La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Un bombo cosido con tapas de botellas; un babatone que funciona como un motor desgastado; un bajo construido con una rama de árbol, una batería de maleta fabricada con piel de animal y voces cálidas que se alzan al unísono. Este es el sonido de los talentosos The Kasambwe Brothers de Malawi, una banda que se presenta con la confianza de músicos veteranos. La larga trayectoria del grupo, desde las calles de Ndirande, a las afueras de Blantyre, hasta una residencia y una intensa sesión de grabación en el Massachusetts Museum of Contemporary Art (MASS MoCA), alimentan un álbum alegre, cautivador y profundamente arraigado en la tradición malauí.
Siendo una unidad multigeneracional formada por primera vez en 1987, The Kasambwe Brothers ahora están liderados por músicos más jóvenes que aprendieron el oficio de familia. La invitación del MASS MoCA, en colaboración con Hen House Studios, para participar en una residencia, los colocó en el Estudio 9 con el productor Harlan Steinberger. El tiempo era limitado, aunque el objetivo claro: aprehender lo que Ndirande ya sabía. La decisión dio sus frutos. Steinberger mantuvo los micrófonos cerca de la respiración y los parches de los tambores para capturar la esencia de este trío.
Desde el punto de vista instrumental, el disco es un ejemplo de maestría construida bajo presión. La guitarra de Joseph Msofi esboza melodías ingeniosas que las voces colorean con encanto. El kit casero de Fatsani Kennedy (inventado a partir de madera, palos, tapones de botella y viejos cacharros) no persigue un sonido originario. En su lugar, busca la sensación, y lo consigue. El babatone de Konzani Chikwata, un gran instrumento bajo con armazón y sentado en el suelo que rara vez se oye ni siquiera en Malawi, apoya al conjunto con un sonido grave y gomoso. Cuando resultó imposible importar las pieles de estos instrumentos, el equipo los reconstruyó in situ. Este detalle lo dice todo sobre el espíritu del grupo: crear el instrumento y luego la canción. Se trata de auténtica world music creada por el ingenio callejero y la armonía familiar.
Danzas asociadas a regiones de Malawi (como la Vimbuza, una danza tradicional de curación), que cuentan con el reconocimiento de la UNESCO, emergen como motores que transforman el ritmo de cada pista. La banda interpreta secuencias de acordes "I-IV-I-V" que se sienten bien mientras cantan sobre el amor, los problemas y la religión en una hermosa armonía a tres voces, tratando el movimiento como un mensaje, insistiendo en que la comprensión puede comenzar con el cuerpo. El público en MASS MoCA respondió de la misma manera, con niñas, niños y gente adulta integrándose en el ritmo sin instrucciones. El álbum conserva esa energía. Harlan Steinberg, productor e ingeniero detrás de Hen House, añade: "Aunque la tecnología hoy en día puede hacer maravillas, el mundo digital nos ha deshumanizado. Creo en un método tradicional que enfatiza la magia de una banda haciendo música junta en una sola sala, jugando con la creatividad del momento. El enfoque humanista crea una experiencia emocional más profunda que no solo puede ser escuchada, sino también sentida".
Puerto Candelaria es una innovadora y explosiva agrupación colombiana que ha sido pieza fundamental en el movimiento que ha redefinido la industria musical de los últimos tiempos de su país e Iberoamérica. Surgida en Medellín bajo la dirección del músico, pianista y productor Juancho Valencia en 2000, lleva más de dos décadas proponiendo un audaz viaje sonoro por la Cumbia, Rock, Ska, Chucu Chucu, World Music y sus géneros propios: Jazz a lo colombiano y Cumbia Underground.
El prestigio de Puerto Candelaria se confirma en un concepto maduro y una puesta en escena cargada de humor, baile, teatro y diversión, que contagia de inmediato al público al escuchar sus canciones, que invitan por igual a la danza o a la reflexión profunda.
Ha sido, además, nominada a los Latin Grammy 2024 bajo la categoría Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato con su exquisito La Sociedad de la Cumbia (Big Band Live), habiendo ganado el Latin Grammy al Mejor Álbum Cumbia 2019 con Yo me llamo Cumbia.
Con motivo de su 25 aniversario, Puerto Candelaria comenzó el año con el lanzamiento completo de su álbum, Fiesta Candelaria. En un inicio, nos presentaron sencillos como "Animalito", "Eso es pa´usted" y "Tengo todo". Ahora, completan la etapa con los 8 temas que constituyen el disco.
Siendo este su álbum número 14, el grupo colombiano explora diferentes estados, como el baile, la denuncia y el humor. Una de estas canciones es "Conjuro", un "himno de poder femenino" escrita por Catalina Calle ("Catt") y Juancho Valencia. "Nuestro Conjuro es una voz que quiere reverberar en otras. Nace de una reflexión sobre quienes somos y por qué se nos olvida en el camino. Quisiera pensar que esta composición es como una invocación y que quien la cante, pueda, al mismo tiempo, escuchar a otras que se sientan igual", destaca Catt. Fiesta Candelaria, que como colofón ha sido galardonado con el Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo 2025, mezcla sonidos del futuro incierto con el pasado no escrito, creando un canto tribal y místico. Intercalando géneros como la cumbia, el porro, el pop latino y las experimentaciones sonoras, logran activar la imaginación y crean una invitación al fandango. El director y productor de Puerto Candelaria, Juancho Valencia, aka Sargento Remolacha, afirma que Fiesta Candelaria es "una maniobra sonora atemporal exquisita para 2025".
Con tan solo 26 años, Valeria Castro se ha consolidado como una voz imprescindible en la música iberoamericana actual. Tras completar una gira por teatros de más de 10 países con su álbum Con cariño y con cuidado (2023), Valeria presenta El cuerpo después de todo, su segundo trabajo de larga duración, producido por Carles Campi Campón (Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Vetusta Morla), un álbum que marca un ejercicio de maduración artística y personal. El cuerpo después de todo es una reflexión íntima sobre lo que queda tras la pérdida, el desamor, la ansiedad, la autocrítica y la mirada que te impone la sociedad y que una va asumiendo. Es un puzzle de emociones que conecta con nuestros sentimientos más profundos y dormidos. Siempre fiel a su esencia, parece recordarnos aquella frase del escritor Antoine de Saint‑Exupéry en El Principito: "Lo esencial es invisible a los ojos". Como ella misma señala, "La vida, el amor, el desamor, la ansiedad, la presión (laboral, estética, vital), la soledad, la tristeza, la alegría, la duda o la rabia. Todo le atraviesa a una y termina por soportarla únicamente el cuerpo. Cómo queda el cuerpo después de tantas cosas, que siente, padece, somatiza de tantas formas. Todo esto está guardado a recaudo en un disco que me ha agitado y sanado a partes iguales".
El proyecto es una catarsis, sobre todo, enfocado a que la propia artista haya conseguido practicar la compasión y dejar de culpabilizarse constantemente. "Que ahora estás distinto a aquel recuerdo que dejaste". Valeria se aproxima al final del disco habiendo recorrido un viaje emocional que la coloca en otra posición de cara a afrontar esas heridas que no sabía cómo sanar. Y, de esta forma, cierra finalmente con ese "sobra decirte" como una carta de amor a una misma (o como cada cual quiera interpretarlo), gritando por todo lo alto que por fin piensas en ti y que te abrazas tal y como eres con defectos incluidos.
Valeria Castro acumula importantes reconocimientos, entre ellos dos nominaciones al Latin Grammy, dos nominaciones al Goya y premios como "Mejor Álbum de Raíz" o "Artista Revelación" en los Premios MIN, el Premio ACAMUS 2025 para la mejor Canción para Cine ("el borde del mundo" en la película "El 47") o la Medalla de Oro de Canarias. El cuerpo después de todo constituye un hito que reafirma a la cantautora como una de las grandes artistas de su generación, que sabe hacer de la música una medicina para el alma.
tracks list:
01. devota
02. la soledad
03. tiene que ser más fácil
04. honestamente
05. debe ser (feat. Sílvia Pérez Cruz)
06. el cuerpo después de todo
07. el tiempo que no estés
08. sentimentalmente
09. distinto
10. parecido a quererte
11. sobra decirte
La leyenda de la música senegalesa Cheikh Lô ha lanzado su primer álbum de estudio en diez años, Maame, marcando un impresionante regreso a la escena musical global. Editado a través de World Circuit Records, el álbum explora temas de ascendencia, unidad, amor y superación, al tiempo que muestra la distintiva mezcla de mbalax, ritmos afrocubanos y soul de Lô. Maame es una obra extensa y profundamente personal nacida del aislamiento, la resiliencia y la devoción espiritual. Nombrado en honor a su difunto guía espiritual, Maame Massamba Ndiaye, fallecido en 2014, el álbum también rinde homenaje al místico Cheikh Ahmadou Bamba, fundador de la comunidad Mouride de Senegal, y a Mame Cheikh Ibrahima Fall, fundador del movimiento Baye Fall, del que es miembro devoto. Grabado durante y después del confinamiento mundial de 2021, el disco emerge no solo como un triunfo creativo, sino también como un testimonio del perdurable talento artístico de Cheikh Lô, quien construyó un estudio casero para trabajar en el álbum junto a su hijo e ingeniero, Mame Massamba Ndigel Ndiaye Lô.
Las demos llamaron la atención del productor Nick Gold, quien ayudó a llevar el proyecto a buen término con músicos de Senegal, Benín, Congo, Estados Unidos, Inglaterra, Canadá y la República Checa. Lô compuso, arregló e interpretó la mayoría de los instrumentos, lo que dio como resultado un paisaje sonoro que entrelaza elementos afroacústicos, mbalax, afroblues, afropop, reggae, salsa africana, jazz y rumba. La instrumentación tradicional africana (balafón, kora, sabar, tambores parlantes y flauta africana) ancla el sonido, lo que le da al álbum una autenticidad distintiva. Es un tapiz musical que cruza fronteras pero que sigue profundamente arraigado en África.
Más allá de su profundidad musical, Maame transmite fuertes mensajes sociales y humanitarios. En "African Development", Lô aboga por la unidad y el progreso en todo el continente, mientras que "Carte d'Identité" aborda la difícil situación de las personas apátridas, haciéndose eco de su labor como embajador de ACNUR.
Otras canciones reflexionan sobre valores personales y comunitarios, como "Ndekeyoo" (traición amistosa), "Jikko" (amabilidad) y "Doylou" (dignidad), que reflejan las agudas observaciones de Lô sobre la sociedad. Fiel a su reputación como uno de los mejores compositores de canciones de amor de África, cierra el álbum con dos tiernas baladas, "Koura" y "Nilelefe", que revelan su lado íntimo y romántico.
Cantado en wolof, dioula, malinké y francés, Maame es una celebración de la diversidad lingüística y cultural de África. Es a la vez global en alcance y auténticamente panafricano en espíritu, un álbum que honra la tradición mientras habla de las realidades contemporáneas.
Cheikh Lô continúa demostrando por qué es considerado como una de las voces musicales más vitales de África. Con Maame ofrece no solo música, sino sabiduría, fe y una visión de unidad, recordándonos que el arte puede guiar, inspirar y sanar.
Tamikrest, en lengua tamasheq, significa unión, conexión, nudo, coalición. Los miembros del grupo provienen de distintos lugares (Malí, Níger, Argelia y Francia). Con el deseo de asumir plenamente su identidad tuareg, encontraron en la música rebelde Ishumar el medio para expresarla. "Un desierto nos acoge, una lengua nos une, una cultura nos vincula".
En 2020, el grupo presentó Tamotaït, su álbum más potente desde el aclamado Chatma (2013), que se aleja de las tendencias más comerciales del blues del desierto para profundizar en un sonido aún más introspectivo, político y espiritual. Este disco marca un punto culminante en la carrera de la banda, consolidando su identidad como una de las voces más poderosas del rock sahariano contemporáneo.
El título Tamotaït, que significa "esperanza" en lengua tuareg, encapsula el espíritu de resistencia y búsqueda de cambio que permea el álbum. En una región devastada por el conflicto armado, las migraciones forzadas y la crisis ambiental, Tamikrest se convierte en portavoz de la diáspora tuareg, luchando por preservar su identidad cultural y sus tradiciones ante los embates de la globalización y la opresión.
A lo largo del álbum, las canciones se erigen como himnos de resiliencia. El disco no solo refleja la situación política en Malí, sino que también aborda temas universales como la lucha por la libertad, la conexión con la tierra y el anhelo de un futuro mejor. Tamotaït no es solo una llamada a la esperanza, sino también una invitación a reflexionar sobre el lugar de los pueblos nómadas en el siglo XXI.
Musicalmente, Tamotaït conserva las características esenciales del blues del desierto, pero se aventura en un terreno más experimental, fusionando elementos de psicodelia, rock y música tradicional tuareg. Las guitarras, siempre desérticas y penetrantes, se entrelazan con percusiones y líneas de bajo que construyen una atmósfera densa y expansiva. La voz de Ousmane Ag Mossa, líder de la banda, se mantiene como la columna vertebral de este universo sonoro, cargada de emoción, pero también de una calma introspectiva que le da profundidad al mensaje.
Canciones como "Awnafin", con su riff hipnótico y su ritmo constante, establecen el tono del álbum: una sensación de permanencia en medio del caos. "Amzagh" es una invocación al mundo de hoy y al del mañana, por la preservación de las futuras generaciones. "Amidinin Tad Adouniya", una de las piezas más líricas, es un canto a la espiritualidad, donde la guitarra se convierte en un vehículo de comunicación directa con el alma. La colaboración con Hindi Zahra en "Timtarin" añade una dimensión más compleja al álbum, la pista se desarrolla en un crescendo alimentado por percusiones galopantes, voces masculinas y femeninas entrelazadas en una armonía que evoca tanto la fragilidad como la fortaleza de la esperanza ("Mi juventud se extinguió entre tantos deseos, con tantas cosas que creí eternas, la vida me enseñó que nada es para siempre").
"Tihoussay" es otra canción de amor que canta el "encanto lleno de delicadeza y atractivo" de la persona amada. Las guitarras se deslizan y resbalan, "La belleza es tuya, tu corazón sabe amar... Cualquiera que se separa de su alma gemela pierde toda la alegría".
El álbum se cierra con "Tabsit", una canción reflexiva que deja una sensación de seriedad, pero también de paz. En ella, la voz de Ag Mossa se acompaña de un delicado fondo de guitarra, creando un contraste con la intensidad de las primeras canciones del disco. Este final casi meditativo refleja la transición de la lucha hacia la aceptación, un espacio de quietud donde se puede comenzar a soñar con un futuro más justo.
La producción de Tamotaït fue confiada a David Odlum, que logra un equilibrio perfecto entre la rusticidad del desierto y un sonido más pulido que potencia las texturas y los detalles del álbum. La mezcla de lo tradicional con lo moderno se siente natural, sin perder nunca la esencia cruda y auténtica que caracteriza al grupo. Los ecos del desierto están siempre presentes, pero se enriquecen con capas sonoras que amplían el horizonte del álbum.
Más que una simple colección de canciones, Tamotaït es un manifiesto de resistencia, una declaración de esperanza en tiempos difíciles. Tamikrest no solo preserva las tradiciones de su pueblo, sino que también las lleva hacia el futuro, mostrándonos que la música puede ser una poderosa herramienta de lucha y transformación.
Sílvia Pérez Cruz está considerada como una de las voces más talentosas de nuestro país y, sin duda, una de las más impresionantes de nuestro panorama artístico. Una mujer cuyo talento se ha impuesto sobre todo lo que ha tocado, ya fuera flamenco, folk, jazz, bossa, bolero o ranchera, en una discografía imponente. Por su parte, Salvador Sobral es uno de los artistas más singulares de la península, con una propuesta intimista que bebe -sobre todo- del jazz, pero también del pop y del folk. En Sílvia & Salvador unen sus voces y sellan su amistad, una magia bellísima y serena entre dos artistas que consiguen detener el tiempo con su música.
En el programa Culturas 2, Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral evocan qué sintieron la primera vez que escucharon cantar al otro. "Fue en un club de Lisboa antes de que fuera conocido, muy poca gente estábamos ahí, y recuerdo escuchar una voz muy hermosa de una persona muy comprometida con lo que cantaba", cuenta Pérez Cruz. "Él solo tenía la misma belleza que la melodía", añade.
Por su parte, Sobral explica que, cuando estaba estudiando música en Barcelona, fue a un concierto de Sílvia Pérez Cruz por su telonero (el cantante portugués António Zambujo) sin saber quién era ella en realidad: "Ya que estaba ahí, me quedé para el espectáculo principal y Sílvia me cambió la vida para siempre… La manera en la que entendía la música, de percibir como funciona, la emoción que transmitía y la libertad que tenía en el escenario fue lo que me enganchó totalmente a su discografía".
Fruto de esta profunda amistad y admiración mutua, este proyecto trasciende las fronteras lingüísticas y musicales. Trabajando en canciones de artistas cercanos como Jorge Drexler, Luísa Sobral (hermana de Salvador, a quien reivindican como una de las grandes compositoras de nuestro tiempo), Javier Galiana, Dora Morelenbaum y Carlos Monfort, Pérez Cruz y Sobral cantan en portugués, castellano, català, francés e inglés, con el acompañamiento de arreglos acústicos cuidadosamente elaborados para guitarra, cello, banjo y mandolina. Todos estos instrumentos se secundarizan para que sus voces se sigan fácilmente, sin esconderse. Sílvia & Salvador tiene un aire de disco de salón, íntimo y delicado, como si estuviéramos compartiendo una velada, repasando temas que evocan rancheras ("El corazón por delante"), chanson ("L'amour reprend ses droits"), cancioneros ("Hoje já não é tarde"), música religiosa clásica ("Recordarte") e influencias mediterráneas ("Muerte Chiquita"). O como "Ben poca cosa tens", canciones que simplemente documentan este emotivo diálogo musical, una unión perfecta y celestial. Un regalo para los oídos y el alma.
tracks list:
01. Recordarte
02. Ben poca cosa tens
03. El corazón por delante
04. Hoje já não é tarde
05. L'amour reprend ses droits
06. Someone To Sing Me To Sleep
07. Mudando os ventos
08. Muerte chiquita
09. Este presente
10. Minhas marcas
11. Tempus Fugit (Plor per Palestina)
Cancionera es el décimo álbum de estudio de la gran artista y cantautora mexicana Natalia Lafourcade. Para esta obra, Lafourcade presenta a su alter ego artístico: la cancionera. Una trovadora errante, una voz que recorre la noche con un aire de misterio, representando la dualidad: luz y sombra, tradición y transgresión, dulzura y rebeldía.
El álbum fue grabado en tomas completas, en vivo y completamente en cinta analógica durante un período de tres semanas (con 18 artistas tocando junto a Lafourcade en el estudio) con el objeto de capturar la espontaneidad y autenticidad de cada interpretación, evitando ediciones digitales y resaltando un proceso artesanal y colectivo.
La producción ha estado a cargo de la propia Lafourcade y Adán Jodorowsky, quienes ya habían colaborado en su anterior álbum De Todas las Flores (2022). El colectivo Soundwalk Collective aportó un diseño sonoro que integra sonidos naturales al paisaje musical del disco. Además, cada tema cobra vida también en imágenes, con videoclips que expanden el universo conceptual del proyecto y profundizan en su esencia poética.
Cancionera está compuesto por 14 temas, y se caracteriza por su diversidad estilística, incorporando géneros como bolero, ranchera, son jarocho, huapango, cumbia, tango, pregón, rumba y jazz. Esta amalgama de estilos refleja las raíces veracruzanas de Lafourcade y su capacidad para reinterpretar la música tradicional mexicana con una sensibilidad contemporánea, en un diálogo constante entre lo íntimo y lo colectivo. El álbum cuenta con colaboraciones de artistas como El David Aguilar, Israel Fernández, Diego del Morao, Hermanos Gutiérrez y Gordon Hamilton, enriqueciendo la obra con nuevas texturas y matices sonoros.
"No dejes de sorprenderme" es el hilo conductor de este viaje: una invitación a abrazar lo inesperado, a celebrar la belleza de la transformación y a reencontrarnos con esa voz interna que canta desde el corazón. Un disco sublime en su trayectoria.
tracks list
01. Apertura Cancionera
02. Cancionera
03. Cocos en la Playa
04. Como Quisiera Quererte (feat. El David Aguilar)
05. Amor Clandestino (feat. Israel Fernández)
06. Mascaritas de Cristal
07. El Coconito (feat. El David Aguilar)
08. El Palomo y La Negra
09. Cariñito de Acapulco
10. La Bruja (Versión Cancionera)
11. Luna Creciente (feat. Hermanos Gutiérrez)
12. Lágrimas Cancioneras
13. Amor Clandestino (Acústica) (feat. Israel Fernández y Diego del Morao)
14. Cancionera (Acústica)
Trio Da Kali se fundó en 2013 por iniciativa del Aga Khan Music Programme, con la ayuda de la productora musical Lucy Durán, saltando a la fama internacional con su sublime álbum Ladilikan (2017), que contó con una colaboración sin precedentes y galardonada de Kronos Quartet, el legendario cuarteto de cuerda clásico de San Francisco. Ocho años después, el grupo maliense publica por fin un álbum íntegramente en su nombre: Bagola, un trabajo que confirma a este trío como una de las formaciones más relevantes de la música mandinga contemporánea.
El resultado justifica con creces el tiempo transcurrido. Con un sonido acústico cristalino, obra del ingeniero Timothée Gumy y del productor artístico Javier Monteverde, el disco combina herencia, comentario social y una sorprendente capacidad de renovación dentro de los márgenes de la tradición griot.
El álbum se abre con "Bagola", pieza que da título al trabajo y que, sobre un ritmo vivo y contagioso, despliega una sátira sobre las relaciones de poder patriarcal en la sociedad maliense. Aquí la voz de Hawa Kasse Mady Diabaté (hija del legendario Kassé Mady Diabaté), que se distingue por su pureza y expresividad exquisita, brilla con un magnetismo que oscila entre la dulzura y la firmeza, acompañada por el balafón hipnótico de Lassana Diabaté y la base grave y cálida del ngoniba de Madou Kouyaté. La ironía de la letra contrasta con la vitalidad instrumental, ejemplo perfecto de cómo la tradición oral puede actualizarse sin perder fuerza comunicativa.
Entre los momentos más conmovedores destacan "Dadunkan", reflexión sobre el destino y la aceptación de lo inevitable, y "Orpaillage", una denuncia poética de la devastación ambiental causada por la minería del oro en Mali, Guinea y Senegal. También sobresale "Cela Sigui", que aborda las implicaciones sociales de los matrimonios concertados, y "Tulunke", composición de Lucy Durán que rescata el carácter lúdico de los cantos femeninos rurales, con un aire casi afrocubano.
El bloque central del disco se completa con piezas de fuerte carga simbólica: "Wara", dedicada a la danza femenina; "Nana Triban", homenaje a una de las grandes heroínas de la épica mandinga, o "Fakoly", que evoca al guerrero del mismo nombre, clave en la fundación del imperio de Mali en el siglo XIII. En "Latege" el trío se repliega hacia un clima introspectivo, invitando a la paciencia y al respeto mutuo. El cierre llega con "Deme", grabación más antigua, que recupera el ambiente festivo de los bautizos y bodas urbanas, con palmas y coros que expanden el carácter comunitario del álbum.
El equilibrio instrumental es otro de los grandes logros de Bagola. El balafón cromático de Lassana Diabaté (heredero de una tradición guineana que él mismo ha llevado a colaboraciones con la Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté o el proyecto Afrocubism) aporta una paleta de timbres capaz de sostener melodía, ritmo y armonía al mismo tiempo. El ngoniba de Madou Kouyaté, hijo del virtuoso Bassekou Kouyaté y miembro del grupo Ngoni Ba, añade profundidad armónica y refuerza la rítmica. Y sobre todo ello, la voz de Hawa se erige como un instrumento emocional de primera magnitud, comparable por su fuerza expresiva a la de las grandes cantantes de la tradición soul. La producción de Lucy Durán, etnomusicóloga de referencia en la música de África occidental, resulta fundamental: ha sabido preservar el carácter acústico del trío, evitando excesos y dejando que las canciones respiren con naturalidad. Bagola no es solo un disco de canciones: es un manifiesto sobre cómo la música griot sigue viva, capaz de iluminar los grandes dilemas sociales, ecológicos y humanos de nuestro tiempo. Un álbum que celebra la herencia, pero no se conforma con custodiarla, sino que la reinventa con elegancia, rigor y emoción. Un trabajo imprescindible, que confirma a Trio Da Kali como uno de los grandes referentes actuales de la música de África occidental.
Constantinople, conjunto asentado en Montreal, une su talento con la virtuosa noruega del violín Hardanger Benedicte Maurseth para explorar el encuentro entre las tradiciones musicales persa y nórdica en Nordic Lights in Persian Sky. Lanzado en 2025 por el sello Glossa, el álbum presenta una primorosa mezcla de melodías modales, una accesible interacción improvisada e influencias poéticas. Encontraremos interpretaciones sublimes con hilos de melodías persas y nórdicas entrelazadas, magistrales solos de setar y violín, magníficas voces y una percusión fascinante y llena de matices.
Liderado por Kiya Tabassian, maestro del setar y colaborador frecuente de diversas tradiciones internacionales, Constantinople continúa su misión de diálogo musical intercultural. Para este proyecto, Tabassian, Maurseth y el veterano percusionista Patrick Graham combinan sonidos clásicos con sensibilidades modernas. El enfoque compartido del trío en la naturaleza, el fraseo modal y la improvisación constituye la base de su colaboración.
Grabado en una antigua iglesia de Strandebarm, Hardanger, el álbum surgió de un encuentro musical en Berlín en 2022. Sin un repertorio predefinido, el trío descubrió una afinidad natural entre sus tradiciones. Según Maurseth, el diálogo resultante fue tan intuitivo como hablar un idioma compartido, anclado en formas centenarias, pero guiado por el momento presente.
A lo largo de este álbum de doce canciones, hermosas melodías tradicionales de Hardanger y Setesdal se fusionan con espléndidas composiciones basadas en el radif persa, junto con obras originales de Maurseth y Tabassian, con poemas de Nima Youshij y Rumi. El álbum concluye con "Nordic Dreams", una dulce canción de cuna que resume el tono introspectivo del proyecto.
Constantinople, fundado en 1998 por Kiya Tabassian, es reconocido internacionalmente por sus proyectos interculturales que abarcan manuscritos medievales, sonidos mediterráneos y tradiciones no occidentales. El conjunto ha publicado más de 20 álbumes y se ha presentado en más de 290 ciudades de 57 países. En 2024, recibió el Premio JUNO al Mejor Álbum de Música Clásica. Kiya Tabassian, nacido en Irán y residente en Montreal, es reconocido por su innovadora obra como compositor, intérprete y educador. Su liderazgo artístico incluye colaboraciones con el Atlas Ensemble y el Banff Centre for Arts and Creativity, además de ser cofundador del Centre des musiciens du monde de Montreal. Benedicte Maurseth es una destacada violinista, compositora y escritora noruega, conocida por su profunda conexión con la tradición del violín Hardanger, fruto de casi tres décadas de estudio con el maestro Knut Hamre. Ha publicado grabaciones premiadas en ECM y Hubro, compuestas para cine y teatro, y recibió el Premio de Música Nórdica 2022 por su álbum Hárr. Patrick Graham, versátil percusionista, aporta una perspectiva global basada en estudios sobre las tradiciones de percusión del Mediterráneo, Oriente Medio, la India y Japón. Su interpretación, llena de matices e imaginativa, complementa la amplia paleta musical del conjunto. Nordic Lights in Persian Sky supone presenciar una íntima comunión artística, como la contemplación compartida del mismo cielo magníficamente estrellado, disfrutado simultáneamente en algún lugar de los montes Zagros y en un fiordo cerca de Oslo. Un álbum de exquisita poesía intercultural.
tracks list:
01. And the Glacier Answers Quietly
02. Vetla jento mi
03. Dance of the Wind
04. Huldreslåttar
05. Dâya Dâya & Brureslått
06. Moonlight – Mahtâb
07. Den 4. Gorrlausen
08. Shooting Stars in the Wide Sky
09. Timeturning & Along with the Breeze
10. Summer Solstice
11. Bâz Âmadam
12. Nordic Dreams
En 2025, año en que Cabo Verde celebra su 50º aniversario de independencia, el artista caboverdiano Mário Lúcio lanza Independance, un álbum que celebra este cambio trascendental en el África lusófona. Cantante, guitarrista, compositor, poeta, escritor, pensador e, incluso, exministro de Cultura, Mário Lúcio es una de las mayores influencias intelectuales, políticas y culturales de Cabo Verde. Un referente de la creolización, la obra del artista es un homenaje sensible y apasionado al intercambio racial que ha forjado la cultura de su país.
En este sentido, los elementos detrás de su sonido no son de fusión sino de síntesis, de confluencia. Aunque su música convoca ritmos como el batuque, la morna o la funaná, estos aparecen deconstruidos y reconfigurados en un lenguaje propio, que escapa a las etiquetas.
El título de su séptimo álbum, Independance, contiene "dança", un juego de palabras que hace referencia a las danzas de los años 70 y 80, donde la juventud caboverdiana descubrió el continente africano a través de la música de Angola, Senegal, Sudáfrica, Guinea, Congo o Nigeria. Una celebración sonora y corporal para la que Mário Lúcio rescata estas memorias musicales y crea nuevas composiciones en los estilos de esa época, entrelazando elementos de afrobeat, soukouss y rumba.
Más que un álbum para evocar, es un trabajo que tiene como objetivo hacer bailar, recordar y reconocer las raíces sonoras que alimentaron los sueños de emancipación y libertad. Un trabajo que intenta reflejar que la música, como lenguaje común, se puede convertir en un medio de exportación de identidad y una herramienta de proyección simbólica.
tracks list:
01. Independance
02. Sabón
03. Maka Maka
04. Rabidante
05. Mati Mati
06. Codé
07. Nha Bio
08. Fidjo Grande
09. Ami Xintadu (feat. Manu Dibango)
Cincuenta años de carrera hacen de Goran Bregović una personalidad que necesita poca presentación. Es el compositor, músico, letrista, arreglista y productor que más influencia tiene, dentro de la escena musical de los Balcanes, en todo el mundo.
Durante quince años fue estrella de la banda Bijelo Dugme, la más popular e influyente que ha surgido en los Balcanes. Instalado en la capital francesa después de la guerra, comenzó a componer música para películas, llegando a trabajar en doce films (varios de ellos Palma de Oro en Cannes) principalmente para el director de cine serbio Emir Kusturica ("Les Temps des Gitans", "Arizona Dream" y "Underground"), el bosnio Ademir Kenović ("Kuduz"), Patrice Chéreau ("La Reine Margot ") y el rumano Radu Mihăileanu ("Train de Vie").
Después de tanto tiempo, para Bregović subirse a un escenario es mucho más que un trabajo, es la vida misma. En 1997 regresó a las giras, después de un tiempo de descanso, con su Orchestra for Weddings and Funerals, a la que sumó un percusionista-vocalista y un conjunto de voces búlgaras a las que con frecuencia juntaba a un sexteto vocal masculino y un cuarteto de cuerda. Un ejemplo del resultado es el estupendo Alkohol, Šljivovica & Champagne (2009). Entre medias, como muestra de su prolífica carrera, Kayah i Bregović (1999), con la exquisita cantante polaca Kayah.
Su último proyecto, The Belly Button Of The World (2023), es una interpretación musical del sincretismo entre tres religiones monoteístas. Aunque los dogmas a veces puedan parecer incompatibles, el cristianismo, el judaísmo y el islam pueden unirse en diversos parajes gracias a sus creencias en la solidaridad y la paz.
El título del proyecto, preparado durante la pandemia, sugiere una exploración de cómo se conectan las diferentes culturas y sus historias, como caminos a través de la tierra, similar al concepto de líneas de canciones. Queriendo proporcionar evidencia de la historia de interacción, tolerancia y unidad entre estas tres religiones, para el álbum Goran Bregović ha compuesto y producido cinco obras, escritas para tres violines solistas, una orquesta sinfónica, un sexteto vocal masculino y su Weddings and Funerals Band (voces búlgaras, metales y percusiones), bajo la dirección de Ognjan Radivojević. Tres son cuentos líricos basados en las liturgias cristiana, judía y musulmana interpretados por violinistas: Mirjana Nesković (Serbia), Gershon Leiserson (Israel) y Zied Zouari (Túnez).
Bregović regresa con un sorprendente giro al ecumenismo con la religión como fondo, destacando la interconexión de las experiencias humanas y proclamando su deseo de convivencia pacífica, hoy más necesario que nunca en los tiempos tan reaccionarios que acontecen.
Piers Faccini es italo británico y proviene del folk poético; Ballaké Sissoko, de Malí, es uno de los grandes maestros de la kora. Dos décadas después de su primera colaboración, vuelven a unir culturas y tradiciones en un disco acariciante: Our Calling. Este fascinante diálogo, entre un virtuoso instrumentista en la cima de sus facultades y un compositor inspirado, consigue crear nuevas formas de canción con una ligereza que tiende puentes entre continentes y juega con la tradición.
Las semillas de Our Calling se plantaron cuando Sissoko y Faccini se conocieron por primera vez en el sello Label Bleu a principios de la década de 2000, y cimentaron una amistad que se ha ido alimentando con el paso de los años. Ambos conectan y experimentan con nuevas formas de combinar las tradiciones mandingas y las canciones folk británicas y mediterráneas. Sissoko colaboró en el segundo álbum en solitario de Faccini, Tearing Sky, en 2006. En 2020, su colaboración encontró una nueva inspiración bajo el estandarte del sello Nø Førmat!, cuando Sissoko invitó a Faccini a cantar "Kadidja" en lengua bambara en su aclamado álbum Djourou, y más tarde con el sencillo "The Fire Inside", una química que confirmó su visión compartida de realizar un primer álbum a dúo.
A través de diez pistas exquisitamente elaboradas, Our Calling es un canto sonoro y narrativo de alabanza a la migración en todas sus formas: ya sea a través de la naturaleza, como semilla transportada por el viento o por aves como el ruiseñor (que viaja entre África Occidental y Europa con el cambio de las estaciones) o a través de los seres humanos, a lo largo de los siglos y a lo largo de caminos y rutas, compartiendo modos y ritmos musicales. El diálogo acústico de los dos amigos se grabó en París, en directo y codo a codo en el estudio, durante cinco días. La originalidad del álbum radica en que su esencia musical es profundamente maliense, pero está impregnada de la esencia del folk cantado en inglés.
Grabado por Frédéric Soulard, el álbum reúne a un extraordinario elenco de músicos, entre ellos Vincent Segal al cello, Badjé Tounkara al ngoni y Malik Ziad al guembri. Un trabajo delicioso en el que la voz de Faccini va fluyendo con sedosidad, mientras la magia de Ballaké se va prodigando con gran sapiencia. Un encuentro de culturas y tradiciones que amplía toda noción previa que se tenga acerca de las posibilidades del folk contemporáneo.
tracks list:
01. One half of a dream
02. I Wanted To Belong
03. If Nothing Is Real
04. Mournful Moon
05. Ninna Nanna
06. Borne on the wind
07. Go Where Your Eyes
08. Shadows Are
09. North And South
10. By your hand
JAWA es un grupo musical dedicado a preservar y reinterpretar el patrimonio musical sufí de Alepo, una tradición de gran profundidad espiritual y artística que se ha visto amenazada por la guerra en Siria. La rica tradición musical sufí se ha transmitido oralmente en Alepo durante décadas. En la actualidad, los maestros sufíes que custodiaban los secretos de esta tradición musical están desapareciendo poco a poco, lo que supone una amenaza para la supervivencia de este valioso legado musical.
Como guardianes de este rico patrimonio cultural, JAWA ofrece una visión contemporánea al introducir instrumentos en un repertorio que históricamente se ha interpretado a capela. Más que una representación, se trata de un acto de resistencia cultural y continuidad espiritual que preserva una frágil tradición y la hace resonar de nuevo a través de fronteras y generaciones. Con una cuidada selección de piezas, interpretadas por un experto conjunto de músicos de Siria, Bélgica, Palestina y Marruecos, JAWA presenta las piezas musicales tradicionales desde su perspectiva personal, al tiempo que preserva la forma clásica de interpretar el muwashahat sufí, con sus ritmos complejos y sus maqams orientales.
Enraizados en la filosofía sufí, que considera que la música y el ritual guían el alma hacia la unidad divina, los músicos de JAWA van acompañados por los giros de un derviche Mevlevi. El giro sufí es una práctica de meditación habitual mediante la cual los derviches aspiran a alcanzar la fuente de toda perfección. Para conseguirlo, deben dejar atrás el nafs (los deseos personales), prestar atención a la música, centrarse en Dios y hacer girar el cuerpo en círculos repetitivos, lo que se ha considerado una imitación simbólica de los planetas del Sistema Solar orbitando alrededor del Sol. Un derviche practica múltiples rituales, siendo el más importante el dhikr, que consiste en la recitación de oraciones acompañado de danzas y giros con el fin de alcanzar un estado de trance extático.
Last Breaths from Aleppo está dividido en cinco waslas, una serie de piezas en un maqam (modo melódico) que se suceden en forma y velocidad. El maqam da nombre a cada wasla. Cada wasla comienza con una improvisación de uno de los músicos, que ofrece su visión del maqam. De este modo, prepara al cantante para la interpretación a través del sonido de su instrumento.
Después viene el muhawash/moshar (del siríaco musrata, ritmo o himno), una forma musical caracterizada por ritmos largos y complejos, en los que el cantante puede mostrar su dominio del maqam. A continuación, el quodud, que consiste en unir palabras en una melodía familiar o viceversa, con un ritmo y una estructura más sencillos. Las piezas se suceden en la misma wasla según la velocidad y la dinámica, pasando de las más lentas a las más rápidas, de las más complejas a las más sencillas y de las más largas a las más cortas. Marcan el paso de la tristeza a la alegría, de la tierra al cielo, donde el alma abandona el cuerpo y emprende el vuelo hacia el Creador, según el gran Mevlana Yalal al-Din Muhammad Rumi, maestro de la cofradía Mevlevi.
En definitiva, un riquísimo trabajo en el que participan Khaled Alhafez con la voz; Yousef Zayed con el ud; Youssef Nassif con el qanun; Tammam Alramadan al ney; Marwan Fakir en el violín, Simon Leleux a la percusión, y el derviche Hatim Aljamel.
Desde su aparición en el programa belga The Voice a los 18 años, Lubiana Kepaou enamoró al público con su voz cautivadora y su radiante personalidad. Esta cantautora belga-camerunesa ahora transmite las notas de su corazón a través de un instrumento icónico: la kora, el arpa tradicional de África Occidental. Tres años después de su primer álbum, Beloved (2021), regresa con Terre Rouge, una segunda obra que explora aún más sus raíces africanas y expresa su búsqueda de identidad.
En Terre Rouge, Lubiana canta una sincera oda a África, su tierra originaria. Se adentra en un universo que mezcla pop nómada, influencias del R&B y música tradicional africana, en un álbum que celebra tanto su mestizaje como su redescubrimiento de la africanidad. En la portada, una foto de su infancia en Camerún relata los recuerdos de esta tierra color ladrillo donde pasaba sus vacaciones de verano. Fue allí, entre las cabañas del pueblo de Bangoua, en la región de Bamiléké, donde Lubiana, nieta de arquitectos, ya descubría la riqueza y la belleza de la naturaleza africana.
Para la artista, la kora es mucho más que un simple instrumento; representa una profunda conexión con sus raíces y la herencia de los griots africanos. Descubrió esta arpa mandinga por casualidad durante un viaje a Mallorca, donde los sonidos cristalinos de un intérprete de kora la cautivaron al instante. Desde entonces, este instrumento nunca la ha abandonado y se ha convertido en una auténtica embajadora, tocando junto a maestros como Ablaye Cissoko y el fallecido Toumani Diabaté, quien la acompaña en uno de los temas de su álbum.
En su álbum, Lubiana rinde homenaje a las mujeres africanas, figuras de resiliencia y valentía, a través de canciones como "Farafina Mousso". Inspirada en historias conmovedoras, como el documental Ruanda: El Silencio de las Palabras, sobre mujeres violadas durante el genocidio, colabora con el autor y rapero franco-ruandés Gaël Faye. Juntxs, celebran a las mujeres africanas y su fuerza, un compromiso que se refleja en la profundidad de sus letras y la fuerza de sus melodías.
Lubiana, cuyo nombre significa "amada", navega entre dos mundos: el de sus orígenes cameruneses y el de sus influencias europeas. Expresa esta dualidad a través de una letra conmovedora: "Soy la mujer blanca / estilo africano". En Terre Rouge, intenta encontrar su lugar, entre la pertenencia y la no pertenencia, e invita a la persona oyente a compartir este viaje hacia una identidad plural. Este álbum, fruto de varios años de desarrollo personal y musical, da testimonio de su madurez artística y su amor por un continente que continúa redescubriendo.
Para crear este álbum, Lubiana se rodeó de artistas talentosos, como el celista y percusionista Pierre "titi" Dufour, el multiinstrumentista Christophe "Disco" Minck, el percusionista de Costa de Marfil Adama Dembele, y el reconocido productor Clément Ducol, con quienes crea un universo musical rico y multicultural, donde cada canción es una invitación a viajar y descubrir la diversidad de África. Terre Rouge es un álbum tejido con voces y cuerdas, que resuena como una canción de amor, resiliencia y orgullo.
El grupo pionero de fusión gaélico-africana Afro Celt Sound System hace su debut discográfico en Six Degrees Records con OVA, el octavo álbum de estudio del grupo y el último con su fundador al frente, el productor y guitarrista Simon Emmerson, que falleció de cáncer pocos meses antes del lanzamiento del trabajo. Como tal, esta grabación es a la vez homenaje y legado del músico visionario e innovador y amante de la naturaleza druídica que lanzó la banda europea/africana en 1991.
El título del álbum OVA es el nombre del símbolo que aparece en el logotipo de la banda y que ha estado presente en las portadas de sus álbumes desde su debut en 1996 con Sound Magic. Fue diseñado por un amigo de Simon Emmerson de la época punk londinense: el también recientemente fallecido diseñador gráfico británico Jamie Reid, famoso por sus diseños de álbumes para Sex Pistols. Ambos compartían historias familiares sobre creencias druídicas y estancias en la naturaleza, y eran bardos honorarios de la Orden de Bardos, Ovates y Druidas. Reid creó el símbolo OVA superponiendo las letras O, V y A para deletrear "huevo", en referencia a la creación y la regeneración. Para Emmerson, representaba a la perfección las innovaciones sónicas que imaginaba con su grupo.
El álbum comienza con un paisaje sonoro místico y etéreo, salpicado de cantos de pájaros que parecen surgir de las brumas primigenias de Inglaterra. Este comienzo, que parece de otro mundo, da paso a un impulso creciente de potentes tambores, una kora delicada, sutiles sonidos electrónicos y cantos a varias voces, a medida que el álbum se desarrolla con gran viveza y una enorme sensación de espacio.
En OVA, a los miembros originales de la banda, N'Faly Kouyate (voz, kora, balafón y calabash) y Johnny Kalsi (tambor dhol y tabla), se unen la cantante y flautista irlandesa afincada en Manchester, Ríoghnach Connolly, y una serie de músicos de lujo: Robbie Harris (bodhran), Ewen Henderson (violín) y Simon "Mass" Massey (programación, teclados y electrónica), que también ha coproducido el álbum con Emerson. En "AM" vuelve a aparecer el cantante gaélico de la formación original del grupo, Iarla Ó Lionáird; el compositor John Metcalfe contribuye con arreglos corales. En "The Mantra" se unen al grupo el bajista y productor Richard Evans y el batería Ged Lynch, ambos de la banda de gira de Peter Gabriel. En todo momento, la presencia de Simon Emmerson es inconfundible, tanto en las interpretaciones, grabadas en varios estudios (incluida su propia casa), como en el espíritu y la pasión por la música que tanto amaba. Su singular visión perdura en cada fascinante atmósfera por capas, en cada emocionante canción, en cada conmovedor paisaje sonoro etéreo.
N’Faly Kouyate describe, de forma elocuente, el trabajo de lo que sería el último proyecto de Emmerson: "...Para dar a este álbum su auténtica esencia afrocelta, fuimos incluso a Guinea, a la fuente, para que cantaran los griots, con sus voces ancestrales que aportan una profundidad y una verdad incomparables. OVA es mucho más que una mera colección de canciones; es una obra viva, un testimonio de nuestro compromiso artístico y de nuestra lucha por causas cercanas a nuestros corazones. Refleja una aventura humana y artística única, una simbiosis de nuestras inspiraciones y nuestra pasión compartida. Este álbum encarna nuestro sueño común de fusionar nuestras culturas a través de la música, creando así un puente entre mundos, llevado por el amor, la creatividad y un profundo respeto por nuestras respectivas tradiciones". OVA es un álbum que demuestra la maestría del grupo en la creación de un puente entre culturas a través de la música. Es una obra que invita a la reflexión, al baile y a la apreciación de la diversidad cultural, consolidándose como una pieza fundamental en la discografía del grupo y en la música contemporánea de fusión.
tracks list:
01. The Hawk Owl´s Lament
02. The Mantra
03. Magical Love
04. N’Faly Foil
05. La Paix
06. Radio Ronza
07. Brid Bhan
08. AM
09. Bâdji kan waly
10. Glitchy Fiddles
11. The Lockdown Reel
Compositora, música, productora, artista visual y activista, Asanda Lusaseni Mvana, Msaki, forma parte de la nueva ola de soul electrónico africano. Su visión y expresión son siempre multidimensionales. También es una de las artistas que vienen a la mente cuando se habla de música "indie" en Sudáfrica. En cuanto a su sonido, su EP debut Nal'ithemba (2013) y su posterior álbum, Zaneliza: How the Water Moves (2016), se inscribían en una línea acústica.
En el espacio en el que se mueve Msaki, tras los dulces arreglos y la suave guitarra, ser indie es una lucha. Una lucha por tener voz, por mantenerse a flote financieramente, por tener una representación decente. En parte por eso fundó ALTBLK>> que, como señala la propia artista, "significa Alternative Black, y esa flechita es por continua, simplemente retomando el concepto de 'a luta continua'", un espacio creativo que ofrece apoyo personalizado a artistas independientes y alternativos.
Sin embargo, esto no significa que Msaki se sienta cómoda en un lugar "alternativo", le cuesta lidiar con etiquetas. De hecho, cuando lanzó el tema house puro "Fetch Your Life" con Prince Kaybee en 2019, Msaki se volvió tan popular como se puede, ganando el premio a la Grabación House del Año en los Dance Music Awards de Sudáfrica.
La artista empezó a gestar Platinumb Heart tras la masacre de 34 mineros en Marikana a manos de la policía sudafricana. "El platino es el mineral, pero añadí la 'b' para referirme al estado de entumecimiento emocional, insensibilidad, frío, desagradable", explica Msaki. "La primera canción que escribí para el álbum fue 'Blood Guns and Revolution'. Fue entonces cuando supe que probablemente sería un álbum de protesta. Hacía referencia a lo ocurrido en las minas de platino de Marikana, donde a los mineros los fusilaban por un salario mínimo. Esto dio origen a una serie de otras canciones de protesta: 'At Stake', 'Statues'… Otras canciones que simplemente procesaban mi rabia, mi decepción con este país".
Su poderosa voz, sus letras conmovedoras y su creatividad desenfrenada se plasman en Platinumb Heart, editado en 2021, una propuesta impactante con dos facetas: una acústica y otra electrónica. La gama de contenidos que explora es igualmente diversa, abarcando temas profundamente personales, canciones de protesta y amor junto con canciones que intentan mostrar la belleza de la Sudáfrica contemporánea. Platinumb Heart Open fue producido por Neo Muyanga y Msaki. Platinumb Heart Beating se centra en la música electrónica mezclada con elementos afro house y afro tech. A diferencia de Open, el álbum cuenta con varios productores como Sun-El Musician, Kabza De Small, Kenza y Black Coffee. Platinumb Heart Open ganó el Best Alternative Album en los Clout Africa Awards de 2022. En la 28ª edición de los South African Music Awards, Platinumb Heart Open ganó dos premios a la Artista Femenina del Año, el Best Contemporary Album of the Year, nominado al Best Produced Album of the Year, y a la Mejor Colaboración ("No Rainbow" con Da Capo).
Un trabajo ideal para una escucha profunda y reflexiva.
Platinumb Heart Open
01. Umsindo (featuring Alie-Keys)
02. Delta Love
03. Hold Me Down (featuring TRESOR)
04. How Many Bloody Buffalo Bulls
05. Bloods Guns and Revolutions
06. Hymn 121 (featuring Bulelwa Siliziwe Lusaseni)
07. Fetch You Life II
08. Enough
09. Catalyst
10. Six Billion Thousand Hundred Leventeen
11. Anisixabisanga (featuring The Brother Move On)
12. Six Billion Thousand Hundred and Twelve
13. Statues
14. At Stake (featuring Thesis ZA)
15. Mandiphefumle
16. Born in a Taxi
17. Tiram
18. White Shadow (with Beatenberg)
Platinumb Heart Beat
01. Kuja Utanipata (with Sun-El Musician)
02. Nangomso (featuring Simmy)
03. Come Around (featuring Kenza & Mpho.Wav)
04. Mjolo for Who (featuring Abidoza)
05. Tomorrow Silver (with Sun-El Musician featuring Diplo)
06. Ndizincamile (featuring Laliboi)
07. Uthando Lwam (featuring Black Coffee)
08. Heart Mend Hotel (featuring Nonku Phiri)
09. Mntakababa (with Kabza De Small & Focalistic)
10. Boy from Shoshanguve (with Black Motion)
11. Fika Kaloko (with Kabza De Small)
12. Pearls To Swine (featuring TRESOR & Kid X)
13. Delakufa (with Oskido)
14. Statues II (featuring Da Capo & Black Motion)
15. Chem Trails (featuring Caiiro)
16. No Rainbow (with Da Capo)
17. Steam and Flow (with TRESOR)
18. Mhlaba Wakhala (featuring Nonku Phiri)
Cada nuevo álbum de Lo'Jo siempre sorprende y deleita. Se respira expectación, preguntándonos dónde habrán estado en sus viajes musicales y qué habrán traído consigo. Esa belleza de lo nuevo se complementa cuidadosamente con un sonido deliciosamente suyo, construido alrededor del áspero sprechgesang de Denis Péan, mezclado con las brillantes armonías sororales de las hermanas Nadia y Yamina Nid El Mourid (que también es la percusionista y consumada intérprete de kamele n'goni). Junto con el violinista Richard Bourreau y el bajista Alex Cochennec, forman el núcleo de la banda.
La perspectiva global de Lo'Jo sobre la música siempre ha abrazado abiertamente una variedad de estilos y sonidos internacionales, un ecléctico y amplio tapiz musical con toques de jazz, folk, géneros balcánicos y mediterráneos que se combinan a la perfección con influencias africanas y de Oriente Medio que siguen presentes en sus lanzamientos.
Feuilles Fauves es su decimoctavo lanzamiento de larga duración. A lo largo de cuatro décadas han creado y perfeccionado algo único, cuyos arreglos evolucionan desde las exploraciones iniciales descuidadas hasta algo complejo y, a veces, incluso exuberante, como en "La Kolèr", sin olvidar nunca la simplicidad de una melodía que se encuentra en el corazón de todo. Varios colaboradores aportan su talento a Feuilles Fauves, incluyendo a los versátiles productores y músicos Clément Petit y Alexandre Finkin, quienes se encargan de la instrumentación adicional del álbum y colaboran en la producción del proyecto. Entre los invitados del álbum se encuentran el músico congoleño Jupiter Bokondji y su banda Okwess, el acordeonista René Lacaille y la cantautora y guitarrista canadiense-haitiana Mélissa Laveaux, quien aparece en el tema "Julie", que captura este mágico y encantador paisaje sonoro.
Eso significa pasar del majestuoso tema de apertura "Mandiego", al curiosamente serpenteante "Aswar", apuntalado por un sintetizador de bajo melancólico mientras toques del Magreb flotan en la parte superior, y luego a "Josephine", con sus tentadoras cuerdas pizzicato. Feuilles Fauves es una aventura llena de sorpresas en cada rincón. Esa es la alegría de Lo'Jo, y que continúe así por mucho tiempo.
