La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Valeria Castro tiene en su garganta volcanes furibundos como los de su isla bonita, La Palma. En 2021 regalaba canciones al mundo desde el aislamiento de su pequeño laboratorio musical, con esa forma de interpretar lirista y folclórica a la vez, exótica en los acentos y tremendamente cálida. La fue templando con tremendos singles como "Guerrera", y abriéndola a más públicos con temas como el compartido con Macaco, "Un recuerdo", o con todo lo rubricado en su primer EP, chiquita (2021), que le ha catapultado a ser una de las grandes promesas de la canción iberoamericana. Con cariño y con cuidado es su primer larga duración, que llega después de tantas cosas. No solo del fin de las restricciones en la vida social, también después de que la isla de La Palma que la vio nacer se viese arrasada por la fuerza del volcán, que devastó incluso la casa de su abuela. Un disco con el que Castro pone su granito de arena para intentar sanar muchas cosas, entre ellas, su vínculo con ella misma.
Çantamarta, Iván de la Rioja, Daniel Zepeda, Nacho Mur, Alberto Torres, además de la misma artista, han realizado un trabajo que tiene lo justo para caminar, percusión y timple canarios, algunos arreglos a piano, bajos poco intrusivos y coros profundos. Una forma de atender a la tradición que funciona como un tiro en el pop en ejemplos de la discografía de Sílvia Pérez Cruz o de la Rosalía de los primeros tiempos.
Letras sensibles cargadas de memoria y honestidad (amor, miedo, verdad) acompañan a un sonido impregnado de la herencia musical que teje lazos con la música folclórica de las islas canarias. Su voz, en abierto contraste, se alza sabia, enraizada y antigua, como si proviniera de una mujer mayor y con el alma lacerada por los pesares de la vida.
Valeria Castro es mucho de lo que necesitamos hoy día: canciones aterciopeladas en playlist y trasfondo si se va más allá de una lista. La cantautora ha envuelto cantidad de regalitos para quienes lleguen al final: Con cariño y con cuidado es la orquestación menos pretenciosa y más bonita que nos ha deparado un debut reciente.
tracks list:
01. dentro
02. abril y mayo
03. la raíz
04. perdón (no me había dado cuenta)
05. costura
06. un hogar
07. lo que siento
08. poquito
09. techo y paredes
10. costumbre
11. con cariño y con cuidado
La música de The Zawose Queens está llena de energía y pasión. Se siente la presencia de los ancestros a través de instrumentos tradicionales: el violín chizeze, la sanza illimba, los tambores ngoma y las voces que alcanzan profundidades y alturas impresionantes. Está la conexión con la naturaleza, con ceremonias y rituales en su música de fusión inspirada en la danza, en la que combinan lo orgánico, lo armónico y la electrónica moderna. Las letras, en su idioma natal kigogo, hablan de la pasión por la música, las maravillas de la vida y el orgullo por el entorno y la tradición, por sus raíces africanas. Pendo y Leah Zawose son cantantes, compositoras y multiinstrumentistas de gran talento que proceden de la ciudad de Bagamoyo, en Tanzania. Maisha es el primer disco de las integrantes femeninas de una de las familias musicales más famosas del país, dirigido por los productores británicos Oli Barton-Wood y Tom Excell y grabada en la azotea de un hotel en Zanzíbar y junto a la playa de Bagamoyo, la histórica ciudad portuaria de Tanzania que ha sido el hogar de la extensa familia Zawose desde la década de 1970.
Son once canciones que muestran los polirritmos fluidos y el entusiasta canto polifónico del pueblo Gogo -también conocido como Wagogo- de la árida y montañosa región de Dodoma en el centro de Tanzania. Un pueblo cuyos pequeños pero poderosos tambores muheme son tocados solo por mujeres y cuyo repertorio está acompañado de bailes adornados con campanas atadas en los tobillos. Su exponente más famoso fue Dr. Hukwe Zawose, padre de Pendo y abuelo de Leah. Zawose fue un maestro estricto y conservador, que sólo permitía a las mujeres cantar armonías de acompañamiento y tocar tambores muheme.
El cambio ha ido llegando lentamente. La generación más joven se fue reagrupando bajo el caparazón de The Zawose Family entre 2002 y 2009 y publicando el álbum Small Things Fall From the Baobab Tree en 2007. Impulsadas por talleres de composición y producción musical, The Zawose Queens comenzaron a escribir sus primeras canciones, un momento crucial hacia un futuro diferente. Aunque el nuevo material se parecía mucho a la música tradicional de sus ancestros, hablaba de preocupaciones modernas y era completamente suyo. "Este es nuestro patrimonio, interpretado a nuestra manera", dicen Leah y Pendo. "Ha llegado el momento de que las mujeres de la familia Zawose ocupen su lugar".
La colección de canciones de Maisha abarca desde sonidos sencillos y tradicionales hasta aquellos tratados con elementos electrónicos sutiles. Algunas fueron escritas por The Zawose Queens, otras junto con los mencionados productores Oli y Tom. En el repertorio figuran miembros de Wamwiduka Band al banjo y la percusión, y Baba Leah, padre de Leah y tío de Pendo, colaborador original de Hukwe y maestro del violín chizeze. "Queríamos mezclar lo tradicional y lo moderno, presentar nuestro patrimonio al mundo, y lo hemos logrado. Estamos estableciendo un ejemplo para otras mujeres artistas mujeres en África Oriental", señalan Leah y Pendo Zawose.
Salif Keita posee una de las voces más exquisitas que jamás haya salido de Malí, del continente africano o de cualquier otro lugar. Es un instrumento de una belleza, un poder y una intuición milagrosos. Su destreza es aún más notable porque no es un jali (músico hereditario), sino un noble renegado que se vio obligado a confiar por completo en su ingenio y su habilidad innata.
Moffou es el nombre que se le da a una flauta africana, un instrumento muy simple usado por los campesinos del Sahel, hecho a mano según técnicas ancestrales. No hay nada más simple, más elemental, ni más eterno que este pequeño objeto. Y Moffou es tanto el título del álbum de 2002 de Salif Keita como el nombre de un complejo cultural creado cerca de Bamako para intercambiar y extender la cultura maliense.
Disco eminentemente acústico, que conforma una trilogía junto con M´Bemba (2005) y La différence (2010), Moffou es una obra de inspiración africana al cien por cien, con las influencias del soul y del pop momentáneamente aparcadas, donde la voz celestial de Salif Keita, que posee una claridad y un vigor excepcionales, nos brinda una de sus grabaciones más frescas, más vertiginosas y más auténticas.
Rodeado de artistas excepcionales, el disco navega entre baladas íntimas como "Iniagige", "Souvent" o "Ana Na Ming" y ritmos más animados, e invita Cesária Évora a unirse a él en uno de los temas, "Yamore". Precisamente son las baladas, simples y generalmente acompañadas solo por la guitarra, las que emergen como el corazón y el alma de Moffou. En ellas, la obra de toda la vida de Keita se consolida y se glorifica a través de la madurez relajada de un artista en su mejor momento. Su tenor imponente y de sabor islámico está respaldado en todo momento por los elegantes arreglos acústicos de Kanté Manfila, meticulosamente elaborados, dando como resultado una música bañada de claridad melódica en la que destaca una instrumentación esencialmente tradicional.
La tradición y sencillez musical, por un lado, la apertura y la universalidad por el otro, son los elementos que hacen de Moffou un clásico; nunca, nunca sonará anticuado.
tracks list:
01. Yamore (feat. Cesária Évora)
02. Iniagige
03. Madan
04. Katolon
05. Souvent
06. Moussolou
07. Baba
08. Ana Na Ming
09. Koukou
10. Here
El jazz mantiene un largo e histórico noviazgo con la noche. A esta tradición se une Arooj Aftab. En Night Reign la dedicación de Arooj a la noche es explícita, pero diferente a la del álbum anterior. Vulture Prince (que incluye el tema "Mohabbat", ganador del Grammy a la Mejor Interpretación Musical Global) se inspiraba en la muerte del hermano de Aftab y era un trabajo marcado por el duelo. Tres años después, la noche que retrata Night Reign no es emocional, no es depresiva ni de tristeza; es ociosa y calurosa, excitante como el principio de algo nuevo. Night Reign es un acto de tierno desafío, de protesta y de oración. No son las afiliaciones geográficas ni los detalles de su certificado de nacimiento lo que despierta a las y los oyentes de Arooj. Es su negativa a adherirse a las limitaciones de la raza, las fronteras y el género, aunque su obra está intrínsecamente ligada a estas ideas maleables.
En este reino de la noche, Aftab juega con todos los recursos que tiene a su disposición para que la acompañemos en un viaje de incierto final: texturas lentas, armonías etéreas, voces profundas que languidecen a la luz de la luna... una atmósfera, en definitiva, pensada con sumo cuidado para posicionarnos en un estado de ánimo muy determinado.
Y musicalmente, los ingredientes con los que trabaja son los que ya conocemos desde su debut en Bird Under Water (2015): jazz minimalista, folk occidental, música electrónica y una pátina de exotismo oriental.
El concepto nocturno a Arooj le sirve para seguir estableciendo diálogos entre pasado, presente y futuro, y también entre diferentes culturas. "Na Gul", que pasa de la solemnidad del piano al baile cuando entra el sonido de un arpa, es uno de los dos temas del disco que adaptan a música poemas de la poeta urdu del siglo XVIII Mah Laqa Chanda. En el mismo disco, de hecho, Arooj interpreta una versión de "Autumn Leaves" de Eva Cassidy, uno de los estándares de jazz más populares, llevándosela a su fantasmal terreno.
Aunque en Night Reign Arooj Aftab se acompaña de sus músicos habituales, entre los cuales se encuentran el pianista Vijay Iyer y el multi-instrumentalista Shahzad Ismaily (con los que Aftab publicó un disco conjunto en 2023, Love in Exile) el disco no se corta en experimentar. El tema que mejor representa la unión entre tradición y modernidad es el single "Raat Ri Kani" ("Reina de la noche" en pakistaní), combina autotune con un bailongo ritmo inspirado en el maracatu brasileño. Arooj ha declarado que la música de T-Pain le ha inspirado a usar autotune por primera vez en su carrera: hasta este punto van las diferentes referencias de Arooj Aftab.
Pero ni el baile de "Raat Ri Kani" ni su uso del filtro vocal marcan realmente el camino de Night Reign, un álbum cuyas cadencias y atmósferas apuntan más bien a la "calma de la noche". En "Aey Nehin", la pista de apertura, guitarra acústica y arpa se acarician la una a la otra. La instrumentación es exquisita desde el primer segundo al último, y la voz de Arooj Aftab sigue erizando en "Last Night Reprise", una nueva versión de una canción del disco anterior que, con Elvis Costello presente tocando el Wurlitzer, representa la catarsis emocional del disco.
"Bolo Na" aparece en una nueva forma y habla de la condición del racismo sistemático, el gaslighting, la desigualdad, el capitalismo y la erradicación de personas inocentes para beneficio personal. La aclamada poetisa y música Moor Mother agrega textura a la canción, cuestionando lo que, al público, nos han vendido como "real". Mientras tanto, la canción "Saaqi" (basada en otro poema de Mah Laqa Bai Chanda) es una escucha exuberante y meditativa, con un exquisito trabajo de piano de Vijay Iyer.
La elegante sensualidad de "Whiskey" (suena tan ebria como promete su título, aunque no es Arooj la que bebe, sino su pareja), impera en un disco nocturo, caluroso y húmedo que -por supuesto- cobra vida en la noche. Arooj aporta a este clásico concepto una serie de ideas que solo podían haber salido de su ingenio y, sobre todo, una voz sobrecogedora que sigue siendo difícil encontrar. Emocionante.
tracks list:
01. Aey Nehin
02. Na Gul
03. Autumn Leaves (feat. James Francies)
04. Bolo Na (feat. Moor Mother & Joel Ross)
05. Saaqi (feat. Vijay Iyer)
06. Last Night (Reprise) (feat. Cautious Clay, Kaki King & Maeve Gilchrist)
07. Raat Ki Rani
08. Whiskey
09. Zameen (feat. Marc Anthony Thompson C/O Chocolate Genius Incorporated)
Puedes escuchar un jazz cadencioso, con un piano comedido, tímido por momentos, acompañado por una voz dulce y susurrante en clave de sueño rem. En otro momento, otro color y otros sonidos, una especie de folk nocturno e inquietante repleto de personalidad y vida. El tercer color despide sonidos de un pop identificable por lo característico. El producto de esta mezcla es lo que hace Agnes Obel, pianista, compositora y cantante danesa que, con la escueta compañía de unos pocos arreglos de cuerda, produce todo ese precioso sonido embriagador, en el que la orquesta filarmónica pueda ser en un momento dado una pura herramienta para convertir gemas de folk-pop mínimo en una especie de banda sonora de una película imaginaria.
"The dark and the ghost / They dance so sweet and slow" podría haber sido uno de los últimos versos de Leonard Cohen, pero es el arranque de su tercer disco, Citizen Of Glass. Asentada en Berlín, dedica este álbum publicado a finales de 2016 al concepto alemán "Gläserner Bürger", un "ciudadano de cristal" indefenso ante su sobreexposición mediática, como refleja el tema inicial "Stretch Your Eyes": "A grip that will hold / So tight and close / Around my throat with / The weight of all our lives".
Cuenta Agnes Obel que llegó a dar con esta temática leyendo Der Spiegel tras la muerte de su padre en 2014. Un pianista de jazz que tuvo que dejar su vocación por su trabajo y al que Obel siente que debe todo. Esa fragilidad del "ciudadano de cristal", probablemente la misma que sintió tras el fallecimiento de su progenitor, se refleja también en la cuidada instrumentación del disco, en el que conviven el piano y las cuerdas habituales con otros elementos como un gigantesco Trautonium recreado al modo en que se construía en los años 20, y su propia voz distorsionada como respuesta a sí misma abriendo la vía de las interpretaciones en "Familiar".
El resultado es un gran disco de folk muy mimado con inquietudes que van más allá, como ella misma cita, mencionando a Debussy, Lee Hazlewood y a The Walker Brothers como influencias, y con una música de carácter cinematográfico. Citizen Of Glass se ubica entre la delicadeza y sinuosidad de la música de cámara, las basculaciones del folk y ramalazos que juegan con atmósferas más propias de las músicas de vanguardia más paisajista, sonando a banda sonora para una película de David Lynch, con un aire tan místico ("Red Virgin Soil") como retro ("It’s Happening Again"), neofolk ("Stone"), timburtoniano ("Trojan Horses") y hasta procesional ("Familiar").
Un trabajo que es una verdadera elevación de la música como forma de arte. Tan impresionante, tan perfectamente realizado, tan evocador y embriagador como la perfecta mañana de invierno, terriblemente fría pero dolorosamente hermosa. Uno de los discos del año 2016.
tracks list:
01. Stretch Your Eyes
02. Familiar
03. Red Virgin Soil
04. It's Happening Again
05. Stone
06. Trojan Horses
07. Citizen Of Glass
08. Golden Green
09. Grasshoper
10. Mary
TASUTA N-IMAL significa "Generación futura" en lengua amazigh. El objetivo de la banda es transmitir musicalmente la historia, los valores y el modo de vida de los grupos nómadas, desérticos y montañeses de las y los habitantes del Anti-Atlas. El Anti-Atlas ocupa el extremo suroeste de las montañas del Atlas, bordeando el desierto del Sahara en el sur de Marruecos, un área marcada por picos imponentes, extensos campos y antiguos kasbahs (castillos).
En tiempos pasados, los kasbahs eran importantes como lugar de refugio y como depósito de suministros para las familias. Cerca de estos asentamientos, los campos en terrazas con muros de contención de piedra cubren el paisaje; sin embargo, cada vez más casas se vacían y los campos quedan sin cultivar. Con la continua migración de la tierra, los sistemas de riego necesarios para la agricultura también están decayendo, confirmando las duras condiciones de vida en la actualidad.
En este sentido, Tasuta N-Imal no es solo una banda, sino una expresión de los muchos sentimientos que se describen como habitantes del Anti-Atlas. Tomaron este estilo de música como un mosaico lleno de colores para que el público pueda comprender el significado de la vida en su lugar del Mundo. La poesía de sus letras hace referencia a los sufrimientos de los grupos nómadas y sedentarios, su importante historia y sus valores de tolerancia, amor, paz y resistencia.
El repertorio de la banda se caracteriza por la incisividad de su sonido, que se inspira en la diversa herencia musical de la región mezclada con el blues y el rock del desierto, con Tinariwen, Bombino y Ali Farka Touré como principales referentes.
Tasuta N-Imal la conforman seis jóvenes artistas de Boumalne Dades y tocan una mezcla de instrumentos tradicionales y no tradicionales: Hassan Amzil (demdoun y qraqeb), Abdelkrim Aynaz (guitarra rítmica), Smail Khalis (bajo), Abdessamad Amzil (guitarra principal), Redouan Ourabeh (percusión) y Abdelali Elyakoubi (djembé y darbouka).
En 2018 lanzaron su primer EP, Tamlalte, llamado así por la región del Anti-Atlas en Marruecos. Y entre 2019 y 2024 han editado una serie de sencillos ricos en conmovedoras melodías y percusiones constantes y arrulladoras, que nos llevan al cálido paisaje sonoro de las montañas del Atlas y sus historias de amor, nostalgia y dignidad, una patria de paz y tolerancia.
La galardonada cantautora marfileña Dobet Gnahoré lanza un nuevo trabajo, Zouzou, un rico tapiz de tradiciones musicales, combinando ritmos africanos con influencias modernas y profundidad lírica. Motivada por los desafíos que enfrenta la infancia africana, dedica este álbum a la juventud que definirá el futuro del continente. Zouzou ("Ángel") es el séptimo álbum de estudio de Dobet Gnahoré, una vibrante celebración de la cultura y la identidad africanas. Gnahoré es una virtuosa cantante, bailarina, percusionista y compositora que ha llevado los modernos sonidos del afropop de su país hacia emocionantes nuevas direcciones. Conocida por sus impresionantes movimientos de baile, su poderosa presencia escénica y su rico estilo vocal, Gnahoré ha recibido numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera, entre ellos un premio GRAMMY a la mejor interpretación urbana/alternativa en 2010 por su colaboración con la cantante India.Arie. Zouzou sigue a su anterior Couleur (2021), aclamado por la crítica, y continúa su tradición de celebrar la música y la cultura africanas al tiempo que aborda temas sociales que le son muy significativos: la resiliencia, la unidad y el poder de la comunidad. Cada pieza (cuyas letras han sido escritas, mayoritariamente, junto a Ismael Cissoko) cuenta una historia, basándose en las experiencias personales de la artista y la riqueza cultural de su país de origen.
Con su evocadora narrativa y su poderosa presencia escénica, Dobet Gnahoré sigue siendo una fuerza en la escena musical mundial. "Crear Zouzou ha sido un viaje increíble para mí", dice Dobet Gnahoré. "Este álbum es un reflejo de mis experiencias y mi herencia, y estoy encantada de compartirlo con el mundo. Espero que los oyentes encuentren inspiración y alegría en la música".
Todo lo que nos gusta y nos sigue gustando de Dobet está presente en Zouzou (melodías conmovedoras, rica instrumentación que evoca las tradiciones de África Occidental, voces alegres y soleadas). Pero hay dos elementos adicionales que enriquecen la experiencia: el primero, musical, es la mayor presencia de la electrónica. Momo Wang (alias Dr. Wang), uno de los principales productores de Abiyán, ha dado al "sonido" gnahoré un toque decididamente más moderno, equiparando la vertiente pop con su hermano afro, que sigue tan dinámico como siempre. Con sutileza, Dr. Wang introduce colores sintéticos en el universo habitualmente acústico de Gnahoré, un toque hábil que no resta autenticidad a la artista.
La otra, humanitaria y social, es el vínculo entre Zouzou (álbum y gira) y un proyecto largamente ideado por Dobet Gnahoré que demuestra el compromiso de la artista con su comunidad: la creación de la ONG "Zouzou" y un centro sociocultural para niños, niñas y mujeres en situación de desamparo en Costa de Marfil, con alojamiento y espacio artístico y educativo para la infancia.
El lanzamiento de Zouzou reafirma el lugar de Dobet Gnahoré en la escena musical mundial como un talento único y una voz poderosa para la cultura africana. Su mezcla de tradición y modernidad, sumado a su compromiso social, la convierten en una artista completa cuya influencia trasciende los límites de la música.
Aynur Doğan llega a gente de todas las edades de una manera que solo pocas artistas excepcionales pueden lograr: conecta a las nuevas generaciones con las raíces de la música kurda al combinar el patrimonio y los tesoros de su tierra natal con un lenguaje musical de nuestro tiempo, tan sensible como imaginativo.
Ella es la voz más icónica y destacada del pueblo kurdo. Durante casi un cuarto de siglo, Aynur ha entrelazado los colores tradicionales de su tierra, incluyendo canciones bárdicas y poesía antigua y moderna de Kurdistán, con la música clásica, el jazz y el pop. En su séptimo álbum, Rabe, Aynur entreteje muchos hilos de su carrera de más de 20 años. En este trabajo, grabado por Nick Benoy entre Colonia y Cataluña, participan casi veinte artistas, destacando el pianista de jazz Franz von Chossy, cuyo diseño de sonido ha jugado un papel importante en el álbum predecesor, Hedûr (2019). Von Chossy, Patrick Goraguer a la batería y Chris Jennings al bajo aportan magníficos ritmos en sus innumerables conciertos. Michael League, líder de Snarky Puppy, toca la guitarra eléctrica y mezcla las cuerdas, mientras que Wu Man, la virtuosa de la pipa china más famosa, aparece como artista invitada en dos temas. El resultado es un paisaje sonoro multifacético que desprende instinto folclórico, con interludios meditativos, improvisaciones jazzísticas y momentos trepidantes.
Rabe destaca la versatilidad de Aynur como compositora. Inspirada en iconos culturales kurdos, alevís y yazidíes, en el álbum se exploran temas como el amor, la espiritualidad y la libertad, mostrando a una artista madura que se reafirma como la voz más destacada de la música kurda, encarnando la esencia del arte kurdo del siglo XXI.
tracks list:
01. Hekîmo (Doctor – The Wise)
02. Bîranîn (Remembering)
03. Rabe Edlayê (Rise Up Edlayê)
04. Ay Lê Gulê (Oh my Rose)
05. Ez Û Bi Teva (Me and You)
06. Nasil Yar Diyeyim (How Should I say "My beloved")
07. Narînê (Narînê my Sweet)
08. Derviş Baba (Father Dervish)
09. Min Te Dît (I saw You)
Su primera producción en seis años es una poderosa declaración de protesta con canciones que rechazan la injusticia, adornadas con melodías que abrazan la alegría. Combinando el ghazal con el folclore punjabi, la música sufí, el rock y el jazz, la artista nacida en la India (y que vive entre Nueva York y Toronto) se enfrenta al virulento nacionalismo étnico y la polarización política en el mundo con canciones sobre la liberación, el amor y la humanidad común que todas y todos compartimos. El nuevo álbum de Kiran Ahluwalia, Comfort Food, es rico, provocador y, como el universo moral, se inclina hacia la justicia.
Escribe sobre el álbum: "¿Podemos decir que somos humanos, si nos falta humanidad?", dice sobre "Jaane Jahan", un himno sobre el inquietante aumento de la intolerancia cultural en la India y la diáspora. Su letra proclama: "Sangramos el mismo rojo, derramamos las mismas lágrimas saladas". Comfort Food está lleno de canciones de protesta y esperanza por una sociedad justa. "Escribir estas canciones me dio una liberación emocional de mi propia sensación de impotencia; de esta manera, crear este álbum ha sido mi alimento reconfortante".
Kiran trabaja en estrecha colaboración con un pequeño grupo de músicos maravillosos y, en especial, con el guitarrista Rez Abbasi, productor y músico muy querido en la escena del jazz que interpreta sus ritmos con infusión pakistaní en esta colaboración. El acordeón saltarín del canadiense Louis Simao, el bajo de Rich Brown, el baterista Davide Derenzo, los percusionistas Mark Duggan y Joaquín Núñez, y la tabla de Ravi Naimpally, aportan sus décadas de experiencia en la escena musical asiática de Toronto.
Ahluwalia y Abbasi conforman un rico tándem, uno nacido en Pakistán y la otra en la India, y conviviendo en la actualidad en su casa adoptiva de Harlem, a pocos pasos de Central Park. Esta historia de amor comenzó durante un desayuno en Puerto Vallarta cuando Ahluwalia compartió su comida con Abbasi, y se detalla en "Pancake", aportando la dualidad para el título del álbum.
El trabajo de defensa por la justicia social y la igualdad de género de Ahluwalia prevalece a lo largo del álbum. Anima a los y las oyentes a deshacerse de las creencias anacrónicas que subyugan, marginan y, en última instancia, abandonan a los pueblos más necesitados, como vemos en Palestina en este momento. Sobre las restricciones sociales sobre las mujeres, "Dil" expresa, en el estilo folclórico moderno de Punjabi, el deseo de deshacerse de la vergüenza. Ahluwalia explica que "cuando se trata de exhibir deseo físico, hay un doble estándar en todo el mundo. La sociedad es tolerante con los hombres que expresan deseos físicos públicamente, sin embargo, las mujeres con frecuencia se enfrentan a un escrutinio injusto y a la vergüenza por hacer lo mismo. Esta canción trata sobre ignorar las normas sociales y exhibir mis deseos públicamente sin vergüenza".
"Ban Koulchi Redux" es una recreación del tema original de la gran Souad Massi, y representa la influencia en Kira de las músicas del norte de África a través de la colaboración con la cantante y compositora argelina: "Deja atrás la cháchara del mundo, El murmullo tiene siglos de antigüedad. Búscame un lugar donde los rituales no importen, Donde las costumbres caigan como hojas, Donde el pasado quede atrás".
En "Tum Dekhoge", Ahluwalia utiliza un poema de protesta de Hussain Haidry, escrito en respuesta a la brutal represión de una pacífica protesta de mujeres contra la Indian Citizenship Amendment Act, una ley fundamentalista que margina a la población musulmana al restringir su camino hacia la ciudadanía.
Sus canciones de amor son igualmente sugestivas. La composición "Har Khayal" es una hermosa y triste canción de amor, que mezcla su voz con fascinantes riffs de guitarra de Abbasi, y detalla la mezcla de sentimientos que se tienen después de una ruptura. Ella canta que "No todos los pensamientos sobre ti están impregnados de tristeza" y "la flor se marchita, aun así, el jardín necesita serlo", letras hermosas y atemporales que expresan la dualidad de las emociones humanas. Comfort Food es reflexivo, con letras ricas, una sólida base de música clásica india y ritmos funky muy bailables. El álbum se puede llevar a una variedad de niveles, lo que lo hace tremendamente accesible. Tal combinación hace que la lucha por doblar el arco del universo moral parezca seductoramente posible.
Anna Setton es una artista, cantautora e instrumentista de São Paulo formada en el lado más interesante de la Música Popular Brasileña (MPB): moldeó su voz cantando en los clubes de São Paulo, viajó por el mundo como cantante invitada del gran Toquinho, y ha colaborado con Omara Portuondo (Cuba), Sadao Watanabe (Japón) y Mestrinho (Brasil), entre muchas y muchos otros artistas actuales. Un recorrido que le dio el equilibrio adecuado para realizar su álbum debut con su propio nombre en 2018, un disco homónimo que destacó su evidente talento.
La pandemia la inspiró a tomar la guitarra y realizar shows semanales online donde puso su voz a los grandes tesoros de la canción popular brasileña. Esta disciplina la llevó a producir Onde mora meu coração (2021), un álbum de cuidadas versiones que incluye, por ejemplo, la bella "Morena Bonita", de Toninho Horta.
Afincada en Portugal, Anna Setton ha ido entretejiendo su magia musical y su último álbum O futuro é mais bonito es un testimonio vivo de su evolución artística. Grabado en Recife, Brasil, la artista señala que fue la propia esencia de las canciones la que la eligió como su intérprete. Las pistas se despliegan con una producción moderna y sutil, en las que Anna suena bulliciosa, cargada de luz, resbaladiza y transparente, con su voz brillando en el centro de cada melodía.
El álbum es un collage colaborativo de talentos emergentes de la escena musical de Recife, entre quienes se encuentran los productores y compositores Guilherme de Assis, Barro, Ed Staudinger, Juliano Holanda, Igor de Carvalho y Rodrigo Campello, junto a otros músicos reconocidos y consagrados como Edu Sanginardi y João Camarero. Juntos desafían los moldes clásicos de la MPB, fusionando la tradición con la innovación y otorgando a Anna la plataforma perfecta para consolidarse como autora de su propio destino musical.
Con su alma y voz enriqueciendo el paisaje musical brasileño, Anna Setton nos invita a un viaje sonoro que honra el pasado mientras abraza audazmente el futuro. O futuro é mais bonito no solo es un álbum, sino un testimonio del poder de la música para tejer conexiones entre generaciones y culturas, y recordarnos que la esperanza siempre puede florecer cuando abrazamos el ahora con presencia y tomamos decisiones conscientes, incluso en los momentos más inciertos.
tracks list:
01. Saudade é pouco (Barro, Ed Staundiger, Juliano Holanda)
02. Sigo dizendo sim (Igor de Carvalho e Anna Setton)
03. Aproximar (Barro, Rodrigo Campello, Anna Setton)
04. O futuro é mais bonito (Igor de Carvalho e Anna Setton)
05. Canto de Aruanda (Edu Sangirardi e Anna Setton) feat Zé Manuel
06. Amor e sal (Edu Sangirardi e Anna Setton)
07. Money no tengo (Igor de Carvalho e Anna Setton)
08. Forró de Dois (Edu Sangirardi e Anna Setton)
09. Me queira (Barro)
10. Sweet as Water (João Camarero e Anna Setton)
El cantante y guitarrista tuareg nigerino Omara Bombino" Moctar presenta Sahel en 2023, otra soleada fusión de ritmos bereberes tradicionales con reggae, pop y rock occidental, después del éxito de su predecesor, Deran (nominado a los Premios Grammy de 2019).
Bombino conoce bien la vida nómada. Estar constantemente en la carretera por su música y al mismo tiempo en perpetuo movimiento por toda la región del Sahel de África es su normalidad. Por eso, cuando la pandemia paralizó el mundo, Bombino se encontró en un espacio y tiempo totalmente novedoso.
El resultado fue Sahel. Esta nueva colección de canciones, cuyo titulo rinde homenaje a la región africana que abarca de este a oeste desde el Océano Atlántico hasta el Mar Rojo, es la obra más personal, poderosa y políticamente, de Bombino hasta la fecha. También es la más diversa desde el punto de vista sonoro, una cualidad que se propuso lograr desde el principio, y que pretende reflejar directamente el complejo tapiz de culturas y pueblos que conforman la propia región del Sahel. Para dar vida a las canciones, Bombino trabajó en estrecha colaboración con el productor galés David Wrench, y se trasladó con sus compañeros de banda al Studio HIBA en Casablanca.
La canción de apertura, "Tazidert", predica la paciencia, incluso cuando la música en sí misma te insta a ponerte de pie y moverte. "Alwane" es un recuerdo de los amigos perdidos. El disco pronto sumerge a la persona oyente en un viaje psicodélico y eléctrico, propulsado por un dron hipnótico cargado de guitarras como armas que resulta ser un festín sónico ("Aitma", una llamada a las armas pronunciada en su tamasheq natal). Sahel mira hacia adelante y hacia el pasado, una mezcla de canciones nuevas y viejas que en algún momento resonaron en Bombino por una razón u otra. "Si Chilan" es una de las canciones más antiguas del extenso repertorio de Bombino; "Nik Sant Awanha" data de finales de los años 90 y es uno de los comentarios políticos más incisivos de Bombino hasta la fecha, lamentando las divisiones entre el pueblo tuareg, los riesgos del exilio y una amenaza existencial aún mayor, la pérdida de la cultura tuareg.
El cierre acústico "Mes Amis" canta sobre la juventud y el amor no correspondido. Antes, explosiones rabiosas en "Darfuq" y temas como "Si Chilan" o el fabuloso "Ayes Sachen". Otro disco fascinante, hipnótico y reivindicativo del héroe del folk tuareg.
DIDON es un dúo formado por el conocido productor, compositor y DJ Carmen Rizzo, y la cantautora tunecino-canadiense Meriem Ben Amor. Juntos combinan sus maestrías para realizar una producción de sonidos vanguardistas con sabores norteafricanos. Tunisian Tale muestra la cautivadora voz de Meriem, sus textos tunecinos y los años de experiencia de Carmen en la producción de música electrónica.
Meriem Ben Amor es una talentosa cantante y compositora tunecino-canadiense conocida por su voz cálida y etérea y sus versátiles habilidades musicales. Meriem habla con fluidez árabe, francés, español e inglés, pero también tiene un profundo conocimiento de diversas influencias culturales, lo que le permite cantar en otros idiomas, como el romaní, el ladino, el azerí, el farsi y el rumano. Además de su talento vocal, Meriem también domina varios instrumentos de cuerda y percusión.
Inmersa en un rico tapiz de influencias musicales orientales y occidentales desde una edad temprana, el viaje musical de Meriem comenzó con los ecos de los cantos sufíes árabes de su padre y aprendiendo más tarde violín, guitarra clásica y piano. Tras licenciarse en ingeniería electrónica en Túnez, se trasladó a Canadá y perfeccionó sus conocimientos de música clásica en Royal Conservatory Of Music de Toronto, para graduarse posteriormente en Producción de Música Electrónica y Diseño de Sonido en el Berklee College of Music. Durante más de una década, Meriem prestó su brillantez musical a The Roma Jazz Ensemble en Vancouver, dirigido por el virtuoso del violín Lache Cercel. En la actualidad, Meriem participa activamente en proyectos de colaboración con músicos de diversos orígenes, buscando incesantemente nuevas innovaciones artísticas y aventuras musicales.
Carmen Rizzo necesita poca presentación. Con una impresionante carrera musical (de más de dos décadas) como productor y multiinstrumentista, Carmen ha participado en producciones de Seal, Coldplay, Alanis Morissette, A.R. Rahman, Ryuichi Sakamoto, Khaled, Anoushka Shankar y, por supuesto, en sus personalísimos proyectos de Niyaz con Azam Ali y Loga Ramin Torkian.
En 2019, una colaboración fortuita con Carmen Rizzo dio lugar al álbum debut de Meriem Ben Amor Once Upon a Time (2020). Su sinergia creativa llevó a la formación de la banda Didon a finales de 2021. Tunisian Tale es su primer álbum conjunto, patrocinado por Canada Council For The Arts. Portentosos temas que combinan a la perfección la instrumentación tradicional árabe con ritmos actuales y líneas de sintetizador, una propuesta magnética de música árabe y electrónica.
tracks list:
01. A Faraway Land - بلاد بعيدة
02. On My Way - ماشي
03. Raven Lashes - كحلة الأشفار
04. If Only - يا ريت
05. Oh Maiden - يا للّا
06. My Heart's Desire - إنت هوايا
07. Beside You - أنا معك
08. Aman Aman - آمان آمان
09. My Adorer - عاشق فيّا
10. A Bundle of Jasmin - مشموم
Yamandu Costa, ganador de varios Grammy Latinos y guitarrista de Rio Grande do Sul, ha grabado De Vida y Vuelta junto a Domingo Rodríguez Oramas, más conocido como Domingo El Colorao, un músico tradicional de Fuerteventura. Los dos unen sus instrumentos, la guitarra de siete cuerdas y el timple, entregando un sonido único, una clase magistral de simplicidad que reune las brisas de Brasil y de las Islas Canarias.
Yamandu Costa se ha convertido en uno de los músicos más admirados de su país, con una propuesta que cruza la tradición brasileña —choro, bossa nova o samba— con las tradiciones argentinas y uruguayas —tango, milonga o zamba— recreadas a través de su singular guitarra de siete cuerdas.
Por su parte, el timplista Domingo Rodríguez Oramas "El Colorao" es un artista sobradamente conocidos en el panorama de la música popular de Canarias. La forma de rasguear y de tocar heredada de la tradición y depurada por sus estudios de guitarra aporta al majorero un estilo propio que patenta en sus numerosos trabajos discográficos y sus frecuentes colaboraciones con artistas y grupos señeros de la tradición popular de las islas.
Grabado en Lisboa (residencia actual de Yamandu), con 13 canciones instrumentales, el álbum cuenta con un repertorio ecléctico, que va desde lo clásico hasta lo popular, en una mezcla de idiomas. La obra es una celebración de la relación entre Canarias y América Latina, que estuvo fuertemente influenciada por el archipiélago y sus elementos musicales y culturales: hay canciones de Venezuela, Paraguay, Brasil y, por supuesto, de la tierra de Domingo El Colorao.
La creación del disco, que supone un hito importante en esta integración cultural entre las dos orillas del océano Atlántico, se produjo durante una pequeña gira de Yamandu por las Islas Canarias. Allí conoció a Domingo, iniciando esta asociación, que aparece en la serie documental Histórias do Violão. A este mágico encuentro hace referencia el último tema del disco, un poema escrito y recitado por José Marcos Hormiga Santana, quien da nombre al disco, "Vida y Vuelta": "...Suena el caso en el que dos intérpretes de la vida —Yamandu Costa y Domingo el Colorao—, rebasan la existencia de espacios, a la vuelta de imágenes sonoras. Dos sentires modulan instantes musitados a timple y guitarra, pulsan intervalos en los que el tiempo deja de existir, labran soplos de Vida y vuelta". Un caso ejemplar de música magnífica.
tracks list:
01. Lagrima
02. Boliviana
03. Vals Francés
04. Alma Llanera
05. Mazurca del Zurdo
06. Sons de Carrilhões
07. Natalia
08. Tango en Skï
09. Adiós a Ocumare
10. Pajaro Chogui
11. Mazurca Choro
12. Isa Parrandera
13. Vida y Vuelta (José Marcos Hormiga Santana)
Samb Sarabaa es nieta de uno de los músicos más reconocidos de Senegal, Samba Diabaré Samb. Influenciada por la pasión de su abuelo por la música, Aida Samb empezó a introducirse en este mundo a una edad muy temprana ya que con tan solo ocho años ya dirigía el coro del grupo de teatro de su colegio.
De esta forma, Aida fue creciendo como artista y participó en los coros de algunos de los músicos más distinguidos del continente africano como Youssou N´Dour, Kine Lam, Pape Diouf, Aby N´dour, Abu Thioubalo o Adiouza Assane Ndiaye. Con toda esa experiencia acumulada, Aida se atrevió a crear su propia banda y en 2012 editó su primer álbum Sarabaa. Con su lanzamiento en el mercado africano, fue aclamado por grandes artistas y tuvo una gran acogida en el público senegalés. Tras la edición de su disco Woyalama en 2017, es reconocida como la gran sensación de la música de Senegal con canciones que han arrasado en la escena musical africana, y sus ritmos están totalmente influenciados por sus raíces senegalesas. Su música es un reflejo del género musical más popular y tradicional de Senegal, el mbalax, cuyo nombre procede del wolof y significa "ritmo".
Su voz fuerte y profunda, y su energía contagiosa, es lo que hace que la música de Samb sea distintiva. Las dificultades y placeres de la vida cotidiana en Senegal, así como sus propias experiencias, sirven frecuentemente de inspiración para sus letras. Samb utiliza su música para dar voz al pueblo y sus canciones han adquirido el estatus de himnos para quienes desean defender y honrar su herencia cultural.
Con la publicación de su último trabajo Nangu (2023) bajo el sello de Prince Arts, la artista senegalesa vuelve a crear entusiasmo en su extensísima legión de fans del continente. Enfocado en la justicia social y el empoderamiento, el disco combina sonidos tradicionales y modernos con el mbalax. Aida Samb celebra la identidad y la cultura africanas y su música es un reflejo de los variados y coloridos sonidos de Senegal. Sus canciones nos harán bailar, sentir y reflexionar.
El quinto álbum de Aziza Brahim, Mawja (que en árabe hassaniya significa "ola") combina la percusión sahariana e ibérica con sutiles figuras de guitarra de blues del desierto y un bajo cálido que le proporciona su colaborador musical Guillem Aguilar. Las ondas del título pueden referirse a esos ritmos contrastantes y envolventes, o a las ondas de radio, las ondas del Atlántico, las olas de migración, exilio y reasentamiento que vivieron Brahim y su pueblo, y también las olas de la historia.
La voz de Brahim, imbuida de profundas emociones arraigadas en sus experiencias de crecer en los campamentos de refugiados/as saharauis, transmite temas de anhelo, lucha y amor. Mawja simboliza las ondas de la historia y el sonido, reflejando el viaje de Brahim desde su infancia inmersa en las transmisiones de la radio hasta sus viajes y su diáspora personal, dando forma a su evolución musical. "La música te permite enriquecer tus sonidos originales con otros que aprendes", dice Brahim. "Mawja refleja todo lo que me involucra".
A pesar de enfrentarse a desafíos personales, como la ansiedad, el Covid y la guerra en su tierra natal, Brahim encontró inspiración para Mawja, infundiéndole un espíritu de esperanza y exploración. Un año después, más malas noticias. "Mi abuela Ljadra falleció. Fue una poetisa muy importante de la revolución y la cultura saharaui", dice Brahim. "Las personas como ella son inmortales y su legado vivirá para siempre en la memoria de muchas personas. "Duaa" es una oración para honrar su memoria. La casa de mis abuelos se llamaba "la gran haima", donde ella era la gran matriarca. Es donde nací y crecí. Donde pudimos aprender a ser orgullosos, tenaces, a ser activistas. Primero en El Aaiún, luego en los campos de refugiados y hoy en Bucraa, en Argelia. La vida nunca ha sido fácil para el pueblo saharaui".
Vivir en Barcelona ha tenido un efecto en la música de Brahim. Refleja lo que ha ido asimilando de los sonidos ibéricos, especialmente los ritmos y la percusión. "Está la pandereta, la pandereta cuadrada, el almirez que se escucha en la música folclórica en todas partes de la península. Pero me mezclé con otros instrumentos de percusión africanos, e incluso de otros continentes. Hay una fusión en la raíz de cada canción".
Las fotografías del folleto del álbum muestran el desierto y los campos de refugiados/as, sirviendo como recordatorios emocionales del pasado y el presente de Brahim. A medida que navega a través de las olas de la historia y el sonido, Mawja se erige como un testimonio de la conexión duradera de Brahim con sus raíces y su compromiso inquebrantable con la narración de historias a través de la música.
El álbum Les Égarés es más que un disco. Es un espacio de juego habitado por dos dúos que durante años se han destacado en el arte de cruzar sonidos y trascender géneros. El formado por el icono de la kora Ballaké Sissoko y el chelista francés Vincent Ségal se ha hecho célebre por crear una original música de cámara, con elementos europeos y africanos, plasmada en los celebrados discos Chamber Music (2009) y Musique de Nuit (2015). Por su parte, el francés Émile Parisien se ha convertido, con sus saxos alto y soprano, en un adalid del jazz europeo, sin renunciar a incorporar a su lenguaje la tradición del folclore y el rigor de la música clásica contemporánea. Lo ha demostrado en numerosos discos, algunos de ellos a dúo con su paisano Vincent Peirani (acordeonista, arreglista y compositor) como Belle Époque (2014) o Abrazo (2020), ambos publicados por ACT.
La portada del debut del cuarteto, una acuarela de tintes impresionistas, representa a la perfección el contenido del disco, un sonido que parte del jazz para captar la esencia de varias músicas del mundo en un florido diálogo a cuatro voces instrumentales que se convierte en seductora música de cámara contemporánea.
Las piezas que lo abren y cierran, "Ta Nyé" y "Banja", son dos viejas melodías del repertorio mandinga de la kora a las que se desviste de su africanidad para dotarlas de un sentido minimalista y melancólico, además de insuflar un halo jazzístico cortesía del saxo y sin renunciar a las cascadas cristalinas del arpa de Sissoko, encargadas de llevar la melodía a sus orígenes.
En "Izao" el saxo soprano le da un aire armenio, en tanto que las alargadas notas del acordeón son como el ancla de fondo y a la vez el pulso sobre el que cabriolea la kora. Por su parte, "Amenhotep", con el chelo en modo pizzicato a la manera de contrabajo y los tonos agudos de un acordeón que parece una concertina, es como una meditación a la que el aporte del viento le insufla una gran calidez.
"Esperanza" es una adictiva y bailable versión de un tema del acordeonista Marc Perrone. "Orient Express" preserva la melodía del original de Joe Zawinul, pero prescindiendo de cualquier elemento electrificado y haciendo énfasis en el mood oriental gracias al magnífico trabajo del chelo y el saxo soprano.
El tema que da título al álbum, "La Chanson des Égarés" (égaré significa "perdido, extraviado o descarriado") refleja a la perfección un paisaje campestre lleno de languidez y parsimonia, en una pulsión perezosa dirigida por saxo y acordeón en diálogo con la kora. Partiendo de esta tonalidad, "Dou", introducida y sostenida por la kora, evoluciona en un vaivén en el que sobresale la preciosista y aérea melodía que dibuja el saxo mientras el acordeón lo dobla y se desmelena.
La misteriosa y ensoñadora "Nomad´s Sky" vuelve a mostrar una fragancia oriental, con el chelo de nuevo en modo de contrabajo, un acordeón a lo nocturno y el saxo soprano paseando por un mercado persa. Y el guiño a la agrupación Bumcello que supone la breve "Time Bum" preserva el swing del original, aunque mutando groove por brisa jazzística en un sonido tan inclasificable como adictivo.
Ni jazz, ni tradicional, ni de cámara, ni vanguardista, sino un poco de todo a la vez, Les Égarés es el tipo de álbum que hace del oído el rey de todos los instrumentos. Es una magia colectiva que, haciendo otro símil pictórico, permite catalogarlo de jardín musical de las delicias.
tracks list:
01. Ta Nyé
02. Izao
03. Amenhotep
04. Orient Express
05. La chanson des Égarés
06. Esperanza
07. Dou
08. Nomad´s Sky
09. Time Bum
10. Banja
De la nueva generación de voces masculinas de Portugal, destaca con estilo propio António Zambujo. Se dice que es el más brasileño de los cantantes portugueses en un plantel espectacular de fadistas (Camané, Pedro Montinho, Ricardo Costa Félix…). Su punto de partida ha sido el fado, cuando se le pregunta por sus primeras referencias cita nombres como los de la gran Amália Rodrigues y, a partir de ahí, a Maria Teresa de Noronha o Alfredo Marceneiro. A lo largo de su discografía ha ido avanzando en la búsqueda de un lenguaje musical distintivo que la crítica ha llegado a calificar de neofado, arropando y matizando sus piezas con elementos y referencias musicales transatlánticas con gran acierto. Prueba de ello fue lo que dejó escrito Caetano Veloso afirmando que "estremece y hasta hace llorar" el escucharlo, tal fue la impresión de Veloso como atento espectador en los conciertos que ofreció Zambujo cuando giró por ciudades brasileñas.
En su anterior trabajo de estudio, titulado de manera inequívoca Quinto (en referencia al número en su discografía y al que siguió un álbum en directo en Lisboa), se aproximó más aún a Brasil. Ahora, sus continuos viajes le llevan a expandirse musicalmente, además de Portugal y Brasil, por Francia (Serge Gainsbourg), Uruguay (Jorge Drexler) y el África lusófona. Le acompañan Ricardo Cruz (bajo portugués), Bernardo Couto (guitarra portuguesa), José Miguel Conde (clarinete bajo) y João Moreira (trompeta). El álbum se transforma en una calle típica de Lisboa por la que transita un viejo tranvía que hace de soporte musical con ecos lusos que se nutre magníficamente de la entrega, sensibilidad y calidez de una voz extraordinaria a la que resulta imposible escapar sin caer rendida a su encanto.
(Fuente: Los sonidos del Planeta Azul)
tracks list:
01. Fatalidade
02. Valsa do Vai não Vás
03. Pica do 7
04. Flinstones
05. Barata Tonta
06. Valsa de um pavão ciumento
07. Canção de Brazzaville
08. Despassarado
09. Zamba del Olvido
10. Último desejo
11. Pantomineiro
12. O Tiro Pela Culatra
13. Valsa Lisérgica
14. La chanson de Prévert
15. Viver de ouvido
A pesar de sus muchas similitudes estéticas, la música clásica india y la música clásica europea rara vez se han combinado y, generalmente, se ha hecho en meras yuxtaposiciones y no con una integración fluida. The Resonance Between presenta un nuevo y revolucionario nivel de fusión entre estos géneros culturales, creando un sonido instrumental contemporáneo para esta obra original única que es mucho más que la simple suma de sus partes.
El maestro del sarod Alam Khan y el aclamado sitarista Arjun K. Verma, expresando su búsqueda permanente de identidad a través de sus herencias india y euroamericana, compusieron la obra en colaboración con el distinguido pianista y compositor intercultural Jack Perla (respetado por sus distintivas combinaciones de jazz, improvisación, world music y música clásica), mezclando hábilmente el resonante esplendor de la tradición clásica india con las sensibilidades clásicas occidentales, agitando ingeniosamente las melodías raga indias en una combinación refinada y contemporánea. Del Sol Quartet, dirigido por el violista Charlton Lee, adopta un enfoque musical igualmente innovador. Líderes de la música de cámara del siglo XXI, se alejan ágilmente de la tradición europea de los cuartetos de cuerda para abrazar un espíritu contemporáneo e intercultural. En The Resonance Between, sus cuerdas complementan exquisitamente a los instrumentos indios, aportando una familiaridad accesible a los paisajes sonoros cinematográficos: majestuosos y cerebrales, pero emocionalmente expresivos, a veces edificantes y brillantes, otras atmosféricos y contemplativos. Sus interpretaciones combinan diversos estilos, desde los solos clásicos indios y el contrapunto beethoveniano hasta el ambiente textural moderno. La música transmite movimiento y aventura, suspense y expectación, desplegando su paleta de sonidos con delicadeza y gran fuerza.
A Khan, Verma y Del Sol Quartet se unen en la grabación algunos de los mejores jóvenes percusionistas de tabla del mundo: Ojas Adhiya, Ishaan Ghosh y Nilan Chaudhuri.
A pesar de su gran originalidad, The Resonance Between es también una digna continuación de las majestuosas tradiciones de la música clásica india en el mundo moderno. Alam Khan es nieto de Allauddin Khan, la leyenda musical que formó a los maestros de la música y embajadores culturales de la India del siglo XX Ali Akbar Khan y Ravi Shankar, ambos venerados por su asombroso virtuosismo clásico, así como por sus visionarias colaboraciones oriente-occidente. A su vez es hijo del respetadísimo Ali Akbar Khan, con quien estudió y realizó numerosas giras, y en cuyo afamado Ali Akbar College of Music de San Rafael imparte hoy clases a nivel avanzado. Realiza giras por todo el mundo, reconocido mundialmente como el verdadero heredero creativo de su padre y el rostro de una nueva generación de intérpretes de sarod de la tradición Maihar Gharana.
"Hacer esta música fue mi forma de rendir homenaje a las innovaciones de mi abuelo y mi padre, al tiempo que intentaba fomentarlas. Incorporar mi esfera de influencias musicales y mi naturaleza conceptual me permitió expresar ese mundo entre mundos", dice Khan. "Como músico multidisciplinar mestizo, crear a partir de este mundo entre mundos es mi forma de compartir mi identidad y mi educación única, tanto musical como culturalmente. Es de suma importancia transmitirlo a través de mis obras contemporáneas." Arjun K. Verma, hijo del estimado sitarista Roop Verma, empezó a estudiar sitar con su padre a los cinco años, y más tarde estudió con Ali Akbar Khan, en cuyo estilo Maihar Gharana de música clásica indostánica se basa su interpretación. Ha actuado en la ONU, en la televisión norteamericana y ha grabado con artistas que van desde la Orquesta Sinfónica de Londres a John Beasley, ganador del Grammy. Los extraordinarios linajes de Verma y Khan sentaron las bases tanto del rigor tradicional como de la innovación artística del proyecto The Resonance Between. The Resonance Between es una de las primeras obras musicales compuestas expresamente para la combinación de sarod, sitar, violín, viola, violonchelo y tabla, con los instrumentos entretejiendo un sonido elegante y sin fisuras. Mezclado y masterizado por Neil Godbole, el álbum equilibra ingeniosamente los sonidos de estos diversos instrumentos.
Verma comenta: "Tantos proyectos interculturales con instrumentos indios se basan en otros géneros, así que crear un álbum contemporáneo basado en la música clásica india es un sueño hecho realidad. Pero no teníamos muchos precedentes. Componer para cuarteto de cuerda junto con instrumentos indios nos abrió muchas posibilidades en cuanto a armonía y nuevas texturas, pero al mismo tiempo nos planteó el reto de explorar cómo hacer que cada instrumento brillara por sí mismo sin verse eclipsado por los demás. En última instancia, creo que descubrimos un montón de nuevos territorios musicales, y me emociona compartirlo con el mundo". The Resonance Between es un viaje conceptual de seis años de duración que explora las múltiples facetas de las emociones humanas más allá de la raza y la cultura, poniendo de manifiesto nuestros puntos en común a pesar de estar arraigados en mundos diferentes. La música de The Resonance Between, de intrincadas capas, avanza a través de distintos capítulos -reflejando etapas de la propia búsqueda de los compositores de lo que significa pertenecer a más de una cultura- y expresa la lucha por alcanzar un verdadero sentido de uno mismo.
Al final, independientemente de nuestros orígenes étnicos o culturales, todas y todos estamos conectados por la gama de emociones humanas que compartimos y por la resonancia de esas emociones entre nosotros/as. Este es el hilo que nos une y da forma a nuestra identidad: The Resonance Between. Con primorosas ilustraciones en acuarela y tinta del artista Matthew Gibbons. (Fuente: web oficial)
tracks list:
01. Awaken
02. Embark
03. Soliloquy
04. The Passage
05. Messenger
06. Two Worlds
07. Rebirth
08. Open Eyes
09. Ascent
10. The Moon and the Mountain
