Muḥammad Rūmī) para trazar su propio camino en cada canción, viajando a través de su sentido del dolor y buscando sabiduría en la memoria. A diferencia de sus trabajos anteriores (enfáticamente acústicos y teñidos con el sonido de la tradición), Remembrance es apropiadamente contemporáneo, con mucho sintetizador, solo puntuado por instrumentos de oriente, creando el efecto de otro mundo tan necesario para este viaje. Para ello, utiliza su voz apasionada y conmovedora y su fantástico estilo ululante combinado sobre grabaciones vocales exquisitamente construidas.
Su compromiso con los derechos humanos, el medio ambiente y el feminismo tienen su botón de muestra en "Entangled" y en la preciosa "Across The Oceans", inspirada en el trabajo de Mamak en los campos de refugiados, donde canta y organiza talleres para niñas y niños para que encuentren fortaleza y esperanza a través de la música. Para la canción, graba el coro de niños/as de forma remota, cuenta con la voz y el piano del Chris Martin (Coldplay), y con Coleman Barks para la traducción y recitación de la hermosa poesía de Rumí.
Co-escrito y co-producido por la propia Mamak Khadem, el gran Jamshied Sharifi, el guitarrista Marc Copely y el cellista Chris Votek, el disco incorpora una amplia gama de influencias musicales. A sus raíces persas en forma de voces e instrumentos musicales, Mamak y Jamshied añaden con elegancia otros elementos musicales como el blues, la música de cámara y la música celta, así como las fascinantes atmósferas electrónicas características de Sharifi. Un álbum memorable.

Página web oficial: Mamak Khadem

tracks list:
01. Remembrance
02. Mina
03. Entangled
04. Across The Oceans (feat. Chris Martin)
05. Dead and Alive
06. Face To Face
07. Messenger
08. Don´t Go Without Me





Quantic & Nidia Góngora – Almas Conectadas (2021)

Almas Conectadas es la segunda producción de Nidia Góngora, cantaora emblema del Pacífico colombiano, y el inquieto productor británico Will Holland, alias Quantic, e integra el recorrido, el viaje musical y la exploración de diferentes sonoridades en sus once años de trabajo conjunto: la recuperación de las tradiciones desde una óptica moderna, de la que son pioneros.
Después del referencial Curao (2017), con esta nueva obra muestran la inabarcable diversidad de dos artistas que trascienden etiquetas sonoras y reducciones geográficas. Su música, aunque nazca en las selvas y ríos de Timbiquí (el lugar de origen de Nidia Góngora, en la costa del Pacífico colombiano), y se haya grabado en el estudio de Quantic en Brooklyn, en realidad abarca todo el universo conocido.
Los temas resumen lo que el dúo ha ido aprendiendo (el uno de la otra, y viceversa) durante estos años de complicidad compartida, mostrando su habilidad para adaptarse a un sinfín de registros, desde la electrónica más sutil y paisajista al ritmo en trance de los tambores afro. Profundizando en el concepto del álbum, Nidia explica: "Almas Conectadas se refiere a la interrelación de las energías cósmicas, el aura y la forma en que se manifiestan desde lo abstracto; somos más que cuerpo y carne y existen innumerables elementos que nos conectan como seres que interactuamos en el universo, no siempre existe el contacto físico para estar conectados".
Almas Conectadas explora la nostalgia del amor imposible, celebra la soltería eterna, llora las almas perdidas en el mar y cuenta las historias de los habitantes de Timbiquí (cuya ubicación y contrastes culturales brindan una inspiración infinita). Protegiendo la esencia del rico cancionero de la región y tratando las tradiciones culturales de la costa del Pacífico con la mayor reverencia, Almas Conectadas es el matrimonio perfecto entre diversidad musical, creación colectiva y diálogo intercultural. Para Nidia, además, es un alegato por la vida y la dignidad, por su confianza en un futuro mejor para las nuevas generaciones en su país.
La voz magnética y la composición cautivadora de Nidia Góngora se combinan con la maestría musical incomparable y la producción pionera de Quantic, a través de once pistas impecables.

facebook: Quantic, Nidia Góngora

tracks list:
01. Doncella
02. El Chiclan
03. Balada Borracha
04. Almas Conectadas
05. Orozul
06. Adorar la Sangre
07. Adiós Chacón
08. Pronto Alivio
09. Macumba de Marea
10. El Avión
11. Vuelve