La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Sílvia Pérez Cruz está considerada como una de las voces más talentosas de nuestro país y, sin duda, una de las más impresionantes de nuestro panorama artístico. Una mujer cuyo talento se ha impuesto sobre todo lo que ha tocado, ya fuera flamenco, folk, jazz, bossa, bolero o ranchera, en una discografía imponente. Por su parte, Salvador Sobral es uno de los artistas más singulares de la península, con una propuesta intimista que bebe -sobre todo- del jazz, pero también del pop y del folk. En Sílvia & Salvador unen sus voces y sellan su amistad, una magia bellísima y serena entre dos artistas que consiguen detener el tiempo con su música.
En el programa Culturas 2, Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral evocan qué sintieron la primera vez que escucharon cantar al otro. "Fue en un club de Lisboa antes de que fuera conocido, muy poca gente estábamos ahí, y recuerdo escuchar una voz muy hermosa de una persona muy comprometida con lo que cantaba", cuenta Pérez Cruz. "Él solo tenía la misma belleza que la melodía", añade.
Por su parte, Sobral explica que, cuando estaba estudiando música en Barcelona, fue a un concierto de Sílvia Pérez Cruz por su telonero (el cantante portugués António Zambujo) sin saber quién era ella en realidad: "Ya que estaba ahí, me quedé para el espectáculo principal y Sílvia me cambió la vida para siempre… La manera en la que entendía la música, de percibir como funciona, la emoción que transmitía y la libertad que tenía en el escenario fue lo que me enganchó totalmente a su discografía".
Fruto de esta profunda amistad y admiración mutua, este proyecto trasciende las fronteras lingüísticas y musicales. Trabajando en canciones de artistas cercanos como Jorge Drexler, Luísa Sobral (hermana de Salvador, a quien reivindican como una de las grandes compositoras de nuestro tiempo), Javier Galiana, Dora Morelenbaum y Carlos Monfort, Pérez Cruz y Sobral cantan en portugués, castellano, català, francés e inglés, con el acompañamiento de arreglos acústicos cuidadosamente elaborados para guitarra, cello, banjo y mandolina. Todos estos instrumentos se secundarizan para que sus voces se sigan fácilmente, sin esconderse. Sílvia & Salvador tiene un aire de disco de salón, íntimo y delicado, como si estuviéramos compartiendo una velada, repasando temas que evocan rancheras ("El corazón por delante"), chanson ("L'amour reprend ses droits"), cancioneros ("Hoje já não é tarde"), música religiosa clásica ("Recordarte") e influencias mediterráneas ("Muerte Chiquita"). O como "Ben poca cosa tens", canciones que simplemente documentan este emotivo diálogo musical, una unión perfecta y celestial. Un regalo para los oídos y el alma.
tracks list:
01. Recordarte
02. Ben poca cosa tens
03. El corazón por delante
04. Hoje já não é tarde
05. L'amour reprend ses droits
06. Someone To Sing Me To Sleep
07. Mudando os ventos
08. Muerte chiquita
09. Este presente
10. Minhas marcas
11. Tempus Fugit (Plor per Palestina)
Cancionera es el décimo álbum de estudio de la gran artista y cantautora mexicana Natalia Lafourcade. Para esta obra, Lafourcade presenta a su alter ego artístico: la cancionera. Una trovadora errante, una voz que recorre la noche con un aire de misterio, representando la dualidad: luz y sombra, tradición y transgresión, dulzura y rebeldía.
El álbum fue grabado en tomas completas, en vivo y completamente en cinta analógica durante un período de tres semanas (con 18 artistas tocando junto a Lafourcade en el estudio) con el objeto de capturar la espontaneidad y autenticidad de cada interpretación, evitando ediciones digitales y resaltando un proceso artesanal y colectivo.
La producción ha estado a cargo de la propia Lafourcade y Adán Jodorowsky, quienes ya habían colaborado en su anterior álbum De Todas las Flores (2022). El colectivo Soundwalk Collective aportó un diseño sonoro que integra sonidos naturales al paisaje musical del disco. Además, cada tema cobra vida también en imágenes, con videoclips que expanden el universo conceptual del proyecto y profundizan en su esencia poética.
Cancionera está compuesto por 14 temas, y se caracteriza por su diversidad estilística, incorporando géneros como bolero, ranchera, son jarocho, huapango, cumbia, tango, pregón, rumba y jazz. Esta amalgama de estilos refleja las raíces veracruzanas de Lafourcade y su capacidad para reinterpretar la música tradicional mexicana con una sensibilidad contemporánea, en un diálogo constante entre lo íntimo y lo colectivo. El álbum cuenta con colaboraciones de artistas como El David Aguilar, Israel Fernández, Diego del Morao, Hermanos Gutiérrez y Gordon Hamilton, enriqueciendo la obra con nuevas texturas y matices sonoros.
"No dejes de sorprenderme" es el hilo conductor de este viaje: una invitación a abrazar lo inesperado, a celebrar la belleza de la transformación y a reencontrarnos con esa voz interna que canta desde el corazón. Un disco sublime en su trayectoria.
tracks list
01. Apertura Cancionera
02. Cancionera
03. Cocos en la Playa
04. Como Quisiera Quererte (feat. El David Aguilar)
05. Amor Clandestino (feat. Israel Fernández)
06. Mascaritas de Cristal
07. El Coconito (feat. El David Aguilar)
08. El Palomo y La Negra
09. Cariñito de Acapulco
10. La Bruja (Versión Cancionera)
11. Luna Creciente (feat. Hermanos Gutiérrez)
12. Lágrimas Cancioneras
13. Amor Clandestino (Acústica) (feat. Israel Fernández y Diego del Morao)
14. Cancionera (Acústica)
Trio Da Kali se fundó en 2013 por iniciativa del Aga Khan Music Programme, con la ayuda de la productora musical Lucy Durán, saltando a la fama internacional con su sublime álbum Ladilikan (2017), que contó con una colaboración sin precedentes y galardonada de Kronos Quartet, el legendario cuarteto de cuerda clásico de San Francisco. Ocho años después, el grupo maliense publica por fin un álbum íntegramente en su nombre: Bagola, un trabajo que confirma a este trío como una de las formaciones más relevantes de la música mandinga contemporánea.
El resultado justifica con creces el tiempo transcurrido. Con un sonido acústico cristalino, obra del ingeniero Timothée Gumy y del productor artístico Javier Monteverde, el disco combina herencia, comentario social y una sorprendente capacidad de renovación dentro de los márgenes de la tradición griot.
El álbum se abre con "Bagola", pieza que da título al trabajo y que, sobre un ritmo vivo y contagioso, despliega una sátira sobre las relaciones de poder patriarcal en la sociedad maliense. Aquí la voz de Hawa Kasse Mady Diabaté (hija del legendario Kassé Mady Diabaté), que se distingue por su pureza y expresividad exquisita, brilla con un magnetismo que oscila entre la dulzura y la firmeza, acompañada por el balafón hipnótico de Lassana Diabaté y la base grave y cálida del ngoniba de Madou Kouyaté. La ironía de la letra contrasta con la vitalidad instrumental, ejemplo perfecto de cómo la tradición oral puede actualizarse sin perder fuerza comunicativa.
Entre los momentos más conmovedores destacan "Dadunkan", reflexión sobre el destino y la aceptación de lo inevitable, y "Orpaillage", una denuncia poética de la devastación ambiental causada por la minería del oro en Mali, Guinea y Senegal. También sobresale "Cela Sigui", que aborda las implicaciones sociales de los matrimonios concertados, y "Tulunke", composición de Lucy Durán que rescata el carácter lúdico de los cantos femeninos rurales, con un aire casi afrocubano.
El bloque central del disco se completa con piezas de fuerte carga simbólica: "Wara", dedicada a la danza femenina; "Nana Triban", homenaje a una de las grandes heroínas de la épica mandinga, o "Fakoly", que evoca al guerrero del mismo nombre, clave en la fundación del imperio de Mali en el siglo XIII. En "Latege" el trío se repliega hacia un clima introspectivo, invitando a la paciencia y al respeto mutuo. El cierre llega con "Deme", grabación más antigua, que recupera el ambiente festivo de los bautizos y bodas urbanas, con palmas y coros que expanden el carácter comunitario del álbum.
El equilibrio instrumental es otro de los grandes logros de Bagola. El balafón cromático de Lassana Diabaté (heredero de una tradición guineana que él mismo ha llevado a colaboraciones con la Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté o el proyecto Afrocubism) aporta una paleta de timbres capaz de sostener melodía, ritmo y armonía al mismo tiempo. El ngoniba de Madou Kouyaté, hijo del virtuoso Bassekou Kouyaté y miembro del grupo Ngoni Ba, añade profundidad armónica y refuerza la rítmica. Y sobre todo ello, la voz de Hawa se erige como un instrumento emocional de primera magnitud, comparable por su fuerza expresiva a la de las grandes cantantes de la tradición soul. La producción de Lucy Durán, etnomusicóloga de referencia en la música de África occidental, resulta fundamental: ha sabido preservar el carácter acústico del trío, evitando excesos y dejando que las canciones respiren con naturalidad. Bagola no es solo un disco de canciones: es un manifiesto sobre cómo la música griot sigue viva, capaz de iluminar los grandes dilemas sociales, ecológicos y humanos de nuestro tiempo. Un álbum que celebra la herencia, pero no se conforma con custodiarla, sino que la reinventa con elegancia, rigor y emoción. Un trabajo imprescindible, que confirma a Trio Da Kali como uno de los grandes referentes actuales de la música de África occidental.
Constantinople, conjunto asentado en Montreal, une su talento con la virtuosa noruega del violín Hardanger Benedicte Maurseth para explorar el encuentro entre las tradiciones musicales persa y nórdica en Nordic Lights in Persian Sky. Lanzado en 2025 por el sello Glossa, el álbum presenta una primorosa mezcla de melodías modales, una accesible interacción improvisada e influencias poéticas. Encontraremos interpretaciones sublimes con hilos de melodías persas y nórdicas entrelazadas, magistrales solos de setar y violín, magníficas voces y una percusión fascinante y llena de matices.
Liderado por Kiya Tabassian, maestro del setar y colaborador frecuente de diversas tradiciones internacionales, Constantinople continúa su misión de diálogo musical intercultural. Para este proyecto, Tabassian, Maurseth y el veterano percusionista Patrick Graham combinan sonidos clásicos con sensibilidades modernas. El enfoque compartido del trío en la naturaleza, el fraseo modal y la improvisación constituye la base de su colaboración.
Grabado en una antigua iglesia de Strandebarm, Hardanger, el álbum surgió de un encuentro musical en Berlín en 2022. Sin un repertorio predefinido, el trío descubrió una afinidad natural entre sus tradiciones. Según Maurseth, el diálogo resultante fue tan intuitivo como hablar un idioma compartido, anclado en formas centenarias, pero guiado por el momento presente.
A lo largo de este álbum de doce canciones, hermosas melodías tradicionales de Hardanger y Setesdal se fusionan con espléndidas composiciones basadas en el radif persa, junto con obras originales de Maurseth y Tabassian, con poemas de Nima Youshij y Rumi. El álbum concluye con "Nordic Dreams", una dulce canción de cuna que resume el tono introspectivo del proyecto.
Constantinople, fundado en 1998 por Kiya Tabassian, es reconocido internacionalmente por sus proyectos interculturales que abarcan manuscritos medievales, sonidos mediterráneos y tradiciones no occidentales. El conjunto ha publicado más de 20 álbumes y se ha presentado en más de 290 ciudades de 57 países. En 2024, recibió el Premio JUNO al Mejor Álbum de Música Clásica. Kiya Tabassian, nacido en Irán y residente en Montreal, es reconocido por su innovadora obra como compositor, intérprete y educador. Su liderazgo artístico incluye colaboraciones con el Atlas Ensemble y el Banff Centre for Arts and Creativity, además de ser cofundador del Centre des musiciens du monde de Montreal. Benedicte Maurseth es una destacada violinista, compositora y escritora noruega, conocida por su profunda conexión con la tradición del violín Hardanger, fruto de casi tres décadas de estudio con el maestro Knut Hamre. Ha publicado grabaciones premiadas en ECM y Hubro, compuestas para cine y teatro, y recibió el Premio de Música Nórdica 2022 por su álbum Hárr. Patrick Graham, versátil percusionista, aporta una perspectiva global basada en estudios sobre las tradiciones de percusión del Mediterráneo, Oriente Medio, la India y Japón. Su interpretación, llena de matices e imaginativa, complementa la amplia paleta musical del conjunto. Nordic Lights in Persian Sky supone presenciar una íntima comunión artística, como la contemplación compartida del mismo cielo magníficamente estrellado, disfrutado simultáneamente en algún lugar de los montes Zagros y en un fiordo cerca de Oslo. Un álbum de exquisita poesía intercultural.
tracks list:
01. And the Glacier Answers Quietly
02. Vetla jento mi
03. Dance of the Wind
04. Huldreslåttar
05. Dâya Dâya & Brureslått
06. Moonlight – Mahtâb
07. Den 4. Gorrlausen
08. Shooting Stars in the Wide Sky
09. Timeturning & Along with the Breeze
10. Summer Solstice
11. Bâz Âmadam
12. Nordic Dreams
En 2025, año en que Cabo Verde celebra su 50º aniversario de independencia, el artista caboverdiano Mário Lúcio lanza Independance, un álbum que celebra este cambio trascendental en el África lusófona. Cantante, guitarrista, compositor, poeta, escritor, pensador e, incluso, exministro de Cultura, Mário Lúcio es una de las mayores influencias intelectuales, políticas y culturales de Cabo Verde. Un referente de la creolización, la obra del artista es un homenaje sensible y apasionado al intercambio racial que ha forjado la cultura de su país.
En este sentido, los elementos detrás de su sonido no son de fusión sino de síntesis, de confluencia. Aunque su música convoca ritmos como el batuque, la morna o la funaná, estos aparecen deconstruidos y reconfigurados en un lenguaje propio, que escapa a las etiquetas.
El título de su séptimo álbum, Independance, contiene "dança", un juego de palabras que hace referencia a las danzas de los años 70 y 80, donde la juventud caboverdiana descubrió el continente africano a través de la música de Angola, Senegal, Sudáfrica, Guinea, Congo o Nigeria. Una celebración sonora y corporal para la que Mário Lúcio rescata estas memorias musicales y crea nuevas composiciones en los estilos de esa época, entrelazando elementos de afrobeat, soukouss y rumba.
Más que un álbum para evocar, es un trabajo que tiene como objetivo hacer bailar, recordar y reconocer las raíces sonoras que alimentaron los sueños de emancipación y libertad. Un trabajo que intenta reflejar que la música, como lenguaje común, se puede convertir en un medio de exportación de identidad y una herramienta de proyección simbólica.
tracks list:
01. Independance
02. Sabón
03. Maka Maka
04. Rabidante
05. Mati Mati
06. Codé
07. Nha Bio
08. Fidjo Grande
09. Ami Xintadu (feat. Manu Dibango)
Cincuenta años de carrera hacen de Goran Bregović una personalidad que necesita poca presentación. Es el compositor, músico, letrista, arreglista y productor que más influencia tiene, dentro de la escena musical de los Balcanes, en todo el mundo.
Durante quince años fue estrella de la banda Bijelo Dugme, la más popular e influyente que ha surgido en los Balcanes. Instalado en la capital francesa después de la guerra, comenzó a componer música para películas, llegando a trabajar en doce films (varios de ellos Palma de Oro en Cannes) principalmente para el director de cine serbio Emir Kusturica ("Les Temps des Gitans", "Arizona Dream" y "Underground"), el bosnio Ademir Kenović ("Kuduz"), Patrice Chéreau ("La Reine Margot ") y el rumano Radu Mihăileanu ("Train de Vie").
Después de tanto tiempo, para Bregović subirse a un escenario es mucho más que un trabajo, es la vida misma. En 1997 regresó a las giras, después de un tiempo de descanso, con su Orchestra for Weddings and Funerals, a la que sumó un percusionista-vocalista y un conjunto de voces búlgaras a las que con frecuencia juntaba a un sexteto vocal masculino y un cuarteto de cuerda. Un ejemplo del resultado es el estupendo Alkohol, Šljivovica & Champagne (2009). Entre medias, como muestra de su prolífica carrera, Kayah i Bregović (1999), con la exquisita cantante polaca Kayah.
Su último proyecto, The Belly Button Of The World (2023), es una interpretación musical del sincretismo entre tres religiones monoteístas. Aunque los dogmas a veces puedan parecer incompatibles, el cristianismo, el judaísmo y el islam pueden unirse en diversos parajes gracias a sus creencias en la solidaridad y la paz.
El título del proyecto, preparado durante la pandemia, sugiere una exploración de cómo se conectan las diferentes culturas y sus historias, como caminos a través de la tierra, similar al concepto de líneas de canciones. Queriendo proporcionar evidencia de la historia de interacción, tolerancia y unidad entre estas tres religiones, para el álbum Goran Bregović ha compuesto y producido cinco obras, escritas para tres violines solistas, una orquesta sinfónica, un sexteto vocal masculino y su Weddings and Funerals Band (voces búlgaras, metales y percusiones), bajo la dirección de Ognjan Radivojević. Tres son cuentos líricos basados en las liturgias cristiana, judía y musulmana interpretados por violinistas: Mirjana Nesković (Serbia), Gershon Leiserson (Israel) y Zied Zouari (Túnez).
Bregović regresa con un sorprendente giro al ecumenismo con la religión como fondo, destacando la interconexión de las experiencias humanas y proclamando su deseo de convivencia pacífica, hoy más necesario que nunca en los tiempos tan reaccionarios que acontecen.
Piers Faccini es italo británico y proviene del folk poético; Ballaké Sissoko, de Malí, es uno de los grandes maestros de la kora. Dos décadas después de su primera colaboración, vuelven a unir culturas y tradiciones en un disco acariciante: Our Calling. Este fascinante diálogo, entre un virtuoso instrumentista en la cima de sus facultades y un compositor inspirado, consigue crear nuevas formas de canción con una ligereza que tiende puentes entre continentes y juega con la tradición.
Las semillas de Our Calling se plantaron cuando Sissoko y Faccini se conocieron por primera vez en el sello Label Bleu a principios de la década de 2000, y cimentaron una amistad que se ha ido alimentando con el paso de los años. Ambos conectan y experimentan con nuevas formas de combinar las tradiciones mandingas y las canciones folk británicas y mediterráneas. Sissoko colaboró en el segundo álbum en solitario de Faccini, Tearing Sky, en 2006. En 2020, su colaboración encontró una nueva inspiración bajo el estandarte del sello Nø Førmat!, cuando Sissoko invitó a Faccini a cantar "Kadidja" en lengua bambara en su aclamado álbum Djourou, y más tarde con el sencillo "The Fire Inside", una química que confirmó su visión compartida de realizar un primer álbum a dúo.
A través de diez pistas exquisitamente elaboradas, Our Calling es un canto sonoro y narrativo de alabanza a la migración en todas sus formas: ya sea a través de la naturaleza, como semilla transportada por el viento o por aves como el ruiseñor (que viaja entre África Occidental y Europa con el cambio de las estaciones) o a través de los seres humanos, a lo largo de los siglos y a lo largo de caminos y rutas, compartiendo modos y ritmos musicales. El diálogo acústico de los dos amigos se grabó en París, en directo y codo a codo en el estudio, durante cinco días. La originalidad del álbum radica en que su esencia musical es profundamente maliense, pero está impregnada de la esencia del folk cantado en inglés.
Grabado por Frédéric Soulard, el álbum reúne a un extraordinario elenco de músicos, entre ellos Vincent Segal al cello, Badjé Tounkara al ngoni y Malik Ziad al guembri. Un trabajo delicioso en el que la voz de Faccini va fluyendo con sedosidad, mientras la magia de Ballaké se va prodigando con gran sapiencia. Un encuentro de culturas y tradiciones que amplía toda noción previa que se tenga acerca de las posibilidades del folk contemporáneo.
tracks list:
01. One half of a dream
02. I Wanted To Belong
03. If Nothing Is Real
04. Mournful Moon
05. Ninna Nanna
06. Borne on the wind
07. Go Where Your Eyes
08. Shadows Are
09. North And South
10. By your hand
JAWA es un grupo musical dedicado a preservar y reinterpretar el patrimonio musical sufí de Alepo, una tradición de gran profundidad espiritual y artística que se ha visto amenazada por la guerra en Siria. La rica tradición musical sufí se ha transmitido oralmente en Alepo durante décadas. En la actualidad, los maestros sufíes que custodiaban los secretos de esta tradición musical están desapareciendo poco a poco, lo que supone una amenaza para la supervivencia de este valioso legado musical.
Como guardianes de este rico patrimonio cultural, JAWA ofrece una visión contemporánea al introducir instrumentos en un repertorio que históricamente se ha interpretado a capela. Más que una representación, se trata de un acto de resistencia cultural y continuidad espiritual que preserva una frágil tradición y la hace resonar de nuevo a través de fronteras y generaciones. Con una cuidada selección de piezas, interpretadas por un experto conjunto de músicos de Siria, Bélgica, Palestina y Marruecos, JAWA presenta las piezas musicales tradicionales desde su perspectiva personal, al tiempo que preserva la forma clásica de interpretar el muwashahat sufí, con sus ritmos complejos y sus maqams orientales.
Enraizados en la filosofía sufí, que considera que la música y el ritual guían el alma hacia la unidad divina, los músicos de JAWA van acompañados por los giros de un derviche Mevlevi. El giro sufí es una práctica de meditación habitual mediante la cual los derviches aspiran a alcanzar la fuente de toda perfección. Para conseguirlo, deben dejar atrás el nafs (los deseos personales), prestar atención a la música, centrarse en Dios y hacer girar el cuerpo en círculos repetitivos, lo que se ha considerado una imitación simbólica de los planetas del Sistema Solar orbitando alrededor del Sol. Un derviche practica múltiples rituales, siendo el más importante el dhikr, que consiste en la recitación de oraciones acompañado de danzas y giros con el fin de alcanzar un estado de trance extático.
Last Breaths from Aleppo está dividido en cinco waslas, una serie de piezas en un maqam (modo melódico) que se suceden en forma y velocidad. El maqam da nombre a cada wasla. Cada wasla comienza con una improvisación de uno de los músicos, que ofrece su visión del maqam. De este modo, prepara al cantante para la interpretación a través del sonido de su instrumento.
Después viene el muhawash/moshar (del siríaco musrata, ritmo o himno), una forma musical caracterizada por ritmos largos y complejos, en los que el cantante puede mostrar su dominio del maqam. A continuación, el quodud, que consiste en unir palabras en una melodía familiar o viceversa, con un ritmo y una estructura más sencillos. Las piezas se suceden en la misma wasla según la velocidad y la dinámica, pasando de las más lentas a las más rápidas, de las más complejas a las más sencillas y de las más largas a las más cortas. Marcan el paso de la tristeza a la alegría, de la tierra al cielo, donde el alma abandona el cuerpo y emprende el vuelo hacia el Creador, según el gran Mevlana Yalal al-Din Muhammad Rumi, maestro de la cofradía Mevlevi.
En definitiva, un riquísimo trabajo en el que participan Khaled Alhafez con la voz; Yousef Zayed con el ud; Youssef Nassif con el qanun; Tammam Alramadan al ney; Marwan Fakir en el violín, Simon Leleux a la percusión, y el derviche Hatim Aljamel.
Desde su aparición en el programa belga The Voice a los 18 años, Lubiana Kepaou enamoró al público con su voz cautivadora y su radiante personalidad. Esta cantautora belga-camerunesa ahora transmite las notas de su corazón a través de un instrumento icónico: la kora, el arpa tradicional de África Occidental. Tres años después de su primer álbum, Beloved (2021), regresa con Terre Rouge, una segunda obra que explora aún más sus raíces africanas y expresa su búsqueda de identidad.
En Terre Rouge, Lubiana canta una sincera oda a África, su tierra originaria. Se adentra en un universo que mezcla pop nómada, influencias del R&B y música tradicional africana, en un álbum que celebra tanto su mestizaje como su redescubrimiento de la africanidad. En la portada, una foto de su infancia en Camerún relata los recuerdos de esta tierra color ladrillo donde pasaba sus vacaciones de verano. Fue allí, entre las cabañas del pueblo de Bangoua, en la región de Bamiléké, donde Lubiana, nieta de arquitectos, ya descubría la riqueza y la belleza de la naturaleza africana.
Para la artista, la kora es mucho más que un simple instrumento; representa una profunda conexión con sus raíces y la herencia de los griots africanos. Descubrió esta arpa mandinga por casualidad durante un viaje a Mallorca, donde los sonidos cristalinos de un intérprete de kora la cautivaron al instante. Desde entonces, este instrumento nunca la ha abandonado y se ha convertido en una auténtica embajadora, tocando junto a maestros como Ablaye Cissoko y el fallecido Toumani Diabaté, quien la acompaña en uno de los temas de su álbum.
En su álbum, Lubiana rinde homenaje a las mujeres africanas, figuras de resiliencia y valentía, a través de canciones como "Farafina Mousso". Inspirada en historias conmovedoras, como el documental Ruanda: El Silencio de las Palabras, sobre mujeres violadas durante el genocidio, colabora con el autor y rapero franco-ruandés Gaël Faye. Juntxs, celebran a las mujeres africanas y su fuerza, un compromiso que se refleja en la profundidad de sus letras y la fuerza de sus melodías.
Lubiana, cuyo nombre significa "amada", navega entre dos mundos: el de sus orígenes cameruneses y el de sus influencias europeas. Expresa esta dualidad a través de una letra conmovedora: "Soy la mujer blanca / estilo africano". En Terre Rouge, intenta encontrar su lugar, entre la pertenencia y la no pertenencia, e invita a la persona oyente a compartir este viaje hacia una identidad plural. Este álbum, fruto de varios años de desarrollo personal y musical, da testimonio de su madurez artística y su amor por un continente que continúa redescubriendo.
Para crear este álbum, Lubiana se rodeó de artistas talentosos, como el celista y percusionista Pierre "titi" Dufour, el multiinstrumentista Christophe "Disco" Minck, el percusionista de Costa de Marfil Adama Dembele, y el reconocido productor Clément Ducol, con quienes crea un universo musical rico y multicultural, donde cada canción es una invitación a viajar y descubrir la diversidad de África. Terre Rouge es un álbum tejido con voces y cuerdas, que resuena como una canción de amor, resiliencia y orgullo.
El grupo pionero de fusión gaélico-africana Afro Celt Sound System hace su debut discográfico en Six Degrees Records con OVA, el octavo álbum de estudio del grupo y el último con su fundador al frente, el productor y guitarrista Simon Emmerson, que falleció de cáncer pocos meses antes del lanzamiento del trabajo. Como tal, esta grabación es a la vez homenaje y legado del músico visionario e innovador y amante de la naturaleza druídica que lanzó la banda europea/africana en 1991.
El título del álbum OVA es el nombre del símbolo que aparece en el logotipo de la banda y que ha estado presente en las portadas de sus álbumes desde su debut en 1996 con Sound Magic. Fue diseñado por un amigo de Simon Emmerson de la época punk londinense: el también recientemente fallecido diseñador gráfico británico Jamie Reid, famoso por sus diseños de álbumes para Sex Pistols. Ambos compartían historias familiares sobre creencias druídicas y estancias en la naturaleza, y eran bardos honorarios de la Orden de Bardos, Ovates y Druidas. Reid creó el símbolo OVA superponiendo las letras O, V y A para deletrear "huevo", en referencia a la creación y la regeneración. Para Emmerson, representaba a la perfección las innovaciones sónicas que imaginaba con su grupo.
El álbum comienza con un paisaje sonoro místico y etéreo, salpicado de cantos de pájaros que parecen surgir de las brumas primigenias de Inglaterra. Este comienzo, que parece de otro mundo, da paso a un impulso creciente de potentes tambores, una kora delicada, sutiles sonidos electrónicos y cantos a varias voces, a medida que el álbum se desarrolla con gran viveza y una enorme sensación de espacio.
En OVA, a los miembros originales de la banda, N'Faly Kouyate (voz, kora, balafón y calabash) y Johnny Kalsi (tambor dhol y tabla), se unen la cantante y flautista irlandesa afincada en Manchester, Ríoghnach Connolly, y una serie de músicos de lujo: Robbie Harris (bodhran), Ewen Henderson (violín) y Simon "Mass" Massey (programación, teclados y electrónica), que también ha coproducido el álbum con Emerson. En "AM" vuelve a aparecer el cantante gaélico de la formación original del grupo, Iarla Ó Lionáird; el compositor John Metcalfe contribuye con arreglos corales. En "The Mantra" se unen al grupo el bajista y productor Richard Evans y el batería Ged Lynch, ambos de la banda de gira de Peter Gabriel. En todo momento, la presencia de Simon Emmerson es inconfundible, tanto en las interpretaciones, grabadas en varios estudios (incluida su propia casa), como en el espíritu y la pasión por la música que tanto amaba. Su singular visión perdura en cada fascinante atmósfera por capas, en cada emocionante canción, en cada conmovedor paisaje sonoro etéreo.
N’Faly Kouyate describe, de forma elocuente, el trabajo de lo que sería el último proyecto de Emmerson: "...Para dar a este álbum su auténtica esencia afrocelta, fuimos incluso a Guinea, a la fuente, para que cantaran los griots, con sus voces ancestrales que aportan una profundidad y una verdad incomparables. OVA es mucho más que una mera colección de canciones; es una obra viva, un testimonio de nuestro compromiso artístico y de nuestra lucha por causas cercanas a nuestros corazones. Refleja una aventura humana y artística única, una simbiosis de nuestras inspiraciones y nuestra pasión compartida. Este álbum encarna nuestro sueño común de fusionar nuestras culturas a través de la música, creando así un puente entre mundos, llevado por el amor, la creatividad y un profundo respeto por nuestras respectivas tradiciones". OVA es un álbum que demuestra la maestría del grupo en la creación de un puente entre culturas a través de la música. Es una obra que invita a la reflexión, al baile y a la apreciación de la diversidad cultural, consolidándose como una pieza fundamental en la discografía del grupo y en la música contemporánea de fusión.
tracks list:
01. The Hawk Owl´s Lament
02. The Mantra
03. Magical Love
04. N’Faly Foil
05. La Paix
06. Radio Ronza
07. Brid Bhan
08. AM
09. Bâdji kan waly
10. Glitchy Fiddles
11. The Lockdown Reel
Compositora, música, productora, artista visual y activista, Asanda Lusaseni Mvana, Msaki, forma parte de la nueva ola de soul electrónico africano. Su visión y expresión son siempre multidimensionales. También es una de las artistas que vienen a la mente cuando se habla de música "indie" en Sudáfrica. En cuanto a su sonido, su EP debut Nal'ithemba (2013) y su posterior álbum, Zaneliza: How the Water Moves (2016), se inscribían en una línea acústica.
En el espacio en el que se mueve Msaki, tras los dulces arreglos y la suave guitarra, ser indie es una lucha. Una lucha por tener voz, por mantenerse a flote financieramente, por tener una representación decente. En parte por eso fundó ALTBLK>> que, como señala la propia artista, "significa Alternative Black, y esa flechita es por continua, simplemente retomando el concepto de 'a luta continua'", un espacio creativo que ofrece apoyo personalizado a artistas independientes y alternativos.
Sin embargo, esto no significa que Msaki se sienta cómoda en un lugar "alternativo", le cuesta lidiar con etiquetas. De hecho, cuando lanzó el tema house puro "Fetch Your Life" con Prince Kaybee en 2019, Msaki se volvió tan popular como se puede, ganando el premio a la Grabación House del Año en los Dance Music Awards de Sudáfrica.
La artista empezó a gestar Platinumb Heart tras la masacre de 34 mineros en Marikana a manos de la policía sudafricana. "El platino es el mineral, pero añadí la 'b' para referirme al estado de entumecimiento emocional, insensibilidad, frío, desagradable", explica Msaki. "La primera canción que escribí para el álbum fue 'Blood Guns and Revolution'. Fue entonces cuando supe que probablemente sería un álbum de protesta. Hacía referencia a lo ocurrido en las minas de platino de Marikana, donde a los mineros los fusilaban por un salario mínimo. Esto dio origen a una serie de otras canciones de protesta: 'At Stake', 'Statues'… Otras canciones que simplemente procesaban mi rabia, mi decepción con este país".
Su poderosa voz, sus letras conmovedoras y su creatividad desenfrenada se plasman en Platinumb Heart, editado en 2021, una propuesta impactante con dos facetas: una acústica y otra electrónica. La gama de contenidos que explora es igualmente diversa, abarcando temas profundamente personales, canciones de protesta y amor junto con canciones que intentan mostrar la belleza de la Sudáfrica contemporánea. Platinumb Heart Open fue producido por Neo Muyanga y Msaki. Platinumb Heart Beating se centra en la música electrónica mezclada con elementos afro house y afro tech. A diferencia de Open, el álbum cuenta con varios productores como Sun-El Musician, Kabza De Small, Kenza y Black Coffee. Platinumb Heart Open ganó el Best Alternative Album en los Clout Africa Awards de 2022. En la 28ª edición de los South African Music Awards, Platinumb Heart Open ganó dos premios a la Artista Femenina del Año, el Best Contemporary Album of the Year, nominado al Best Produced Album of the Year, y a la Mejor Colaboración ("No Rainbow" con Da Capo).
Un trabajo ideal para una escucha profunda y reflexiva.
Platinumb Heart Open
01. Umsindo (featuring Alie-Keys)
02. Delta Love
03. Hold Me Down (featuring TRESOR)
04. How Many Bloody Buffalo Bulls
05. Bloods Guns and Revolutions
06. Hymn 121 (featuring Bulelwa Siliziwe Lusaseni)
07. Fetch You Life II
08. Enough
09. Catalyst
10. Six Billion Thousand Hundred Leventeen
11. Anisixabisanga (featuring The Brother Move On)
12. Six Billion Thousand Hundred and Twelve
13. Statues
14. At Stake (featuring Thesis ZA)
15. Mandiphefumle
16. Born in a Taxi
17. Tiram
18. White Shadow (with Beatenberg)
Platinumb Heart Beat
01. Kuja Utanipata (with Sun-El Musician)
02. Nangomso (featuring Simmy)
03. Come Around (featuring Kenza & Mpho.Wav)
04. Mjolo for Who (featuring Abidoza)
05. Tomorrow Silver (with Sun-El Musician featuring Diplo)
06. Ndizincamile (featuring Laliboi)
07. Uthando Lwam (featuring Black Coffee)
08. Heart Mend Hotel (featuring Nonku Phiri)
09. Mntakababa (with Kabza De Small & Focalistic)
10. Boy from Shoshanguve (with Black Motion)
11. Fika Kaloko (with Kabza De Small)
12. Pearls To Swine (featuring TRESOR & Kid X)
13. Delakufa (with Oskido)
14. Statues II (featuring Da Capo & Black Motion)
15. Chem Trails (featuring Caiiro)
16. No Rainbow (with Da Capo)
17. Steam and Flow (with TRESOR)
18. Mhlaba Wakhala (featuring Nonku Phiri)
Cada nuevo álbum de Lo'Jo siempre sorprende y deleita. Se respira expectación, preguntándonos dónde habrán estado en sus viajes musicales y qué habrán traído consigo. Esa belleza de lo nuevo se complementa cuidadosamente con un sonido deliciosamente suyo, construido alrededor del áspero sprechgesang de Denis Péan, mezclado con las brillantes armonías sororales de las hermanas Nadia y Yamina Nid El Mourid (que también es la percusionista y consumada intérprete de kamele n'goni). Junto con el violinista Richard Bourreau y el bajista Alex Cochennec, forman el núcleo de la banda.
La perspectiva global de Lo'Jo sobre la música siempre ha abrazado abiertamente una variedad de estilos y sonidos internacionales, un ecléctico y amplio tapiz musical con toques de jazz, folk, géneros balcánicos y mediterráneos que se combinan a la perfección con influencias africanas y de Oriente Medio que siguen presentes en sus lanzamientos.
Feuilles Fauves es su decimoctavo lanzamiento de larga duración. A lo largo de cuatro décadas han creado y perfeccionado algo único, cuyos arreglos evolucionan desde las exploraciones iniciales descuidadas hasta algo complejo y, a veces, incluso exuberante, como en "La Kolèr", sin olvidar nunca la simplicidad de una melodía que se encuentra en el corazón de todo. Varios colaboradores aportan su talento a Feuilles Fauves, incluyendo a los versátiles productores y músicos Clément Petit y Alexandre Finkin, quienes se encargan de la instrumentación adicional del álbum y colaboran en la producción del proyecto. Entre los invitados del álbum se encuentran el músico congoleño Jupiter Bokondji y su banda Okwess, el acordeonista René Lacaille y la cantautora y guitarrista canadiense-haitiana Mélissa Laveaux, quien aparece en el tema "Julie", que captura este mágico y encantador paisaje sonoro.
Eso significa pasar del majestuoso tema de apertura "Mandiego", al curiosamente serpenteante "Aswar", apuntalado por un sintetizador de bajo melancólico mientras toques del Magreb flotan en la parte superior, y luego a "Josephine", con sus tentadoras cuerdas pizzicato. Feuilles Fauves es una aventura llena de sorpresas en cada rincón. Esa es la alegría de Lo'Jo, y que continúe así por mucho tiempo.
Novalima son el grupo pionero de la nueva fusión del sonido electrónico-afroperuano. Más de veinte años después de su fundación, el colectivo sigue planteándose nuevas rutas de exploración en su permanente fascinación por los quiebres de la música afroperuana. A través de Six Degrees Records han editado La Danza (Deluxe Version), que reune sus La Danza Pt. 1 y La Danza Pt. 2, junto con tres temas nuevos y un extra especial: una versión única de la icónica canción "Exodus" de Bob Marley.
Los dos EP originales fueron elogiados por la prensa internacional, encabezando listas de éxitos en las categorías latina y world. Ahora, la versión Deluxe amplía este éxito, ofreciendo una experiencia auditiva completa que muestra el sonido afroperuano innovador de Novalima. Nuevos temas como el meditativo "Camino al Ketoke", el fascinante "Viajo con La Luna" y el conmovedor "Alma", con la legendaria Rosita Guzmán como vocalista, aportan una energía fresca y estimulante al álbum.
A través de La Danza (Deluxe Version), Novalima continúa innovando al colaborar con una nueva generación de artistas y fusionar sonidos globales contemporáneos con sus raíces afroperuanas. El álbum sirve como un puente entre los ritmos africanos tradicionales y los paisajes musicales modernos, desde el dub y el reggae hasta los ritmos electrónicos. Temas como "Soy Palenque" (con la MC peruana de rap y reggae Karolinativa y el dúo de dub jazz mexicano Man After Man) y "Mil Noches" (con la mexicana Pahua) resaltan la capacidad de Novalima para crear música que está profundamente arraigada en la cultura.
Al reflexionar sobre el lanzamiento, la banda afirma: "Durante más de 20 años, hemos estado exportando la cultura peruana a través de nuestra música, colaborando con artistas inspiradores y creciendo artísticamente con cada proyecto. Con la versión Deluxe de La Danza, nuestro objetivo es seguir difundiendo nuestro sonido a audiencias más jóvenes y unir a las personas a través de la emocionante experiencia de nuestras presentaciones en vivo".
tracks list:
01. La Danza
02. Sanandome (feat. Eka Gordom & La Mamba)
03. Soy Palenque (feat. Karolinativa & Man After Man)
04. Camino Al Ketoke
05. El Tiempo (feat. Dom La Nena)
06. Canto Del Agua (feat. Hit La Rosa)
07. Pura (feat. La Dame Blanche)
08. Viajo Con La Luna
09. Amanecer
10. Aqui Ahora (feat. Pablo Watussi)
11. Mil Noches (feat. Pahua)
12. Alma
13. Hatajo (feat. La Mamba & Miki González)
14. Nacion
15. Exodus (Bonus Track)
Portuguesa es el sexto álbum de estudio de Carminho, Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade, un total de 14 canciones que son una profunda reflexión sobre su concepto del fado; un trabajo en el que la intérprete explora nuevas combinaciones dentro de los cánones, repensando las fórmulas clásicas de un género que es su medio natural aunque para la lisboeta "no hay un nuevo fado. El fado es una lengua viva que se va transformando con las generaciones y con la forma en la que los fadistas crecen con su cultura". "El fado siempre ha sido muy revolucionario y ha ido creciendo con la sociedad. Pero el fado nunca se ha dejado manipular. El fado es libre".
Producido por la propia artista, este disco es un reflejo de su alma y su pasión por la música portuguesa. Fados tradicionales originales, como "As flores", con música y letra de la propia Carminho, se mezclan con la magia de autoras y autores invitados como Rita Vian, Luisa Sobral, Joana Espadinha y el brasileño Marcelo Camelo. Carminho es también la autora de la letra del que fue primer single del álbum, el fado pagem "O quarto".
Acompañada de André Dias a la guitarra portuguesa, Flávio César Cardoso a la viola, Tiago Maia en el bajo y João Pimenta Gomes al mellotron, Portuguesa también rinde homenaje a grandes nombres del fado, como António Campos, Joaquim Pimentel, José da Silva Nunes y Jorge d’Ávila, con piezas como "Meu amor marinheiro" y "Marcha de Alcântara de 1969".
Cinco años después de Maria (2018), Carminho regresa con una propuesta fresca y renovada, sin perder la esencia que la caracteriza. Hija de la legendaria fadista Teresa Siqueira, Carminho lleva el fado en la sangre, compartiendo su talento con artistas de diversos estilos como Chico Buarque, Milton Nascimento, Marisa Monte, Pablo Alborán, HMB y Bárbara Bandeira. Portuguesa es más que un álbum, es una experiencia sensorial. Un viaje a través de las emociones, la nostalgia, la alegría y la fuerza del fado, la belleza de la música portuguesa en su máxima expresión.
tracks list:
01. O quarto (fado Pagem)
02. As flores (fado Flores)
03. As fontes (fado Sophia)
04. Praias desertas
05. Marcha de Alcântara de 1969
06. Fado é amor
07. Palma
08. Simplesmente ser
09. É preciso saber porque se é triste (fado Soneto)
10. Sentas-te a meu lado
11. Ficar
12. Pedra Solta
13. Levo o meu barco no mar
14. Meu amor marinheiro
La historia de Al Andaluz Project se remonta a principios de este siglo. Los musicólogos alemanes Michael Popp, Sigrid Hausen y Ernst Schwindl son los fundadores de una de las mayores bandas de música medieval: Estampie. Inspirados por el grupo valenciano de corte tradicional, L’ham de Foc, y su célebre vocalista, Mara Aranda, los germanos contactan con ella tras su gira por Alemania con su otra banda: Aman Aman, cantos sefardíes. En 2006, forman un proyecto común: Al Andaluz Project, una fusión de la Música de las Tres Culturas (cristiana, judía y andalusí). Entre otras características, las tres cantantes del grupo, Sigrid Hausen, Mara Aranda e Iman Kandoussi, han sido siempre el corazón de la propuesta musical de Al Andaluz Project, cada una representando una de las tres culturas que componen la base de su repertorio. La experiencia y talento de los miembros de Estampie en la música cristiana europea, los instrumentos de Efrén López y Jota Martínez, el percusionista Diego López, y el genial artista marroquí Aziz Samsaoui, hacen de esta banda una de las más ricas y talentosas de la música actual, consiguiendo perfectamente su objetivo, fusionar la música medieval peninsular de las culturas que convivieron juntas en nuestra región.
A día de hoy, han realizado numerosos conciertos por toda Europa, y han sacado a la luz varios discos y DVDs, entre los que destacan Deus et Diabolus (2007), Al-Maraya (2010), Abuab Al Andalus – Live in München 2011 (2011) y Salam (2013). The Songs of Iman Kandoussi presenta una recopilación de su repertorio arabigo-andalusí que destaca la voz de Iman Kandoussi (Marruecos). La influencia de Al-Andalus, antaño floreciente epicentro cultural de Occidente bajo dominio árabe, configuró la identidad musical del Magreb norteafricano tras la caída del último reino islámico en España. Esta recopilación se inspira en una tradición secular que hunde sus raíces en la época dorada del Califato Omeya de Córdoba. Incluye exquisitas piezas vinculadas a las poéticas kharjas, composiciones multilingües descubiertas a mediados del siglo XX que ilustran el mestizaje cultural de la región.
Caçada Noturna es el séptimo álbum del talentoso artista brasileño Tiganá Santana, de Bahía, que combina a la perfección géneros como MPB (Música Popular Brasileira), suaves toques de música electrónica y ritmos afrobrasileños para crear una experiencia auditiva dinámica e inmersiva. Un proyecto que cuenta principalmente con voces e instrumentos de cuerda, incluyendo bajo y varios tipos de guitarras acústicas y eléctricas, cumpliendo con la visión artística de Santana.
Grabado en Serpa, Portugal, y editado por el sello sueco ajabú!, el disco cuenta con contribuciones de los músicos Leonardo Mendes (guitarras y ukulele) y Ldson Galter (bajo). Con voces hipnotizantes e intrincados arreglos instrumentales, cada pista de Caçada Noturna lleva la persona oyente a una aventura melódica a través de exuberantes paisajes sonoros. La rica habilidad narrativa de Santana brilla a través de las letras; su estilo vocal cálido, profundo y conmovedor, y las envolventes guitarras nos pintan vívidas imágenes que evocan una variedad de emociones. Su pasión por superar los límites y explorar nuevos territorios sonoros es evidente en cada nota.
El álbum incluye siete canciones, en su mayoría inéditas, con solo una no compuesta por Santana. La canción de apertura, "Das matas", escrita por Fabrício Mota, rinde homenaje a la deidad cazadora afrobrasileña Oxóssi y presenta una fascinante recitación de palabras por Tiganá. Otro tributo a Oxóssi se encuentra en la composición en idioma kikongo "Nkongo", previamente grabada por Jurema Paes en su álbum Mestiça (2014).
El título del álbum, "Caçada Noturna", está inspirado en un poema de Paulo Colina, uno de los poetas favoritos de Tiganá. Los temas de la caza, la noche, la luna, las emociones sinceras y el misterio son esenciales para el álbum.
"Estrelas pernoitadas" es instrumental, lo que lo convierte en un proyecto centrado en la canción. "Coração ao largo" ofrece un exquisito trabajo de guitarra, mientras que "O véu" fue grabado en São Paulo e incluye actuaciones especiales de la cantante Fabiana Cozza y el músico Henrique Araújo en el cavaco (una versión más pequeña del cavaquinho al estilo brasileño).
Por su parte, la artista visual Ani Ganzala diseñó la impresionante y colorida portada del álbum, que bien refleja el exquisito viaje musical de Caçada Noturna. Un trabajo que confirma el estrellato de Tiganá Santana en la escena musical brasileña.
tracks list:
01. Das matas
02. O amor simples
03. O véu (feat. Fabiana Cozza)
04. Partes de mim
05. Coração ao largo
06. Estrelas pernoitadas
07. Nkongo
Valeria Castro tiene en su garganta volcanes furibundos como los de su isla bonita, La Palma. En 2021 regalaba canciones al mundo desde el aislamiento de su pequeño laboratorio musical, con esa forma de interpretar lirista y folclórica a la vez, exótica en los acentos y tremendamente cálida. La fue templando con tremendos singles como "Guerrera", y abriéndola a más públicos con temas como el compartido con Macaco, "Un recuerdo", o con todo lo rubricado en su primer EP, chiquita (2021), que le ha catapultado a ser una de las grandes promesas de la canción iberoamericana. Con cariño y con cuidado es su primer larga duración, que llega después de tantas cosas. No solo del fin de las restricciones en la vida social, también después de que la isla de La Palma que la vio nacer se viese arrasada por la fuerza del volcán, que devastó incluso la casa de su abuela. Un disco con el que Castro pone su granito de arena para intentar sanar muchas cosas, entre ellas, su vínculo con ella misma.
Çantamarta, Iván de la Rioja, Daniel Zepeda, Nacho Mur, Alberto Torres, además de la misma artista, han realizado un trabajo que tiene lo justo para caminar, percusión y timple canarios, algunos arreglos a piano, bajos poco intrusivos y coros profundos. Una forma de atender a la tradición que funciona como un tiro en el pop en ejemplos de la discografía de Sílvia Pérez Cruz o de la Rosalía de los primeros tiempos.
Letras sensibles cargadas de memoria y honestidad (amor, miedo, verdad) acompañan a un sonido impregnado de la herencia musical que teje lazos con la música folclórica de las islas canarias. Su voz, en abierto contraste, se alza sabia, enraizada y antigua, como si proviniera de una mujer mayor y con el alma lacerada por los pesares de la vida.
Valeria Castro es mucho de lo que necesitamos hoy día: canciones aterciopeladas en playlist y trasfondo si se va más allá de una lista. La cantautora ha envuelto cantidad de regalitos para quienes lleguen al final: Con cariño y con cuidado es la orquestación menos pretenciosa y más bonita que nos ha deparado un debut reciente.
tracks list:
01. dentro
02. abril y mayo
03. la raíz
04. perdón (no me había dado cuenta)
05. costura
06. un hogar
07. lo que siento
08. poquito
09. techo y paredes
10. costumbre
11. con cariño y con cuidado
La música de The Zawose Queens está llena de energía y pasión. Se siente la presencia de los ancestros a través de instrumentos tradicionales: el violín chizeze, la sanza illimba, los tambores ngoma y las voces que alcanzan profundidades y alturas impresionantes. Está la conexión con la naturaleza, con ceremonias y rituales en su música de fusión inspirada en la danza, en la que combinan lo orgánico, lo armónico y la electrónica moderna. Las letras, en su idioma natal kigogo, hablan de la pasión por la música, las maravillas de la vida y el orgullo por el entorno y la tradición, por sus raíces africanas. Pendo y Leah Zawose son cantantes, compositoras y multiinstrumentistas de gran talento que proceden de la ciudad de Bagamoyo, en Tanzania. Maisha es el primer disco de las integrantes femeninas de una de las familias musicales más famosas del país, dirigido por los productores británicos Oli Barton-Wood y Tom Excell y grabada en la azotea de un hotel en Zanzíbar y junto a la playa de Bagamoyo, la histórica ciudad portuaria de Tanzania que ha sido el hogar de la extensa familia Zawose desde la década de 1970.
Son once canciones que muestran los polirritmos fluidos y el entusiasta canto polifónico del pueblo Gogo -también conocido como Wagogo- de la árida y montañosa región de Dodoma en el centro de Tanzania. Un pueblo cuyos pequeños pero poderosos tambores muheme son tocados solo por mujeres y cuyo repertorio está acompañado de bailes adornados con campanas atadas en los tobillos. Su exponente más famoso fue Dr. Hukwe Zawose, padre de Pendo y abuelo de Leah. Zawose fue un maestro estricto y conservador, que sólo permitía a las mujeres cantar armonías de acompañamiento y tocar tambores muheme.
El cambio ha ido llegando lentamente. La generación más joven se fue reagrupando bajo el caparazón de The Zawose Family entre 2002 y 2009 y publicando el álbum Small Things Fall From the Baobab Tree en 2007. Impulsadas por talleres de composición y producción musical, The Zawose Queens comenzaron a escribir sus primeras canciones, un momento crucial hacia un futuro diferente. Aunque el nuevo material se parecía mucho a la música tradicional de sus ancestros, hablaba de preocupaciones modernas y era completamente suyo. "Este es nuestro patrimonio, interpretado a nuestra manera", dicen Leah y Pendo. "Ha llegado el momento de que las mujeres de la familia Zawose ocupen su lugar".
La colección de canciones de Maisha abarca desde sonidos sencillos y tradicionales hasta aquellos tratados con elementos electrónicos sutiles. Algunas fueron escritas por The Zawose Queens, otras junto con los mencionados productores Oli y Tom. En el repertorio figuran miembros de Wamwiduka Band al banjo y la percusión, y Baba Leah, padre de Leah y tío de Pendo, colaborador original de Hukwe y maestro del violín chizeze. "Queríamos mezclar lo tradicional y lo moderno, presentar nuestro patrimonio al mundo, y lo hemos logrado. Estamos estableciendo un ejemplo para otras mujeres artistas mujeres en África Oriental", señalan Leah y Pendo Zawose.
