La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Nacida en Sudán y residente en Brooklyn, Alsarah (nombre artístico de Sarah Mohamed Abunama-Elgadi) es cantante, compositora y etnomusicóloga, que lidera la banda The Nubatones en dos aclamados álbumes, Silt (2014) y Manara (2016), ambos publicados por Wonderwheel Recordings. También ha colaborado con el explorador musical Débruit en Aljawal (2013), siendo una de las contribuyentes a uno de los deliciosos trabajos de The Nile Project, Aswan (2014).
Surgidos de las conversaciones entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser, The Nubatones exploran temas como la migración, la identidad y la herencia musical Nubia. Su sonido, denominado "East African Retro Pop", combina melodías pentatónicas con influencias de Sudán, Egipto y otros países. La formación incluye al multiinstrumentista franco-togolés Mawuena Kodjovi y a Brandon Terzic (que sustituyó al desaparecido oudista armenio-estadounidense Haig Manoukian).
Alsarah & The Nubatones han presentado su tercer álbum de estudio, Seasons of the Road (Mawasim Altariq) un proyecto independiente que ha tardado más de cinco años en gestarse, producido por la propia Alsarah y en el que cabe destacar que, por primera vez, la banda incluye letras en inglés.
El desarrollo del álbum comenzó en Beirut a finales de 2018, durante una residencia en Station, antes de trasladarse a Sudán, donde la banda grabó el videoclip de "Men Ana", un impactante homenaje a la revolución sudanesa. Posteriormente, a su regreso a Nueva York, la banda fue testigo de las convulsiones globales derivadas del confinamiento por la COVID-19. Con el paso del tiempo, las inmersivas canciones de pop retro, soul y world fusion con raíces en el folclore nubio y sudanés se convirtieron en reflejos de historias cambiantes: revoluciones que comenzaban y terminaban, y guerras y genocidios transformados como la nueva normalidad. Las canciones se tornaron en hitos de las estaciones y del sinuoso camino a medida que se iban reuniendo en este disco. Seasons of the Road explora temas de migración, resiliencia y el viaje emocional entre Sudán y USA, una crónica de un camino difícil en el que nada es una llegada.
tracks list:
01. Fa3el fi eldawam / فاعل في الدوام
02. Men Ana / من انا
03. Sudani / سوداني
04. Bye Bye
05. Turn Around
06. Disco Star
07. Habibi / حبيبي
08. Tendo (Lullaby) / تندو (هدايه)
09. Outro
Uno de los poderes mágicos del arte en general, y de la música en particular, es la de crear países imaginarios. Este es el caso de esta Mandinka Persia inventada a lo largo de tres álbumes: Jardins migrateurs (2015), Traversées (2019) y Estuaire, editado a principios de año por Kiya Tabassian, iraní afincado en Montreal, y su colega senegalés Ablaye Cissoko, con la complicidad del percusionista canadiense Patrick Graham, que infunde ritmo y matices a esta conversación sonora. Estuaire (el estuario) es ese lugar mágico donde el río se encuentra con el océano, donde las aguas entrelazan sus historias, "donde el agua dulce se encuentra con el agua salada, como símbolo de paso, renovación y fertilidad", donde surgen posibilidades inesperadas, muy parecidas a los encuentros musicales imaginados por Constantinople. Sirve como metáfora de la interacción entre un griot (Ablaye Cissoko) y un bardo persa (Kiya Tabassian).
Estas nuevas grabaciones nacieron de conexiones auténticas, de esos momentos en que la vida revela su belleza oculta. Hablan de seres extraordinarios en su sencillez cotidiana, de esas y esos héroes discretos que transforman el mundo simplemente con su presencia. Estos relatos musicales son nuestros estuarios: puntos de encuentro entre nuestras tradiciones y las emociones universales, entre las historias locales y los corazones de todas partes. "Nuestra misión como griots e intermediarios musicales nos impulsa a transmitir belleza, a expresar esas cualidades humanas que merecen ser conocidas y reconocidas, a resaltar las luces que iluminan nuestro camino compartido", señalan en la presentación de este trabajo.
Con los años, su diálogo se ha profundizado, convirtiéndose en un intercambio musical profundo e inspirador. Y cuando las estrellas se alinean, durante un concierto, la kora mandinga y el setar persa entrelazan sus voces para crear un universo cautivador que suspende el tiempo y sosiega el alma. Un álbum donde se respira tanto el aliento griot como la espiritualidad sufí. De nuevo, sublimes.
Situado entre el folk y el rock, y letras con conciencia social, Zagate es el deslumbrante nuevo álbum de la gran artista argelina Souad Massi. Un trabajo con el que rompe moldes y en el que las canciones son enérgicas con letras desprovistas de ilusión, un álbum en el que alza la voz para denunciar la violencia contemporánea e invitar a la reflexión.
Grabado principalmente en Reino Unido, Zagate explora una gama de emociones intensas: dolor, ira y rebeldía, pero también esperanza y valentía. Al frente del proyecto, una vez más (ya produjo su álbum anterior, Sequana), se encuentra el guitarrista y productor Justin Adams. El rapero congoleño Youssoupha y el rapero ruandés-francés Gaël Faye participan como invitados junto a una banda estelar, que incluye a John Baggott al teclado (Massive Attack, Robert Plant) y a Billy Fuller (Robert Plant) al bajo.
Desde el rock eléctrico de "Ana Inssan" hasta el magnético afrobeat de "Samt", o desde el folk sahariano de "D'ici, De là-bas" hasta el blues parisino de "Chibani", cada tema de Zagate revela nuevos matices vocales. Asociada desde hace tiempo con la dulzura y la melancolía, Massi profundiza en su propia historia para producir uno de sus álbumes más auténticos hasta la fecha, donde la suavidad de su voz contrasta fuertemente con el peso del mundo actual. Aunque reacia a definirse como políticamente activa, el álbum ofrece una reflexión franca e implacable sobre los aspectos problemáticos de nuestro mundo: la guerra, la violencia, el racismo y las tragedias que inundan nuestras pantallas y pesan sobre nuestras conciencias. La portada (en akimbo -brazos en jarra-, con atuendo bereber y una línea divisoria en su rostro), es toda una declaración de intenciones: "Como artista, tengo la obligación de reaccionar; no puedo permanecer inerte y ajena a lo que sucede a mi alrededor. Me considero ciudadana, ante todo, y artista después. Debo reaccionar a través de mis palabras, de mi música; no puedo quedarme al margen, observando y escondiéndome. No tengo soluciones milagrosas; no soy politóloga, pero debemos permanecer conscientes y despiertos".
La palabra Zagate deriva de la expresión francesa "ça se gâte", que se usa en Argelia para indicar que "las cosas empeoran". Más que una referencia lingüística, el título afirma la doble herencia de Massi entre Argelia, donde nació, y Francia, donde ha vivido y creado música durante los últimos veintiséis años, lo que sienta las bases para un álbum intenso, un grito de alerta ante un mundo que parece desmoronarse, sin traicionar la fragilidad que la ha hecho famosa. Inspirada en "Kashmir" de Led Zeppelin, la canción que da título al álbum fusiona la tensión del rock con el lirismo magrebí, mientras Massi canta sobre la guerra y la devastación desde la perspectiva de un civil indefenso. En "Congo Connection", con la participación de Youssoupha, Souad denuncia la injusticia de un país maltratado y saqueado, marcado por la explotación infantil. "L'Equation" (con la impresionante viola d´amore de Jasser Haj Youssef) musicaliza las creencias del filósofo Averroes: "la ignorancia lleva al miedo, el miedo al odio y el odio a la violencia". Inspirada por la tradición sufí, Massi transforma su música en un espejo del mundo contemporáneo, fusionando poesía y compromiso cívico.
"Seymali ha forjado un blues del desierto diseñado para un entorno urbano: áspero, ruidoso e impactante... Sus letras, aunque nacidas de la rica tradición poética de la cultura morisca, están pensadas para bailar". (Mojo, en Glitterbeat) Noura Mint Seymali tiene una voz a la vez ancestral y atemporal con una tesitura fraguada en la crudeza de los espacios desérticos, pero conectada al presente; también es una virtuosa intérprete del ardine, un instrumento parecido a la kora, que solo se encuentra en Mauritania, que solo lo tocan mujeres, y que ella aprendió de su abuela, Mounina. Una griot (poeta, cantante, música, historiadora y guardiana cultural a partes iguales) y la viva imagen de la tradición musical de Mauritania, lo que hace que sus canciones no sean solo musicales, sino también vehículos de memoria, identidad y relato social. Entre la antigua tradición del noroeste de África, las guitarras eléctricas y la fuerza del rock.
Su padre, Seymali Ould Ahmed Vall, fue un reconocido compositor y erudito, y su madrasta, Dimi Mint Abba, una de las cantantes e intérpretes más famosas del país -entre otros, grabó Moorish Music from Mauritania (World Circuit, 1990), con el compositor, cantante y virtuoso del tidinit-ngoni, Khalifa Ould Eide-.
Como reflejo de su influencia y del reconocimiento que ha cosechado a lo largo de su carrera, Seymali ha sido galardonada recientemente con el premio WOMEX 25 Artist Award.
El sonido de su tercer álbum -le preceden, Tzenni (2014) y Arbina (2016)- recuerda sonidos gnawa y otras formaciones surgidas en torno al Sahel, como los legendarios Tinariwen y otras bandas similares surgidas en los últimos veinte años, en el que la guitarra de Jeich Ould Chighaly (su marido) y el bajo de Ousmane Touré elevan el voltaje eléctrico.
La coproducción se realizó junto a Matthew Tinari (baterista de Noura) y el bajista Mikey Coltun (Mdou Moctar). El resultado es el de un disco magnético, hipnótico, que arrastra al trance, a un delirio psicodélico en el desierto: el ardine pone la base melódica y espiritual; las guitarras eléctricas, la energía rock; los ritmos africanos (a través de la percusión y las palmas), la dimensión comunitaria, y el bajo y la batería lo acercan al funk.
Más que contar historias lineales, las canciones invocan estados emocionales personales y colectivos: celebración, relatos, diálogo interno, soledad, observación, vida cotidiana, espiritualidad, amor, elogios, referencias sociales y poesía oral. Seymali se presenta como una potente vocalista con una profunda conexión con el repertorio atemporal del griot y el deseo de crear mensajes frescos y contemporáneos. "Tengo canciones sobre una amplia gama de temas: canciones de amor, canciones de alabanza, canciones para bailar, canciones narrativas. En nuestra tradición, la poesía de diferentes fuentes se puede entrelazar en una interpretación. Parto de una base propia, hay versos que escribo, otros que cito o a los que hago referencia, como un músico de jazz que improvisa sobre otra canción de la tradición, pero el resultado siempre es una nueva creación, y la habilidad con la que un cantante puede sintetizar poesía en una especie de mosaico musical es, sin duda, parte de este arte". Yenbett no es solo un disco, sino una reformulación contemporánea de la música griot. Noura Mint Seymali logra respetar una tradición muy codificada y, al mismo tiempo, empujarla hacia terrenos experimentales. El resultado es un álbum profundamente cultural, intensamente físico y sorprendentemente moderno.
El fado es la expresión musical por excelencia del alma de Portugal, un género declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Su hilo conductor reside en la saudade, una especie de sentimiento de nostalgia y melancolía, su esencia. Y precisamente el sentimiento es lo más importante de este género artístico, máximo representante de la identidad lusa. Lo significativo es que la o el fadista cante con el alma, a corazón abierto, exponiendo las historias que narran sus canciones con claridad cristalina para sus oyentes.
Una de las voces actuales más importantes de este estilo de música es Carminho que, pese a actualizar el fado a su propia realidad, es siempre tremendamente respetuosa con la tradición que lo rodea. En su séptimo álbum, Eu Vou Morrer de Amor ou Resistir (publicado antes de su vibrante colaboración con Rosalía en LUX) entrega un trabajo que reivindica la tradición de su país a la vez que lo impulsa a la experimentación con ideas contemporáneas.
El tono general del disco coincide con lo que la memoria colectiva entiende como fado: ese regusto nostálgico y emotivo que transita por el dolor y el desgarro. Carminho no ha querido desprenderse de las referencias inequívocas del género, que han sido respetadas, pero alumbradas con arreglos audaces.
En "Saber", una musicalización de un poema de Ana Hatherly, participa Laurie Anderson, incluyendo un efecto de reverberación en su voz susurrante, entrelazando los versos en inglés de esta con los suyos en portugués. Otra colaboración reseñable en el disco es la del pianista portugués de jazz Mário Laginha, en "Dia cinzento", la única pieza que no tiene nada que ver con un fado tradicional, aunque mantenga su aura de tristeza afín.
En la preciosa "Pela minha voz" utiliza Ondas Martenot (un instrumento electrónico formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia) como base a lo largo de toda la canción. La guitarra eléctrica, completamente ajena a la tradición fadista, aparece en numerosas ocasiones, como en "À sombra de teu cabelo", una tierna oda a su hijo que le escribió cuando acababa de nacer, y en la sugerente "Diz agora que acabou".
Además de a Ana Hatherly, de quien adapta no solo el poema mencionado, sino también la apertura del disco, "Balada do país que dói", Carminho compone varias canciones a raíz de poemas de figuras claves del fado como Amália Rodrigues ("Sofrendo da alma") o Pedro Homem de Mello ("Canção à ausente"). Y es que uno de los aspectos que más le interesan a la artista de la música tradicional portuguesa es su naturaleza recicladora, ya que en el fado se usa a menudo material ya existente para crear nuevas composiciones.
En Eu Vou Morrer de Amor o Resistir, Carminho vuelve a firmar otra carta de amor al folclore musical de su país, pero esta vez con un paso más allá, combinando lo tradicional con decisiones estéticas modernas que suponen una evolución honesta para una artista que no cesa de buscar nuevas formas de expresión para ese lenguaje vivo y fascinante que es el fado.
tracks list:
01. Balada do país que dói
02. Trazes-me tanta saudade (Fado Ritz)
03. Saber (feat. Laurie Anderson)
04. Pela minha voz
05. Diz agora que acabou (Fado Acabou)
06. Lá vai Lisboa
07. Sofrendo da alma
08. Canção à ausente
09. À sombra to teu cabelo
10. Eu vou morrer de amor ou resistir (Fado Súplica)
11. Dia cinzento (feat. Mário Laginha)
El primer álbum en solitario en una década de la célebre arpista y compositora galesa Catrin Finch es también el más emotivo y personal. Notes To Self es un conjunto de once composiciones para arpa dedicadas a "Katy", su yo de 13 años (las notas del álbum de cada canción son una carta a "Katy", lo que añade profundidad y contexto a los temas). Usando el poder de la música y su aparentemente inagotable destreza con el instrumento que la ha acompañado desde los cinco años, explora temas de vulnerabilidad, expectativas, transformación y la imprevisibilidad de una vida que se desarrolla bajo la mirada pública.
Cada composición se inspira en su pasado: una carrera de una de las artistas más aventureras y pioneras de su generación. Su honestidad y valentía perdurables resuenan, invitando a las personas oyentes a conectar con su historia, mientras traduce sus luchas y triunfos en sonido. Notes To Self no solo muestra la evolución de Catrin como artista, sino que traza una trayectoria notable moldeada por sus experiencias como mujer lesbiana, superviviente de cáncer, hermana, hija y madre.
El álbum comienza con "13", un número mágico para Catrin y la era del yo pasado al que se dirige. Hay una inmediata sensación de inocencia en esta melodía inicial que se transforma en una sensación de aventura y progreso a medida que la pieza evoluciona hacia un arreglo más intrincado, con melodías danzantes y motivos complejos. "Adre" es una carta de amor a casa (Catrin creció en Llanon, Cardigan Bay, al oeste de Gales). Contiene hermosas y luminosas secuencias de arpa, interpretadas a un ritmo suave, con notas arpegiadas que evocan imágenes de olas ondulantes y vida marina en lento movimiento.
En contraste con esto está "Black Holes", inspirada en esos aterradores sueños infantiles sobre la existencia. La naturaleza contrastante de la música aquí se refleja en las notas de la canción, donde Catrin le escribe a una "Katy" de trece años sobre "estrés y profunda preocupación", pero señalando que "de la mayoría de los agujeros se pueden salir".
Otra pieza destacada es "Clear Sky", un hermoso fragmento musical que se interpreta con arpa acústica, lo que le da a la música un aire mucho más clásico. "Together Again" es una canción que aborda el cambio y la ansiedad en torno a los sentimientos; en el centro está esta solidez tranquilizadora a través de la melodía, una pieza llena de profundidad, emoción e inteligencia musical. Por su parte, "Môr Arianrhod" contiene notas graves que le aportan un carácter ligero y onírico, en el que abundan imágenes de ríos fluyendo y hojas mecidas por el viento. Notes To Self es otro ejemplo de la variedad y profundidad que se puede encontrar en el mundo del arpa. Este álbum, de poco menos de una hora de duración, se transmite con gran fluidez y está magistralmente compuesto, con reflujos, luces y sombras, y una gama de emociones que recorren las cuerdas. Añadir que las sentidas letras en las notas que acompañan cada canción le da al proyecto una mayor carga emocional. Una hermosa obra de una de las mejores, Notes To Self es un tesoro para guardar.
tracks list:
01. 13
02. Adre
03. Kin (feat. Ana-Gwen Wigley & Pegi Wigley)
04. Black Holes
05. Clear Sky (acoustic)
06. Who We Were
07. Together Again
08. Môr Arianrhod
09. There´s Always Time
10. Be Gone, Begin
11. Angels
Café Feminina es una vibrante colección de Putumayo que nos trae artistas contemporáneas de todo el mundo, unidas por el poder de la voz y la historia. Cantando en catalán, malgache, portugués, árabe, mandarín, francés, español, sánscrito y otros, estas artistas exploran el amor, el anhelo, la resiliencia y la transformación.
El álbum se mueve con soltura entre el folk íntimo, los ritmos ancestrales, el canto devocional y las texturas del pop moderno. Juntas, estas canciones crean un espacio de encuentro global donde las voces de las mujeres marcan el camino.
La cantautora parisina Aure Delaroière crea canciones íntimas y depuradas, marcadas por una intensidad serena y una contención poética, entrelazando el francés, el inglés y el español como reflejos fluidos de la identidad y la memoria. Nancy Vieira es una cantante conocida por su voz cautivadora y sus ricas versiones de géneros musicales tradicionales caboverdianos, que interpreta "Sol Di Nha Vida", una luminosa canción de amor escrita por Mário Lúcio que se inspira en la sensibilidad poética de Cabo Verde y el suave vaivén de la morna. Karima Nayt (cantante, bailarina y actriz argelina) canta "Benti", una súplica de una madre a su hija que abandonó su hogar en busca de libertad, moldeada por el amor y el peso de la tradición. Raya, nombre artístico de la compositora, cantante y actriz brasileña Paula Raia, se une a su compatriota Júlia Mestre en una meditación sobre el tiempo, el movimiento y la autodeterminación. Por su parte, Loko Gasy es un cuarteto malgache dedicados a renovar y preservar el patrimonio musical de su país, Madagascar, que ha desarrollado un sonido distintivo que llaman antsabeko que combina formas ancestrales con influencias del jazz contemporáneo y la fusión. En el centro del grupo se encuentra la cantante Saholiarisoa Safidinirina.
Anna Andreu es una cantautora catalana cuyas canciones se basan en la imaginería natural y la intensidad serena, donde la intimidad se vuelve luminosa y la contención cobra fuerza. "Roja i espessa" narra una impactante metáfora de transformación, pasando de la vulnerabilidad a una determinación firme.
La cantautora colombiana Victoria Sur es conocida por mezclar estilos folclóricos latinoamericanos con un sonido fresco, su música explora temas de amor, paz y naturaleza. "Si Se Te Olvida el Camino" es una canción de amor que transforma el recuerdo en promesa, donde un beso se convierte en el hilo que une a dos personas a través de la distancia. Van Lefan es una artista interdisciplinaria taiwanesa residente en Vancouver. Cantando en mandarín e inglés, fusiona folk, pop y texturas experimentales en canciones que exploran la ascendencia, la identidad y la pertenencia. "Green Island Serenade" es un clásico mandarín muy querido de Taiwán de la década de 1950, reinterpretado aquí como una canción de cuna personal y una carta de amor al hogar. Geneviève Racette es una cantautora de folk-pop-americana nacida en Quebec. Cantando tanto en francés como en inglés, conecta comunidades musicales con una voz profundamente personal. "Le roseau" es una silenciosa declaración de resiliencia tras el amor. Renée Sunbird es una cantautora, yogini y compositora ganadora de un Emmy formada en Viena, cuya música conecta la práctica contemplativa con el sonido global. "Namo Amitābha" combina un dhāranī sánscrito tradicional, un canto devocional utilizado para la meditación y la concentración, con una melodía original. El texto honra a Amitābha, el Buda de la luz infinita, la sabiduría y la compasión, e invoca el despertar y el resplandor interior.
tracks list:
01. Aure – Mi Corazón (France)
02. Nancy Vieira - Sol Di Nha Vida (Cabo Verde)
03. Karima Nayt – Benti (Algeria)
04. RAYA with Júlia Mestre - Comentário a Respeito de Belchior (Brazil)
05. Loko Gasy - Mampamangy (Madgascar)
06. Anna Andreu - Roja i espessa (Spain / Catalonia)
07. Victoria Sur - Si Se Te Olvida el Camino (Colombia)
08. Van Lefan - Green Island Serenade (Taiwan / Canada)
09. Geneviève Racette - Le roseau (Canada / Quebec)
10. Renée Sunbird - Namo Amitābha (Austria / India)
Durante los últimos 25 años, la cultura y la música tuareg han fascinado al mundo. Sus canciones poéticas, casi sagradas, inspiran a compositores occidentales; el virtuosismo de su guitarra fascina a figuras clave y, finalmente, su espiritualidad e hipnotismo meditativo impresionan a productores de música.
Con dos álbumes (Imarhan, en 2016, y Temet, en 2018) Imarhan (que en tamasheq significa "aquellos que se aman, que se codean y son sinceros") se ha convertido en un emblema de la nueva generación tuareg, revitalizando el "Assouf", el blues del desierto. El grupo, liderado por Iyad Sadam, forma parte de su cultura y de su ciudad, la capital del pueblo tuareg, con una puerta abierta al desierto.
En 2021, aprovechando el parón de la pandemia y parte de lo obtenido en sus conciertos, se decidieron a construir el primer estudio de grabación en su villa natal, Tamanrasset, llamado Aboogi, en homenaje a las primeras estructuras que ayudaron a formar sus pueblos ancestrales. De ahí que su último álbum se titulara así, reflejando el arraigado espíritu de comunidad que respiran sus canciones.
A diferencia de sus dos trabajos anteriores, este disco se revela más introspectivo, lleno de sensaciones y percepciones, con la colaboración de la banda hermana Tinariwen, los padrinos del Assouf: el genial músico Abdallah Ag Alhousseyni en "Tindjatan", y el poeta Mohamed Ag Itlale (alias Japonais) poniendo su suave ritmo en "Tamiditin".
Gruff Rhys (Super Furry Animals) canta una canción para sus héroes en su galés natal, "Adar Newlan". Invitando a la cantante sudanesa Sulafa Elyas en la conmovedora "Taghadart", se entiende que Imarhan está abierto a toda África, erigiéndose en portavoz de la juventud tuareg, dispersa y olvidada por los gobiernos de la zona.
Imarhan habla sobre el vínculo con la naturaleza, la opresión, la juventud perdida, pero también y especialmente sobre la esperanza y la lucha en riffs de guitarra arenosos, coros fascinantes y letras poéticas.
Gran parte de la personalidad de las bandas Niyaz y VAS se deriva de la de su líder y vocalista, la enigmática Azam Ali, todo un ejemplo de lo que significa ser ciudadana del mundo en el siglo XXI. Azam nació en Irán, país al que sigue refiriéndose como su casa, pero con apenas cuatro años tuvo que emigrar a la India para vivir con familiares, y allí se produjo su verdadero despertar cultural. Su madre continuó viviendo en Irán, hasta que la revolución político-religiosa de 1979 sometió al país a tal nivel de tensión que la progenitora se vio obligada a reunirse con su hija y migrar, poco después, a Los Ángeles, Estados Unidos.
Irónicamente, fue en Estados Unidos donde Azam descubrió las tradiciones culturales de los países que dejaba atrás. Conoció el santur persa, uno de los instrumentos más significativos y extendidos en la música oriental, con decenas de variantes en países como China, India, Irán o Japón, y de la mano de Manoochehr Sadeghi, filósofo y místico de enorme repercusión internacional, estudió los entresijos del instrumento y, por extensión, del folklore musical de oriente medio.
En 1996, Azam inició la primera de sus aventuras musicales, creando el dúo VAS junto al percusionista Greg Ellis; durante casi una década, ambos hicieron de la mezcla de estilos y tradiciones culturales su sello de identidad. Durante estos años floreció la amistad entre Azam y Loga Ramin Torkian, joven con una biografía no demasiado distinta a la de la propia Ali y miembro del grupo Axiom of Choice, también de influencias iraníes. Juntos decidieron comenzar un nuevo proyecto en el año 2004 en colaboración con el productor y DJ estadounidense Carmen Rizzo. De este modo nació Niyaz. Un año después fue publicado el primero de sus trabajos, el excelente Niyaz (que significa "anhelo" en turco, persa y urdu), un álbum que bebía de las fuentes clásicas del misticismo, de la poesía del grandioso Rumi y de las tradiciones culturales de oriente medio, tomando, además, elementos de los folklores musicales del Mediterráneo, de la India, Afganistán, Turquía o Irán. Niyaz sirvió para atraer la atención de las y los amantes de las músicas del mundo y edificó una importante base de admiradores del trío.
En 2002 se atrevió Azam Ali con su primer trabajo en solitario, Portals of Grace, repleto de viejas canciones procedentes de tradiciones culturales muy variadas: la Francia provenzal, la España multicultural y riquísima previa a la conquista de Granada y la Inquisición del siglo XV, o la Bretaña medieval. Un compendio de canciones medievales de entre los siglos XII y XIV en sefardí, latín, francés provenzal y galego antiguo. Portals of Grace se caracteriza por el uso de la voz como paisaje. La voz de Azam, etérea y expresiva, actúa como el corazón del disco, transmitiendo espiritualidad, nostalgia y una sensación de viaje interior, aderezada por la excelente instrumentación orgánica de Greg Ellis. El acompañamiento mezcla instrumentos de la tradición (vielle -vihuela de arco-, rebec, oud...) con arreglos que evocan atmósferas meditativas y casi rituales.
El resultado es un disco delicado, profundo y singular. No se trata tanto de "escuchar música medieval" como de sentirla reimaginada, como si viajáramos a otra época a través de la voz y la sensibilidad de la artista. Portals of Grace no es un álbum debut al uso porque Azam Ali no es un talento cualquiera. No sólo posee una de las voces más cristalinas y perfectas que se recuerdan, con su registro elevadísimo de soprano, sino que su conocimiento musicológico es abrumador. El disco es mucho más que una lección en antropología cultural. No es la mera repetición de viejas canciones en la voz de una mujer del siglo XXI. Es un trabajo original y emotivo, y en cada giro y cada detalle resulta palpable la personalidad de su autora. Una proclama, el entendimiento de una verdadera ciudadana del mundo que eleva su voz para recordarnos todo aquello que nos une: en la Francia provenzal o en el Imperio Romano, en la antigua Galicia o las comunidades judías hispano-portuguesas, los desvelos y las preocupaciones humanas han sido siempre las mismas, reflexiones sacras o seculares, pequeñas o portentosas, nexos de unión entre quienes fueron y quienes son, los de aquí y los de allá.
En un mundo de revueltas sin lógica, de fanatismos absurdos y de golpes de pecho patrioteros, Azam Ali eleva su voz para recordarnos todo aquello que nos une.
tracks list:
01. Lasse pour quoi (14th century, French Provençal)
02. La Serena (Sephardic, Judeo-Spanish)
03. Breton Medley (Instrumental, Brittany)
04. O Felix (12th century, Latin)
05. Ben Pode Santa Maria (13th century, Galician-Portuguese)
06. O Quanta Qualia (12th century, Latin)
07. Sackpipslät (Instrumental, Sweden)
08. Aj Ondas (14th century, Galician)
09. A Chantar m'er (12th century, French Provençal)
10. Inna-I-Malak (Byzantine, Arabic)
11. El Rey de Francia (Sephardic, Judeo-Spanish)
The Chicago Immigrant Orchestra, fundada originalmente en 1999 por el Chicago Department of Cultural Affairs and Special Events, surgió como una vibrante expresión de la rica diversidad musical de la ciudad hasta el final de su primera etapa en 2004. Dirigida entonces por Willy Schwartz, la orquesta reunió a artistas de las comunidades migrantes de Chicago, mostrando una variedad global de tradiciones musicales. Aunque su etapa inicial terminó después de cinco años, su influencia perduró, dejando una huella imborrable en la escena musical local.
En 2019, se abrió un nuevo capítulo cuando el Chicago Department of Cultural Affairs and Special Events contrató al compositor y guitarrista Fareed Haque y al laudista Wanees Zarour para revitalizar la orquesta para el 2020 Chicago World Music Festival. A pesar de los desafíos que planteó la pandemia mundial de COVID-19, la orquesta perseveró y ofreció un elogiado concierto virtual en septiembre de 2020.
Hoy en día, la renovada Chicago Immigrant Orchestra está compuesta por un conjunto de 20 músicos y músicas provenientes de las comunidades migrantes de Chicago, que representan una mezcla ecléctica de herencias musicales de todo el mundo. Bajo la dirección artística de Haque y Zarour, intérpretes de Oriente, Europa, África y América colaboran para dar forma a la narrativa musical de la orquesta.
Adoptando una nueva perspectiva, la New Chicago Immigrant Orchestra profundiza en la interacción entre diversas tradiciones musicales, entretejiendo un rico tapiz que celebra tanto sus conexiones compartidas como sus diferencias distintivas. Sanctuary (2025) presenta canciones reconstruidas a través de arreglos originales y colaborativos, de forma ecléctica y espontánea, con la sencillez como el motor que mantiene la música cohesionada a través de idiomas y estilos.
El resultado es un espléndido conjunto de melodías entrelazadas donde exquisitos laúdes se encuentran con el canto y estilos vocales de otras regiones del mundo, apoyados por una deslumbrante percusión global. Todo un homenaje a la fuerza de la interculturalidad.
La cantante y compositora colombiana Nidia Góngora lanza Pacífico Maravilla, su primera producción discográfica como solista, un canto a la vida, la memoria y la paz desde el corazón del litoral Pacífico.
Con más de dos décadas de trayectoria, Nidia Góngora se ha convertido en una de las voces fundamentales de la música tradicional afrocolombiana, una autoridad que se inició con la agrupación Canalón de Timbiquí, que ha formado dúo con Quantic y que ha puesto voz a grabaciones de artistas como The Bongo Hop, Bosq, Malecón o La Mambanegra, entre muchos otros. Pacífico Maravilla es un manifiesto musical que recoge memorias, duelos y resistencias, tejido con la marimba, el tambor, los cantos ancestrales y una profunda conexión espiritual con África. "He dedicado gran parte de mi vida a aportar y construir a través de la música como portavoz de lo positivo en nuestro país y de lo que hay que mejorar, sobre todo en momentos donde la nación ha estado sometida a las múltiples violencias desde hace tanto tiempo. Esta será una cita para reconocer el Pacífico Maravilla que tenemos en Colombia y que hay que cuidar", expresa la cantora.
Compuesto por 12 canciones, Pacífico Maravilla fue soñado y gestado en Timbiquí, Cauca, tierra natal de Góngora. Allí se grabó gran parte del disco, con la participación de más de 25 músicos del suroccidente colombiano y la presencia fundamental de mujeres mayores y jóvenes, un homenaje al relevo generacional de los cantos tradicionales.
La pieza que le da nombre a la producción abre el disco, a modo de introducción, con coros majestuosos y ritmos. "Tu Corazón" nos contagia con bellas armonías y un ritmo cadencioso. "Todo en vida" tiende puentes entre las sonoridades del Pacífico y la Salsa. "Marejada" invita a Daymé Arocena en un memorable dúo con Nidia, cantando a las divinidades yorubas y estableciendo un corredor entre el Pacífico colombiano y los ritmos afrocubanos, con el acompañamiento de Heriberto Bonilla en la marimba. "Insistencia" es un poema con coros preciosos que pone de relieve a la antropóloga y poeta afrocostarricense Shirley Campbell, junto a Didier Venté en la marimba. "Mi Sábalo" con un texto jocoso y ritmos entre Rumba y Cumbia, destaca el arreglo de clarinetes de Adrián Viáfara y la batería de Sebastian Blackburn. Alexis Play coprodujo el tema "Mi Marimba", un ritmo de Juga. "Te Amo" es una composición de Basilio Sinisterra; "Mi Bunde" es un tema que produjo Djamel Kadi con arreglos del australiano Jake Dominic Savona (Mista Savona), que conecta los ritmos del Pacífico con beats electrónicos, y "El Llamado" es el rugido de la tierra, un poderosísimo cierre del disco.
Nidia Góngora nos regala un álbum valioso, hermoso y contundente, en el que nos pasea por diversos universos sonoros. Se sale, a su vez, de lugares comunes, con textos inteligentes y una calidad y ejecución magistral. Uno de los mejores discos de la música del Pacífico de los últimos tiempos.
tracks list:
01. Pacífico Maravilla
02. En los manglares
03. Tu corazón
04. Todo en vida
05. Marejada (feat. Daymé Arocena)
06. Insistencia (poema) (feat. Shirley Campbell)
07. Mi Sábalo
08. Mi Marimba
09. Arrullo Dub
10. Te amo
11. Mi Bunde (feat. Djamel Kadi & Mista Sanova)
12. El Llamado
Rodrigo Leão se ha convertido en sinónimo de belleza serena e inexcusable. Como parte de Madredeus, su arte trascendió fronteras. En su primer álbum bajo su propio nombre, Ave Mundi Luminar, en 1993, exploró rincones creativos que no encajaban en sus proyectos anteriores. El álbum se convirtió en un éxito inesperado y el resto, como se suele decir, es historia. Su carrera cuenta con una considerable discografía, que también incluye bandas sonoras y colaboraciones con grandes nombres (como Ryuichi Sakamoto, Ludovico Einaudi o Jóhann Jóhansson).
Ahora, treinta y dos años después de su debut como solista, llega O Rapaz da Montanha, un disco que sorprende tanto en términos musicales como en la trayectoria del compositor, "el álbum más portugués que he hecho hasta la fecha", según palabras del propio Leão: una traducción en canciones de las influencias y artistas que escuchaba de niño en los años setenta. O Rapaz da Montanha presenta un cambio de forma y fondo, entrelazando tradición y vanguardia en una experiencia única. Con un sonido que evoca las raíces más profundas de la identidad portuguesa, el uso de coros refuerza el sentimiento colectivo, combinándolo con la intensidad de la percusión y una lírica conmovedora que retrata historias de lucha, esperanza y redención. Un espectáculo donde cada nota transporta al público a paisajes sonoros que resuenan con emoción y profundidad, a través de la fusión de elementos tradicionales con el inconfundible estilo contemporáneo de Rodrigo Leão.
Las palabras muestran a hombres "atrapados en ese engranaje" ("O Rapaz da Montanha"), mujeres oprimidas con un deseo de liberación ("Guarda-te"), personas en busca de sí mismas ("Andava Eu...", "Estranho Imperfeito"), el duro trabajo en el mar ("Lobos do Mar") o personajes que luchan con su mortalidad y son rehenes en el más terrible de los territorios: el país del "Si", de lo que queda por hacer ("Madrugada"). Ana Carolina Costa es la autora de la mayoría de las letras, con la excepción de Gito Lima ("Estranho Imperfeito…"), Francisco Menezes ("Esperança") y João Pedro Diniz ("Vento sem Fim").
El mundo creativo de Rodrigo Leão siempre ha estado íntimamente ligado a los afectos, ya sean familiares o amistades. Como era de esperar, aparecen en este álbum nuevos y viejos cómplices, como Pedro Oliveira (coproductor), el acordeonista Gabriel Gomes y José Peixoto (guitarra clásica). También hay espacio para invitados como Carlos Poeiras (acordeón), Francisco Palma (voz) o el ilustrador Tiago Manuel, quienes sin esfuerzo se convierten en ciudadanos honorarios de la obra de Leão. Su familia más cercana también colabora: además de su esposa Ana Carolina Costa, sus hijas Sofía, Rosa y su hijo António están presentes a lo largo del disco. O Rapaz da Montanha no representa una revolución en el universo musical de Rodrigo Leão, sino más bien una evolución consecuente que, aunque conlleva cambios, no abandona ni un ápice la identidad musical del compositor. Con una trayectoria ya larga y notable, la inquietud y la curiosidad siguen vivas en Rodrigo Leão. Este O Rapaz da Montanha es una hermosa prueba más, un álbum humano y humanista, un canto de esperanza hacia las nuevas generaciones.
Un bombo cosido con tapas de botellas; un babatone que funciona como un motor desgastado; un bajo construido con una rama de árbol, una batería de maleta fabricada con piel de animal y voces cálidas que se alzan al unísono. Este es el sonido de los talentosos The Kasambwe Brothers de Malawi, una banda que se presenta con la confianza de músicos veteranos. La larga trayectoria del grupo, desde las calles de Ndirande, a las afueras de Blantyre, hasta una residencia y una intensa sesión de grabación en el Massachusetts Museum of Contemporary Art (MASS MoCA), alimentan un álbum alegre, cautivador y profundamente arraigado en la tradición malauí.
Siendo una unidad multigeneracional formada por primera vez en 1987, The Kasambwe Brothers ahora están liderados por músicos más jóvenes que aprendieron el oficio de familia. La invitación del MASS MoCA, en colaboración con Hen House Studios, para participar en una residencia, los colocó en el Estudio 9 con el productor Harlan Steinberger. El tiempo era limitado, aunque el objetivo claro: aprehender lo que Ndirande ya sabía. La decisión dio sus frutos. Steinberger mantuvo los micrófonos cerca de la respiración y los parches de los tambores para capturar la esencia de este trío.
Desde el punto de vista instrumental, el disco es un ejemplo de maestría construida bajo presión. La guitarra de Joseph Msofi esboza melodías ingeniosas que las voces colorean con encanto. El kit casero de Fatsani Kennedy (inventado a partir de madera, palos, tapones de botella y viejos cacharros) no persigue un sonido originario. En su lugar, busca la sensación, y lo consigue. El babatone de Konzani Chikwata, un gran instrumento bajo con armazón y sentado en el suelo que rara vez se oye ni siquiera en Malawi, apoya al conjunto con un sonido grave y gomoso. Cuando resultó imposible importar las pieles de estos instrumentos, el equipo los reconstruyó in situ. Este detalle lo dice todo sobre el espíritu del grupo: crear el instrumento y luego la canción. Se trata de auténtica world music creada por el ingenio callejero y la armonía familiar.
Danzas asociadas a regiones de Malawi (como la Vimbuza, una danza tradicional de curación), que cuentan con el reconocimiento de la UNESCO, emergen como motores que transforman el ritmo de cada pista. La banda interpreta secuencias de acordes "I-IV-I-V" que se sienten bien mientras cantan sobre el amor, los problemas y la religión en una hermosa armonía a tres voces, tratando el movimiento como un mensaje, insistiendo en que la comprensión puede comenzar con el cuerpo. El público en MASS MoCA respondió de la misma manera, con niñas, niños y gente adulta integrándose en el ritmo sin instrucciones. El álbum conserva esa energía. Harlan Steinberg, productor e ingeniero detrás de Hen House, añade: "Aunque la tecnología hoy en día puede hacer maravillas, el mundo digital nos ha deshumanizado. Creo en un método tradicional que enfatiza la magia de una banda haciendo música junta en una sola sala, jugando con la creatividad del momento. El enfoque humanista crea una experiencia emocional más profunda que no solo puede ser escuchada, sino también sentida".
Puerto Candelaria es una innovadora y explosiva agrupación colombiana que ha sido pieza fundamental en el movimiento que ha redefinido la industria musical de los últimos tiempos de su país e Iberoamérica. Surgida en Medellín bajo la dirección del músico, pianista y productor Juancho Valencia en 2000, lleva más de dos décadas proponiendo un audaz viaje sonoro por la Cumbia, Rock, Ska, Chucu Chucu, World Music y sus géneros propios: Jazz a lo colombiano y Cumbia Underground.
El prestigio de Puerto Candelaria se confirma en un concepto maduro y una puesta en escena cargada de humor, baile, teatro y diversión, que contagia de inmediato al público al escuchar sus canciones, que invitan por igual a la danza o a la reflexión profunda.
Ha sido, además, nominada a los Latin Grammy 2024 bajo la categoría Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato con su exquisito La Sociedad de la Cumbia (Big Band Live), habiendo ganado el Latin Grammy al Mejor Álbum Cumbia 2019 con Yo me llamo Cumbia.
Con motivo de su 25 aniversario, Puerto Candelaria comenzó el año con el lanzamiento completo de su álbum, Fiesta Candelaria. En un inicio, nos presentaron sencillos como "Animalito", "Eso es pa´usted" y "Tengo todo". Ahora, completan la etapa con los 8 temas que constituyen el disco.
Siendo este su álbum número 14, el grupo colombiano explora diferentes estados, como el baile, la denuncia y el humor. Una de estas canciones es "Conjuro", un "himno de poder femenino" escrita por Catalina Calle ("Catt") y Juancho Valencia. "Nuestro Conjuro es una voz que quiere reverberar en otras. Nace de una reflexión sobre quienes somos y por qué se nos olvida en el camino. Quisiera pensar que esta composición es como una invocación y que quien la cante, pueda, al mismo tiempo, escuchar a otras que se sientan igual", destaca Catt. Fiesta Candelaria, que como colofón ha sido galardonado con el Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo 2025, mezcla sonidos del futuro incierto con el pasado no escrito, creando un canto tribal y místico. Intercalando géneros como la cumbia, el porro, el pop latino y las experimentaciones sonoras, logran activar la imaginación y crean una invitación al fandango. El director y productor de Puerto Candelaria, Juancho Valencia, aka Sargento Remolacha, afirma que Fiesta Candelaria es "una maniobra sonora atemporal exquisita para 2025".
Con tan solo 26 años, Valeria Castro se ha consolidado como una voz imprescindible en la música iberoamericana actual. Tras completar una gira por teatros de más de 10 países con su álbum Con cariño y con cuidado (2023), Valeria presenta El cuerpo después de todo, su segundo trabajo de larga duración, producido por Carles Campi Campón (Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Vetusta Morla), un álbum que marca un ejercicio de maduración artística y personal. El cuerpo después de todo es una reflexión íntima sobre lo que queda tras la pérdida, el desamor, la ansiedad, la autocrítica y la mirada que te impone la sociedad y que una va asumiendo. Es un puzzle de emociones que conecta con nuestros sentimientos más profundos y dormidos. Siempre fiel a su esencia, parece recordarnos aquella frase del escritor Antoine de Saint‑Exupéry en El Principito: "Lo esencial es invisible a los ojos". Como ella misma señala, "La vida, el amor, el desamor, la ansiedad, la presión (laboral, estética, vital), la soledad, la tristeza, la alegría, la duda o la rabia. Todo le atraviesa a una y termina por soportarla únicamente el cuerpo. Cómo queda el cuerpo después de tantas cosas, que siente, padece, somatiza de tantas formas. Todo esto está guardado a recaudo en un disco que me ha agitado y sanado a partes iguales".
El proyecto es una catarsis, sobre todo, enfocado a que la propia artista haya conseguido practicar la compasión y dejar de culpabilizarse constantemente. "Que ahora estás distinto a aquel recuerdo que dejaste". Valeria se aproxima al final del disco habiendo recorrido un viaje emocional que la coloca en otra posición de cara a afrontar esas heridas que no sabía cómo sanar. Y, de esta forma, cierra finalmente con ese "sobra decirte" como una carta de amor a una misma (o como cada cual quiera interpretarlo), gritando por todo lo alto que por fin piensas en ti y que te abrazas tal y como eres con defectos incluidos.
Valeria Castro acumula importantes reconocimientos, entre ellos dos nominaciones al Latin Grammy, dos nominaciones al Goya y premios como "Mejor Álbum de Raíz" o "Artista Revelación" en los Premios MIN, el Premio ACAMUS 2025 para la mejor Canción para Cine ("el borde del mundo" en la película "El 47") o la Medalla de Oro de Canarias. El cuerpo después de todo constituye un hito que reafirma a la cantautora como una de las grandes artistas de su generación, que sabe hacer de la música una medicina para el alma.
tracks list:
01. devota
02. la soledad
03. tiene que ser más fácil
04. honestamente
05. debe ser (feat. Sílvia Pérez Cruz)
06. el cuerpo después de todo
07. el tiempo que no estés
08. sentimentalmente
09. distinto
10. parecido a quererte
11. sobra decirte
La leyenda de la música senegalesa Cheikh Lô ha lanzado su primer álbum de estudio en diez años, Maame, marcando un impresionante regreso a la escena musical global. Editado a través de World Circuit Records, el álbum explora temas de ascendencia, unidad, amor y superación, al tiempo que muestra la distintiva mezcla de mbalax, ritmos afrocubanos y soul de Lô. Maame es una obra extensa y profundamente personal nacida del aislamiento, la resiliencia y la devoción espiritual. Nombrado en honor a su difunto guía espiritual, Maame Massamba Ndiaye, fallecido en 2014, el álbum también rinde homenaje al místico Cheikh Ahmadou Bamba, fundador de la comunidad Mouride de Senegal, y a Mame Cheikh Ibrahima Fall, fundador del movimiento Baye Fall, del que es miembro devoto. Grabado durante y después del confinamiento mundial de 2021, el disco emerge no solo como un triunfo creativo, sino también como un testimonio del perdurable talento artístico de Cheikh Lô, quien construyó un estudio casero para trabajar en el álbum junto a su hijo e ingeniero, Mame Massamba Ndigel Ndiaye Lô.
Las demos llamaron la atención del productor Nick Gold, quien ayudó a llevar el proyecto a buen término con músicos de Senegal, Benín, Congo, Estados Unidos, Inglaterra, Canadá y la República Checa. Lô compuso, arregló e interpretó la mayoría de los instrumentos, lo que dio como resultado un paisaje sonoro que entrelaza elementos afroacústicos, mbalax, afroblues, afropop, reggae, salsa africana, jazz y rumba. La instrumentación tradicional africana (balafón, kora, sabar, tambores parlantes y flauta africana) ancla el sonido, lo que le da al álbum una autenticidad distintiva. Es un tapiz musical que cruza fronteras pero que sigue profundamente arraigado en África.
Más allá de su profundidad musical, Maame transmite fuertes mensajes sociales y humanitarios. En "African Development", Lô aboga por la unidad y el progreso en todo el continente, mientras que "Carte d'Identité" aborda la difícil situación de las personas apátridas, haciéndose eco de su labor como embajador de ACNUR.
Otras canciones reflexionan sobre valores personales y comunitarios, como "Ndekeyoo" (traición amistosa), "Jikko" (amabilidad) y "Doylou" (dignidad), que reflejan las agudas observaciones de Lô sobre la sociedad. Fiel a su reputación como uno de los mejores compositores de canciones de amor de África, cierra el álbum con dos tiernas baladas, "Koura" y "Nilelefe", que revelan su lado íntimo y romántico.
Cantado en wolof, dioula, malinké y francés, Maame es una celebración de la diversidad lingüística y cultural de África. Es a la vez global en alcance y auténticamente panafricano en espíritu, un álbum que honra la tradición mientras habla de las realidades contemporáneas.
Cheikh Lô continúa demostrando por qué es considerado como una de las voces musicales más vitales de África. Con Maame ofrece no solo música, sino sabiduría, fe y una visión de unidad, recordándonos que el arte puede guiar, inspirar y sanar.
Tamikrest, en lengua tamasheq, significa unión, conexión, nudo, coalición. Los miembros del grupo provienen de distintos lugares (Malí, Níger, Argelia y Francia). Con el deseo de asumir plenamente su identidad tuareg, encontraron en la música rebelde Ishumar el medio para expresarla. "Un desierto nos acoge, una lengua nos une, una cultura nos vincula".
En 2020, el grupo presentó Tamotaït, su álbum más potente desde el aclamado Chatma (2013), que se aleja de las tendencias más comerciales del blues del desierto para profundizar en un sonido aún más introspectivo, político y espiritual. Este disco marca un punto culminante en la carrera de la banda, consolidando su identidad como una de las voces más poderosas del rock sahariano contemporáneo.
El título Tamotaït, que significa "esperanza" en lengua tuareg, encapsula el espíritu de resistencia y búsqueda de cambio que permea el álbum. En una región devastada por el conflicto armado, las migraciones forzadas y la crisis ambiental, Tamikrest se convierte en portavoz de la diáspora tuareg, luchando por preservar su identidad cultural y sus tradiciones ante los embates de la globalización y la opresión.
A lo largo del álbum, las canciones se erigen como himnos de resiliencia. El disco no solo refleja la situación política en Malí, sino que también aborda temas universales como la lucha por la libertad, la conexión con la tierra y el anhelo de un futuro mejor. Tamotaït no es solo una llamada a la esperanza, sino también una invitación a reflexionar sobre el lugar de los pueblos nómadas en el siglo XXI.
Musicalmente, Tamotaït conserva las características esenciales del blues del desierto, pero se aventura en un terreno más experimental, fusionando elementos de psicodelia, rock y música tradicional tuareg. Las guitarras, siempre desérticas y penetrantes, se entrelazan con percusiones y líneas de bajo que construyen una atmósfera densa y expansiva. La voz de Ousmane Ag Mossa, líder de la banda, se mantiene como la columna vertebral de este universo sonoro, cargada de emoción, pero también de una calma introspectiva que le da profundidad al mensaje.
Canciones como "Awnafin", con su riff hipnótico y su ritmo constante, establecen el tono del álbum: una sensación de permanencia en medio del caos. "Amzagh" es una invocación al mundo de hoy y al del mañana, por la preservación de las futuras generaciones. "Amidinin Tad Adouniya", una de las piezas más líricas, es un canto a la espiritualidad, donde la guitarra se convierte en un vehículo de comunicación directa con el alma. La colaboración con Hindi Zahra en "Timtarin" añade una dimensión más compleja al álbum, la pista se desarrolla en un crescendo alimentado por percusiones galopantes, voces masculinas y femeninas entrelazadas en una armonía que evoca tanto la fragilidad como la fortaleza de la esperanza ("Mi juventud se extinguió entre tantos deseos, con tantas cosas que creí eternas, la vida me enseñó que nada es para siempre").
"Tihoussay" es otra canción de amor que canta el "encanto lleno de delicadeza y atractivo" de la persona amada. Las guitarras se deslizan y resbalan, "La belleza es tuya, tu corazón sabe amar... Cualquiera que se separa de su alma gemela pierde toda la alegría".
El álbum se cierra con "Tabsit", una canción reflexiva que deja una sensación de seriedad, pero también de paz. En ella, la voz de Ag Mossa se acompaña de un delicado fondo de guitarra, creando un contraste con la intensidad de las primeras canciones del disco. Este final casi meditativo refleja la transición de la lucha hacia la aceptación, un espacio de quietud donde se puede comenzar a soñar con un futuro más justo.
La producción de Tamotaït fue confiada a David Odlum, que logra un equilibrio perfecto entre la rusticidad del desierto y un sonido más pulido que potencia las texturas y los detalles del álbum. La mezcla de lo tradicional con lo moderno se siente natural, sin perder nunca la esencia cruda y auténtica que caracteriza al grupo. Los ecos del desierto están siempre presentes, pero se enriquecen con capas sonoras que amplían el horizonte del álbum.
Más que una simple colección de canciones, Tamotaït es un manifiesto de resistencia, una declaración de esperanza en tiempos difíciles. Tamikrest no solo preserva las tradiciones de su pueblo, sino que también las lleva hacia el futuro, mostrándonos que la música puede ser una poderosa herramienta de lucha y transformación.
