Omar Sosa & Seckou Keita – Transparent Water (2017)

Transparent Water (2017) es un viaje místico que abarca varios continentes y que muestra cómo la meditación –como estado del alma– no discrimina en la fusión de la música. Aquí es donde se logra una extraña pero bella armonía entre instrumentos tan desiguales como la kora, de Senegal; un piano-forte afrocubano, percusión japonesa, un sitar coreano y un órgano chino, un diálogo metafísico entre el piano de Omar Sosa y la kora de Seckou Keita. No obstante, sigue siendo el tambor el instrumento favorito de los dioses africanos. Destaca la presencia de un percusionista venezolano de última generación, Gustavo Ovalles, un artista con una creatividad que se funde a la perfección con los pasajes melódicos del alma de Omar y Seckou, un artesano del sonido.
Sosa y Keita se conocieron y se hicieron inseparables, se conectaron musicalmente en 2012, procediendo de universos muy distintos. Omar Sosa, ministro de santería, es una estrella del jazz afrocubano contemporáneo, y Seckou Keita un músico descendiente de griots (juglares humanos por excelencia, cuenteros de historias que tocan música tradicional africana), un virtuoso de la kora, un dulce y complejo cuerdófono muy popular en la cultura musical de África occidental.
La música de Omar es una fusión ecléctica de lenguajes africanos, caribeños y especialmente cubanos con sonoridades de jazz, minimalismo, New Age y blues progresivo en idiomas ancestrales africanos: es la impronta de su música, donde coexisten, cómodamente, la magia y la música en un diálogo transcultural con visos de espiritualidad.
Omar dice de Keita que "es un explorador igual que yo. Con él, la química fue inmediata, muchos piensan que eso ya se había hecho con la conexión Cuba-África". Pero el punto de encuentro continúa desarrollándose hacia fronteras insospechadas, ahora es mucho más profundo: el diálogo es más espiritual (de ahí el título del disco) y estos sonidos entretejidos crean un raro y bello escenario a la vez para una travesía introspectiva por el interior de nuestros propios sueños con el pretexto de la música. Les acompañan Gustavo Ovalles en la percusión, Mieko Miyazkai con el koto, Wu Tong en el sheng y bawu, Mosin Khan Kawa al nagadi, E´Joung-Ju con el geomungo y Dominique Huchet.
Omar señala que, al igual que hiciera con Sentir (2002), "lo que quería hacer era crear algo totalmente improvisado". Transparent Water es la última expresión de la determinación trascendente de Omar de no tocar nunca lo mismo dos veces, una manifestación de libertad improvisadora en la que el destino musical es secundario a la alegría extemporánea del pasaje artístico compartido. Transparent Water, que evoca lo translúcido y la luz que fluye, es una grabación profundamente espiritual que llega a los cinco continentes, un compasivo y cautivador diálogo artístico más allá de toda categoría musical, y una invocación del perdurable espíritu creativo de la condición humana. Un álbum sugerente, un cruce de caminos sonoros con una profundidad espiritual casi abisal.

Página web oficial: Omar Sosa, Seckou Keita

tracks list:
01. Dary (feat. Gustavo Ovalles)
02. In the Forest
03. Black Dream (feat. Mieko Miyazaki & Wu Tong)
04. Mining-Nah (feat. Gustavo Ovalles)
05. Tama-Tama (feat. Mosin Khan Kawa)
06. Another Prayer (feat. Wu Tong & Mieko Miyazaki)
07. Fatiliku
08. Oni Yalorde (feat. Wu Tong)
09. Peace Keeping (feat. Gustavo Ovalles & E'Joung-Ju)
10. Moro Yeye (feat. Wu Tong & Gustavo Ovalles)
11. Recaredo 1993 (feat. Wu Tong & Mieko Miyazaki)
12. Zululand (feat. Gustavo Ovalles)
13. Thiossane (feat. Mieko Miyazaki)





Madredeus – Faluas do Tejo (2005)

Faluas do Tejo, lanzado en 2005, es otro disco que se puede definir como uno de los mejores del grupo Madredeus, un claro homenaje a la ciudad de Lisboa, como ya hicieran en Um Amor Infinito, esta vez evocando las antiguas embarcaciones (falúas) que navegaron por el Tajo hasta los años 70 del siglo XX: "A través del fado uno habla de su niñez, de su infancia. Nosotros hicimos una canción, como un fado, hablando de mi niñez, allí (en las falúas) se celebraban eventos sociales y fiestas populares muy grandes, que todavía recuerdo", declaraba Pedro Ayres en su momento.
Plácido y tranquilo, el álbum parece haber sido el resultado de un momento iluminado de la banda, donde la inspiración para la composición se presentó en el más alto grado de sofisticación, la sensibilidad de los músicos emerge extremadamente refinada y la claridad y la emoción de la voz de Teresa Salgueiro es la ideal. Quizás toda esta conjunción de estados perfectos se deba a la gran inspiración temática del disco: el encanto de la ciudad de Lisboa. Tres de las mejores composiciones del álbum citan directamente las bellezas de la capital portuguesa en sus letras: "Lisboa, Rainha do Mar", que recuerda la época dorada de la ciudad (cuando Portugal se lanzó al mar para desvelar tierras antiguas y nuevas), fascina con guitarras y voces gentiles y una suave programación de fondo, fruto de un órgano Hammond divinamente discreto; "Adoro Lisboa", una apasionada declaración a los lugares y paisajes de la ciudad sobre unas guitarras de dulces y cuidados acordes y otras digitaciones que, con suavidad y maestría, hacen con el teclado, cuyo sonido recuerda a flautas lejanas que prefieren no acercarse nunca demasiado, y "Faluas do Tejo", que con enorme nostalgia melódica, agudizado por el órgano, las guitarras y las voces tristes, recuerda la época en que las embarcaciones navegaban tranquila y amablemente las corrientes del río Tajo, buscando inspiración en los escenarios de la ciudad, reconstruyéndolos a la perfección en sus versos y tonos.
Pero no necesariamente los colores de Lisboa son paso obligado en cada pista de este disco tan cuidado de Madredeus. Hay espacio para otros "sitios", otras sensaciones, otros temas, como se muestra en las canciones "Na Estrada de Santiago", que combina dos voces de Teresa, una cantada a lo lejos de fondo y la otra hablada y segura de sí misma, en primer plano, mientras se oye un ruido constante de las y los peregrinos que hacen el camino de tierra a Santiago de Compostela, y en "Lá de Fora", con una melodía alegre, ligeramente festiva, de guitarras agudas, trotantes, y de teclados ligeros, todo en consonancia con los versos que hablan de los furtivos sentimientos de alegría y placer que nos invaden durante el día.
Para quienes conocen la ciudad de Lisboa con sus propios ojos, así como el resto de este maravilloso país que es Portugal, el álbum tiene un sabor especial pero, incluso para quienes no conocen personalmente estas tierras más allá del mar, pueden sentir el susurro de la delicada brisa, el ligero oleaje de sus aguas dulces y saladas y los suaves colores de sus campos en cada nota, verso y timbre de Faluas do Tejo, en un viaje sonoro conducido elegantemente por el mejor grupo portugués de todos los tiempos.

Página web oficial: Madredeus

tracks list:
01. Lisboa, Rainha do Mar
02. Fado das Dúvidas
03. Adoro Lisboa
04. Névoas da Madrugada
05. Faluas do Tejo
06. No Meu Jardim-Sementes à Terra
07. O Cais Distante
08. Na Estrada de Santiago
09. Lá de Fora
10. O Canto da Saudade (PAM)





Rachid Taha – Je Suis Africain (2019)

Je Suis Africain (2019) es el disco póstumo de Rachid Taha, el epítome de la obra del visionario artista argelino, que practicó la crítica social a través de la transgresión cultural.
Su muerte, el 12 de septiembre de 2018, privó a la música popular de uno de sus creadores más singulares. Taha revolucionó la música moderna del norte de África dotándola de un notable contenido crítico y de variadas especias sonoras. Pionero en la conexión de las raíces magrebíes con el rock, creó una espléndida línea conceptual entre Elvis Presley, Dahmane El-Harrachi y Maurice El Mediouni. Su legado discográfico cuenta tanto la historia y las esperanzas de una generación de migrantes magrebíes, como la denuncia de las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia.
Un año después de su muerte se publica Je Suis Africain, álbum póstumo producido de forma brillante por Toma Feterman, que también participa en la autoría de los temas con el propio Rachid Taha. Con "Ansit" y "Aïta" (una canción testamentaria, "ir y no volver nunca", como la migración que atraviesa el Mediterráneo) expande la tradición de la música andalusí. "Minouche" y "Happy End" dibujan la evocación y la melancolía. En "Wahdi" (acompañado en castellano por la artista queer suizo-argelina Flèche Love), el Magreb suena a mariachi; "Andy Waloo", un juego de palabras con "no tengo nada" (en árabe) y Andy Warhol, pregunta entre riffs de guitarra si conocemos al otro/a, al diferente; "Striptease" ("Soy un triste rompecabezas") es paradigma de la conexión mediterránea con el blues.
Enreda los timbres gnawi con el electro-rock en "Like a Dervish", avisando de que es su primera canción en inglés, y que busca el oasis donde está Elvis, y en el título homónimo "Je Suis Africain" ("Soy africano, soy un albino afro"), rinde homenaje a la africanidad, a la negritud, de forma musical y a través de un recitado en el que proclama la africanía de personajes como Nelson Mandela, Jimi Hendrix, Bob Marley, Jacques Derrida, Patrice Lumumba, Aimé Césare, Angela Davis… y él mismo.
Un disco redondo, compuesto y producido como el gozoso testamento de un visionario caótico y desgarrado, a modo de epílogo de los temas que siempre le ocuparon.

facebook: Rachid Taha officiel

tracks list:
01. Ansit
02. Aïta
03. Minouche
04. Je Suis Africain
05. Wahdi (feat Flèche Love)
06. Insomnia
07. Andy Waloo
08. Striptease
09. Like a Dervish
10. Happy End





Dobet Gnahoré – Couleur (2021)

Dobet Gnahoré es una impresionante artista multidisciplinar: brillante compositora, versátil cantante y percusionista, diestra bailarina, con una poderosa presencia y colorido sentido del estilo, Dobet Gnahoré atrae a quienes admiran a Angélique Kidjo, Yemi Alade, Fatoumata Diawara y otras grandes de la música africana. Su nuevo disco Couleur marca su retorno al sello Cumbancha (que ya lanzara su muy elogiado Na Afriki en 2007), y un emocionante regreso y una nueva dirección artística para esta dinámica diva del continente.
Couleur es el mejor título que se le podría dar al disco. Y es que el trabajo al completo, las canciones y hasta el precioso triple digipack están llenos de ricos colores, arreglos, voces relucientes y percusiones sin tregua que nos traen los ritmos vertiginosos de su Costa de Marfil, pero también rumba congoleña, coros zulúes, ritmos de Camerún, highlife de Ghana, afrobeat nigeriano y melodías mandingas que se mezclan con toques electrónicos y de R&B actuales que nos dan un conglomerado afropop realmente impresionante.
Grabado durante la pandemia en Abidjan (y producido por el también marfileño Tam Sir Junior Yihe), Couleur es un disco profundamente feminista y panafricano, que celebra el talento local, los derechos de las mujeres, la creatividad y la positividad a pesar de los tiempos difíciles. Compuesto junto a su inseparable compañero, el guitarrista Colin Laroche de Feline, el disco está cantado en las múltiples lenguas del país, en francés y en inglés. Igualmente, se presentan momentos y letras más íntimas en las que apela a la familia y a las alegrías que ésta proporciona a quien tiene la posibilidad de compartir vivencias con sus miembros (el caso de la emotiva "Ma Maison").
Pero antes de eso, arranca con el poderoso ritmo, las percusiones y su gran voz con "Désert", y mucha invitación al baile con la ayuda vocal de Yabongo Lova en la enérgica "Lève-Toi", una condena a la pereza y al conformismo cantado en bété, "nada viene sin esfuerzo", predica.
Melódica, lenta y sensual es "Jalouse" (una advertencia sobre los celos), y la ralentizada "Rédemption" es total melancolía, cuyo título ya lo dice todo. "Yakané" canta al potencial poder de las mujeres, y "Mon Epoque" a la toma de las riendas de sus propias vidas amorosas. "Woman" es otro tema que llama al empoderamiento femenino, bailable y muy actual, pero con su habitual latido africano, cantado con Attébé Mirelle Linda. Y un buen final con "Mi Pradjô", de nuevo llena de ritmo y sonidos actuales que se acercan al house.
Un álbum lleno de ritmos bailables, con toques electrónicos, ágiles líneas de guitarra eléctrica y pegadizos ganchos melódicos. Couleur refleja la energía urbana del África moderna y el poderoso espíritu de una mujer independiente que mira hacia un futuro positivo y exitoso. Couleur consolida la posición de Gnahoré como una de las estrellas más brillantes y talentos más sorprendentes de África.

Página web oficial: Dobet Gnahoré

tracks list:
01. Désert
02. Lève-Toi
03. Jalouse
04. Yakané
05. Rédemption
06. Wazii
07. Woman
08. Vis Ta Tie
09. Zaliguéhi
10. Ma Maison
11. Mon Époque
12. Mi Pradjô





Martin Bruhn – Picaflor (2021)

Picaflor, el álbum más reciente del percusionista y compositor argentino Martin Bruhn, nace de una celebración en forma de homenaje a la cultura huanca de los Andes peruanos, la zona del Valle de Mantaro, al sonido tan particular de las orquestas típicas y su festividad popular. Y lo detona su constante búsqueda de nuevas músicas y el amor por el folclore.
Como señala el propio Martin, Picaflor es un poco el resultado de su impresionante carrera como percusionista e investigador musical. Durante los últimos diez años ha formado parte del proyecto musical de Nacho Mastretta. Ha tocado y grabado discos con muchísimos artistas, como Julieta Venegas, Raúl Carnota, Najwa Nimri, Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Paolo Fresu, Tomás Gubitsch, Carlos Aguirre, Quique Sinesi, Susana Rinaldi, Pablo Sbaraglia, Juan Carlos Cáceres, Javier Girotto, Natalio Mangalavite, Ariel Roth, Walter Malosetti, Fernando Egozcue, Olivier Ker Ourio, Ariel Prat, Joe Vasconcelos, Minino Garay, Ara Malikian, Ruben Dubrovsky and The Bach Consort of Wien, Ismael Serrano, Luis Pastor…
Su primer disco como solista, Criollo (2012), es una forma de encuentro entre la electrónica y la música folclórica de latinoamérica, un proyecto donde el espíritu de las tradiciones populares se mantiene intacto mezclándose con las nuevas tecnologías y donde la vitalidad de sus ritmos es la protagonista absoluta.
Picaflor se gestó gracias a sus incansables viajes por el continente, a su amor por los sonidos de Bolivia, Brasil, Uruguay y Perú, y al descubrimiento de la sonoridad de la música de Picaflor de los Andes (de ahí el título) y su forma de mezclar instrumentos con voz absolutamente andino. Como él mismo cuenta, empezó a investigar sobre la cultura huanca y quedó impresionado por la fuerza orquestal tan popular que se produce entre saxofones, clarinetes, violines y arpa de los grupos de la región. Y el disco es una forma de rendir homenaje a los grupos y artistas de la música huanca haciendo su propia interpretación.
Grabado durante la pandemia, Picaflor está concebido como los antiguos vinilos, con un sonido low fi, pasado por aparatos de cintas de esa época. Para ello, de forma totalmente artesanal, cada músico/a se graba muchas veces para poder simular una banda de pueblo. Augusto Bracho (Gustavo Guerrero) se encargó de hacer las mezclas en su propia casa. Las y los artistas que colaboran en este magnífico experimento son Mariana Carrizo (voz), Augusto Bracho (bajo arpero), Leandro Guffanti (saxo, clarinete), Marina Sorín (violonchello y phonofiddle), Diego Galaz (violín), Nacho Mastretta (clarinete), Chelo Segui (saxo), Leo Genovese (saxo), Gabriel Pérez (saxo, clarinette), Antonio Restucci (charango y mandolina) y Germán Wiedemer (arpa).

Página web oficial: Martin Bruhn

tracks list:
01. Intro "La Colina" Yarabi
02. Música huanca
03. Cariñito
04. Huanuco y Tingo María
05. Tarma
06. Popurrí de Festejos
07. Los Carnavales
08. Pollerita
09. Akuie
10. Cumbia Picaflor
11. Ases





Omar Faruk Tekbilek – Love is My Religion (2017)

La música del gran multiinstrumentista y compositor turco Omar Faruk Tekbilek es un cruce de culturas mediterráneas, desde el oriente turco hasta el flamenco de España y la música sefardí, mezclados con jazz y otros sonidos contemporáneos. Süleyman The Magnificent (1988), Fire Dance (1990), Beyond The Sky (1992), Mystical Gardens (1998), One Truth (1999), Alif (2002), One (2003), Garden of Delight (2008)… son parte de una impresionante discografía que tira de hilos del pasado y del presente, de lo tradicional y de lo contemporáneo.
Tras cinco años de ausencia, regresa con un magnífico álbum, Love is My Religion (2017), expandiendo de nuevo su sonido mediterráneo más allá de fronteras políticas, religiosas y geográficas.
Producido Amotz Plessner y Alex Alessandroni Jr., el álbum reúne a un increíble grupo de artistas de renombre mundial como Yasmin Levy e Idan Raichel. Omar Faruk aplica su enfoque de unidad en la diversidad a una colección de canciones coloreadas con sabores de Oriente Medio con trazas distintivas de folk, sufí tradicional, flamenco y otros elementos contemporáneos. Le acompañan Alex Alessandroni Jr. al piano; Bahadir Sener al kanun; Yossi Fine al bajo acústico; Chris Wabich a la percusión; Amotz Plessner a la guitarra y teclados, y Hamid Saeidi al santur. Como habitualmente hace, Omar Faruk despliega su virtuosismo con el ney, el oud, davul, bendir y la darbuka.
Love is My Religion es un disco exquisito, con actuaciones impecables, hipnóticas, elegantes e impresionantemente buenas. Una música deliciosa en la que sumergirse y que vuelve a demostrar que Omar Faruk Tekbilek es uno de los artistas fundamentales dentro de las músicas del mundo.

Página web oficial: Omar Faruk Tekbilek

tracks list:
01. Araf
02. Vivir (feat. Yasmin Levy)
03. Barefoot Dervish
04. Haydar
05. Mara (feat. Idan Raichel)
06. Ya Mustafa
07. Memories
08. Steppe
09. Road to Kabe
10. Adam, Love is My Religion & Tende Canim





Angélique Kidjo – Mother Nature (2021)

La cantante, compositora y ganadora de cuatro Grammys Angélique Kidjo publica su nuevo álbum Mother Nature, un trabajo en el que ofrece una salida eufórica al caos del mundo moderno. Para Kidjo, la realización de este disco supuso un salvavidas muy necesario en medio de la pandemia de coronavirus de 2020. El resultado es una obra visionaria, basada en un profundo conocimiento de la tradición musical y, al mismo tiempo, infinitamente progresista e inventivo. "Este álbum es una carta de amor a la Madre Tierra y a todos los valores que apreciamos: la verdad, la confianza, el amor, la conexión".
A lo largo de sus tres décadas de carrera, Angélique Kidjo se ha sumergido en el vasto yacimiento de artistas legendarias/os de la diáspora negra, inspirándose en la cantante y activista sudafricana Miriam Makeba, el ícono de la salsa cubana Celia Cruz, Aretha Franklin, y muchas/os más. Ha colaborado con varias de las más grandes leyendas del continente africano, desde el blues de Boubacar Traoré hasta el lirismo del saxofón de jazz del camerunés Manu Dibango.
El decimoquinto álbum de esta veterana artista transmite la sensación de un gran desfile de bienvenida: festivo e inclusivo, con un agudo sentido del lugar y el tiempo. Musical y temáticamente afrocentrista, Mother Nature está en consonancia con la misión de vida de esta mujer sesentañera de promover la cultura africana a través de la liberación que proporciona la música. Este afán le ha valido a la cantante beninesa cuatro premios Grammy y se ha ganado la atención de artistas como Bono, Alicia Keys y Phillip Glass: tal es la admiración por Kidjo en África que muchos de las y los nuevos y estimulantes músicos del continente se refieren a ella como "ma Kidjo".
Ese respeto es mutuo. Al ganar un Grammy 2020 por Celia (una reinvención de las canciones de la estrella de salsa Celia Cruz) Kidjo elogió a la nueva generación de músicos/as africanos/as desde el escenario. En Mother Nature demuestra que no fue un gesto vacío, recluta talentos emergentes de África para dar forma a un disco (en fon, yoruba, twi, inglés y francés, entre otros idiomas) donde el afropop, el jazz, el R&B y el hip hop son asimilados a los ritmos ancestrales africanos. La mezcla jubilosa y bailable entre herencia y contemporaneidad se extiende al intento de Kidjo de establecer el rumbo futuro de África abordando su pasado e interrogando sobre su posición actual.
"Africa, One of A Kind", con Mr. Eazi y construido alrededor de un tema del cantante maliense Salif Keita, es un grito de guerra edificante; la pegadiza afro-fusión "Do Yourself", con la estrella nigeriana Burna Boy, anima al empoderamiento y a no rendirse frente a un mundo implacable.
A pesar de las restricciones por coronavirus, con un trabajo que requirió una colaboración pancontinental a distancia (el tema principal "Mother Nature" –con Sting en el videoclip- advierte de la inminente fatalidad climática), el sentido de esfuerzo comunitario es inconfundible. El mensaje de Kidjo se muestra claramente fortalecido, incluso cuando se enfrenta a la injusticia social. La efervescente "Dignity", con la cantante nigeriana Yemi Alade, protesta contra la brutalidad policial, mientras que la rapera de Zimbabue Sampa The Great, a la que Kidjo descubrió en YouTube, agrega versos empoderadores a "Free & Equal", cuyo título juega con la Declaración Universal de los Derechos Humanos y es un llamamiento a la diáspora negra contra el totalitarismo.
Kidjo también se remonta a su tierra natal de Benin con "Omon Oba", contando con los talentos de Zeynab y Lionel Loueke, para continuar su labor de construir una historia personal en un acto de reverencia a su tierra. "Salif [Keita], yo y la generación joven, solo tenemos que continuar esa cadena", dice. "Esa cadena nos permitirá saber quiénes somos y de dónde venimos; es posible que no sepamos a dónde nos dirigimos, pero definitivamente sabremos a dónde podemos volver". Y lo hace, reconfigurando el clásico revolucionario congoleño "Indépendence Cha-Cha" en una melodía que rinde homenaje a las luchas de liberación en curso en todo el continente, tanto en sentimiento como en nombre.
"Mycelium" es un divertido cambio de ritmo (sus dramáticas cuerdas podrían convertirlo en un tema de Bond), pero el mensaje de este alegre y contagioso disco está resumido en las últimas palabras: "La vida es hermosa".
En Mother Nature, Angélique Kidjo utiliza la alegría y el orgullo panafricano como herramientas trascendentales de empoderamiento. Autoproclamada "Daugther of Independence" (nacida un 14 de julio de 1960, dos semanas antes de que Benin declarara su independencia y en el mismo año del establecimiento de autonomía de otras 16 naciones), Kidjo ve la pandemia y las crisis de liberación en curso como llamadas urgentes a la acción. La comunidad es más crítica que nunca, y su misión de inspirar el cambio y mostrar la verdad al poder, ahora se centra en el trabajo colectivo y en la confianza, celebrando el impacto que su labor ha tenido en las generaciones más jóvenes.

Página web oficial: Angélique Kidjo

tracks list:
01. Choose love
02. Dignity (feat. Yemi Alade)
03. Africa, One of A Kind (feat. Mr Eazi & Salif Keita)
04. Mother Nature
05. Do Yourself (feat. Burna Boy)
06. Meant for me (feat. Shungudzo)
07. Omon Oba (feat. Zeynab & Lionel Loueke)
08. Free & Equal (feat. Sampa The Great)
09. Fired Up (feat. Blue Lab Beats & Ghetto Boy)
10. Take it or leave it (feat. EarthGang)
11. Mycelium (feat. -M-)
12. One Africa (Indépendance Cha-Cha)
13. Flying High





Siti Muharam - Siti of Unguja (Romance Revolution On Zanzibar) (2020)

El archipiélago de Zanzíbar, en el Océano Índico, ha sido históricamente un lugar de encuentro de culturas, de intercambios entre India y África oriental. Como tal, su música, taarab, mezcla versos coránicos, polirritmos de África oriental y melodías indias. Tradicionalmente era realizado sólo por hombres. Pero a principios del siglo XX, la cantante zanzibarí Siti Binti Saad reimaginó lo que había sido esta música. Tomando la herencia arábiga de Omán, esta mujer valiente hija de esclavos liberados nacida en 1890, llevó la fragancia litúrgica a la calle, mezclándola con la dialéctica suajili. Al hacerlo, allanó el camino para las cantantes femeninas de taarab. Sorprendentemente, también, introdujo letras en sus canciones que abordaban la explotación de las mujeres, el clasismo y la corrupción.
Casi un siglo después, la bisnieta de Saad, Siti Muharam, continúa su legado, rindiendo homenaje a un linaje de poderosas voces femeninas en su álbum debut, Siti of Unguja (Romance Revolution On Zanzibar). Lo que hace que esto sea tanto un homenaje al pasado como una atractiva lista de reproducción contemporánea va más allá de la música en sí y los exquisitos arreglos occidentales del productor Sam Jones: por primera vez escuchamos la voz de la bisnieta de Siti Binti Saad, Siti Muharam, que había vivido durante años en su privacidad de Zanzíbar con su legendario legado, hasta que fue animada a grabar el repertorio de su bisabuela.
Escuchar Siti of Unguja es como abrir y saborear las botellas de una colección de preciosas especias de Zanzíbar; cada canción, cada instrumento y cada intérprete, tiene su propio sabor, mientras que juntos crean un ramo de ensueño, un garam masala de África oriental. Esencial en este refinamiento del álbum es la dirección musical del productor, arreglista e instrumentista zanzibarí Mohamed Issa Matona, que también ha contribuido con nuevos ritmos y toques bien colocados de electrónica, reviviendo las claves de antaño utilizadas en su día por la bisabuela de Muharam.
Siti Muharam reimagina el taarab en su esfuerzo por reflejar el contexto de su creación dentro de las estructuras de la tradición. Por ejemplo, en "Kijiti" la tristeza es palpable. Se puede escuchar la desolación en su voz mientras canta la terrible historia de la violación y asesinato de una joven embarazada. La interpretación de Siti es profundamente emotiva y exquisita en la forma en que sólo una canción trágica puede ser, mientras que un escaso respaldo de percusión proporciona espacio para la melodía del oud, reforzando la emocionalidad de la denuncia de Siti.
Desde los violines voladores dignos de Bollywood de "Sikitiko" hasta la enredadera de la guitarra de "Nyuki", asombran los cruces entre instrumentos de cuerda (parecidos a la kora) y las contemplativas tablas y percusiones a lo largo de las seis piezas. Todo fluye con vigencia y naturalidad, de forma absorbente, cimbreante, tomándose su tiempo, para recalcarnos que el mundo es tan diverso como unitario. Una preciosa evocación contemporánea de las tradiciones musicales de la costa suajili.

Página web: On The Corner Records

tracks list:
01. Machozi ya Huba
02. Sikitiko
03. Pakistan
04. Nyuki
05. Kijiti
06. Alaminadura





Natalia Lafourcade – Un canto por México Vol. 1 (2020)

Natalia Lafourcade se ha convertido en una artista de culto en Iberoamérica. Cantante, compositora, multiinstrumentista, productora musical, diseñadora, escritora y activista, en su trayectoria profesional ha recibido numerosos reconocimientos internacionales: 14 Latin Grammys, 2 Grammy Awards, un premio Billboard y 3 MTV Awards. Desde su homenaje a Agustín Lara en Mujer Divina (2012), Lafourcade se ha sumido en una constante y evolutiva exploración de las músicas de sus antepasados. En los dos volúmenes de Musas (2017 y 2018) navegó por toda Latinoamérica junto a Los Macorinos, poniendo a disposición de la actualidad el impecable pasado musical que además la inspiró para componer canciones inéditas.
Un canto por México nace a raíz del seísmo de septiembre de 2017 en México, tras la noticia de que el Centro de Documentación del Son Jarocho en Jáltipan, Veracruz, quedó muy afectado y que no tenían un espacio para continuar la misión de conservar y rescatar el patrimonio musical y cultural veracruzanos.
Aprovechando su poder de convocatoria, la gran Natalia organizó tres conciertos benéficos para apoyar a Los Cojolites (alma del Centro): uno en Estados Unidos, otro en el Teatro Roberto Calderón de Ciudad de México y el último en el Auditorio Nacional de la capital mexicana, en noviembre de 2019, donde Lafourcade compartió el célebre escenario junto a Los Cojolites y una decena de invitados e invitadas de la escena musical latinoamericana. Un Canto por México Vol. 1 (2020) y Un Canto por México Vol. 2 (2021) reunen la magia de esta presentación, producción llevada a cabo a partir de los ensayos en Estudio, bajo la dirección de Kiko Campos, Nando Hernández y la propia Natalia Lafourcade, cuyo Volumen 1 les ha supuesto el Grammy Award "Mejor álbum regional mexicano" y 2 Latin Grammys (Álbum del año y Mejor canción regional mexicana).
El son jarocho surgió hace tres siglos como una música clandestina, de esclavos, prohibida por las autoridades religiosas, que la consideraban lasciva porque "revolvía el cuerpo y la mente e incitaba a la lujuria". El género surge por la unión de varias culturas: la española (que ya traía integrada la árabe), la africana (que llegó de Cuba) y la indígena, y el pensamiento que mueve los versos del son jarocho es indígena. El son puede cantar el amor romántico y las penurias sentimentales, las preocupaciones que agobian a los y las habitantes de estos poblados, pero también sus alegrías, su afán por aferrarse a lo bueno de la vida. Y ha estado desde siempre en la vida de la gente campesina.
Agrupaciones como Mono Blanco y Los Cojolites, entre otras, llevan décadas trabajando para evitar la extinción del son jarocho, dando un nuevo aliento al género. Ricardo Perry es director de Los Cojolites y del Centro de Documentación del Son Jarocho en Jáltipan, Veracruz, que desde hace décadas intenta mantener viva esta herencia musical, con talleres para las y los más jóvenes.
Cada tema de Un Canto por México Vol. 1 es como hacer una parada en cada estado mexicano para maravillarse con sus sabores, texturas y sonidos, que destapa desde una serenata huasteca con "El Balajú" hasta una acústica impecable como "Cucurrucucú Paloma", donde sobresale la imponente interpretación de Lafourcade.
Junto con la preciosa versión del tema de Juan Gabriel "Ya no vivo por vivir" (interpretada primorosamente con Leonel García), nos encontramos con reversiones de los singles más destacados de sus álbumnes Hasta la raíz (2015) y Musas (2017 y 2018), donde el mariachi y el danzón suenan de fondo mientras canta a dueto "Hasta la raíz", "Para qué sufrir", "Nunca es suficiente", "Lo que construimos" y "Un derecho de nacimiento", con las voces de Los Auténticos Decadentes, Jorge Drexler, Emmanuel del Real y Panteón Rococó.
Lafourcade lanza también sus propios temas inéditos: "Una vida" (donde se amalgaman perfectamente el mariachi, la orquestación y otros sones que acentúan la fina voz de Natalia) a la que se suma la norteña "Mi religión", dedicada a su más grande amor, la música.

Página web oficial: Natalia Lafourcade

tracks list:
01. El Balajú / Serenata huasteca - con Los Cojolites
02. Mexicana hermosa - con Carlos Rivera
03. Veracruz
04. Una vida
05. Hasta la raíz - con Los Cojolites y Los Auténticos Decadentes
06. Ya no vivo por vivir – con Leonel García
07. Mi religión
08. Para qué sufrir – con Jorge Drexler
09. Nunca es suficiente
10. Sembrando flores – con Los Cojolites
11. Lo que construimos – con Meme (Emmanuel del Real)
12. Un derecho de nacimiento – con Panteón Rococó
13. Mi tierra veracruzana – con Los Cojolites
14. Cucurrucucú Paloma







Natalia Lafourcade – Un canto por México Vol. 2 (2021)

Para salvar al son jarocho, Natalia Lafourcade ha buscado el apoyo de gigantes de la música latinoamericana como el brasileño Caetano Veloso y el panameño Rubén Blades, voces que, junto a ella, aparecen en el segundo volumen de Un canto por México, la producción musical creada para recaudar fondos para la reconstrucción del Centro de Documentación del Son Jarocho de Jáltipan, destruido en el terremoto de 2017.
Este segundo volumen incluye un repertorio de once canciones que van desde el bolero, música tradicional mexicana, son jarocho y otros ritmos latinoamericanos. Una de las canciones más conmovedoras es la versión de "La Llorona", interpretada dulcemente, como un arrullo, por Silvana Estrada y Ely Guerra. Caetano Veloso une su voz a "Soy lo prohibido", mientras que Blades le pone sabor caribeño al disco en "Tú sí sabes quererme", que originalmente formó parte de Musas, álbum que Lafourcade publicó en 2017 en compañía de Los Macorinos.
La chilena Mon Laferte participa en "La Trenza/Amor Completo", mientras que la voz apacible del uruguayo Jorge Drexler aparece en la versión acústica de "Para qué sufrir", uno de los grandes éxitos de Natalia, que formó parte de Hasta la raíz, el disco que catapultó a la mexicana al Olimpo de la música latinoamericana. La canción más comprometida de Un canto por México es "Nada es verdad", compuesta por Los Cojolites, la agrupación de son jarocho con la que Lafourcade se ha unido para impulsar el proyecto de Jáltipan. Sobre esta composición Lafourcade ha escrito: "Es una canción que como un terremoto nos sacude para despertar, abrir los ojos y ponernos a meditar tantito. Una canción para decir: ¡ya basta! Busquemos otra forma de hacer las cosas, porque claramente vivimos en los brazos de un sistema descompuesto en donde sigue faltando el equilibrio, sigue faltando el trabajo para poder vivir en respeto, armonía, libertad, plenitud y, sobre todo, en amor".

Página web oficial: Natalia Lafourcade

tracks list:
01. La Llorona - versión acústica
02. Cien años - con Pepe Aguilar
03. Alma mía / Tú me acostumbraste / Soledad y el Mar
04. Luz de Luna - con Aída Cuevas
05. La Trenza / Amor Completo - con Mon Laferte
06. Nada es verdad - con Los Cojolites
07. Recuérdame - con Carlos Rivera
08. La Llorona - con Silvana Estrada y Ely Guerra
09. Soy lo prohibido - con Caetano Veloso
10. Tú sí sabes quererme - con Mare Advertencia y Rubén Blades
11. Para qué sufrir (acústica) - con Jorge Drexler





Toumani Diabaté & The London Symphony Orchestra – Kôrôlén (2021)

Kôrôlén es una colaboración muy especial entre dos titanes de la música: el gran Toumani Diabaté, el virtuoso por excelencia de la kora maliense ganador de un Grammy en 2006 (junto con otra leyenda, Ali Farka Touré), y la London Symphony Orchestra, reconocida mundialmente por sus interpretaciones de música orquestal en disco, cine y escenario.
Encargado como un proyecto especial por el Barbican Centre de Londres y producido por World Circuit, las grabaciones se realizaron en directo en 2008, y presentan a Diabaté y a su grupo de eminentes músicos malientes (el cantante Kasse Mady Diabaté, el balafonista Lassana Diabaté, Ganda Tounkara al ngoni, y Fode Kouyaté con el calabash y el tama) acompañados por la gran presencia de la LSO, en arreglos realizados por los compositores Nico Muhly e Ian Gardiner y dirigidos por Clark Rundell.
El título otorgado por Diabaté a este lanzamiento único e innovador, "Kôrôlén", se traduce del idioma Mandinga como "ancestral", un lema apropiado para un álbum que reúne antiguas melodías griot y arreglos orquestales occidentales en una relación exquisita, resultando un sonido afro-neoclásico fresco y hermoso. Un sonido que deleitará a las y los admiradores de la música africana, tradicional y ambiental.

facebook: Toumani Diabaté

tracks list:
01. Haïnamady Town
02. Mama Souraka
03. Elyne Road
04. Cantelowes Dream
05. Moon Kaira
06. Mamadou Kanda Keita





Sara Tavares – Fitxadu (2017)

Sara Tavares ha creado una identidad musical que rompe fronteras culturales y étnicas, rindiendo homenaje a sus raíces caboverdianas y portuguesas, e incorporando influencias africanas y contemporáneas más amplias. Su talento, tanto como cantante, como compositora y productora, ha ido creciendo poco a poco, y refleja su experiencia compartida en Portugal, Cabo Verde y en los numerosos viajes que realiza constantemente por el resto del mundo.
Balancê (2006) fue el álbum que hizo que el mundo conociera a Sara Tavares, su genuina introducción internacional (con una edición especial en todo el mundo) y la confirmación de una cantante y compositora capaz de cerrar la brecha entre África y Europa con una sensibilidad muy personal. "Si el sol tuviera sonido, probablemente sonaría así", dijo de ella la revista británica Taplas.
Su reputación internacional fue avalada por su álbum Xinti (2009), una magnífica colección de canciones escritas por ella misma que reflejan interesantes variaciones en su estilo vocal, diferentes composiciones y nuevas fusiones musicales de toque multicultural.
El año 2017 se convirtió en el año del regreso al mundo de la música de esta lisboeta, después de superar un duro cáncer en 2010, con Fitxadu. Según la intérprete, marca el final de un ciclo y, como todos los capítulos, el comienzo de uno nuevo. Se trata de un trabajo en el que se puede afirmar que Tavares se ha redescubierto en lo personal y en lo artístico y en el que ha compartido tanto la producción musical como la composición de algunas de sus canciones, con nombres tan destacados como Kalaf Epalanga, Toty Sa´Med, Manecas Costa, Bilan, Princezito, Nancy Vieira y Paulo Flores, entre otros.
La diferencia con anteriores álbumnes es que en Fitxadu existe la idea de un trabajo más colaborativo, tanto en la composición como en la producción de cada canción, en búsqueda de nuevas sonoridades, tonalidades que van a explorar nuevos sonidos en su música; la introducción de elementos electrónicos que completan la riqueza de la música de los instrumentos acústicos y, como no, la voz de ella, su voz única, que se reconoce en la distancia. Una embajadora de emociones, melodías, ritmos, efectos y palabras.

Página web oficial: Sara Tavares

tracks list
01. Intro – Onde de som
02. So sabi
03. Ginga
04. Coisas bunitas
05. Filingadu
06. Brincar de casamiento (feat. Toty Sa´Med)
07. Ter peito e espaço
08. Txom bom
09. Fitxadu (feat. Princezito)
10. Para sempre amor
11. Flutuar (feat. Paulo Flores)
12. Coisas bunitas (iZem & Karlos Rotsen Remix)





Ballaké Sissoko – Djourou (2021)

Dice mucho para la música maliense que dos de sus mejores intérpretes, los maestros de la kora Toumani Diabaté y Ballaké Sissoko, estén entre sus más decididos innovadores. No sólo son portadores de un gran legado familiar (los dos son primos), sino que tienen un merecido reconocimiento internacional tanto como virtuosos del arpa de 21 cuerdas de África Occidental, como por su fomento de las colaboraciones entre culturas.
Djourou es el último trabajo de Ballaké Sissoko, en el que ha contado con una variedad de artistas, entre ellos el violonchelista Vincent Ségal (con quien ya publicó dos álbumnes sublimes, Chamber Music y Musique de Nuit) que se une al clarinette de Patrick Messina para realizar una vivaz versión de la "La Simphonie Fantastique" de Hector Berlioz.
Con Sona Jobarteh, maestra femenina de la kora y procedente de una prestigiosa familia griot de Gambia, ejerce de segunda kora, mientras ella añade embrujados lamentos vocales a su dúo. El gran Salif Keita aporta una bella y sensitiva interpretación en "Guelen", mientras que Camille Dalmais proporciona romance al arreglo de cuerdas del violonchelista Clément Petit en otro de los momentos más destacados del álbum, "Kora".
Oxmo Puccino contribuye con su comentario hablado sobre "Frotter Les Mains" en satisfacción sin el señuelo del beneficio. El guitarrista y vocalista británico Piers Faccini canta en francés sobre las subidas y bajadas del amor en "Kadidja". Y el tema final son nueve minutos de kora junto al grupo francés Feu! Chatterton en una poética canción sobre la luz de la luna como ropa, "Un Vetement Pour La Lune".
Djourou es un disco de difícil clasificación, en el que Ballaké Sissoko lleva su arte a explorar otros mundos, volviendo a desplegar su admirable capacidad de improvisación y prodigio a la kora, presentándola en multifacéticas formas: íntima y universal, singular y plural, en solitario o en conversación.

Página web oficial: Ballaké Sissoko

tracks list:
01. Demba Kunda
02. Djourou (feat. Sona Jobarteh)
03. Jeu Sur La Simphonie Fantastique (feat. Vincent Ségal / Patrick Messina)
04. Guelen (feat. Salif Keita)
05. Kora (feat. Camille)
06. Mande Tabolo
07. Frotter Les Mains (feat. Oxmo Puccino)
08. Kadidja (feat. Piers Faccini)
09. Un Vetement Pour La Lune (feat. Feu! Chatterton)





Anoushka Shankar – Traces Of You (2013)

Amor, cambio, pérdida… bajo estas premisas, la sitarista y compositora Anoushka Shankar presentó en 2013 Traces of You. Un disco que va más allá de un diálogo cultural al uso, y que se dibuja gracias a sentimientos de intensa alegría y dolor que pueden resumirse en tres formas: el amor por su padre, el mítico Ravi Shankar que falleció durante la grabación del álbum; el amor por su marido, y el amor por su primer hijo Zubin.
La discípula aventajada del gran Ravi Shankar fue su propia hija, depositando en ella su milenaria sabiduría y transmitiéndole las experiencias de su carrera, acreditada como una de las más longevas de la historia de la música hasta que se apagó a los 92 años, en 2012. En Traveller (2011), su disco anterior, Anoushka emprendió un fascinante viaje de la mano del productor Javier Limón donde los códigos sonoros del flamenco y la exquisita música india se encontraban, dialogaban y creaban nuevas texturas sonoras que, partiendo de un ancestral tronco común, han llegado a dos puntos distintos en la evolución en el tiempo y en el espacio. En Traces Of You graba composiciones propias inspiradas en la fértil y magnífica música de la India para crear un repertorio nuevo donde conjunta tradición ancestral con armonías del siglo XXI.
Creado y producido junto con el compositor y multi-instrumentista anglo-hindú Nitin Sawheny, el sonido arcaico y trascendente del sitar y los ragas indios conforman el hilo conductor, haciendo hueco para arreglos de cuerda clásicos y sorprendentes texturas de ilimitada variedad.
Además del genio de la tabla india Tanmoy Bose, el flautista Ravichandra Kulur y el percusionista Pirashanna Thevarajah, su hermana Norah Jones pone piano y voz en tres de los temas, escritos por ambas e inevitablemente relacionados con la marcha de su padre. Un disco magnífico, rico en armonías, melodías y ritmos, ancestral, contemporáneo e incluso futurista.

Página web oficial: Anoushka Shankar

tracks list:
01. The Sun Won't Set (feat. Norah Jones)
02. Flight
03. Indian Summer
04. Maya
05. Lasya
06. Fathers
07. Metamorphosis
08. In Jyoti's Name
09. Monsoon
10. Traces of You (feat. Norah Jones)
11. River Pulse
12. Chasing Shadows
13. Unsaid (feat. Norah Jones)





Kékélé – Congo Life (2003)

Kékélé es una palabra en lingala que significa "liana", una fibrosa parra que escala los árboles en el bosque tropical de la cuenca del río Congo. Las ristras trenzadas del kékélé se siguen utilizando en algunos sitios para construir puentes manuales para cruzar los riachuelos en el bosque. Llamando a su grupo Kékélé, Syran Mbenza, Nyboma, Wuta Mayi, Loko Massengo y Bumba Massa quizás pensaran en las sendas de sus largas carreras trenzando juntos los ramales de algo fuerte, de algo que alejara las distancias y divisiones (géneros, generaciones) y animara a artistas a continuar su jornada y retornar a su casa, los pozos acústicos de la rumba.
Syran Mbenza, Nyboma y Wuta Mayi formaron parte de los pioneros del soukou (rumba africana) de los años 80, Les Quatre Etoiles. Bumba Massa y Loko Massengo eran cantantes solistas con varias bandas congoleñas. En la fuerza de Rumba Congo (2001) una nueva carrera musical despegó. Congo Life fue su segundo álbum, un trabajo que muestra aún más calidez, ingenio y alma que su predecesor. Les acompañan Rigo Star Bamundele, Caçau de Queiroz, Miguel Gómez y François Bréant, que también produce.
Todos aportan canciones, algunas nuevas y otras son favoritas de versiones anteriores de la banda. Pero mientras que, anteriormente, los temas habían sido sometidos al sonido electrónico de estudio tan típico de los soukous de los años 80 y 90, en el presente trabajo todo es acústico, una acústica impresionante. Las líneas de guitarra de Rigo y Syran son una revelación, con un timbre casi hawaiano, a veces doblado con el clarinete de Caçau de Queiroz para dar un efecto similar a la guitarra eléctrica de los soukous. Bréant utiliza cuerdas y flauta en los arreglos instrumentales de forma sorprendente: en el estilo básico de la charanga cubana para las pistas cha cha cha; al estilo de las grandes orquestas martinicas de cuerdas, y al modo barroco europeo que, en cualquier caso, tienen una influencia significativa en sus raíces.
Las deliciosas melodías, los arreglos inspirados y originales, y las impecables interpretaciones son más que suficientes para afirmar que la mejor música africana y la mejor música congoleña son una y la misma cosa.

tracks list:
01. Delali
02. Lolita
03. Issake Shango
04. Affaire Mokuwa
05. Bebe Yaourt
06. Nakobala Te
07. Mandoyi
08. Lili
09. Souvenirs-Ok-Jazz
10. Oyebi Bien
11. Silence





Afel Bocoum – Lindé (2020)

Lindé es el último trabajo del compositor y guitarrista maliense Afel Bocoum, en el que teje un cálido y acogedor paisaje sonoro, tras casi diez años en silencio, con el que supone el cuarto álbum de su trayectoria.
Nacido en Niafunké, al norte de Malí, este virtuoso de la guitarra del desierto tiene su base de operaciones en Bamako. Su carrera musical comenzó en 1968, cuando con 13 años se unió al grupo de su tío Ali Farka Touré, colaboración que duró alrededor de 30 años. En los ochenta fundó su propio grupo al que llamó Alkibar, que significa "mensajero del gran río" en Sonrai.
Canta principalmente en sonrai, la lengua de su madre, pero también en tamasheq, lenguaje de los tuaregs, y en bambara. En 1999, Afel Bocoum publicó su primer álbum, Alkibar. En 2006 el cantante grabó su segunda obra, Niger, en colaboración con Daniel Boivin. Con este trabajo, Bocoum nos lleva una vez más a las orillas del gran río de Niafunké, a una de las fuentes del blues.
Lindé lleva el nombre del gran territorio semisalvaje cerca de Niafunké. Es una mezcla notable de tradición profunda e innovación audaz. El álbum fue grabado en la capital de Malí, Bamako, y une la música tradicional de la región con estilos de todo el mundo, con actuaciones de varios músicos malienses sobresalientes, incluidos Garba Touré (Songhoy Blues) y Madou Diabaté (hermano de Toumani), así como el fallecido "Hama" Sankaré. El disco también presenta al pionero del afrobeat recientemente fallecido Tony Allen (Joan As Police Woman). Los instrumentos tradicionales como el n´goni, njurkel, kora y calabaza se mezclan con guitarras, percusión y cantos de llamada y respuesta.
Bocoum reflexiona desde el fragor de una capital masificada sobre los acontecimientos que han llevado a su país a un Golpe de Estado y que tiene a su ciudadanía sumida en una situación de crisis, inseguridad e incertidumbre que parece perpetuarse, con la cada vez más enraizada presencia del terrorismo en gran parte del extrarradio rural y la indiferencia altiva de la comunidad internacional. Una situación sobre la que el artista pone el acento en sus canciones con el blues del desierto como pilar especiado de músicas globales en su andamiaje.
Frente a un mundo incierto y turbulento, y una patria que lucha contra la yihad, la pobreza y la violencia, Afel Bocoum insta a la esperanza, la solidaridad y la unidad, lidiando con canciones que invocan a la paz y a la unidad de una ciudadanía - la maliense - partida en dos por la incertidumbre.

facebook: Afel Bocoum

tracks list:
01. Penda Djiga
02. Bombolo Liilo
03. Dakamana
04. Fari Intro
05. Fari Njungu
06. Jama Bisa
07. Avion
08. Sambu Kamba
09. Yer Gando
10. Kakilena
11. Djougal





S H I R A N - Glsah Sanaanea with Shiran (2020)

S H I R A N (Shiran Avraham) es una artista hebrea de origen yemení a la que estábamos esperando. Su familia forma parte de las aproximadamente 50000 yemeníes que protagonizaron, entre 1948 y 1949, el "aliyah" (migración a la patria judía), familias que han preservado parte de su cultura originaria (canciones e historias) de generación en generación.
A través de su carrera musical, S H I R A N ha explorado sus raíces familiares haciendo una música que cuenta la historia de la Aliyah yemení, creando un sonido único. Fue en 2018 cuando editó su álbum debut de nombre homónimo, en el que celebraba la tierra de sus antepasados, interpretando canciones en árabe y hebreo, prestándose a texturas de pop occidental usando electrónica y sintetizadores mientras mostraba su voz feminista.
"Cuando grabé mi primer disco llevé a cabo una amplia investigación sobre la tradición yemení. La historia de mi abuela estuvo muy presente, especialmente de su vida antes de llegar a Israel. Eso me inspiró. Porque es de donde vengo. Yo soy una israelí con orígenes yemeníes e iraquíes. Pero la verdad es que me di cuenta que no conocía el verdadero Yemen. En esta ocasión, cuando empecé a trabajar en Glsah Sanaanea, quise volver a las raíces, a lo más básico, traer canciones típicas del país que no fuesen conocidas. Llevar a mi generación a ese viejo Yemen. Por eso mantuve los instrumentos de la región", señala la artista desde su hogar en Tel Aviv, Israel.
Ahora, con la publicación de Glsah Sanaanea with Shiran (producido por Ron Bakal) apela a una línea mucho más tradicional respecto a canciones y composiciones típicas de su tierra originaria, que datan de cientos de años. De hecho, en árabe "Glsah Sanaanea with Shiran" quiere decir "un encuentro musical con Shiran", apelando a este tipo de encuentros donde la gente bebe té y mastica khat, una planta muy común en la península arábiga y en las tierras del cuerno de África, y "Sanaanea" se refiere a Saná, la capital del país.
El sencillo principal "Ya Banat Al Yemen", una canción muy tocada en bodas en Yemen, fue originalmente presentada en su álbum anterior pero ahora, en lugar de patrones de ritmo funky y golpes de órgano, es replanteada a través de un túnel de voces espirituales junto a la de Shiran, acompañada por un conjunto de percusión galopante. Los siete temas restantes siguen siendo un homenaje a Yemen, cuyos contenidos versan sobre amor y bendiciones a la tierra, con célebres poemas que abordan estas temáticas de forma metafórica, y cuenta con la intervención del chelista y cantante yemení Eyal El Wahab, más conocido como El Khat.

Página web oficial: Shiran

tracks list:
01. Ma Al Sabab
02. Maskin Ya Nas
03. Ya Mousafer
04. Ya Ahl San'ah
05. Khatar Ghousn Al Qana
06. Qal Al Mouana (feat. El Khat)
07. Ya Banat Al Yemen
08. Ya Qalb Sabrak





Transglobal Underground – Walls Have Ears (2020)

Con ritmos de reggae ensortijados en sonidos norteafricanos, asiáticos y árabes, la formación original de Transglobal Underground se reune para su nuevo álbum de estudio, Walls Have Ears, aderezado de soul, gospel y electrónica, en su tradicional pero siempre innovadora línea.
Transglobal Underground es un proyecto adelantado a su tiempo. Hace treinta años se levantaron de las cenizas de la infravalorada banda indie Furniture como una fusión de danza y world music, surco en el que han arado desde entonces. Un elenco rotativo de personalidades han ido yendo y viniendo (la cantante egipcio-británica Natacha Atlas, cuyos álbumes en solitario posteriores han abarcado desde orquestas de cuerda hasta jazz árabe; Nick Page, conocido en su encarnación de TGU como el conde Dubulah, que pasó a Syriana, Xaos y a Dub Colossus; Johnny Kalsi, de Dhol Foundation e Imagined Village...). Transglobal Underground se ha caracterizado por ser un magnífico exportador de talento a la escena musical mundial del Reino Unido.
Ahora la banda pasa de ser centrífuga a centrípeta, por hacer una analogía: Natacha Atlas y Nick Dubulah regresaron la nave nodriza, se trabajó con crowdsourced, se llevaron a cabo giras, y algo que se acercaba a la alineación original se unieron para Walls Have Ears. Las colisiones son tan gloriosas como siempre. La canción de apertura, "City In Peril", se monta en un ritmo reggae deslumbrante con cánticos electrónicos y un solo de trompeta fluido de Yazz Ahmed, y la flauta de Tim Whelan revoloteando por encima. Natacha Atlas hace duetos con Sheema Mukherjee, la virtuosa del sitar de la banda, en "Ruma Jhuma", una canción de amor en hindi y árabe con tabla suavemente balanceándose. Las dos se emparejan de nuevo en "Future Ghost". La "decantación" de quienes residen en viviendas sociales, "tattooed and decoded/locked up in boxes, their homes... outmoded” es el tema de "The People Carrier", con una melódica que se desmiente con letras feroces.
En "Bloodshot Eyes" hay una incursión "invitada" de John Bercow, el ex Presidente de la Cámara de los Comunes, gritando "los síes los tienen" y "orden, orden", como la aparición de un mundo desaparecido. El otro lado de la vida londinense está en "Mind The Gap", una rara oda a la línea central del metro que conecta el oeste y el este de la ciudad. Hay diversión tonta en la forma de "Polo Neck", que rinde homenaje a la música pop francesa de los años 60. La música magrebí moderna consigue su salida en el crujiente canto Gnawa de "Stand Up (Nifhamou)", con Atlas cantando con la intérprete raï Sofiane Saidi, y de nuevo en "Chant Sans Adresse", con Nawel Ben Krasem tomando la delantera. "Way Down The River" cierra el álbum, una mezcla clásica de TGU de soul, rap, electrónica y entusiasmo.

Página web oficial: Transglobal Underground

tracks list:
01. City in Peril
02. Ruma Jhuma
03. The People Carrier
04. Bloodshot Eyes
05. Mind the Gap
06. Polo Neck
07. Stand up (Nifhamou)
08. Chant sans Adresse
09. Return of the Green Spider
10. Future Ghost
11. Way Down the River (part one)





Çiğdem Aslan – A Thousand Cranes (2016)

Çiğdem Aslan es una artista con una trayectoria apasionante. Canta en diversos idiomas, incluyendo kurdo, turco, griego, bosnio, búlgaro, romaní y ladino. Su viaje musical comenzó dentro de la familia. Procedente del trasfondo kurdo aleví, en el que la música es uno de los elementos fundamentales de la comunidad, creció con los ricos sonidos de su cultura y luego, mientras estudiaba literatura inglesa en la Universidad de Estambul, solía interpretar rebetiko, sefardí y otras músicas del crisol de Turquía.
Cuando se estableció en Londres para estudiar música, se unió a la banda de klezmer She'Koyokh, proyecto que simultaneó con su carrera como solista, ganando diversos premios por su álbum debut Mortissa (2013).
De la Esmirna y el Estambul de la década de 1920 de Mortissa, A Thousand Cranes (2016) se expande a Atenas, los Balcanes y el sureste de Anatolia. Este segundo álbum toma su nombre en honor a tourna/ούρνα (grulla), un ave migratoria con fuerte simbolismo en muchas culturas y mitologías. Retratadas como mensajeras en canciones, poemas e historias, las grullas son portadoras de enseñanzas, cultura y tradición; su longevidad como símbolo de familia, buena fortuna y juventud eterna; su baile, una celebración de amor y alegría. Las grullas también simbolizan el exilio. Las grullas son amantes de la libertad y, sobre todo, son un símbolo de paz.
Una banda musical de un nivel extraordinario y la coproducción de Nicolas Baimpas acompañan su viaje con un sonido moderno que embellece las melodías profundamente arraigadas con influencias jazzistas e inspiradas improvisaciones. Para ello, A Thousand Cranes fue grabado en uno de los históricos estudios AntArt de Atenas, donde Mános Hatzidákis y Mikis Theodorakis grabaron sus composiciones más famosas.
Como grullas, la música viaja, llevando sonidos e historias a diferentes tierras; evoluciona, cambia y, sin embargo, sigue siendo la misma. A Thousand Cranes es un esfuerzo para contar algunas de estas historias.

Página web oficial: Çiğdem Aslan

tracks list:
01. Kardiokleftra (Heart thief)
02. I Mortissa tis Kokkinias (Mortissa from Kokkinia)
03. Ithela n´rtho to Vradi (I wanted to come by tonight)
04. Çile Bülbülüm (Sing my nightingale)
05. Evlerinin Önü Handır (In front of her house is an inn)
06. Toruna (Crane)
07. Destmala Min (My handkerchief)
08. Zaira (Zaira)
09. Gennithika gia na Pono (Born to suffer)
10. I Lili Skandaliara (Cheeky Lili)
11. Lingo Lingo Şişeler - Ana Mori (Clinking bottles – Oh mother)
12. Feraye – Apopse Sto Diko Sou Mahala (Feraye – Tonight at your neighbourhood)
13. To Minore tis Avgis (Minor song of dawn)





Oum – Zarabi (2015)

Nacida en Casablanca, de origen saharaui, y afincada en Marrakech, Oum El Ghaït Benessahraoui es una cantautora marroquí cuyas composiciones exploran la diversidad de la música marroquí, teñidas con elementos de jazz y soul de la música bereber norteafricana, música andalusí, hassani (del Sáhara), así como ritmos gnawa, cubanos o etíopes.
En sus comienzos a principios de la década de 2000, sus canciones estaban influenciadas por el pop y el hip-hop con letras en inglés y darija, el dialecto árabe maghrebí ampliamente hablado en el norte de Africa. De sonidos más urbanos, sus dos primeros álbumes (lanzados solo en Marruecos) Lik'Oum (2009) y Sweerty (2012) la elevan al rango de estrella en su país.
Su lanzamiento internacional se produce con el álbum Soul of Morocco (2013) en el que reversiona gran parte de sus anteriores trabajos, y que marca un cambio significativo hacia un sonido más acústico y soul-jazz con un cuarteto de músicos (contrabajo, flauta/saxofón, guitarra y batería) y oud/oboe/percusiones invitadas. Siguiendo en la misma línea, Zarabi fue lanzado en septiembre de 2015 en Lof Music/MDC/Harmonia Mundi.
Adoptando un enfoque similar a muchas formaciones de jazz contemporáneo, Oum también graba sus sesiones en vivo, y más recientemente en un estudio improvisado al aire libre en el desierto del sur de Marruecos. Más que una elección estética, esta es también la manera en la que la cantante refleja la práctica musical de lugareños y nómadas en la región del Sahel, que a menudo improvisaban versos, tocaban música y bebían té durante las largas sesiones de la tarde.
Con los cubanos Damian Nueva al contrabajo y Yelfris Valdés a la trompeta, Yacir Rami al oud, y Rhani Krija en percusiones, Zarabi fue grabado en vivo en dos lugares atípicos: el Domaine de la Gérardie en Normandía, y en M'hamid El Ghizlane (provincia de Zagora, sur de Marruecos), una comunidad rural que bordea el desierto saharaui y un lugar de encuentro tradicional para las caravanas comerciales transsaharianas. Aquí es también donde el Festival Taragalte (antiguo nombre de M'hamid El Ghizlane) tiene lugar desde 2009. Impulsado por la propia Oum, el festival celebra el antiguo patrimonio artístico y cultural de la región a través de una serie de conciertos anuales, debates y talleres.
El nombre del álbum en sí ("Zarabi" significa "Alfombras" en darija) es una referencia al trabajo de las tejedoras locales: "Zarabi" funciona como un homenaje a las mujeres que hacen alfombras con prendas antiguas y las reciclan en bellas piezas donde se unen diversas texturas y colores. "Estas alfombras también simbolizan nuestro trabajo como músicxs mezclando diferentes colores e influencias en un solo disco" señala Oum.
Inspirándose en las tradiciones orales colectivas de su país, Oum y sus músicos crean en Zarabi un tapiz maravillosamente elegante, auténtico y vibrante de la música marroquí contemporánea con una canción tradicional ("Ah Wah"), una versión en darija de "Veinte años" de la cantante cubana María Teresa Vera, y ocho nuevas composiciones de su autoría.

Página web oficial: Oum

tracks list:
01. Nia
02. Lila
03. Hna
04. Jini
05. Ah Wah
06. Wali
07. Mansit
08. N´Nay
09. Saadi
10. Veinte años