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Global Tranquility (2026)

La música pausada siempre ha poseído un poder singular. Mucho antes de que se hablara de "bienestar" o "autocuidado", la gente ya arrullaba a sus hijos e hijas para que durmieran, acompasaba su respiración al ritmo de un tambor o entonaba cánticos para alcanzar la quietud antes de orar. Global Tranquility reúne canciones de muy diversas culturas que comparten esta cualidad: son temas sosegados y espaciosos, creados para suavizar el ruido de la vida cotidiana en lugar de competir con él. Algunas de estas piezas fueron compuestas específicamente para la meditación y la práctica del yoga. Otras provienen de tradiciones de nanas y baladas, de prácticas curativas arraigadas en comunidades concretas o, simplemente, de artistas que buscan un registro más tranquilo dentro de su propio género. En conjunto, ofrecen un mapa libre e informal de cómo las distintas culturas se acercan a la calma.
Directamente del ámbito mundial del yoga y la meditación, Manish Vyas (quien lleva décadas componiendo música para el pranayama y otras prácticas de respiración yóguica) aporta "Mahabandh"; esta pieza se construye en torno al tono lento y pausado de la flauta bansuri y está diseñada para acompañar una secuencia de respiración específica. Jai-Jagdeesh se mueve en una tradición afín: el kirtan, la música de canto devocional del sijismo; su tema "Mera Man Lochai" adapta un himno centenario de anhelo espiritual a un arreglo contemporáneo y sosegado. Sheffy Oren Bach se inspira en su propia labor como terapeuta musical y en los talleres que imparte sobre la voz y la respiración; "Bayit" refleja esa misma intención al evocar un hogar construido a partir de la cercanía, más que de cuatro paredes. Las tres artistas surgen de comunidades interconectadas -que abarcan desde la India e Israel hasta otros lugares- donde la música actúa como una herramienta para aquietar la mente, y no simplemente como una forma de arte para la escucha pasiva.
Otras canciones se nutren de tradiciones sanadoras arraigadas en lugares específicos. "Saimavik", interpretada por un trío de artistas inuit y quebequenses, toma su nombre y su inspiración de una iniciativa de bienestar de Nunavut y Nunavik basada en prácticas centradas en el trauma para las comunidades del norte; el título de la canción se traduce, muy acertadamente, como "un lugar de plenitud". Desde África Occidental llega un tipo de quietud diferente, aunque afín: tanto "Fragile", de Ben Aylon y Roei Hermon, como "Faloufema", de Moh! Kouyaté, se apoyan en esa cualidad expansiva y pausada que caracteriza gran parte de la música de las regiones desérticas y de sabana del continente, donde las grandes distancias y los horizontes abiertos moldean una percepción del tiempo musical más lenta y paciente. Tanto el xalam de Aylon como el violonchelo y la trompeta de Kouyaté parecen respirar en el espacio abierto en lugar de apresurarse a llenarlo.
En otras partes del álbum, la tranquilidad adopta la forma de antiguas tradiciones de baladas y canciones de cuna. "Òran an Amadain Bhòidhich", del grupo Hò-rò, es una canción gaélica transmitida de generación en generación en las Tierras Altas y las islas de Escocia, interpretada a un ritmo que siempre ha encajado bien en estancias silenciosas y largas noches de invierno. "Øyeblikket", de Kristin Asbjørnsen, transmite esa misma quietud nórdica; su letra en noruego describe una calma repentina en medio de un momento difícil, acompañada por el tipo de arreglo austero y evocador del invierno propio de la canción escandinava.
Finalmente, algunas canciones hallan la calma a través del romance y un ritmo suave, en lugar de recurrir a rituales o nanas. "Amor e Paz", de Luísa Maita, es una delicada bossa nova compuesta como homenaje a João Gilberto e inspirada en la imagen de un padre que arrulla a su hijo para que se duerma. "Breath", una pieza instrumental para dos guitarras del dúo The TWO, bebe tanto del delta blues como de la música criolla de Mauricio, demostrando así que el carácter meditativo e hipnótico propio del blues lento puede trasladarse con la misma facilidad al océano Índico que al sur de Estados Unidos.
Lo que une a todas estas canciones, a pesar de sus diferentes idiomas y tradiciones, es un instinto compartido: que la música puede ralentizar el tiempo, aquietar una mente acelerada y ofrecer un momento de verdadero descanso. Global Tranquility es una invitación a escuchar pausadamente, a respirar al compás y a apreciar los diversos caminos que personas de todo el mundo han encontrado para llegar a ese mismo lugar de serenidad.
(Fuente: Global Tranquility - Putumayo)

tracks list:
01. Ben Aylon with Roei Hermon – Fragile (Israel / Senegal)
02. Saimavik with Riit, Juurini & Simon Walls – Saimavik (Canada)
03. Manish Vyas - Mahabandh: The Great Lock (India)
04. Hò-rò - Òran an Amadain Bhòidhich (Scotland / UK)
05. The TWO – Breath (Mauritius / Switzerland)
06. Kristin Asbjørnsen – Øyeblikket (Norway)
07. Jai-Jagdeesh - Mera Man Lochai (USA)
08. Moh! Kouyaté – Faloufema (Guinea)
09. Sheffy Oren Bach - בית (Bayit) (Israel)
10. Luísa Maita – Amor e Paz (Brazil)





Café Feminina (2026)

Café Feminina es una vibrante colección de Putumayo que nos trae artistas contemporáneas de todo el mundo, unidas por el poder de la voz y la historia. Cantando en catalán, malgache, portugués, árabe, mandarín, francés, español, sánscrito y otros, estas artistas exploran el amor, el anhelo, la resiliencia y la transformación.
El álbum se mueve con soltura entre el folk íntimo, los ritmos ancestrales, el canto devocional y las texturas del pop moderno. Juntas, estas canciones crean un espacio de encuentro global donde las voces de las mujeres marcan el camino.
La cantautora parisina Aure Delaroière crea canciones íntimas y depuradas, marcadas por una intensidad serena y una contención poética, entrelazando el francés, el inglés y el español como reflejos fluidos de la identidad y la memoria.
Nancy Vieira es una cantante conocida por su voz cautivadora y sus ricas versiones de géneros musicales tradicionales caboverdianos, que interpreta "Sol Di Nha Vida", una luminosa canción de amor escrita por Mário Lúcio que se inspira en la sensibilidad poética de Cabo Verde y el suave vaivén de la morna.
Karima Nayt (cantante, bailarina y actriz argelina) canta "Benti", una súplica de una madre a su hija que abandonó su hogar en busca de libertad, moldeada por el amor y el peso de la tradición.
Raya, nombre artístico de la compositora, cantante y actriz brasileña Paula Raia, se une a su compatriota Júlia Mestre en una meditación sobre el tiempo, el movimiento y la autodeterminación. Por su parte, Loko Gasy es un cuarteto malgache dedicados a renovar y preservar el patrimonio musical de su país, Madagascar, que ha desarrollado un sonido distintivo que llaman antsabeko que combina formas ancestrales con influencias del jazz contemporáneo y la fusión. En el centro del grupo se encuentra la cantante Saholiarisoa Safidinirina.
Anna Andreu es una cantautora catalana cuyas canciones se basan en la imaginería natural y la intensidad serena, donde la intimidad se vuelve luminosa y la contención cobra fuerza. "Roja i espessa" narra una impactante metáfora de transformación, pasando de la vulnerabilidad a una determinación firme.
La cantautora colombiana Victoria Sur es conocida por mezclar estilos folclóricos latinoamericanos con un sonido fresco, su música explora temas de amor, paz y naturaleza. "Si Se Te Olvida el Camino" es una canción de amor que transforma el recuerdo en promesa, donde un beso se convierte en el hilo que une a dos personas a través de la distancia.
Van Lefan es una artista interdisciplinaria taiwanesa residente en Vancouver. Cantando en mandarín e inglés, fusiona folk, pop y texturas experimentales en canciones que exploran la ascendencia, la identidad y la pertenencia. "Green Island Serenade" es un clásico mandarín muy querido de Taiwán de la década de 1950, reinterpretado aquí como una canción de cuna personal y una carta de amor al hogar.
Geneviève Racette es una cantautora de folk-pop-americana nacida en Quebec. Cantando tanto en francés como en inglés, conecta comunidades musicales con una voz profundamente personal. "Le roseau" es una silenciosa declaración de resiliencia tras el amor.
Renée Sunbird es una cantautora, yogini y compositora ganadora de un Emmy formada en Viena, cuya música conecta la práctica contemplativa con el sonido global. "Namo Amitābha" combina un dhāranī sánscrito tradicional, un canto devocional utilizado para la meditación y la concentración, con una melodía original. El texto honra a Amitābha, el Buda de la luz infinita, la sabiduría y la compasión, e invoca el despertar y el resplandor interior.

Para saber más: Putumayo

tracks list:
01. Aure – Mi Corazón (France)
02. Nancy Vieira - Sol Di Nha Vida (Cabo Verde)
03. Karima Nayt – Benti (Algeria)
04. RAYA with Júlia Mestre - Comentário a Respeito de Belchior (Brazil)
05. Loko Gasy - Mampamangy (Madgascar)
06. Anna Andreu - Roja i espessa (Spain / Catalonia)
07. Victoria Sur - Si Se Te Olvida el Camino (Colombia)
08. Van Lefan - Green Island Serenade (Taiwan / Canada)
09. Geneviève Racette - Le roseau (Canada / Quebec)
10. Renée Sunbird - Namo Amitābha (Austria / India)





Meelodi - The Great Blue Wheel (2020)

Meloodi comenzó como un proyecto entre el dúo, con sede en Bergen, Ole Andre Farstad, músico y productor, y el pintor y cantante Medi Farmani, de Irán. En 2019, la cantante siria Nawar Alnaddaf se unió al proyecto, junto con un elenco permanente formado por los músicos Per Jørgensen, Snorre Bjerk y Anders Bitustøyl. En noviembre de 2020, la banda lanzó el álbum The Great Blue Wheel, al que el periódico Aftenposten se refirió como "la mejor sorpresa de invierno", y que marca una nueva era para Meelodi como banda.
En este su tercer álbum, se musicalizan poemas de grandes poetas persas como el matemático, astrónomo, filósofo y poeta persa Omar Khayyam; la poetisa, filósofa y pionera feminista Táhirih Qurrat al-´Ayn, y Nimá Yooshij, iniciador del movimiento literario de la nueva poesía.
Las amplias influencias de la guitarra de Farstad y su conocimiento práctico de instrumentos de cuerda de todo el mundo se encuentran con las interpretaciones de Farmani de la poesía persa en una colaboración verdaderamente intercultural, ampliada con las aportaciones de otras y otros artistas de Siria, Reino Unido, Senegal y Canadá. World Music sin pretensiones: una hermosa fusión de sonidos inspirados en África Occidental, México, Medio Oriente y Noruega, lograda con delicadeza y sensibilidad hacia las culturas.
La guitarra de Farstad funciona muy bien con la kora de Kadialy Kouyate, haciéndose eco de las colaboraciones de los grandes Ali Farka Touré y Toumani Diabaté, dando paso a la impresionante voz principal de Farmani mientras que ocasionalmente emergen los instrumentos como contramelodía. La percusión sutil sustenta los arreglos que también presentan los sonidos característicos de la nyatiti (lira de Kenia), la mohan veena (una guitarra deslizante parecida a la cítara), el banjo, el ngoni, el guzheng (cítara china), el oud y el saxo y más. Una mezcla embriagadora y perfectamente equilibrada.

facebook: Meelodi

tracks list:
01. Kolli
02. The Great Blue Wheel
03. Tahere
04. Musca Domestica
05. Moonbeams
06. Seven Thousand Years
07. Hell Bound
08. The Oxus





Transglobal Underground – Walls Have Ears (2020)

Con ritmos de reggae ensortijados en sonidos norteafricanos, asiáticos y árabes, la formación original de Transglobal Underground se reune para su nuevo álbum de estudio, Walls Have Ears, aderezado de soul, gospel y electrónica, en su tradicional pero siempre innovadora línea.
Transglobal Underground es un proyecto adelantado a su tiempo. Hace treinta años se levantaron de las cenizas de la infravalorada banda indie Furniture como una fusión de danza y world music, surco en el que han arado desde entonces. Un elenco rotativo de personalidades han ido yendo y viniendo (la cantante egipcio-británica Natacha Atlas, cuyos álbumes en solitario posteriores han abarcado desde orquestas de cuerda hasta jazz árabe; Nick Page, conocido en su encarnación de TGU como el conde Dubulah, que pasó a Syriana, Xaos y a Dub Colossus; Johnny Kalsi, de Dhol Foundation e Imagined Village...). Transglobal Underground se ha caracterizado por ser un magnífico exportador de talento a la escena musical mundial del Reino Unido.
Ahora la banda pasa de ser centrífuga a centrípeta, por hacer una analogía: Natacha Atlas y Nick Dubulah regresaron la nave nodriza, se trabajó con crowdsourced, se llevaron a cabo giras, y algo que se acercaba a la alineación original se unieron para Walls Have Ears. Las colisiones son tan gloriosas como siempre. La canción de apertura, "City In Peril", se monta en un ritmo reggae deslumbrante con cánticos electrónicos y un solo de trompeta fluido de Yazz Ahmed, y la flauta de Tim Whelan revoloteando por encima. Natacha Atlas hace duetos con Sheema Mukherjee, la virtuosa del sitar de la banda, en "Ruma Jhuma", una canción de amor en hindi y árabe con tabla suavemente balanceándose. Las dos se emparejan de nuevo en "Future Ghost". La "decantación" de quienes residen en viviendas sociales, "tattooed and decoded/locked up in boxes, their homes... outmoded” es el tema de "The People Carrier", con una melódica que se desmiente con letras feroces.
En "Bloodshot Eyes" hay una incursión "invitada" de John Bercow, el ex Presidente de la Cámara de los Comunes, gritando "los síes los tienen" y "orden, orden", como la aparición de un mundo desaparecido. El otro lado de la vida londinense está en "Mind The Gap", una rara oda a la línea central del metro que conecta el oeste y el este de la ciudad. Hay diversión tonta en la forma de "Polo Neck", que rinde homenaje a la música pop francesa de los años 60. La música magrebí moderna consigue su salida en el crujiente canto Gnawa de "Stand Up (Nifhamou)", con Atlas cantando con la intérprete raï Sofiane Saidi, y de nuevo en "Chant Sans Adresse", con Nawel Ben Krasem tomando la delantera. "Way Down The River" cierra el álbum, una mezcla clásica de TGU de soul, rap, electrónica y entusiasmo.

Página web oficial: Transglobal Underground

tracks list:
01. City in Peril
02. Ruma Jhuma
03. The People Carrier
04. Bloodshot Eyes
05. Mind the Gap
06. Polo Neck
07. Stand up (Nifhamou)
08. Chant sans Adresse
09. Return of the Green Spider
10. Future Ghost
11. Way Down the River (part one)





Ravi Shankar – Tana Mana (1987)

Publicado por Private Music en 1987, Tana Mana (que significa "cuerpo y mente") es el trabajo de Ravi Shankar que dió lugar a la popularización del término "World Music", ya que su propuesta incide en la fusión de elementos orientales y occidentales abordando un nuevo camino en el que se unifican música india, jazz y electrónica.
Precisamente el término "World Music" ha resultado, desde entonces, paradójico para el entendimiento, ¿o es que acaso no todas las músicas son del mundo? La denominación se adopta en 1987 en el intento de hallar un término que reflejara el espíritu globalizador de los años 80 del siglo XX. El afán de las discográficas por vender se puso de lado de ciertos músicos del hemisferio Sur y de Oriente que, basados en su folclore autóctono, no sólo exploraban fusiones audaces con occidente, sino que en ocasiones lograban un considerable éxito, manteniendo la categoría de mitos o maestros de la que gozaban en sus respectivos países. Youssou N'Dour, Ali Farka Touré, Ladysmith Black Mambazo o Nusrat Fateh Ali Khan son sólo algunos nombres de indudable éxito. Peter Gabriel, Paul Simon o David Byrne son músicos occidentales que ayudaron a impulsar esta etiqueta y a determinados artistas de gran interés, pero para otros ilustres como Philip Glass no cabe duda de que el sitarista indio Ravi Shankar fue clave -incluso padre- de ese movimiento, años antes de su institución.

Tras décadas de trabajo y popularidad en la India y numerosos viajes por el mundo, Ravi Shankar conoció al Beatle George Harrison en 1966 y se convirtió en su maestro (el propio Harrison es un reclamo en Tana Mana, al acudir a la llamada de su mentor y amigo para tocar en el mismo cítara y sintetizador). Para dar el salto hacia el gran público, Ravi optó por facilitar las cosas, fusionando con otros estilos e instrumentos y acortando las duraciones de las canciones, más acordes con el gusto occidental y la radiodifusión. Aún así, a pesar de no tocar la música que le reclamaban los puristas de su país, este maestro consiguió su objetivo de "no perder la indianidad de su música". Más allá, con adaptaciones como ésta no exentas de alma, Ravi dió un importante paso para mantener viva la música clásica india en el mundo contemporáneo, abriendo camino a otros músicos notables, como su propia hija Anoushka Shankar.
Shankar tuvo una gran popularidad en EEUU cuando los Beatles le "descubrieron" a Occidente, se instaló en los Estados Unidos y dió populosos conciertos, y fué relanzado para el público general gracias al buen ojo del productor Peter Baumann para Private Music, donde publicó tres discos a finales de los 80, justo cuando comenzaba a instaurarse la mencionada etiqueta "World Music": Tana Mana (1987), un estupendo concierto en Moscú llamado Inside the Kremlin (1988), y la espléndida e imprescindible colaboración con Philip Glass Passages (1990).
En Tana Mana, instrumentistas indios (incluyendo a la vocalista Lakshmi Shankar o a Shubho Shankar -hijo del maestro, fallecido en 1992) se funden con nombres estadounidenses como los de los productores (Peter Baumann y Frank Serafine) o los de Patrick O'Hearn (al bajo), Ray Cooper (Marimba), Al Cooper (guitarra) o el mencionado George Harrison. Tana Mana, compuesto por Ravi Shankar un año después de sufrir un infarto, es una hermosa sucesión de piezas cantarinas, que van más allá de continentes y épocas para acatar la universalidad de la música india y darla a conocer al resto del mundo, en su faceta más asequible, a través de uno de sus grandes valedores. (Fuente: Solsticio de Invierno)

tracks list:
01. Chase
02. Tana Mana
03. Village Dance
04. Seven and 10½
05. Friar Park
06. Romantic Voyage
07. Memory of Uday
08. West Eats Meat
09. Reunión
10. Supplication





Dub Colossus – Addis to Omega (2014)

Dub Colossus es el proyecto resultante de la particular visión musical de Nick Page (también conocido como Dubulah), productor, compositor, multiinstrumentista y programador, que en los últimos veinticinco años ha trabajado con una larga lista de notables artistas de propuestas musicales alternativas.
En 1990 fundó, junto a Tim Whelan y Hammid Man-Tu (Hamilton Lee) la pionera y fecunda banda Transglobal Underground, con quienes editó seis discos antes de dejarles y crear Temple Of Sound. Pero en 2006 se encontró con músicos y artistas de Addis Abeba, se enamoró de su música y nació Dub Colossus, combinando dub y reggae de los años 70 junto a ethio-jazz de raíz azmari, y editaron su primer disco A Town Called Addis (2008), firmando con Real World para éste y los dos siguientes discos. En 2011 lanzaron su segundo álbum, Addis Through the Looking Glass, que también fue un éxito, pero aquí ya incluyeron algunos cambios de dirección musical con las colaboraciones del cantante reggae Mykael S. Riley, el batería Nick Van Gelder (ex Jamiroquai), el bajista Dr. Das (Asian Dub Foundation) y la imponente sección de vientos Horns of Negus.
Su siguiente paso fue la grabación de Dub Me Tender Vol. 1&2 en 2012, en el que reelaboraron algunas pistas anteriores junto con temas nuevos, con la consiguiente gira de presentación con una banda estable que incluía a la dúctil y calida vocalista PJ Higgins y al mencionado Mykael S. Riley. Este disco les supuso el reconocimiento del Songlines Music Awards 2013 en la categoría "Cross-cultural Collaboration".

Y después llega su último trabajo hasta la fecha, Addis to Omega, donde el enfoque musical ha girado totalmente. Han pasado de colaborar principalmente con artistas etíopes a hacerlo con cantantes y músicos de Jamaica y Reino Unido. Así que nos encontramos con reggae y dub de base, pero también ska, funk, soul, latin y jazz, "Dubadelica" lo han llamado, y es que hay de todo en estas quince nuevas composiciones, destacando sus letras, que son más sociales y críticas. Además, las sesiones de grabación tuvieron lugar en ciudades como Londres, Barcelona, Málaga, París y Tuva, lo que les facilitó incluir una amplia y variada colección de artistas invitados/as, entre quienes destacan Justin Adams, Winston Blissett, Natacha Atlas, el veterano jamaicano Joseph Cotton, el cantante de Tuva Albert Kuvezin, el violinista británico-egipcio Samy Bishai y su antiguo compañero Tim Whelan al piano. De nuevo sobresalen los arreglos de vientos de Horns of Negus, presentes e importantes en casi todos los temas y señalar, además, que en "Madmen" (el tema que más recuerda al antiguo Dub Colossus) participan Dani "K-Tna Fàbregas (Che Sudaka, Mendetz, Shuarma) a la batería y Sebastián Martínez Cevallos "El Córdoba" (Che Sudaka) al bajo.
En definitiva, Addis to Omega vuelve a situar a Dub Colossus como uno de los proyectos de fusión más excitantes de los últimos tiempos, un disco que funciona como si fuera un excelente recopilatorio de reggae-dub.

Página web oficial: Dub Colossus

tracks list:
01. Boom Ka Boom (And The Dub Diciples)
02. Family Man
03. Casino Burning Down
04. We Are The Playthings Of The Rich And Famous
05. Fight Back
06. Addis To Omega
07. Keep On Rocking
08. Soft Power
09. Madmen
10. Mi Dad
11. Tale Of 2 Cities
12. The Shape Of Things To Come
13. Happy Face
14. A Voice Has Power
15. Orpheus Underground





L´Orchestra di Piazza Vittorio - L’isola di legno (2013)

Transcurridos diez años desde su inicio, L´Orchestra di Piazza Vittorio se ha convertido en un bien común de la música italiana. Formación abierta, lista para dar la bienvenida a nuevos lenguajes musicales, procedentes de la tradición originaria de sus componentes multiculturales pero dispuestos a contaminarse por el pop y el rock, desarrollan una fusión de tradición y modernidad que crea un sonido único y con sello propio.
L´isola di legno (2013) parece un experimento de difícil realización; sin embargo, es sorprendente la extrema facilidad con el que sucede. Desde el "Preludio" aireado cantado en castellano (un notable texto acerca de los males de la mala política), donde las melodías de América del Sur se mezclan con las de Europa, en "Une ile en bois" se produce un encuentro con el Mediterráneo, cantando en francés acerca de los pueblos migrantes en busca de libertad. Desde "Chicken in the Kitchen", en el que se produce un cruce entre el Caribe y Sudamérica cantando en tres idiomas y componiendo a ocho manos una melodía de alegría contagiosa, al delicioso sabor vintage de los 60 en "Limoncello", alternando inglés y portugués, y que podría perfectamente ser todo un éxito comercial sin ningún tipo de esfuerzo promocional.

Contaminación aún más audaz se encuentran en "Tal Tal" (cantada en árabe tunecino), una popular balada pop que combina sonidos tradicionales árabes con occidentales contemporáneos, y en "Wonala" (cantada en dialecto de Senegal) donde entra en juego la música electrónica en busca de un nuevo sonido que surge de la interacción de los diferentes lenguajes musicales. Todo parece funcionar por arte de magia en este disco: la kora con la guitarra eléctrica en "Thiossane", África y el soul en "Galas", la canción popular romana en "Simon il gladioatore", los sonidos evocadores del oud en "Stanna", y los aires de Brasil y las lenguas senegalesas que se cruzan en "Tughel".
Por supuesto, no nos podemos perder las estupendas versiones del "Si Dios fuera negro" del puertorriqueño Roberto Angleró, un clásico alegre y cautivador, y "Zamba para no morir" del poeta argentino Hamlet Lima Quintana (del repertorio de Mercedes Sosa), un lento y agonizante canto en contra de la guerra.
En definitiva, L´Orchestra di Piazza Vittorio es una historia ejemplar desde todos los puntos de vista (artístico, cultural, musical, social y político), que nos demuestra que la unión de culturas produce belleza. Un experimento totalmente exitoso.

Página web oficial: L´Orchestra di Piazza Vittorio

tracks list:
01. Preludio
02. Une ile en bois (feat. Emanuele Bultrini)
03. Chicken in the Kitchen (feat. Fausto Mesolella, Emanuele Bultrini & João Gomes)
04. Tughel
05. Tal Tal
06. Wonala
07. Thiossane
08. Limoncello (feat. Emanuele Bultrini)
09. Si Dios fuera negro
10. Simon il gladiatore
11. Stanna
12. Galas
13. Zamba para no morir
14. Alma do povo (feat. Fausto Mesolella)





L’Orchestra di Piazza Vittorio – Sona (2006)

Desde su primer concierto en 2002, clausurando el Romaeuropa Festival, las y los componentes de L´Orchestra di Piazza Vittorio (procedentes de Hungría, Ecuador, Túnez, Marruecos, India a Senegal, Cuba y Argentina) transforman sus raíces y culturas en un solo idioma, la música. La Orquesta se inspira en la historia de cada artista, proponiendo una brillante mezcla de folk con sonidos del rock, pop, reggae, aderezada con instrumentos originarios, recuerdos, melodías remotas y voces procedentes de sitios lejanos. Un sonido fresco y enérgico que presenta a Roma como una de las encrucijadas culturales y musicales del mundo.
La Orquesta nace de una idea de Mario Tronco y del cineasta Agostino Ferrente en torno a la zona de la homónima plaza, donde la mayor parte de los habitantes son inmigrantes, y está desarrollado con la Asociación Cultural Apollo 11, un proyecto de artistas, intelectuales, profesionales y residentes del distrito Esquilino de Roma con el objeto de promocionar la interculturalidad en una zona. Su puesta en escena ofrece un poderoso mensaje de fraternidad y de paz de una manera que ninguna otra declaración, reunión o debate televisivo es capaz de hacer. Pero más allá de su valor político y social, L’Orchestra di Piazza Vittorio promueve la investigación y la integración de diversos repertorios musicales que a menudo son desconocidos para el público en general contribuyendo, a la vez, a la mejora de las condiciones de aislamiento cultural y social que muchos de los y las artistas a menudo tienen que soportar.

Una anomalía maravillosa en el mar contaminado de la música pop que no puede ser encasillado en una categoría específica. L´Orquesta di Piazza Vittorio es un "producto", sin un objetivo. Música que se las arregla para ser libre y estructurada, al mismo tiempo, vinculada a la tradición pero abierta al futuro. Música de todos/as y para todo el mundo.

Personal
Houcine Ataa (Tunisia, vocals)
Peppe D´Argenzio (Italy, soprano and baritone sax, clarinet)
Evandro Cesar Dos Reis (Brasil, cavaquinho, classical guitar)
Ernesto "El Kiri" López Maturell (Cuba, congas, drums)
Omar López Valle (Cuba, trumpet, flugelhorn)
John Maida (United States, violin)
Eszter Nagypal (Hungary, violoncello)
Gaia Orsoni (Italy, viola)
Carlos Paz Duque (Ecuador, vocals)
Pino Pecorelli (Italy, double bass, electric bass)
Raul "Cuervo" Scebba (Argentina, marimba, congas, percussions, timpani)
El Hadji Yeri Samb (Senegal, vocals, djembe, dumdum, sabar)
"Kaw" Dialy Mady Sissoko (Senegal, vocals, kora)
Giusseppe Smaldino (Italy, horn)
Ziad Trabelsi (Tunisia, vocals, oud)
Mario Tronco (Italy, Fender Rhodes)
with
Mahahub Khan (India, harmonium, vocals)

Página web oficial: L´Orchestra di Piazza Vittorio

tracks list:
01. Sona
02. Ena Fintidaarh'k
03. Fela
04. Helo Rama Per
05. Laila
06. Balesh Tebsni
07. Ena Andi
08. Sandina
09. Vagabundo Soy





Transglobal Underground – The Stone Turntable (2011)

Transglobal Underground es un colectivo multicultural afincado en el Reino Unido que basa su sonido en la fusión colectiva de los diferentes tipos de músicas del mundo, con una deslumbrante presencia en el escenario. El proyecto surgió a partir de un mutuo amor por la música de baile, de vanguardia, el árabe y la world music, y se basa en los gustos de cada miembro y en sus antecedentes culturales.
Visionarios del fenómeno "world dance", casi dos décadas después de su formación por el productor, multiinstrumentista y DJ Tim Whelan y Hamilton Lee (Hamid Man Tu, a lo largo de la historia del grupo Whelan y Lee han usado diversos seudónimos), su longevidad se basa en la capacidad de actualizar continuamente su sonido de fusión de la electrónica, dub, hip-hop y funk con formas musicales procedentes de India, África, Oriente Medio y Europa del Este, hecho que les ha llevado a ser todo un fenómeno musical a nivel mundial. Transglobal Underground funciona como una música colectiva con Whelan y Lee como productores en su núcleo, siendo cada concierto y cada grabación una oportunidad de trabajar con artistas de diferentes procedencias, reflejando su diversidad étnica y el Londres intercultural de hoy.

Celebrando sus 20 años de trabajo musical, presentan su más reciente álbum de estudio The Stone Underground, considerado su mejor disco desde su estupendo trabajo International Times (1995), y después de ganar en 2008 uno de los "BBC Radio 3 Awards for World Music".

Más información: Annie Reed Music ltd

tracks list:
01. Be as one
02. Don’t let me skip a beat
03. Sing for the love of your life
04. Deolali Junglee
05. Gunsinger
06. Tribe Organiser
07. Fire Maiden
08. We come to tear your wall down
09. The Stone Turntable
10. What stands above
11. The further people
12. What’s the use of that?
13. Granular Goat
14. Beat as one
15. Mazboori





Music from the Coffee Lands (1997)

Music from the Coffee Lands fue una de las primeras ediciones de Putumayo World Music, sello pionero en el afán de difundir la diversidad cultural del planeta Tierra. En esta primera edición, Putumayo nos regala canciones de intensidades y sabores variados como lo es el café de sus orígenes, un placentero viaje musical a través de Cuba, Kenia, Brasil, Uganda, México, Zimbabwe, Costa Rica, Hawai y Perú. Desde una cancioncilla ligera como el aire de Perú (Susana Baca) a los estilos más complejos de Colombia (Claudia Gómez), de la rumba congoleña de Ricardo Lemvo a la chimurenga de Thomas Mapfumo.
Music from the Coffe Lands es una travesía fascinante y deliciosa con un material bien seleccionado y documentado para su propósito (como acostumbra Putumayo, el libreto se presenta con preciosas ilustraciones de Nicola Heindl y con una reseña biográfica de cada una y de cada uno de los artistas seleccionados/as), una entretenida experiencia ideal para introducirse y disfrutar de las músicas y de las historias de estas preciosas tierras.

tracks list:
01. Julian Avalos (Perú) - Guajira Bonita
02. Claudia Gómez (Colombia) – Soltarlo
03. Samite (Uganda) – Wasuze Otya?
04. Susana Baca (Perú) – Maria Lando
05. Ernest Ranglin (Jamaica) – Below the Bassline
06. Raimundo Sodré (Brasil) – M´Ban Samba
07. Thomas Mapfumo (Zimbawe) – Hanzvadzi
08. Los Tradicionales de Carlos Puebla – Dilema
09. Café Tacuba (México) - Esa noche
10. James "Bla" Pahinui (Hawaii) - Gabby Kai
11. Ayub Ogada (Kenia) - Kothbiro
12. Juan Carlos Ureña (Costa Rica) – Este Son
13. Ricardo Lemvo & Makina Loca (Congo) – La Milonga de Ricardo en Cha-cha-chá

Music from the Coffee Lands II (2001)

Tras el éxito de la primera selección, Putumayo nos vuelve a deleitar con un segundo volumen de Music from The Coffee Lands, una sabrosa receta de melodías y ritmos a través de un nuevo viaje musical por las tierras del café de Etiopía, Brasil, Angola, República Dominicana, México, Venezuela, Indonesia, Colombia, Haití, Martinica y Congo.
De nuevo en el libreto se proporciona información detallada sobre las y los artistas, y una estupenda información sobre la historia del café y sus formas de prepararlo, incluyendo algunas recetas de mezclas de café exótico para acompañar a la audición. Melódica y refrescante, Music from the Coffee Lands II levanta el ánimo y renueva el espíritu.


tracks list:
01. Ceumar (Brasil) – Dindinha
02. Mario Rui Silva (Angola) – Nzaji
03. Geraldo Azevedo (Brasil) – Quem é Muito Querido a Mim
04. Titico y Los Caracoles del Amargue (República Dominicana) – El Atabal de Mi Negra
05. Correo Aéreo (México/Venezuela) – Fiesta Llanera
06. Sabah Habas Mustapha & The Jugala All Stars (Indonesia/Java) – Di Nagara Deungeun
07. Gigi (Etiopía) – Guramayle
08. José Luis Martínez Vesga (Colombia) – Bunde Tolimense
09. Emeline Michel (Haití) – Moso Manman
10. Kali (Martinica) – Monté La Riviè
11. Denis Tshibayi (Congo) – Nge Na Munu

Dissidenten - Dissidenten 1983-2003

Cuando el término "World Music" empezó a formar parte del léxico de la música en los años 80, Dissidenten fue el primer grupo de vanguardia, en Europa, de la world music; de hecho, fué el New York Times quien los denominó "padrinos del World-Beat". Pioneros del etno-techno, Dissidenten (Friedo Josch, Uve Mürllrich y Marlon Klein) procede de Berlin, si bien la suya es una trayectoria calificable como de nómada.
Su primer trabajo, Germanistan (1982), fue registrado en India, donde se habían instalado tras una gira asiática, en colaboración con el Karnataka College of Percussion y la cantante Ramamani, de Bangalore. Para su siguiente álbum ya se habían instalado en Tánger, introducidos por el autor americano Paul Bowles. Así, en el Palacio del Sultán graban en 1983 Sahara Elektrik, con la ayuda de Sheikh Abdul Al Rashid, una de las personalidades más influyentes de la escena musical árabe. El disco incluía la afamada "Fata morgana", canción que les convertiría en tremendamente populares en España e Italia y, a partir de ahí, en Reino Unido, Estados Unidos y Canadá. Instalada en España su base de operaciones, el grupo continuaría con su trayectoria viajera. De un lado, para satisfacer los compromisos en directo que su creciente popularidad les acarreara en Norteamérica; de otro, porque sus visitas a la India han sido una constante y, finalmente y como motivo primordial, por su cercanía con Marruecos, auténtico vergel del que extraerán las ideas que luego pervertirán con ritmos electrónicos. Editan, en España, Life at the Pyramids en 1986, y en su cuarto álbum (Out of this world, 1989) el grupo colabora con algunos brillantes músicos norteafricanos; además de la sección de cuerda de la Real Orquesta Nacional de Marruecos, el álbum también presenta a Cherif Lamrani y Mahmoud Saadi, miembros de los legendarios grupos Lemchaheb, Jiljilala y Nass El Ghiwane. La producción tiene lugar en Rabat, Casablanca, Tánger y Madrid.

En 1992, el grupo viaja entre Berlín, Bombay y Bangalore en la India meridional, para finalizar el trabajo The Jungle Book, con reconocidos artistas como Trilok Gurtu y Ramesh Shotham. En los años siguientes, se implican en varios lanzamientos de la compañía discográfica creada por Dissidenten, Exil Musik y en prestigiosos festivales de Europa, editando en el 98 su segundo álbum en vivo, Live In Europe. Entre 1999 y 2002, siguen con proyectos (como una ópera sobre el río Danubio y A Worldbeat Odyssey, donde nueve DJ´s/productores remezclan nueve temas de casi todas las fases de la historia de Dissidenten), hasta llegar a 2004, en el que se edita el álbum doble Dissidenten 1983-2003, que recopila sus éxitos con algunas remezclas, mestizaje de flautas, laúdes y percusiones hindúes con ritmos sintéticos y drum´n´bass. El exotismo del ritmo.

Sitio web oficial: Dissidenten

tracks list:

Disco 1
01. Fata Morgana
02. Sahara Electrik
03. Do the pharado
04. Telephone Arab
05. Mani
06. Nalina Kanti
07. Germanistan
08. A Love Supreme
09. Jungle-book Part II
10. All India Radio

Disco 2
01. A taste of melon
02. Instinctive Traveller
03. Lobster song
04. Jungle Book (remix)
05. Telephone Arab (remix)
06. Love Supreme (remix)
07. Lanka´s Oddissey (remix)
08. Shine on me (remix)
09. Inshallah (remix)
10. Desert Sunrise (remix)
11. Jungle-book Part II (remix)





Gardens of Eden (2001)

Gardens of Eden, editado por Putumayo en 2001, es una colección de músicas cuya temática común gira en torno a los lugares considerados "paraísos terrenales" y los sonidos de la guitarra acústica, el ukelele, la kora africana, los ritmos polinesios, la tabla india y el sitar. Un viaje idílico a través de los ritmos de las tierras del edén.

tracks list:
01. Telek - Midal [Papua New Guinea]
02. Eric Manana - Tsara NY Miran'ny Taniko [Madagascar]
03. Ana Rita Simonka - Mais Filhos de Gandhi [Brazil]
04. Baba Djan - Makola [Guinea]
05. Shweta Jhaveri - To a Beloved [India]
06. Barefoot - Arica [Big Sur]
07. Regional Vermelho E Branco - Conori [Brazil]
08. Guadalupe Urbina - País Azul [Costa Rica]
09. Te Vaka - Tautai E [New Zealand]
10. Keola Beamer - Elepaio Slack Key [Hawaii]
11. Yungchen Lhamo - Happiness Is... [Tibet]

Alberto Iglesias - The Constant Gardener (BSO) (2005)

Por la banda sonora de la película The Constant Gardener (El Jardinero Fiel, 2005), de Fernando Meirelles, Alberto Iglesias fue finalista al Oscar a la mejor banda sonora del mismo año. Adaptación al cine de la novela homónima de John le Carré, El Jardinero Fiel nos cuenta una historia de amor entre un diplomático (Ralph Fiennes) y una activista (Rachel Weisz, óscar a la mejor actriz de reparto), localizada en el África subsahariana, en la que se destapa una trama internacional de corrupción, burocracia y acciones lucrativas de la industria farmacéutica.
La música pone broche de oro a esta cinta y complementa perfectamente la historia. La composición corre a cargo de Alberto Iglesias, músico español ganador de numerosos premios Goya y autor de bandas sonoras de películas de Pedro Almodóvar, Julio Médem, Bigas Luna, John Malkovich, Steven Soderbergh y Marc Forster, entre otros (precisamente con la película Cometas en el Cielo, de este último, también fue nominado al oscar en 2007). Música eminentemente ambiental, sin caer en la tentación de elaborar música "típicamente africana", integra los instrumentos étnicos, como la marimba, consiguiendo construir ambientes de misterio a base de acertados solos de violín, oboes y clarinetes y arpa, que la utiliza para enlazar diferentes pasajes. La voz está presente en dos de los temas más representativos: "Dicholo" y "Kothbiro" (del genial músico keniata Ayub Ogada), cargado de una espiritualidad y profundidad impresionantes y cuya melodía hila magistralmente en varias pistas. En definitiva, el gran mérito de la banda sonora es la de conseguir que la música nunca reste protagonismo a las imágenes dramáticas y reflexivas, sino que se mantiene como un murmullo que acompaña al protagonista (Ralph Fiennes) en su doloroso camino de respuestas.

tracks list:
01. Tessa's Death 0
02. Roadblock I
03. To Germany
04. Tessa In The Bath
05. Jomo Gets An HIV Test
06. Dicholo (performed by Ayub Ogada)
07. We'll Both Be Dead By Christmas
08. Motorbike
09. To Airport
10. Funeral
11. Three Bees Testing
12. Sandy Goes To The Hospital
13. Kothbiro (performed by Ayub Ogada)
14. Justin Returns To The House
15. Raid
16. Destruction
17. To Loki
18. Kindergarten
19. Hospital
20. Kenny Curtis
21. Landing In Sudan
22. Justin's Breakdown
23. Justin's Death
24. Dropped Off At Turkana
25. Roadblock II
26. Procession





Peter Gabriel - Passion (BSO) (1989)

En 1989 Peter Gabriel editó Passion, la banda sonora de la película "The Last Temptation of Christ" (La última tentación de Cristo), de Martin Scorsese. El disco es un resumen de las exploraciones musicales que Peter Gabriel llevó a cabo a principios de los 80 del siglo XX por países como Pakistán, Turquía, India, Costa de Marfil, Bahrain, Egipto, Nueva Guinea, Marruecos, Senegal y Ghana. Nunca antes un músico de rock había ido tan lejos en los asuntos del mestizaje cultural, hasta el extremo de crear una moda (de hecho, Passion es la primera edición del sello Real World, que fundó con el objeto de promocionar las músicas del mundo).
Si la película es una joya, la banda sonora es el diamante. Gabriel consigue una perfecta armonía con la que tradiciones muy lejanas en el tiempo y el espacio, e instrumentos folklóricos nunca antes orquestados, se complementan unos con otros. Con un inteligente uso de los sintetizadores junto con las percusiones, Passion convierte los sonidos explorados en música de cine. El instrumento estrella del disco es el duduk, emblema del folklore armenio, que ha cautivado a distintos músicos de cine y que proporciona sonoridades melancólicas a películas más recientes como "Gladiator" y "The Passion" (Mel Gibson). Nusrat Fateh Ali Khan, Youssou N´Dour, Shankar y Hossam Ramzy son algunos de los músicos del plantel impresionante que acompaña a Gabriel en este bellísimo viaje.

tracks list:
01. The Feeling Begins
02. Gethsemane
03. Of These, Hope
04. Lazarus Raised
05. Of These, Hope - Reprise
06. In Doubt
07. A Different Drum
08. Zaar
09. Troubled
10. Open
11. Before Night Falls
12. With This Love
13. Sandstorm
14. Stigmata
15. Passion
16. With This Love - Choir
17. Wall Of Breath