La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Cancionera es el décimo álbum de estudio de la gran artista y cantautora mexicana Natalia Lafourcade. Para esta obra, Lafourcade presenta a su alter ego artístico: la cancionera. Una trovadora errante, una voz que recorre la noche con un aire de misterio, representando la dualidad: luz y sombra, tradición y transgresión, dulzura y rebeldía.
El álbum fue grabado en tomas completas, en vivo y completamente en cinta analógica durante un período de tres semanas (con 18 artistas tocando junto a Lafourcade en el estudio) con el objeto de capturar la espontaneidad y autenticidad de cada interpretación, evitando ediciones digitales y resaltando un proceso artesanal y colectivo.
La producción ha estado a cargo de la propia Lafourcade y Adán Jodorowsky, quienes ya habían colaborado en su anterior álbum De Todas las Flores (2022). El colectivo Soundwalk Collective aportó un diseño sonoro que integra sonidos naturales al paisaje musical del disco. Además, cada tema cobra vida también en imágenes, con videoclips que expanden el universo conceptual del proyecto y profundizan en su esencia poética.
Cancionera está compuesto por 14 temas, y se caracteriza por su diversidad estilística, incorporando géneros como bolero, ranchera, son jarocho, huapango, cumbia, tango, pregón, rumba y jazz. Esta amalgama de estilos refleja las raíces veracruzanas de Lafourcade y su capacidad para reinterpretar la música tradicional mexicana con una sensibilidad contemporánea, en un diálogo constante entre lo íntimo y lo colectivo. El álbum cuenta con colaboraciones de artistas como El David Aguilar, Israel Fernández, Diego del Morao, Hermanos Gutiérrez y Gordon Hamilton, enriqueciendo la obra con nuevas texturas y matices sonoros.
"No dejes de sorprenderme" es el hilo conductor de este viaje: una invitación a abrazar lo inesperado, a celebrar la belleza de la transformación y a reencontrarnos con esa voz interna que canta desde el corazón. Un disco sublime en su trayectoria.
tracks list
01. Apertura Cancionera
02. Cancionera
03. Cocos en la Playa
04. Como Quisiera Quererte (feat. El David Aguilar)
05. Amor Clandestino (feat. Israel Fernández)
06. Mascaritas de Cristal
07. El Coconito (feat. El David Aguilar)
08. El Palomo y La Negra
09. Cariñito de Acapulco
10. La Bruja (Versión Cancionera)
11. Luna Creciente (feat. Hermanos Gutiérrez)
12. Lágrimas Cancioneras
13. Amor Clandestino (Acústica) (feat. Israel Fernández y Diego del Morao)
14. Cancionera (Acústica)
Yamandu Costa, ganador de varios Grammy Latinos y guitarrista de Rio Grande do Sul, ha grabado De Vida y Vuelta junto a Domingo Rodríguez Oramas, más conocido como Domingo El Colorao, un músico tradicional de Fuerteventura. Los dos unen sus instrumentos, la guitarra de siete cuerdas y el timple, entregando un sonido único, una clase magistral de simplicidad que reune las brisas de Brasil y de las Islas Canarias.
Yamandu Costa se ha convertido en uno de los músicos más admirados de su país, con una propuesta que cruza la tradición brasileña —choro, bossa nova o samba— con las tradiciones argentinas y uruguayas —tango, milonga o zamba— recreadas a través de su singular guitarra de siete cuerdas.
Por su parte, el timplista Domingo Rodríguez Oramas "El Colorao" es un artista sobradamente conocidos en el panorama de la música popular de Canarias. La forma de rasguear y de tocar heredada de la tradición y depurada por sus estudios de guitarra aporta al majorero un estilo propio que patenta en sus numerosos trabajos discográficos y sus frecuentes colaboraciones con artistas y grupos señeros de la tradición popular de las islas.
Grabado en Lisboa (residencia actual de Yamandu), con 13 canciones instrumentales, el álbum cuenta con un repertorio ecléctico, que va desde lo clásico hasta lo popular, en una mezcla de idiomas. La obra es una celebración de la relación entre Canarias y América Latina, que estuvo fuertemente influenciada por el archipiélago y sus elementos musicales y culturales: hay canciones de Venezuela, Paraguay, Brasil y, por supuesto, de la tierra de Domingo El Colorao.
La creación del disco, que supone un hito importante en esta integración cultural entre las dos orillas del océano Atlántico, se produjo durante una pequeña gira de Yamandu por las Islas Canarias. Allí conoció a Domingo, iniciando esta asociación, que aparece en la serie documental Histórias do Violão. A este mágico encuentro hace referencia el último tema del disco, un poema escrito y recitado por José Marcos Hormiga Santana, quien da nombre al disco, "Vida y Vuelta": "...Suena el caso en el que dos intérpretes de la vida —Yamandu Costa y Domingo el Colorao—, rebasan la existencia de espacios, a la vuelta de imágenes sonoras. Dos sentires modulan instantes musitados a timple y guitarra, pulsan intervalos en los que el tiempo deja de existir, labran soplos de Vida y vuelta". Un caso ejemplar de música magnífica.
tracks list:
01. Lagrima
02. Boliviana
03. Vals Francés
04. Alma Llanera
05. Mazurca del Zurdo
06. Sons de Carrilhões
07. Natalia
08. Tango en Skï
09. Adiós a Ocumare
10. Pajaro Chogui
11. Mazurca Choro
12. Isa Parrandera
13. Vida y Vuelta (José Marcos Hormiga Santana)
Vida es la última producción discográfica de la gran Omara Portuondo, y cuenta con 11 temas producidos por la cantautora guatemalteca Gaby Moreno. Editado por el sello danés One World Records, el álbum hace un recorrido por los distintos colores de Latinoamérica contando con artistas como el puertorriqueño Andy Montañez, la peruana Susana Baca, el salsero panameño Rubén Blades, el trompetista Alexander Abreu, la mexicana Natalia Lafourcade y el cantante español Raphael, entre otras personalidades. Vida propone once composiciones de carácter íntimo y nostálgico que invitan a la celebración, con un mensaje positivo y de amor. El trabajo abre con el hermoso "Bolero a la Vida", a dúo con Gaby Moreno. "Silencio" destaca al Niño de Trastalleres, Andy Montañez, voz ilustre de la salsa puertorriqueña con una dilatada carrera musical. "Lo que me queda por vivir" (que anteriormente había grabado con Chucho Valdés) es reinterpretado junto a Raphael y la orquestación de la agrupación Orquesta Failde.
"Duele" cuenta con el pianista y compositor cubano Gonzalo Rubalcaba, mientras que "Como la cigarra" (conocido como himno contra la dictadura argentina, de Maria Elena Walsh) es cantada a dúo con otra grande, Susana Baca. El juguetón título "Me toca" es interpretado por Omara con Carlos Rivera, cantante y compositor mexicano, con arreglos de Álex Cuba, músico y compositor cubano, y "Se feliz" cuenta con Keb´Mo´ (Kevin Moore), cantante y guitarrista estadounidense de blues.
"Now", en clave de jazz, es una canción protesta inmortalizada por Lena Horne, actriz y cantante afroindígena de jazz comprometida contra la discriminación racial. Acompañada por Rubén Blades, Omara nos entrega el precioso "Honrar la vida" de Eladia Blázquez, cantante y compositora argentina de tangos. "Gracias a la vida", el clásico de la chilena Violeta Parra, suena a ritmo de cueca con Natalia Lafourcade. Cierra este trabajo la canción más salsosa del disco, "Con 2 que se quieran", un trío vocal de Omara con el cantautor cubano Amaury Pérez y el colosal trompeta Alexander Abreu, una explosión de fiesta para dejarnos con una sonrisa, bailando por el camino de la vida.
Con Vida, Omara Portuondo, "la novia del feeling", cumple (a sus 92 años) una vez más la petición que su madre le hizo antes de irse, llevar la música al mundo. En unos meses, la cantante bajará de los escenarios y quedará para grabar discos y algunos proyectos más específicos. "Se va a quedar con muchas cosas, como artista y como persona. Quedará con ese recuerdo bonito de un legado que dejó para la historia de la música, tanto cubana como internacional", señala Ariel Jiménez Portuondo, su hijo y manager. Grande Omara.
tracks list:
01. Bolero a la Vida (feat. Gaby Moreno)
02. Silencio (feat. Andy Montañez)
03. Lo que me queda por vivir (feat. Raphael & Orchestra Failde)
04. Duele (feat. Gonzalo Rubalcaba)
05. Como la cigarra (feat. Susana Baca)
06. Me toca (feat. Carlos Rivera)
07. Se feliz (feat. Keb´ Mo´)
08. Now
09. Honrar la Vida (feat. Rubén Blades)
10. Gracias a la vida (feat. Natalia Lafourcade)
11. Con 2 que se Quieran (feat. Amaury Pérez & Alexander Abreu)
Picaflor, el álbum más reciente del percusionista y compositor argentino Martin Bruhn, nace de una celebración en forma de homenaje a la cultura huanca de los Andes peruanos, la zona del Valle de Mantaro, al sonido tan particular de las orquestas típicas y su festividad popular. Y lo detona su constante búsqueda de nuevas músicas y el amor por el folclore.
Como señala el propio Martin, Picaflor es un poco el resultado de su impresionante carrera como percusionista e investigador musical. Durante los últimos diez años ha formado parte del proyecto musical de Nacho Mastretta. Ha tocado y grabado discos con muchísimos artistas, como Julieta Venegas, Raúl Carnota, Najwa Nimri, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Paolo Fresu, Tomás Gubitsch, Carlos Aguirre, Quique Sinesi, Susana Rinaldi, Pablo Sbaraglia, Juan Carlos Cáceres, Javier Girotto, Natalio Mangalavite, Ariel Roth, Walter Malosetti, Fernando Egozcue, Olivier Ker Ourio, Ariel Prat, Joe Vasconcelos, Minino Garay, Ara Malikian, Ruben Dubrovsky and The Bach Consort of Wien, Ismael Serrano, Luis Pastor...
Su primer disco como solista, Criollo (2012), es una forma de encuentro entre la electrónica y la música folclórica de latinoamérica, un proyecto donde el espíritu de las tradiciones populares se mantiene intacto mezclándose con las nuevas tecnologías y donde la vitalidad de sus ritmos es la protagonista absoluta.
Picaflor se gestó gracias a sus incansables viajes por el continente, a su amor por los sonidos de Bolivia, Brasil, Uruguay y Perú, y al descubrimiento de la sonoridad de la música de Picaflor de los Andes (de ahí el título) y su forma de mezclar instrumentos con voz absolutamente andino. Como él mismo cuenta, empezó a investigar sobre la cultura huanca y quedó impresionado por la fuerza orquestal tan popular que se produce entre saxofones, clarinetes, violines y arpa de los grupos de la región. Y el disco es una forma de rendir homenaje a los grupos y artistas de la música huanca haciendo su propia interpretación.
Grabado durante la pandemia, Picaflor está concebido como los antiguos vinilos, con un sonido low fi, pasado por aparatos de cintas de esa época. Para ello, de forma totalmente artesanal, cada músico/a se graba muchas veces para poder simular una banda de pueblo. Augusto Bracho (Gustavo Guerrero) se encargó de hacer las mezclas en su propia casa. Las y los artistas que colaboran en este magnífico experimento son Mariana Carrizo (voz), Augusto Bracho (bajo arpero), Leandro Guffanti (saxo, clarinete), Marina Sorín (violonchello y phonofiddle), Diego Galaz (violín), Nacho Mastretta (clarinete), Chelo Segui (saxo), Leo Genovese (saxo), Gabriel Pérez (saxo, clarinette), Antonio Restucci (charango y mandolina) y Germán Wiedemer (arpa).
Natalia Lafourcade se ha convertido en una artista de culto en Iberoamérica. Cantante, compositora, multiinstrumentista, productora musical, diseñadora, escritora y activista, en su trayectoria profesional ha recibido numerosos reconocimientos internacionales: 14 Latin Grammys, 2 Grammy Awards, un premio Billboard y 3 MTV Awards. Desde su homenaje a Agustín Lara en Mujer Divina (2012), Lafourcade se ha sumido en una constante y evolutiva exploración de las músicas de sus antepasados. En los dos volúmenes de Musas (2017 y 2018) navegó por toda Latinoamérica junto a Los Macorinos, poniendo a disposición de la actualidad el impecable pasado musical que además la inspiró para componer canciones inéditas. Un canto por México nace a raíz del seísmo de septiembre de 2017 en México, tras la noticia de que el Centro de Documentación del Son Jarocho en Jáltipan, Veracruz, quedó muy afectado y que no tenían un espacio para continuar la misión de conservar y rescatar el patrimonio musical y cultural veracruzanos.
Aprovechando su poder de convocatoria, la gran Natalia organizó tres conciertos benéficos para apoyar a Los Cojolites (alma del Centro): uno en Estados Unidos, otro en el Teatro Roberto Calderón de Ciudad de México y el último en el Auditorio Nacional de la capital mexicana, en noviembre de 2019, donde Lafourcade compartió el célebre escenario junto a Los Cojolites y una decena de invitados e invitadas de la escena musical latinoamericana. Un Canto por México Vol. 1 (2020) y Un Canto por México Vol. 2 (2021) reunen la magia de esta presentación, producción llevada a cabo a partir de los ensayos en Estudio, bajo la dirección de Kiko Campos, Nando Hernández y la propia Natalia Lafourcade, cuyo Volumen 1 les ha supuesto el Grammy Award "Mejor álbum regional mexicano" y 2 Latin Grammys (Álbum del año y Mejor canción regional mexicana).
El son jarocho surgió hace tres siglos como una música clandestina, de esclavos, prohibida por las autoridades religiosas, que la consideraban lasciva porque "revolvía el cuerpo y la mente e incitaba a la lujuria". El género surge por la unión de varias culturas: la española (que ya traía integrada la árabe), la africana (que llegó de Cuba) y la indígena, y el pensamiento que mueve los versos del son jarocho es indígena. El son puede cantar el amor romántico y las penurias sentimentales, las preocupaciones que agobian a los y las habitantes de estos poblados, pero también sus alegrías, su afán por aferrarse a lo bueno de la vida. Y ha estado desde siempre en la vida de la gente campesina.
Agrupaciones como Mono Blanco y Los Cojolites, entre otras, llevan décadas trabajando para evitar la extinción del son jarocho, dando un nuevo aliento al género. Ricardo Perry es director de Los Cojolites y del Centro de Documentación del Son Jarocho en Jáltipan, Veracruz, que desde hace décadas intenta mantener viva esta herencia musical, con talleres para las y los más jóvenes.
Cada tema de Un Canto por México Vol. 1 es como hacer una parada en cada estado mexicano para maravillarse con sus sabores, texturas y sonidos, que destapa desde una serenata huasteca con "El Balajú" hasta una acústica impecable como "Cucurrucucú Paloma", donde sobresale la imponente interpretación de Lafourcade.
Junto con la preciosa versión del tema de Juan Gabriel "Ya no vivo por vivir" (interpretada primorosamente con Leonel García), nos encontramos con reversiones de los singles más destacados de sus álbumnes Hasta la raíz (2015) y Musas (2017 y 2018), donde el mariachi y el danzón suenan de fondo mientras canta a dueto "Hasta la raíz", "Para qué sufrir", "Nunca es suficiente", "Lo que construimos" y "Un derecho de nacimiento", con las voces de Los Auténticos Decadentes, Jorge Drexler, Emmanuel del Real y Panteón Rococó.
Lafourcade lanza también sus propios temas inéditos: "Una vida" (donde se amalgaman perfectamente el mariachi, la orquestación y otros sones que acentúan la fina voz de Natalia) a la que se suma la norteña "Mi religión", dedicada a su más grande amor, la música.
tracks list:
01. El Balajú / Serenata huasteca - con Los Cojolites
02. Mexicana hermosa - con Carlos Rivera
03. Veracruz
04. Una vida
05. Hasta la raíz - con Los Cojolites y Los Auténticos Decadentes
06. Ya no vivo por vivir – con Leonel García
07. Mi religión
08. Para qué sufrir – con Jorge Drexler
09. Nunca es suficiente
10. Sembrando flores – con Los Cojolites
11. Lo que construimos – con Meme (Emmanuel del Real)
12. Un derecho de nacimiento – con Panteón Rococó
13. Mi tierra veracruzana – con Los Cojolites
14. Cucurrucucú Paloma
Para salvar al son jarocho, Natalia Lafourcade ha buscado el apoyo de gigantes de la música latinoamericana como el brasileño Caetano Veloso y el panameño Rubén Blades, voces que, junto a ella, aparecen en el segundo volumen de Un canto por México, la producción musical creada para recaudar fondos para la reconstrucción del Centro de Documentación del Son Jarocho de Jáltipan, destruido en el terremoto de 2017.
Este segundo volumen incluye un repertorio de once canciones que van desde el bolero, música tradicional mexicana, son jarocho y otros ritmos latinoamericanos. Una de las canciones más conmovedoras es la versión de "La Llorona", interpretada dulcemente, como un arrullo, por Silvana Estrada y Ely Guerra. Caetano Veloso une su voz a "Soy lo prohibido", mientras que Blades le pone sabor caribeño al disco en "Tú sí sabes quererme", que originalmente formó parte de Musas, álbum que Lafourcade publicó en 2017 en compañía de Los Macorinos.
La chilena Mon Laferte participa en "La Trenza/Amor Completo", mientras que la voz apacible del uruguayo Jorge Drexler aparece en la versión acústica de "Para qué sufrir", uno de los grandes éxitos de Natalia, que formó parte de Hasta la raíz, el disco que catapultó a la mexicana al Olimpo de la música latinoamericana. La canción más comprometida de Un canto por México es "Nada es verdad", compuesta por Los Cojolites, la agrupación de son jarocho con la que Lafourcade se ha unido para impulsar el proyecto de Jáltipan. Sobre esta composición Lafourcade ha escrito: "Es una canción que como un terremoto nos sacude para despertar, abrir los ojos y ponernos a meditar tantito. Una canción para decir: ¡ya basta! Busquemos otra forma de hacer las cosas, porque claramente vivimos en los brazos de un sistema descompuesto en donde sigue faltando el equilibrio, sigue faltando el trabajo para poder vivir en respeto, armonía, libertad, plenitud y, sobre todo, en amor".
tracks list:
01. La Llorona - versión acústica
02. Cien años - con Pepe Aguilar
03. Alma mía / Tú me acostumbraste / Soledad y el Mar
04. Luz de Luna - con Aída Cuevas
05. La Trenza / Amor Completo - con Mon Laferte
06. Nada es verdad - con Los Cojolites
07. Recuérdame - con Carlos Rivera
08. La Llorona - con Silvana Estrada y Ely Guerra
09. Soy lo prohibido - con Caetano Veloso
10. Tú sí sabes quererme - con Mare Advertencia y Rubén Blades
11. Para qué sufrir (acústica) - con Jorge Drexler
Durante casi 40 años, Ecos de Borinquen ha capturado el alma de la música jíbara en sus interpretaciones y grabaciones a través de un exquisito balance entre tradición e innovación. Fundado en 1980 por el trovador Miguel Santiago Díaz, el grupo ha acogido a algunos de los mejores instrumentistas de Puerto Rico como Neftalí Ortiz, Edi López y Ramón Vázquez. Los creativos arreglos de Ecos de Borinquen para el cuatro (el instrumento de cuerda más icónico de la música jíbara) junto con la maestría poética de Miguel Santiago para componer décimas, han hecho de este grupo uno de los preferidos entre las audiencias locales y han atraído reconocimiento internacional. En 2004, su disco Jíbaro Hasta el Hueso fue nominado al premio Grammy en la categoría de mejor álbum "Traditional World Music" y al premio Latin Grammy en la categoría de "Best Folk Music", haciendo de ésta una de las más exitosas grabaciones de música jíbara desde aquellas legendarias del cantante Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), quien durante la década de 1950 popularizó este estilo de música tradicional puertorriqueña a lo largo de América Latina y los Estados Unidos.
En El alma de Puerto Rico, su segunda grabación con Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen presenta una variedad de géneros tradicionales como el seis, aguinaldo y la cadena, que son considerados la esencia misma de la música jíbara. La música jíbara suge de la población campesina de la isla, nacida de la mezcla racial entre europeos, indígenas taínos (habitants precolombinos) y africanos, formando un fenotipo mestizo con un gran componente racial de origen andaluz, canario, extremeño, sefardita, morisco y castellano. Los instrumentos musicales reproducían a sus ancestros de la península ibérica y Canarias, desarrollándose la construcción de instrumentos propios como cuatros, tiples, bordonúuhoihuois, guitarras y el nativo güiro, idiófono raspador construido con un fruto de la isla. La música jíbara se compone de varios estilos musicales, denominados seis y aguinaldos. Los versadores en rima, principalmente en décimas y decimillas fijas o improvisadas, son una característica en el tipo de expresión vocal. Las danzas, que incluían zapateados y una representación coreográfica, eran parte de fiestas patronales, celebraciones navideñas y fiestas para conmemorar el "acabe", nombre que se le daba al fin de la temporada de la cosecha. La música también era parte de la vida cotidiana de la población jíbara. El canto acompañaba el trabajo en el campo, las labores domésticas, las actividades de entretenimiento y la narración de cuentos e historias.
Miguel Santiago Díaz, originario del poblado montañero de Comerío (considerado la cuna de los trovadores) nació dentro de la tradición de cantar décimas o trovas. Maestro de escuela retirado conocido como el maestro de la trova, usa la música como "una extensión de su filosofía de enseñanza". La música, según Miguel, es una manera de "transmitir valores" heredados de sus ancestros: la hospitalidad, la devoción religiosa, la buena fe y, sobre todo, el amor por Puerto Rico, sus hermosas mujeres, su radiante campiña y sus vigorosas tradiciones. Miguel ha infundido estos temas con maestría en los seises y aguinaldos interpretados en el álbum a través del uso de lenguaje poético (metáforas, aliteraciones, repeticiones) y su destreza en el arte de construir décimas.
El nombre Ecos de Borinquen procede de un programa de radio que Miguel Santiago Díaz inauguró en 1978 en la estación WViAc 740 AM, y que todavía está en el aire en la WQbs 870 AM. El programa tenía como propósito dar mayor exposición pública a la música jíbara la cual, según Miguel Santiago, tiene una presencia limitada en las ondas radiales nacionales. Dos años más tarde, Miguel incorporó el grupo Ecos de Borinquen como parte del programa para acompañar trovadores y cantantes invitados/as. Yezenia Cruz, quien canta en este álbum, fue una de las artistas jóvenes destacadas en el programa. Ahora, en la cúspide de su carrera, su voz poderosa y enérgica complementa la experimentada voz de Miguel Santiago en El alma de Puerto Rico.
El cuatrista José "Cheo" Delgado, quien se unió a Ecos de Borinquen en 1997, recuerda la importancia que en el programa radial se le daba no solo a las voces sino también a la música instrumental: "cada domingo [en el programa] podíamos tocar danzas, mazurcas, valses y pasodobles de los grandes Maestros Ladí (Ladislao Martínez), Nieves Quintero, Maso Rivera… fue una experiencia formadora para mí". Siguiendo esta tendencia, Ecos de Borinquen ha incluido en El alma de Puerto Rico tres piezas instrumentales inéditas compuestas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompañante de Nieves Quintero y parte de la escena musical jíbara en Nueva York durante la era de Ladí, a principios del siglo XX, cuando el Conjunto Típico Ladí y otros grupos pioneros comenzaron a incorporar música de salón derivada de modelos europeos del siglo XIX y estilos de música popular de Estados Unidos y Latino América dentro del repertorio jíbaro. Tres piezas incluidas en este álbum son testimonio de la popularidad, sofisticación y sabor criollo adquirido por este repertorio: una mazurca ("Gloria"), un foxtrot ("El Rodadero") y un pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").
La ascendencia de la música instrumental para cuatro es evidente en la interpretación de géneros tradicionales de la música jíbara. Especialmente en las interpretaciones en vivo, durante las secciones improvisadas de los seises y aguinaldos, los cuatristas con frecuencia utilizan escalas y acordes de jazz con una técnica impecable. En El alma de Puerto Rico, el cuatrista Cheo Delgado ofrece algunos solos jazzísticos a Nieves Quintero. Nieves Quintero, quien redefinió el arte de tocar el cuatro incorporando elementos de música popular latinoamericana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues y folclore latinoamericano (joropo llanero, milonga) dentro de los estilos jíbaros, ha sido influyente para músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado y Ramón Vázquez Lamboy (director musical del grupo), quienes han usado el conocimiento legado por estos grandes maestros para crear un sonido único para el grupo, que los ha mantenido a la vanguardia de la música jíbara. En El alma de Puerto Rico son presentados Benjamín Laboy (segundo cuatro) y la trovadora Elsie Marie Díaz, estrellas en ascenso que ahora hacen parte de la familia de Ecos. Como continuación de una venerable tradición puertorriqueña, El alma de Puerto Rico representa una grabación inmejorable para las y los fans de la música jíbara y para cualquiera que guste de la música tradicional.
tracks list:
01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)
Ana Tijoux se presenta golpeando almas y conciencias con los versos de su último álbum hasta la fecha, Vengo, aparecido en 2014. Un trabajo que le valió una nominación como Mejor Álbum Latino en la edición de los premios Grammy de 2015. Lejos de arquetipos raperos, la artista se ha labrado una reputación como abanderada del hip-hop de protesta, actitud que acompaña con una rica formulación musical. Ambos aspectos se equilibran perfectamente en una propuesta que ha llamado la atención no solo del público latinoamericano, ya que también ha sido aplaudida en escenarios de Europa y Estados Unidos. Baste señalar que, según The New York Times, Tijoux es "la respuesta latinoamericana a Lauryn Hill".
Ana Tijoux, nombre artístico de Ana María Merino Tijoux, empezó a ser conocida en América Latina cuando participaba en la banda de hip-hop Makiza, hacia fines de los noventa. Su origen chileno-francés se debe a que sus padres (es hija de la renombrada Doctora en Sociología María Emilia Tijoux) fueron exiliados tras el golpe militar del 11 de septiembre de 1973, que derrocó al gobierno del Presidente Salvador Allende. Tras el ascenso al poder de Augusto Pinochet, miles de chilenas y chilenos fueron desaparecidos o exiliados por oponerse al régimen.
Tijoux pudo instalarse definitivamente en su país en 1993, fecha en la que la cantante comenzó a moverse en el mundo del rap local, para luego formar su primera banda Los Gemelos, junto al rapero Zaturno. Pero fue en 1997 cuando hizo su primera grabación profesional en estudio al participar en el trabajo musical La medicina del grupo Los Tetas, uno de los pioneros del funk y del soul en la música chilena.
A la vez que participaba con Los Tetas, Ana Tijoux se sumó a la banda de rap chilena Makiza. Su primera producción con el grupo fue Vida salvaje y la segunda Aerolíneas Makiza. Fue en 2006 cuando la cantante decidió lanzarse como solista. Su primer álbum en esa modalidad fue Kaos (2007), cuyo primer sencillo es "Despabílate!". En el disco destaca también la canción "Gol", que grabó con la cantante de origen mexicano Julieta Venegas (con la que también colabora en el tema "Eres para mí", de Limón y Sal). Asimismo, Ana Tijoux hizo un rap junto al cantante uruguayo Jorge Drexler. Ambos sorprendieron cuando se llevaron el Grammy Latino a la Mejor Grabación del Año por la canción "Universos Paralelos", en la decimoquinta edición de los Grammy Latino de 2014.
El segundo disco de Ana Tijoux fue 1977 (2010), que logró Disco de Oro en Italia, y el tercero fue La Bala (2011). Con su cuarto álbum, Vengo, la artista ha logrado posicionarse en los mejores lugares de venta de Amazon e iTunes. Su trabajo, que presentó en 2015 en 10 localidades de Estados Unidos, llegó a ser número uno en iTunes Latine Alternative. De hecho, el crítico de música Jon Pareles escribió una columna en The New York Times, en la que elogió su forma de hacer música: "Sus composiciones son interpretadas con una calma asertiva, nunca con estridencia".
Mezclando ritmos y culturas, Tijoux nos lanza una bomba sonora de 17 temas, que pasa desde el tinku (Bolivia) hasta el hip hop más ácido y contestatario, incluyendo matices instrumentales con manifiestos emocionales, políticos, llenos de carencias sociales y culturales conocidas por todas y todos. Prueba de ello es "Somos Sur" (donde comparte líricas con Shadia Mansour, rapera de origen palestino); "Antipatriarca", dedicada expresamente a la liberación femenina y reivindicación de la mujer en nuestra sociedad, y "Somos todos erroristas" la que, siguiendo en la línea de las colaboraciones, posee el aporte de Hordatoj.
"Los Peces Gordos no pueden volar" es una canción dirigida a su hijo donde, por medio de su lírica, le muestra las verdades de nuestro sistema, la injusticia y como él (nosotros/as) podemos hacer de nuestro entorno un espacio mejor y más amigable. "Río Abajo" vuelve a ser un tema que exacerba ritmos autóctonos con una letra reivindicadora.
En "Oro Negro", sacando a relucir la versatilidad de su voz sin perder la rítmica del hip hop como base, Tijoux esboza nuevas críticas, esta vez contra la guerra y la ambición que hay tras ella. Un canto a la paz en su estilo, con una armonía agradable que logra su objetivo: llamar a la reflexión y dar a entender que las luchas bélicas por el poder y el enriquecimiento sólo hacen del pueblo alimento para la muerte. Otro punto álgido dentro del presente trabajo.
Fuera de ciertas comparaciones que puedan darse con otras bandas e intérpretes latinoamericanos, Tijoux ha facturado un álbum de combate que también destaca en lo musical, con un hip hop instrumental que repasa un variopinto de ritmos andinos y autóctonos que logran dar un baño nuevo al ambiente musical iberoamericano. Todo un acierto.
tracks list:
01. Vengo
02. Somos Sur (con Shadia Mansour)
03. Antipatriarca
04. Somos todos erroristas (con Hordatoj)
05. Er-rrro-r
06. Los Peces Gordos no pueden volar
07. Creo en tí (con Juanito Ayala)
08. Los diablitos
09. Interludio Agua
10. Rio Abajo
11. Oro Negro
12. Delta (con Mc Niel)
13. No más
14. Todo lo sólido se desvanece en el aire
15. Emilia (con RR Burning)
16. Rumbo al Sol (bonus track)
17. Mi verdad (bonus track)
The Tall Islands es el quinto álbum de estudio de este peculiar grupo que desde sus inicios explora y fusiona los ritmos latinoamericanos y caribeños con el sonido y los instrumentos de la música folclórica escocesa e irlandesa, convirtiéndose en muy poco tiempo en una de las bandas escocesas más populares de la actualidad.
Todo comenzó en 1996, en una sesión de un bar de Edimburgo con un pequeño grupo de artistas celtas y latinos que probaron a mezclar músicas celtas y caribeñas. El peculiar experimento dio lugar a Salsa Céltica. Poco después, la banda registraba su primer álbum, Monstruos y Demonios, Angels & Lovers (1997). Canciones del folklore sudamericano, son cubano, ritmos de salsa y rumba, improvisación, vivas melodías escocesas… todo en perfecta armonía musical estimulada por la cruda energía celta creando una ardiente atmósfera de baile en cada una de sus presentaciones en vivo. The Great Scottish Latin Adventure (2000) fue su segundo álbum, al que sucedieron El Agua De La Vida (2003, producción en la que se incluyo su tema mas sonado hoy por hoy, "Maestro"), El Camino (2006) y En Vivo En El Norte (2010).
En la actualidad, con varios cambios en su formación, la agrupación continúa fiel a su singular cóctel con voces salseras y celtas acompañadas por un divertido batallón de instrumentos: timbales, bongos, gaita escocesa, gaita irlandesa, birimbao (arpa judía), flauta celta, violín, banjo, trompeta, saxo, trombón, guitarra, piano, bajo… Sus múltiples presentaciones por las islas escocesas fueron su principal influencia para The Tall Islands. Así como otros discos de este conjunto abrían con "Salsa Céltica o "Rumba Escocia", temas que ya desde el título sintetizan la propuesta del grupo, éste lo hace con "Descarga Gaélica". A partir de aquí vemos que la banda tiene sus bazas más seguras en la voz del cubano Ricardo Fernández Pompa y en unos arreglos muy correctos, que más allá de las mixturas, son bastante fieles a la tradición. Su director y fundador, el guitarrista y percusionista Toby "El León" Shippey, coordina a las y los músicos procedentes de Cuba, Escocia, Irlanda, Argentina e Inglaterra, entre quienes participan (como invitados) el percusionista David Pattman (Charanga Del Norte) y la cantante y actriz Kathleen MacInnes.
tracks list
01. Descarga Gaélica
02. An Danns Elegua
03. Disfrútalo
04. Ven Guajira Ven
05. Fonn
06. Primavera
07. Canto Al Tiempo Pt. 2
08. He Mandhu (Aurel)
09. Rumba del Mar
10. Rolling Road
11. Canto Al Tiempo Pt. 1
12. Yo Me Voy II
Aliento es el segundo disco de la cantante y compositora argentina Cecilia Gauna, once canciones de su autoría con influencia de ritmos latinoamericanos que hablan de la búsqueda de la voz como símbolo de identidad individual y social.
Formada en el Conservatorio Provincial Juan José Castro (donde se graduó como Profesora Superior de Canto), como cantante lírica ha sido integrante del Coro Polifónico Nacional, el Grupo Música Ficta y el Coro Estable del Teatro Colón de Buenos Aires, actuando en diferentes teatros de Argentina y del exterior, y cantando zarzuela en el Teatro Avenida de Buenos Aires. Como cantante de música popular ha formado parte de diferentes agrupaciones de jazz, blues, rock y folklore, trabajando junto a grandes artistas de la escena musical argentina como Mercedes Sosa, Jairo, el virtuoso del bandoneón Néstor Marconi, y Ariel Ramírez, entre otros. Non Stop (2006) fue su primer trabajo como compositora e intérprete. Bajo la dirección musical de Mariano Fernández, en Non Stop Cecilia musicaliza poemas de autoras latinoamericanas, siendo considerado el disco un valioso aporte a la difusión de la literatura latinoamericana por la Audiovideoteca de Buenos Aires y la Sociedad de Escritoras y Escritores de la Argentina.
Su nuevo disco, Aliento (de nuevo bajo la dirección musical de Mariano Fernández), nos permite disfrutar de un recorrido por canciones con un hermoso tratamiento musical, en boca de una cantante con excelente técnica y sentimiento, cargadas de contenido. Por ejemplo, "¿Dónde está la voz que canta?", extensible a las muchas mujeres que habitan en esta tierra ("Esta que calla, la más cuentera, esa que siembra lo que no riega", dice en "Nosotras"). También nos encontramos con dos canciones dedicadas a personajes memorables de los pueblos indígenas de Argentina: un homenaje a Lola Kiepja, última chamán y cantora selk´nam (ona) de Tierra del Fuego (cuyos cantos chamánicos fueron rescatados del olvido por la antropóloga Anne Chapman), y un bello aporte a la memoria de Hermógenes Cayo (artista andino cuya vida filmara Jorge Prelorán en 1969). Aliento constituye un conmovedor y bello aporte a la memoria (como lo es el tema de la portada del disco, basado en las pinturas corporales que los selk´nam utilizaban en el Hain, una impresionante y riquísima ceremonia de iniciación). Como dice la propia Cecilia, "la palabra Aliento tiene varias interpretaciones: una de ellas es la del aire como elemento vital, que da origen al sonido y a la voz que nos identifica, valorando así nuestro ser único e irrepetible. Otro concepto de la palabra aliento es el que está ligado a la necesidad de sostener la esperanza frente a la violencia que a diario termina con la vida de miles de inocentes. La esperanza como sostén de la lucha en defensa de los oprimidos". (Fuente: Cecilia Gauna)
tracks list:
01. ¿Dónde está la voz que canta?
02. Nosotras
03. Hombre de río
04. Mutaciones
05. Aliento
06. Hermógenes Cayo, el imaginero de la Puna
07. El secreto
08. Cuestión de piel
09. Lola, la última chamán selk´nam
10. Mi nombre
11. No saben
David Byrne fue el guitarrista y líder de la banda Talking Heads, fundada en 1974 y que ganó notoriedad por fusionar rock con diversos géneros musicales.
Apasionado de los sonidos afrolatinos, Rei Momo lo editó en octubre de 1989. Rei momo es el nombre del rey del carnaval, en Brasil. Es una figura mitológica que encarna el afán hedonista de la fiesta que celebra el fin del verano, fiesta fin de las fiestas. En él, Byrne presenta canciones con ritmos afrocubanos, afrolatinos y brasileños (cumbia, merengue, salsa, rumba, cha-cha-cha, mapeyé, samba…) que, aunque interpretados en inglés, suenan de forma bien autóctona. De hecho, en el disco participan una verdadera selección de monstruos sagrados de los sonidos con los que se involucra: Willie Colon, Johnny Pacheco, Marc Quiñones, Milton Cardona, Paquito Pastor, Tiborio Nascimento, Celia Cruz… Un plantel impresionante, un trabajo ideal para introducirse y deleitarse de los ritmos iberoamericanos, de los que podemos disfrutar en su sello musical Luaka Bop.
A la presente edición en CD se añaden tres temas extras ("Loco de amor", "Good and Evil" y "Office Cowboy"), que no aparecen en la versión originaria en LP.
tracks list:
01. Independence Day (cumbia)
02. Make Believe Mambo (orïsa)
03. The Call Of The Wild (merengue)
04. Dirty Old Town (mapeyé)
05. The Rose Tattoo (bomba/mozambique)
06. Loco De Amor (salsa/reggae) (CD Version)
07. The Dream Police (cha cha cha)
08. Don't Want To Be Part Of Your World (samba)
09. Marching Through The Wilderness (charanga)
10. Good And Evil (rumba/llesa) (CD Version)
11. Lie To Me (merengue)
12. Office Cowboy (pagode) (CD Version)
13. Woman vs Men (bolero)
14. Carnival Eyes (mapeyé)
15. I Know Sometimes A Man Is Wrong
