La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Desde el corazón de Tamanrasset, en el sur de Argelia, Imarhan trasciende la tradición tuareg, entrelazando sintetizadores hipnóticos con el blues del desierto. El resultado es una obra atemporal, profundamente respetuosa de sus raíces, pero a la vez vibrante con un conmovedor sentido de la modernidad.
El propósito fundacional de Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam) al montar Imarhan siempre fue el de romper con los tópicos asociados al rock tuareg para expandir sus fronteras. Ampliar horizontes mediante la fusión con lenguajes de ondulaciones afines: el funk groove, la psicodelia, el raï argelino. Un leit motiv que explicitó ya en su debut homónimo de 2016, y en el que más tarde profundizó en su secuela, Temet (2018), y también en aquel Aboogi (2022) que contaba con las colaboraciones de Gruff Rhys, Japonais, Sulafa Elyas y Abdallah Ag Alhousseyni (de Tinariwen, banda que siempre ha ejercido una suerte de padrinazgo sobre los propios Imarhan).
La producción de este cuarto álbum, Essam, "relámpago" en tamasheq, marca un punto de inflexión. Para ello, cuentan con una labor de producción a cargo de Maxime Kosinetz, su ingeniero de sonido, en alianza con Emile Papandreou (del dúo francés de pop electrónico UTO), mezclando elementos orgánicos (percusión, guitarras, voces) con sonidos procesados y sintetizadores que amplían y enriquecen la paleta sonora de la banda, como se puede apreciar en uno de los temas más destacados, "Derhan N’Oulhine".
En cualquier caso, los diez cortes discurren con la naturalidad, el oficio y la espiritualidad (en torno a la melancolía del desarraigo, la memoria y la conexión con la tierra, y la preservación de la identidad colectiva) que acostumbran. La guitarra eléctrica de la bailable "Tellalt" apunta al trópico con claridad; la luminosa "Okcheur" se balancea sobre una cadencia funk cuyo hechizo es realzado por haces de sintetizador, y la intrigante "Azaman Amoutay" conecta, en la forma, con el latido del house.
Otros momentos se ciñen más a su canon habitual: "Tamiditin" es intimista, austera, tan solo tejida por guitarra y bajo eléctrico; "Tin Arayth" revela la veta más cruda y psicodélica del disco en un contagioso call and response; los coros masculinos y femeninos de "Adounia Tochal" embellecen su hechura de esperanzada letanía, y el cierre de casi ocho minutos de la hipnótica "Assagasswar", con el imzad (violín de una sola cuerda) conviviendo con sintetizadores modulares, nos dejan sumidas en un estado de trance. Essam es un álbum que respira tradición y ambición mediante un enfoque musical que mira hacia el futuro sin abandonar sus raíces. Suman y siguen, en esencia.
Situado entre el folk y el rock, y letras con conciencia social, Zagate es el deslumbrante nuevo álbum de la gran artista argelina Souad Massi. Un trabajo con el que rompe moldes y en el que las canciones son enérgicas con letras desprovistas de ilusión, un álbum en el que alza la voz para denunciar la violencia contemporánea e invitar a la reflexión.
Grabado principalmente en Reino Unido, Zagate explora una gama de emociones intensas: dolor, ira y rebeldía, pero también esperanza y valentía. Al frente del proyecto, una vez más (ya produjo su álbum anterior, Sequana), se encuentra el guitarrista y productor Justin Adams. El rapero congoleño Youssoupha y el rapero ruandés-francés Gaël Faye participan como invitados junto a una banda estelar, que incluye a John Baggott al teclado (Massive Attack, Robert Plant) y a Billy Fuller (Robert Plant) al bajo.
Desde el rock eléctrico de "Ana Inssan" hasta el magnético afrobeat de "Samt", o desde el folk sahariano de "D'ici, De là-bas" hasta el blues parisino de "Chibani", cada tema de Zagate revela nuevos matices vocales. Asociada desde hace tiempo con la dulzura y la melancolía, Massi profundiza en su propia historia para producir uno de sus álbumes más auténticos hasta la fecha, donde la suavidad de su voz contrasta fuertemente con el peso del mundo actual. Aunque reacia a definirse como políticamente activa, el álbum ofrece una reflexión franca e implacable sobre los aspectos problemáticos de nuestro mundo: la guerra, la violencia, el racismo y las tragedias que inundan nuestras pantallas y pesan sobre nuestras conciencias. La portada (en akimbo -brazos en jarra-, con atuendo bereber y una línea divisoria en su rostro), es toda una declaración de intenciones: "Como artista, tengo la obligación de reaccionar; no puedo permanecer inerte y ajena a lo que sucede a mi alrededor. Me considero ciudadana, ante todo, y artista después. Debo reaccionar a través de mis palabras, de mi música; no puedo quedarme al margen, observando y escondiéndome. No tengo soluciones milagrosas; no soy politóloga, pero debemos permanecer conscientes y despiertos".
La palabra Zagate deriva de la expresión francesa "ça se gâte", que se usa en Argelia para indicar que "las cosas empeoran". Más que una referencia lingüística, el título afirma la doble herencia de Massi entre Argelia, donde nació, y Francia, donde ha vivido y creado música durante los últimos veintiséis años, lo que sienta las bases para un álbum intenso, un grito de alerta ante un mundo que parece desmoronarse, sin traicionar la fragilidad que la ha hecho famosa. Inspirada en "Kashmir" de Led Zeppelin, la canción que da título al álbum fusiona la tensión del rock con el lirismo magrebí, mientras Massi canta sobre la guerra y la devastación desde la perspectiva de un civil indefenso. En "Congo Connection", con la participación de Youssoupha, Souad denuncia la injusticia de un país maltratado y saqueado, marcado por la explotación infantil. "L'Equation" (con la impresionante viola d´amore de Jasser Haj Youssef) musicaliza las creencias del filósofo Averroes: "la ignorancia lleva al miedo, el miedo al odio y el odio a la violencia". Inspirada por la tradición sufí, Massi transforma su música en un espejo del mundo contemporáneo, fusionando poesía y compromiso cívico.
Durante los últimos 25 años, la cultura y la música tuareg han fascinado al mundo. Sus canciones poéticas, casi sagradas, inspiran a compositores occidentales; el virtuosismo de su guitarra fascina a figuras clave y, finalmente, su espiritualidad e hipnotismo meditativo impresionan a productores de música.
Con dos álbumes (Imarhan, en 2016, y Temet, en 2018) Imarhan (que en tamasheq significa "aquellos que se aman, que se codean y son sinceros") se ha convertido en un emblema de la nueva generación tuareg, revitalizando el "Assouf", el blues del desierto. El grupo, liderado por Iyad Sadam, forma parte de su cultura y de su ciudad, la capital del pueblo tuareg, con una puerta abierta al desierto.
En 2021, aprovechando el parón de la pandemia y parte de lo obtenido en sus conciertos, se decidieron a construir el primer estudio de grabación en su villa natal, Tamanrasset, llamado Aboogi, en homenaje a las primeras estructuras que ayudaron a formar sus pueblos ancestrales. De ahí que su último álbum se titulara así, reflejando el arraigado espíritu de comunidad que respiran sus canciones.
A diferencia de sus dos trabajos anteriores, este disco se revela más introspectivo, lleno de sensaciones y percepciones, con la colaboración de la banda hermana Tinariwen, los padrinos del Assouf: el genial músico Abdallah Ag Alhousseyni en "Tindjatan", y el poeta Mohamed Ag Itlale (alias Japonais) poniendo su suave ritmo en "Tamiditin".
Gruff Rhys (Super Furry Animals) canta una canción para sus héroes en su galés natal, "Adar Newlan". Invitando a la cantante sudanesa Sulafa Elyas en la conmovedora "Taghadart", se entiende que Imarhan está abierto a toda África, erigiéndose en portavoz de la juventud tuareg, dispersa y olvidada por los gobiernos de la zona.
Imarhan habla sobre el vínculo con la naturaleza, la opresión, la juventud perdida, pero también y especialmente sobre la esperanza y la lucha en riffs de guitarra arenosos, coros fascinantes y letras poéticas.
A menudo considerada la voz femenina más bella del norte de África, Souad Massi ha forjado su reputación a lo largo de una carrera que abarca más de 20 años. Impulsada por una determinación inquebrantable de hablar de lo que más valora (la libertad y la justicia) sus canciones están impregnadas de amor, altruismo y valentía, con una voluntad constante de erradicar la intolerancia. Se ha dicho que es la Tracy Chapman del Magreb. Lejos de la ola de ruptura del raï, Souad Massi, inspirada en sus raíces y con la guitarra colgada al hombro, trajo un nuevo sonido a la música argelina. Sequana es el décimo álbum de Massi, producido por el guitarrista británico Justin Adams. Si sus discos anteriores estaban caracterizados por el folk y el chaabi, su abanico musical se expande para incluir sonidos del Sahel, el Caribe y Brasil, pero siempre manteniendo el sello de identidad de sus orígenes bereberes. Entre las y los artistas invitados se encuentran el cantautor Piers Faccini y la flautista Naïssam Jalal.
Souad Massi continúa su camino como una mujer comprometida y liberada que canta sobre las cosas que le importan: los problemas sociales, las relaciones humanas, el exilio y la relación de lo humano con la naturaleza; de ahí las dos margaritas en los ojos de la portada del disco. Sobre el respeto a la naturaleza habla "Dib El Raba", nos explica Souad: "En marzo, en Argelia, es la época de las lluvias, y todo cambia constantemente, la vida misma es así, caprichosa, llena de asombro. Dib El Raba es una metáfora de la transformación, cardos en rosas, mentiras en castigos, lobos solitarios en manadas beneficiosas". Su suave voz se completa con el mandole argelino, aportando su característico sonido.
"Dessine-moi un pays" es una canción acerca de las personas refugiadas que huyen de los regímenes totalitarios, y está impregnada de influencias del norte de África, con un cuarteto de cuerdas que se balancea, pero luego viene chanson, rock, bossa nova y country, todo con un telón de fondo fluido de guitarras de Adams.
"Une Seule Etoile" (sobre un texto de Michel Françoise y música de Hassan Bendjael) señala los signos de esperanza para Argelia, basada en una escenografía musical intercultural que borra el orgullo, ve lo esencial y acoge a cualquier persona independientemente de su origen. Por su parte, "Mirage" es un trance sahariano sobre el exilio ("mis heridas nunca sanarán") que encuentra la redención a dúo con el invitado Piers Faccini.
"Sequana" expresa angustia por la difícil situación de la adolescencia de hoy, implorando a la diosa del Sena Sequana, que vigila sus manantiales de agua dulce, que les preste su ayuda. La canción más sorprendente del álbum, "Twam", es un estudio furioso y palpitante sobre la esquizofrenia y una mujer "perdida y sin un alma que la acompañe" para quien "la locura se ha apoderado de la razón". Es un recordatorio de que Massi tocó una vez en una banda de rock, de vuelta a Argel, y presenta a Adams tocando la guitarra eléctrica y la percusión bendir.
El dolor del romance roto es profundo en "Ciao bello" y en "Ch´ta", pero en "L´Espoir" la esperanza brota eternamente. Y el final "Víctor (Le Son de la Main)" es un recuerdo de los horrores de las dictaduras, un homenaje a ese gran cantautor Víctor Jara, quien fue torturado y asesinado por el régimen de Pinochet en Chile en 1973. Sequana es una incorporación imperdible al extraordinario catálogo de Souad Massi.
tracks list:
01. Dessine-moi Un Pays
02. Une Seule Etoile
03. Mirage (feat. Piers Faccini)
04. Hurt
05. Dib El Raba
06. Ciao Bello
07. Sequana
08. Twam
09. Ch´ta
10. L´Espoir
11. Victor (Le Son de la Main)
Je Suis Africain (2019) es el disco póstumo de Rachid Taha, el epítome de la obra del visionario artista argelino, que practicó la crítica social a través de la transgresión cultural.
Su muerte, el 12 de septiembre de 2018, privó a la música popular de uno de sus creadores más singulares. Taha revolucionó la música moderna del norte de África dotándola de un notable contenido crítico y de variadas especias sonoras. Pionero en la conexión de las raíces magrebíes con el rock, creó una espléndida línea conceptual entre Elvis Presley, Dahmane El-Harrachi y Maurice El Mediouni. Su legado discográfico cuenta tanto la historia y las esperanzas de una generación de migrantes magrebíes, como la denuncia de las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia.
Un año después de su muerte se publica Je Suis Africain, álbum póstumo producido de forma brillante por Toma Feterman, que también participa en la autoría de los temas con el propio Rachid Taha, bajo la supervisión de su hijo Lyes Taha (Clyde P). Con "Ansit" y "Aïta" (una canción testamentaria, "ir y no volver nunca", como la migración que atraviesa el Mediterráneo) expande la tradición de la música andalusí. "Minouche" y "Happy End" dibujan la evocación y la melancolía. En "Wahdi" (acompañado en castellano por la artista queer suizo-argelina Flèche Love), el Magreb suena a mariachi; "Andy Waloo", un juego de palabras con "no tengo nada" (en árabe) y Andy Warhol, pregunta entre riffs de guitarra si conocemos al otro/a, al diferente; "Striptease" ("Soy un triste rompecabezas") es paradigma de la conexión mediterránea con el blues.
Enreda los timbres gnawi con el electro-rock en "Like a Dervish", avisando de que es su primera canción en inglés, y que busca el oasis donde está Elvis, y en el título homónimo "Je Suis Africain" ("Soy africano, soy un albino afro"), rinde homenaje a la africanidad, a la negritud, de forma musical y a través de un recitado en el que proclama la africanía de personajes como Nelson Mandela, Jimi Hendrix, Bob Marley, Jacques Derrida, Patrice Lumumba, Aimé Césare, Angela Davis… y él mismo.
Un disco redondo, compuesto y producido como el gozoso testamento de un visionario caótico y desgarrado, a modo de epílogo de los temas que siempre le ocuparon.
El cantante Idir, un pilar de la cultura kabila y amazigh (bereber), que internacionalizó la música de la Kabilia, se nos fue el sábado 2 de mayo. Idir fue un feminista, un hombre capaz de inspirarse en la poesía y los cuentos de la cultura kabila, aceptando la modernidad, una modernidad que habla de su capacidad para hacer colaboraciones inéditas con artistas de horizontes diversos en álbumes con títulos evocadores como Les Chasseurs de lumière (1993), Identités (1999), La France des couleurs (2007) e Ici et ailleurs (2017). Idir era un contrabandista de la lengua kabila, una lengua amenazada por la austera política de arabización del gobierno argelino. Fue él quien dispersó pequeños pedazos de la Kabilia a través del mundo.
En principio, Hamid Cheriet, nombre real de Idir ("vivirá", en bereber) no tendría que haberse dedicado a la música. "La canción me eligió", dijo en alguna ocasión. Nacido en 1949 en Aït Lahcène, a 35 kilómetros de Tizi Uzu, la capital de la Gran Kabilia, este hijo de un pastor de ovejas estudió Geología. Mas en su camino se interpuso la música bereber que había escuchado durante toda su infancia y juventud y que acabó decidiendo su destino bien pronto, aunque fuera casi de carambola: en 1973, la cantante Nouara, que debía interpretar en Radio Alger su composición "A Vava Inouva", en lengua bereber, idioma e identidad que siempre defendió, enferma y Cheriet tiene que reemplazarla. Después, parte a cumplir el servicio militar argelino. Mientras él está en el servicio, su canción empieza a ser más y más famosa, hasta el punto de convertirse en un éxito internacional. El tema llegó a ser difundido en 77 países y traducido a 15 idiomas.
En 1976, ya instalado en Francia, publica su primer álbum, del mismo título que su hit y que se convierte en el primer superventas internacional procedente de África del Norte. La canción homónima "A Vava Inouva", que evoca las noches en aldeas kabilas, dio rápidamente la vuelta al mundo; "Ssendu" era la nana que cantaban las familias argelinas en el exilio francés, y "Zwit Rwit" el número 1 de las bodas kabilas, que luego fue versionado en árabe por Cheb Khaled.
A pesar de que no tiene una cuantiosa discografía (solo publicó, además de A Vava Inouva, otros siete discos de estudio), hay consenso en considerarle el embajador de la música bereber y de la región de la Kabilia y un artista de una popularidad e influencias inéditas. De hecho, llegó a desaparecer durante una década, entre 1981 y 1991. Aun así, en otoño de 1999, aprovechando el impulso dado por sus compatriotas Cheb Mami y Khaled, firmó su regreso discográfico con el álbum Identités. En él se mezcla la Argelia popular con ritmos tomados de géneros occidentales. Su deseo de mezclar culturas le llevó a cantar con músicos de diferentes horizontes culturales, musicales o geográficos, como Karen Matheson, Manu Chao, Dan Ar Braz, Zebda, Maxime Le Forestier o Gnawa Diffusion, Thierry Titi Robin, Gilles Servat, Frédéric Galliano, Geoffrey Oryema y la Orchestre National de Barbès.
En 2018, 38 años después de abandonar su país natal, regresó a Argelia para celebrar el año nuevo bereber, "Yennayer", y en 2019 apoyó públicamente las protestas que acabaron forzando la caída del presidente Abdelaziz Buteflika.
En Francia se suceden los homenajes, desde el ministro de Cultura que afirmó que "en la voz del poeta sonaba el alma de la Kabilia", a la alcaldesa de París, Anne Hidalgo, quien también resaltó "Su compromiso humanista, su compromiso con la cultura Kabyle permanecerá en nuestros corazones. Su magnífica voz resonará durante mucho tiempo en el ayuntamiento, donde tantas veces hemos celebrado el Año Nuevo bereber".
La cantautora argelina Souad Massi, trovadora norteafricana por excelencia (y una de sus mejores de todos los tiempos) lanza su sexto trabajo, Oumniya, un tributo a la mujer a través de las emociones, desde las propias hasta las universales, producido junto a Mehdi Dalil.
Nacida en Argelia, Souad Massi se mudó a París cuando los mensajes políticos de su banda Atakor recibieron amenazas de muerte. Allí grabó su maravilloso debut en solitario, Raoui (2001), que significa narradora de historias. "Si supiera contar historias", cantaba, "contaría tantas historias / incluso Scheherazade quedaría deslumbrada". En sus álbumes posteriores, ha usado su melancólica mezcla de sonidos bereberes, folk francés y una pizca de todo, desde reggae a fado, para explorar la traición, tanto personal como política, el exilio y la pérdida.
Después de su último álbum, El Mutakallimûn (2015), donde revive una selección de textos de grandes poetas árabes, en este nuevo álbum Souad se focaliza de nuevo en temas basados en eventos actuales, la traición, el amor a Argelia, la política, el amor, la libertad y la emancipación, temáticas que alimenta a este artista sensible.
Oumniya es un álbum intensamente personal. Varias de las canciones seleccionadas evidencian momentos y emociones de su propia vida. Pero también reflejan su compromiso y esfuerzo por rescatar unos valores con los que siempre ha estado comprometida a lo largo de su carrera y en su vida personal como mujer, alzando la voz para combatir las violencias que han experimentado las mujeres. Y, también, siendo parte de aquellas y aquellos que buscan un nuevo camino: un sendero hacia la independencia y el derecho a la dignidad, llena de calidez e integridad humana, lo que la convierte en una artísta tan única.
Desde su profundo anhelo de conectar, sus elecciones musicales son puras, intentando crear un puente entre el chaâbi y la música folk. Souad nos invita a experimentar con ella la fuente de su crecimiento musical, teñida por su auténtica alianza con la diversidad. También busca, con este nuevo proyecto, encontrar un retorno a sus interpretaciones musicales: instintivas y libres de cualquier conjunto de metas. En Oumniya encontraremos canciones con vida propia, por encima de categorías y géneros impuestos.
La cantante Souad Asla creció en la región de Béchar, en Saoura (el Sáhara argelino). Establecida en Francia, regresa allí regularmente, yendo principalmente a la pequeña aldea de Taghit, donde, cada viernes por la tarde, durante siglos, las mujeres se reúnen. Cantan, bailan, se acompañan de instrumentos ancestrales, discuten y se ayudan. Un verdadero espacio de libertad donde la música se convierte en una lucha social, cultural y educativa. Tras observar que cada año, a su regreso, una de las ancianas ha desaparecido y la nueva generación ya no se siente preocupada, Souad Asla comenzó hace unos años una obra titánica de recopilar el patrimonio musical del Sáhara en peligro de extinción. También logra convencer a tres generaciones de mujeres para que abandonen la intimidad de su círculo para actuar en el escenario con ella y la complicidad de Hasna el Becharia, su maestra absoluta. Lemma se puede traducir como una reunión, encuentro, asamblea. También puede significar cosechar o recoger. Tantos significados para este proyecto con estas mujeres del Sáhara Occidental, convencidas de que no se debe permitir que desaparezca su tradición oral, y que deben preservar una cultura llena de influencias nómadas, lo que significa recopilar canciones ancestrales que se han cantado y bailado a lo largo de los siglos.
En Lemma, las mujeres de la Saoura se reúnen y comparten esas canciones que dan ritmo a sus vidas en su tierra. De la diwan al malhûn, zaffânî, gnâwi, hadra, al-ferda, hidûss (haydous)… estos bailes y géneros musicales encuentran su fuerza en canciones y ritmos heredados tanto de esclavos del Imperio sudanés como de las tribus bereberes y beduinas. Esas mujeres son la voz que habla con valentía de una cultura abierta y compleja, con sus muchas influencias. El espectáculo, compuesto de cuadros sucesivos, les permite expresar su felicidad de estar juntas en un escenario, y describe una lucha por la vida que debe ser afrontada con alegría.
En el cuadernillo que acompaña la edición del disco (escrito por el antropólogo Abderrahmane Moussaoui) se describen los distintos géneros que se abordan en Lemman. Al-farda es un género con canciones religiosas pero también con largas odas dedicadas al amor, cercano al sufismo, con un ritmo bastante lento. Aziza Tahri es la especialista. El Zaffânî se canta tradicionalmente entre familiares y amigos en fiestas privadas y celebraciones, acompañadas por el bendir (tambor bereber), también canciones sobre el exilio y la bienvenida... El Malhûn ("poema melódico") es un estilo poético y espiritual, que toma sus modos de la música andalusí. El Hidûss (Heydous o Ahidous) es un baile bereber muy popular que se realiza a menudo durante las celebraciones. Los hombres y las mujeres se colocan codo con codo y forman círculos, y los cuerpos se balancean en un movimiento muy sensual. Ha sido uno de los rituales tradicionales de las bodas, para ayudar a las personas a encontrarse unas a otras. El Gnâwi originalmente describe la música del pueblo gnawa, oscilando entre el lamento y la celebración, similar al blues de las y los esclavos en las plantaciones negras. En el disco está representado por Hasna El Becharia, quien también toca el guembri (un instrumento ancestral del Gnâwi), el banjo y la guitarra eléctrica. Fatima Abbi presta su voz a las canciones gnawa de esclavos negros, lentas y complejas. Y el Hadra es un trance colectivo practicado durante los rituales sufíes, que sigue las canciones de grandes celebraciones místicas.
Como señala Asla, "hay muchas influencias, increíbles variaciones rítmicas, una gran variedad de temas y tradiciones transportados por estas canciones. Lemma, el espectáculo, descrito a través de diferentes cuadros de vida en nuestra región, desde la suavidad de una canción de amor hasta el trance espiritual nacido de la repetición. La única canción que escribí, ´Lemti´, es una canción que rinde homenaje al grupo, de gratitud a las once mujeres que forman parte de esta ´unión´ musical. Todo mi agradecimiento por acompañarme en esta aventura para preservar esta música".
Personal:
Souad Asla – voz, percusión
Hasna El Bécharia – voz, guembri, banjo
Brik Mebrouka – voz, percusión
Fatima Abbi - voz, percusión
Anebi Khedidja - voz, percusión
Rabia Boughazi - voz, percusión
Sabrina Cheddad - voz, percusión
Aziza Tahri - voz, percusión
Zohra Kharabi - voz, percusión
Zahoua Boulali – voz, percusión
Ismahane Cheddad – voz, percusión
tracks list:
01. Lemti
Al-farda
02. Sidi Moulanaa
03. Maachouk NBI
Zaffânî
04. Slamet Lahbab
05. A lala y´a lalla
06. El-Hadjadj
Malhûn
07. Slat El Fedjer
08. Zine Lemma
09. Baba Mimoune
Hidûss
10. Rabhou Bslat Nabi
11. Kheirli Ana
Gnâwi
12. Ali Ya Ali
13. Sidi Mimoune Gnawi Hadra
14. La illah ila Allah
15. Allah Moulana
16. Yallah Moulana
Rachid Taha, el hombre que construyó esa pequeña choza en la carretera donde el rock'n'roll conoció la música del norte de África y se enamoró, falleció el pasado 12 de septiembre. Era un lugar salvaje y solitario, lleno de controversia y transgresión cultural, no apto para débiles de corazón o espíritu. Solo un músico de su coraje intelectual y originalidad sin concesiones pudo haberlo habitado durante tanto tiempo.
Taha, icono cultural dentro y fuera de Francia, fue uno de los principales responsables de la popularización, fuera de África, de la música chaâbi argelina, mezclándola con el räi, rock, punk, techno y otros estilos, un eclecticismo cultivado sin ningún tipo de complejo.
Denunció a lo largo de su carrera las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia. "Ya Rayah", en su magnífico Diwân (1998), es una versión de Dahmane El-Harrachi que se convertiría en himno para las y los migrantes de Argelia.
En Made in Medina, grabado en 2000 en Londres, New Orleans y París, Taha lleva la combinación entre rock y los sonidos norteafricanos a su punto más alto. Producido también por Steve Hillage (al igual que hiciera con Diwân y Diwân 2), el plantel de artistas que hicieron su aporte al álbum es tan cosmopolita como los tres destinos elegidos para realizar la grabación, lo que deja su impronta a lo largo del disco.
Guitarras distorsionadas que parecen provenir de las alturas de los kasbah (barrios fortificados en las alturas de las colinas) de su Orán natal; cuerdas y percusión orientales, cadencias hipnóticas en letras y ritmos; un bilingüismo típico de lxs magrebíes migradxs a Francia, y ningún tipo de prejuicios en cuanto a estilos o nacionalidades, hacen de Made in Medina un disco obligatorio para todas aquellas personas buscadoras de nuevas expresiones en la música mundial.
Con variedad estilística y lingüística, excelentes composiciones y mejor aún ejecución instrumental (la tríada guitarra eléctrica+cuerdas+percusión es sublime), Made in Medina es otro de sus ejemplos de que desde Argelia se podía hacer rock sin perder las raíces.
Taha descansa en paz bajo su natal Argelia, pero su alma se amotina entre las nubes. Innovador incomparable, un valiente transgresor de las normas culturales y el pensamiento perezoso, un tipo de persona a la que, probablemente, no volveremos a ver durante mucho, mucho tiempo.
Souad Massi es una de las voces más populares del Magreb, una artista que desarrolla una música próxima al folk-pop, un delicado folk-pop argelino rico en suaves armonías, que refuerza con unas letras humanas y sensibles. El Mutakallimûn (Masters Of The Word) está dedicado a grandes poetas árabes (desde Al Andalus hasta el siglo XX), diez canciones que son diez poemas que, pese a la belleza de sus versos, pocas veces han sido traducidos. Poemas que hablan de la libertad, el amor, la rebelión y la vida.
El presente trabajo es el resultado de un proceso de descubrimiento personal de Souad que le llevó a conocer la Córdoba de Al Andalus y su legado, la ciudad más poblada y sofisticada de la Europa Medieval. Pero no fue el legado de matemáticos, astrónomos, juristas, teólogos, filósofos y poetas lo que le asombró, ni sus suntuosos palacios, mezquitas, sinagogas, iglesias y baños públicos, ni su biblioteca de medio millón de libros -la más grande de Europa en aquel momento-. Fue el hecho de que durante siglos, las religiones judía, cristiana e islámica convivieron en relativa paz y armonía bajo el dominio musulmán.
Los frutos intelectuales de Andalucía jugaron un papel crucial en el desarrollo de la civilización europea en la Edad Media y posterior. Eruditos islámicos y traductores construyeron el puente que unía el mundo medieval a la filosofía de los antiguos griegos. Sabios cordobeses como el musulmán Ibn Rushd (Averroes) o el judío Moshé ben Maimón (Maimónides) encabezan el intento generalizado de conciliar el racionalismo de Aristóteles con los principios fundamentales del judaísmo y el Islam. En Al Andalus, la aplicación de la razón y la lógica para la mayoría de los temas básicos de la vida –la libertad, la naturaleza de la existencia, la naturaleza de Dios y de la fe- era el propósito de los estudiosos de la "kalam" o "el discurso" ("mutakallimûn" en plural). Científicos, filósofos, geógrafos, historiadores, matemáticos y poetas, todos podrían ser considerados mutakallimûn o "maestros de la palabra". Celebraban asambleas donde el conocimiento, el pensamiento y la habilidad verbal eran altamente apreciadas. En estos crisoles del discurso y de la interacción confiada se forjó la riqueza intelectual de Al-Andalus.
Esta revelación se traduce para Massi, por una parte, en la formación Les Chouers de Cordoue, junto con el guitarrista Eric Fernández y otras y otros artistas de Andalucía y el Norte de África. Por otra parte, da a luz a otro impulso: "Estaba harta de todas las imágenes asociadas con el mundo árabe en general", dice Souad. "Quería rendir homenaje a estos mutakallimûn porque nos dejaron muchas cosas hermosas. Quería compartir todo esto con la gente que realmente no conoce la cultura árabe", celebrar la gran literatura árabe clásica y recordar al pueblo árabe de hoy sus orígenes, su historia, su cultura antigua, la lucha contra la tiranía y la opresión.
Así que eligió sus medios: la música, la caligrafía y la poesía. Para componer y traducir las diez canciones (que también se explican por diez grafías), Massi ha necesitado la ayuda de algunos expertos en poesía árabe clásica, ya que su origen es bereber y su formación es principalmente bereber y árabe Chaabi, y con este proyecto "Quería compartir la belleza de la lengua árabe y su tamaño y la apertura de espíritu". En la traducción de los poemas ha contado con Mustapha Kharmoudi. Para ilustrar los poemas, con las hermosas grafías de Mohamed Bourafai y su hijo Aymen Bourafai.
Para Souad Massi, la Poesía es fundamental, ya que es acción, es el poder de la palabra que da fuerza a las acciones de los hombres y de las mujeres. Y la poesía árabe, que siempre ha jugado un papel de liderazgo en toda la producción literaria árabe, desde antes de la llegada del Islam (hoy en este momento de dolor, confusión y desinformación que rodea el mundo árabe) puede continuar desempeñando un papel esclarecedor. Un retrato de la filosofía del amor, la paz y la tolerancia del Islam.
tracks list:
01. Bima El´Taaloul – What Is There To Feel Happy About? (El Moutanabi, siglo IX)
02. Lastou Adri – I Do Not Know (Ilya Abou Madi, Líbano, 1889-1957)
03. Ayna – The Visit (Ahmed Matar, Irak, 1954)
04. Hadari – A Message To The Tyrants Of The World (Abou El Kacem El Chabbi, Túnez, 1909-1934)
05. Sa´imtou Takalifa Al Hayati – I Am Tired (Zouhaïr Ibn Abi Salma, siglo VI)
06. El Houriya – Freedom (Ahmed Matar)
07. Faya Layla – I Remember (Nizami Ganjavi, Irán, siglos XII-XIII)
08. El Khaylou Wa El Laylou – The Horse And The Night (El Moutanabi)
09. El Boulbouli – The Sound Of The Whistling Nightingale (Al Asmaï, siglos VIII-IX)
10. Saàïche – The Song Of The Powerful (Abou El Kacem El Chabbi)
La Kahena es uno de los álbumes más celebrados del artista y DJ argelino Cheb i Sabbah que supuso un giro hacia sus raíces norteafricanas (árabe, judía y bereber – amazigh-), ilustrando de forma magistral la enorme diversidad cultural del Norte de África.
Cheb i Sabbah (o DJ Cheb i Sabbah), es el nombre artístico de Haim Serge El Baz, judío de ascendencia bereber (amazigh) de Constantine, Argelia, donde nació. Habiéndose trasladado a París en la decada de 1960 y estableciéndose en San Francisco posteriormente, se convirtió en DJ casi por casualidad. Fue en su búsqueda de caminos donde encontrar ritmos para las pistas de baile cuando se atrevió a mezclar las músicas africana, asiática y árabe, en un contexto en el que las llamadas "músicas del mundo" comenzaban a tener una difusión más amplia, fuera de los ámbitos y medios especializados.
Habiendo editado cuatro CDs con estupendas adaptaciones de músicos tradicionales y de formación clásica a los nuevos sonidos de las pistas de baile, decide volver a su tierra natal y recoger nuevos materiales originales para su proyecto más ambicioso y original, La Kahena (2005).
Grabado en Marrakesh, San Francisco, Nueva York y Nueva Delhi, con aportaciones de músicos de fusión como Bill Laswell, Richard Horowitz, Karsh Kale o Mercan Dede, en los ocho temas participan grandes artistas del Magreb de procedencias diversas: Cheba Zahouania, B´Net Marrakech ("Las chicas de Marraquech"), Brahim Elbelkani, Ouled Ben Aguida, Khadija Othmani, Michal Cohen y Nadia. Cheb i Sabbah añade su propia "ciencia de DJ" haciendo del mismo un proyecto absolutamente original e innovador.
Como señala Khaled, "Sabbah reúne al viejo mundo de Argelia con los ritmos de baile modernos con la maestría de un director de orquesta en una perfecta armonía de sonidos". Una genial mezcla de ritmos vocales y persuasivos del Magreb.
tracks list
01. esh 'dani, alash mshit: why did i follow him?
02. Sadats: saints of marrakesh
03. toura toura
04. I - alla al 'hbab: blessed be my friends II - hajti fi gurini: longing for my lover
05. madh assalhin: praising of the saints
06. I - alkher illa doffor: peace is found behind wounds II - ad izayanugass: what will happen will happen
07. im ninalou: if the doors are locked
08. jarat fil hub: love's chalice
Cuando Souad Asla sale a escena, son los sonidos del desierto del Sáhara los que vibran en torno a ella. Su música es una mezcla de sonidos antiguos y modernos, y la atmósfera mágica de sus conciertos, donde se unen melodías, danza, cantos y tambores africanos, nos arrastra, nos transporta en un viaje fuera del tiempo.
Originaria de Béchar (al oeste de Argelia, limitando con el Sáhara) Souad Asla, digna heredera de la tradición gnawa, ha crecido en torno a la gran Hasna El Becharia, a la que considera su maestra.
Y es que Souad perpetúa una música ancestral importada del África Negra al magreb. Mujer de espíritu nómada, perteneciente a la nueva generación, rinde homenaje a los ritmos tradicionales pero aportando sonoridades contemporáneas y mestizaje.
Ella misma describe su música: "Siento una profunda rebelión dentro de mí, no pretendo cambiar el mundo, pero quiero ilustrar esta gran injusticia que se lleva a cabo y contra la cual probablemente no pueda hacer nada, pero al menos la denuncio.
En mis letras también hay una profunda espiritualidad que procede de mi cultura en la que los principios básicos son el descanso del alma y la sencillez. Mi espiritualidad es de todos los dioses, desde pequeña he sido musulmana pero procedo de una ambiente de cultura multi-étnica donde cada cual cultiva su propio islam.
Para mí la religión significa, en primer lugar, amor con A mayúscula, sé que se trata de una utopía pero lo reivindico en mis textos visto que en la realidad esto no es así. Mi música está contaminada por diversas causas, las que pertenecen al desierto, a mis raíces africanas y que reconozco con fuerza, a menudo los argelinos no somos considerados africanos, mientras que basta ver mi cara para comprender de dónde procedo!
Además, el sonido de mis canciones está impregnado de gnawa, pero también de reggae, de ragha, de blues, que son todas las formas musicales que he absorbido con mi familia durante la niñez.
Luego están mis 18 años de exilio, los que me han permitido descubrir el mundo, escuchar otras formas musicales y confrontarme a la gran cantidad de estilos musicales que conviven en una ciudad como París.
Son todas estas vivencias las que me inspiran, cuando invento una melodía lo que hago es tararear mi cultura musical, procedo de un mundo donde la música es de tradición oral y, de hecho, lo reconstruyo todo, desde la partitura del bajo, la de la guitarra, la del guembri, el oud… sin olvidar la percusión…
La inspiración de una canción puede venirme a partir de una visión, un lugar, el silencio del desierto, los paisajes que me pertenecen, algunos tristes, otros felices…" (Fuente: Il Canto di Lilith)
"Yo no sigo a la multitud, yo sigo la ruta de mis ancestros. Me quitaré el velo, estudiaré, votaré, existiré, quieras o no". De esta manera visibiliza Iness Mezel a las mujeres oprimidas, con un ritmo trepidante, en el que es su tercer disco Beyond The Trance. La voz de una mujer despierta, consciente de su lugar en el mundo, que canta en francés y en tamazigh (la lengua de sus ancestros bereberes) con una voz potente, y que maneja a la perfección los códigos rítmicos del norte de África y las sonoridades urbanas de la Europa multicultural en la que vive.
Fatiha Messaoudi (alias Iness Mezel) compone un disco repleto de letras reivindicativas que, junto con la producción y guitarras de Justin Adams (productor de Kiran Ahluwalia, Natacha Atlas y Tinariwen) en los Real World Studios, y la voz y la fuerza vital de Mezel, marcan un disco trepidante, repleto de una vibración contagiosa y un ritmo colosal.
Música del nuevo milenio con unas coordenadas geográficas marcadas por la Kabilia argelina de su procedencia y el cosmopolitismo del París en el que reside. El poder de las músicas del mundo cuando encuentran su verdadero camino de exploración sin perder de vista la tradición de donde proceden.
La Orchestre National de Barbès son el ruido, el olor y el alma de este barrio mestizo de París, pero también la fusión de las diferentes comunidades musicales magrebíes y francesas, la unión de 11 músicos llegados de diferentes regiones del Magreb y de Francia que montaron un repertorio que pone a todo el mundo de acuerdo, marroquíes, argelinos, tunecinos y franceses de los barrios populares. Su penúltimo álbum, Rendez-vous Barbès (2010), es una síntesis de los 3 precedentes y llega para insuflar una nueva dinámica a las músicas norteafricanas de las que son los mejores embajadores.
De raíces argelinas y marroquíes, los integrantes de esta orquesta residían en el barrio parisino de Barbès cuando se unieron para hacer música en 1995. Barbès es un emblema de la historia de la inmigración en Francia, el lugar donde numerosas trabajadoras y trabajadores argelinos, marroquíes, malienses o senegaleses eligieron su primer domicilio, generalmente una habitación en un hotel ruinoso, esperando juntar un poco de dinero. Y es en los cafés de este barrio que nació la escena de las músicas magrebíes en Francia, entonces confidencial y frecuentada únicamente por las centenas de inmigrantes que bajaban al café al volver de la fábrica, a escuchar unas canciones de su país. Cantantes míticos salieron de allí, como Dahmane El Harrachi o Cheb Khaled.
Hoy, más de quince años después, la Orquestre National de Barbès sigue mezclando estilos tradicionales magrebíes, el raï, el reggae y la música gnawa con sonidos y ritmos contemporáneos para mostrar al mundo la riqueza sonora de África, incluyendo tanto el norte como las tierras que empiezan a partir del desierto del Sahara, haciendo hincapié en los ritmos más festivos y tomando como base la tradición para adaptarla a los sonidos de hoy. Rendez-vous Barbès es una síntesis de sus tres trabajos anteriores. Canciones inspiradas en los ritmos allaoui, raï, gnawa, chaabi, beréberes, reggae... conjugados con una energía inspirada del rock y del ska. Un instantáneo de la energía y del espíritu creativo que caracteriza los barrios populares de París, un disco que invita al baile y que casi haría olvidar al "demasiado serio" de los habitantes de la capital francesa. En definitiva, "un disco intenso, que deriva en una invitación a viajar por ese mundo inmenso que se encuentra en las calles de ese barrio multicultural que es Barbès".
tracks list:
01. Sidi Yahia-bnet Paris
02. Chkoun?
03. No no no
04. Chorfa
05. RDV Barbès
06. Jarahtini-Marhba-Jibouhali
07. Rod Balek
08. Laafou
09. Denya
10. Allah idaouia
La legendaria Cheikha Rimitti, conocida como la Abuela del raï, ha sido una de las mujeres más transgresoras de la música argelina. A su desaparición, hace cinco años, llevaba cantando desde hacía más de medio siglo el placer sexual femenino y llegó a grabar con músicos de grupos como Red Hot Chili Peppers y Dead Kennedys.
Era la abuela sabia del raï, esa música vindicativa con letras de doble sentido, "producto del éxodo del campo a las ciudades, que es un estado de ánimo semejante al del fado o el blues", decía de ella Juan Goytisolo. También era una cheija, una de aquellas mujeres de la Argelia colonial, cantantes en circuncisiones y bodas y a la vez cortesanas, que hablaban sin tapujos de los placeres carnales.
Nacida en Tessala, un pequeño pueblo al oeste de Argelia, bajo el nombre de Saâdia, que significa alegre, comenzó a cantar en tabernas para poder pagarse la comida y, ya por ese entonces, criticaba en sus canciones los matrimonios "arreglados" por las familias. Se volvió famosa en Argelia a través del boca a boca durante la Segunda Guerra Mundial hasta que fue apadrinada por un popular músico argelino, Cheikh Mohammed Ould Ennems, quien la llevó a Argel donde realizó su primera transmisión radial. Poco después, cambió su nombre por Cheikha Rimitti.
Con el tiempo, Rimitti se convirtió en una figura legendaria a la cual jóvenes cantantes de raï le deben tanto su libertad de expresión como su rebeldía lingüística y moral, sin dejar de mencionar una parte significativa de su repertorio.
Desde que en 1952 comenzó su carrera discográfica, Cheikha Rimitti ha estado entre las y los artistas más importantes e influyentes de la cultura norafricana, siendo tal vez la cantante más popular entre la ciudadanía de menores recursos. Sus canciones hablan sobre los problemas de la vida diaria, los placeres carnales, el alcohol, la amistad y la guerra, todas ellas cantadas en el lenguaje cotidiano de las calles.
En los años 70 del siglo XX, Rimitti interpretaba principalmente para inmigrantes de Argelia en Francia. En 1994, ya septuagenaria y pensando en retirarse, Rimitti grabó en Estados Unidos el álbum Sidi Mansour junto a reconocidos músicos de rock como Robert Fripp (King Drimson, David Bowie, Eno), Flea (Red Hot Chili Peppers), East Ray Bay (Dead Kennedys) y músicos de Frank Zappa. Todos participaron con mucha humildad y respeto hacia la gran artista y además de aportar su esfuerzo artístico quisieron manifestar su solidaridad y compromiso con los músicos y las mujeres de Argelia que en los años noventa pasaron por serias dificultades. El resultado fue un disco sorprendente y fresco, alegre y abierto, que colocó a Rimitti en las listas de éxitos de todo el mundo devolviéndola a la actualidad y a sus conciertos en directo.
tracks list:
01. Nghani Ki Ma Nabghi
02. Sidi Mansour
03. Ha Raï Ha Raï
04. Rah Jey
05. Rouked el Achra
06. Maheyni Maheyni
07. Rah Yabki
08. Serrer a Driote et Stationner
Tras varios años de silencio discográfico después de su aclamado Sidi Mansour, Cheikha Rimitti publicó Nouar, trabajo por el que recibió uno de los premios discográficos más importantes de Francia, el Charles Cros.
Disco lleno de energía, con flautas de caña y tambores tradicionales, en el que acompañada por una potente banda eléctrica ofrece una nueva lección de modernidad y de vitalidad, Rimitti continua cantando canciones comprometidas, en las que denuncia las condiciones en las que viven las mujeres en el mundo y cada una de sus letras es un desafio a represiones y tabúes.
tracks list:
01. Nouar
02. Nakhla
03. Hak Hak
04. Saïda
05. Mani Man
06. Koum Oula Talag
07. Ouah Ya Ould Bladi
08. Osman
09. Khalouhom
10. Rassoul Allah
Rachid Taha lleva desde principios de los 80 haciendo música, primero con Carte de Séjour (Permiso de Residencia) y desde 1990 bajo su propio nombre. Su música siempre ha sido intensa, vigorosa y sus textos revulsivos. Sin embargo parece que en este disco se desmarca un poco y nos muestra la cara más pop de este "nuevo" Rachid Taha.
Si parecía que había transitado por todos los caminos posibles, chaâbi, raï, rock, electro, techno... de nuevo nos vuelve a sorprender y emprende nuevas sendas. De hecho, Gaëtan Roussel y Mark Plati (productor de David Bowie y The Cure, entre otros) son los nuevos realizadores de su trabajo Bonjour (2009). Si su magnífico anterior disco, Diwan 2, empezaba con un canto a la soledad, éste lo hace con una melódica dedicada al enamoramiento, "Je T’Aime Mon Amour". Lo cierto es que en las diez canciones de las que consta el disco, las flautas, el oud o las darbukas, dejan paso a las guitarras (muchas acústicas) y los teclados, y solo la maravillosa mandola de su fiel Hakim Hamadouche le da ese plus oriental característico del de Orán. "Sélu" (con palmas flamencas), "It´s An Arabian Song" (un bonito homenaje a los filósofos y escritores árabes, Camarón incluido) y la robusta "Mine Jaï", son los temas más intensos y que más recuerdan al Taha de toda la vida. Un disco de transición.
tracks list
01. Je T´Aime Mon Amour
02. Mokh´tar
03. Ha Baby
04. Bonjour (en dúo con Gaëtan Roussel)
05. Mine Jaï
06. Mabrouk Aalik
07. Ila Liqa
08. It´s An Arabian Song (en dúo con Bruno Maman)
09. Sélu
10. Agi
Hasna el Becharia, mujer de temperamento libre y sin concesiones que utiliza su música como única arma en su lucha por los derechos de las mujeres, nos trae el ritmo endiablado de su gembri en su nuevo trabajo Smaa Smaa (2010).
Grabado en Taghit, una pequeña localidad en mitad del desierto argelino, con una extraordinaria y simple acústica, Smaa Smaa rebosa de canciones tradicionales gnawa, temas de amor y composiciones propias de Hasna sobre el sonido de la guitarra, el gembri, la percusión del darbuka, el violín y el acompañamiento de la maravillosa Souad Asla. Su voz única y profunda añade una emoción particular a estas canciones que salen "directamente del corazón".
La música de Hasna el Becharia viene del Sahara y nos lleva una mezcla de viento y arena, de karkabas, de tradición secular, de guitarra eléctrica y de sabor a té moruno.
Ô Houria (2010) es el nuevo trabajo de Souad Massi, junto con Francis Cabrel y su compañero de viaje y guitarrista Michel Françoise, con una producción simplificada y más acústica que pretende dar protagonismo a su personalísima voz. Para ello se destacan principalmente las guitarras, aunque también participan la mandolina, el ukelele y el bouzouki y el oud del virtuoso Medhi Habbad (de Speed Caravan). Los temas son cantados en árabe, francés e inglés, desarrollando una paleta musical que se desliza entre el folk, el jazz y el pop francés de los años 60.
El título principal, "Ô Houria" ("libertad"), es una celebración de la misma; "Une Lettre a Si H'Med" (una incursión en la música country), una ácida crítica a la subyugación de Argelia; "Nacera" es un lamento por una mujer maltratada, y "Un Sourire" una llamada a la compasión humana. La balada "Let Me Be In Peace" nos trae un inesperado dúo con Paul Weller (antiguo lider de The Jam y The Style Council), "Stop Pissing Me Off" es una pieza de jazz-blues dominado por el riff del contrabajo, y "Tout Resta À Faire" es una de las pocas piezas en las que predomina los ritmos norafricanos.
En definitiva, un álbum que expresa todo un rango de emociones que nos sirve para disfrutar, de nuevo, de la voz grave y cautivadora de una mujer que desborda talento y humanidad.
tracks list:
01. Samira Meskina
02. Tout Reste À Faire
03. Kin Koun Alik Ebaida
04. Ô Houria
05. Nacera
06. Une Lettre A… Si H´Med
07. Tout Ce Que J´Aime
08. Khabar Kana
09. Enta Ouzahrek
10. Stop Pissing Me Off
11. Un Sourire
12. Let Me Be In Peace (avec Paul Weller)
bonus tracks:
01. Aâlache Ya Denya (inédit)
02. Samira Meskina (version acoustique)
03. Une Lettre A… Si H´Med (version acoustique)
04. Un Sourire (version acoustique)
Assarouf (el perdón, 1997) y Assouf (la nostalgia, 1995), son dos de los trabajos editados conjuntamente por Steve Shehan y el desaparecido Baly Othmani, artista bereber argelino y maestro del oud.
Steve Shehan, productor, percusionista, multiinstrumentalista, miembro de Hadouk Trío, conocido mundialmente por su extraordinaria colaboración con Omar Faruk Tekbilek en Alif (2002) y por sus trabajos de estudio junto con Brian Eno, John McLaughlin, Vangelis, Herbie Hancock, Paul Simon, Vangelis, Ryuichi Sakamoto y Rokia Traoré, ha compuesto y producido más de 15 álbumes y bandas sonoras de películas en una veintena de años. Arraigado tanto en la world music como en el jazz, sus composiciones combinan sonidos de Asia Oriental, influencias latinas, africanas, e indonesias.
Shehan, que tiene sangre irlandesa y cherokee, habla catorce idiomas y toca decenas de instrumentos de percusión, además de la guitarra, el bajo y el piano. Fascinado por sonidos, combina técnicas sofisticadas con timbres de metal, madera y cristal. Para Steve Shehan, la música es un modo de comunicación entre los pueblos sea cual sea su lengua, su cultura o su religión.
Steve Shehan y Baly Othmani logran crear en Assouf y Assarouf la expresión de la vida en el desierto. Música fascinante, bella (Baly Othmani proporciona el acompañamiento vocal perfecto), sumamente recomendada para quien desee perderse en los ritmos y las melodías del Sáhara argelino.
Assouf
01. Eilan Akabar Warigazaz
02. Elalama Helalla
03. Ei Gan Ehan Ed Yan Jzlaf
04. Kel Akalin
05. Assarouf Ezellé
06. Awegh Ohalagh
07. Hal Lil Zahab An Yazbah Ramad
08. Yallah Alghib Mattihan
09. Assouf
