La uva y la parra son el espíritu del Mediterráneo, "mar en el medio de las tierras", Μεσόγειος Θάλασσα, البحر المتواسط, la diversidad en la unidad, el mar que acoge todas las aguas de los ríos, ríos de gente viajera que nos traen el vino de otros lugares. La uva es luz; la uva es aroma, la uva es sabor... y la parra... la memoria de la tierra...
Niyaz es el nombre del grupo, formado en 2005, por la vocalista e intérprete de hammered dulcimer ("dulcimer martillado", instrumento musical de cuerdas sobre un tablero trapezoidal) Azam Ali, el multi-instrumentista Loga Ramin Torkian y el productor, programador y Dj Carmen Rizzo. Niyaz, en persa, significa "anhelo".
La música de Niyaz, descrita como "música mística con un toque vanguardista", es principalmente una mezcla de misticismo sufí y electronica trance. Niyaz adapta sonidos procedentes del folklore persa, indio y mediterráneo, canciones y poemas (principalmente, del místico sufí Rumi) con la instrumentación occidental electrónica y programación.
Detrás de Niyaz existe una intensa trayectoria musical. Azam Ali (nacida en Teherán y educada en la India y en Los Ángeles) fundó en 1996, junto con el percusionista Greg Ellis, el dúo Vas (donde ya conjugaban sonidos de Persia, India y Occidente; la voz de Azam también puede escucharse en numerosos proyectos de televisión y películas como Matrix Revolutions). Loga Ramin Torkian (también de origen iraní, y de familia exiliada como la de Azam) es un especialista en instrumentos tradicionales iraníes, turcos y europeos, cuyo grupo Axiom of Choice trajo los sonidos antiguos de la música clásica persa a las y los oyentes occidentales en la década de 1990. Y Carmen Rizzo, productor con varias nominaciones a los premios Grammy, ha trabajado junto con artistas de reconocimiento mundial como Coldplay, Seal, Ryuichi Sakamoto y Alanis Morissette.
No es de extrañar que su primer trabajo Niyaz (2005), que nace inspirado por la poesía sufí escrita en urdu (hindú-paquistaní) y farsi (persa), renovara el panorama musical oriental, especialmente el de la música tradicional iraní, plagándolo de ritmos actuales y sonidos contundentes. Canciones como "Ghazal", que abre el disco, o "In the Shadow of Life", donde la hipnótica y embriagadora voz de Azam Ali brilla por su musicalidad, contrastan con cortes instrumentales, como “Arezou”, contagiosos y cautivadores. "Diruba" es una invitación al baile más frenético y apasionado y "Minara", última canción, es prácticamente una oración subrayada por el timbal y los instrumentos de cuerda. Niyaz, un álbum sorprendente, complejo y de sólida sonoridad, profundo y espiritual.
tracks list:
01. Ghazal
02. Nahan "The Hidden"
03. Allahi Allah
04. The Hunt
05. Dunya
06. In the Shadow of Life
07. Arezou
08. Golzar
09. Dilruba
10. Minara
Nine Heavens (2008) es el segundo proyecto de Niyaz, que no sólo cruza las fronteras culturales y estilísticas sino la de siglos, creando sobre la base de poesía persa medieval y canciones populares persas de más de trescientos años una "World Music for the 21st Century".
En este segundo álbum Niyaz desdobla el material compuesto, regalándonos un primer disco en estudio con 9 temas nuevos y un segundo disco con 8 de ellos en versión acústica. Poemas sufíes del folk tradicional turco, poemas de Amir Khosrau Dehlavi (poeta persa del siglo XIII fundador del qawwali, de gran tradición en India y Pakistán), poemas del gran místico del Islam Rumi y poemas persas del siglo XVIII se casan con unas bellísimas programaciones electrónicas, en un paso más en la búsqueda de Niyaz de lograr una coexistencia perfecta entre las raices árabes más tradicionales y la música occidental más moderna.
Disc One - Nine Heavens
01. Beni Beni
02. Tamana
03. Feraghi - Song of Exile
04. Ishq - Love and the Veil
05. Allah Mazare
06. Iman
07. Molk-E-Divan
08. Hejran
09. Sadrang
Disc Two - Nine Heavens - The Acoustic Sessions
01. Allah Mazare (acoustic)
02. Beni Beni (acoustic)
03. Sadrang (acoustic)
04. Tamana (acoustic)
05. Feraghi - Song Of Exile (acoustic)
06. Hejran (acoustic)
07. Ishq - Love and the Veil (acoustic)
08. Molk-E-Divan (acoustic)
Mestisay es un grupo musical canario creado en 1978 en la isla de Gran Canaria por Manuel González, alumno del timplista Totoyo Millares, que convoca a una veintena de jóvenes amantes de la música popular canaria. En sus inicios nace como grupo neofolclórico, siguiendo la estela de grupos isleños como Los Sabandeños, con una estética de coro popular. A lo largo de sus más de 25 años de historia han pasado por varias etapas y han buceado por diferentes estilos musicales.
Con una quincena de discos en sus espaldas, destacan en los mismos las importantes colaboraciones de artistas como Amancio Prada, Carlos Cano, Joan Manuel Serrat y Dacio Ferrera. La carrera musical de Mestisay (llamado también en los años 80 como la "Compañía canaria del canto popular") ha estado muy unida a la de varios poetas isleños, como Pedro Lezcano, con cuyos textos publicó en 1985 el disco Romance del Corredera. Por otro lado, en 1994 Mestisay graba Querido Néstor un homenaje al polifacético artista grancanario llamado Néstor Álamo y que, a modo de homenaje, recoge lo más destacado de su obra musical.
Mestisay ha sido considerado por la crítica como uno de los grupos españoles de música popular de mayor proyección internacional. Después de haber recorrido con sus canciones todos los rincones de la geografía insular canaria, ese reconocimiento internacional les ha llevado a actuar en los mejores escenarios de Argentina, Uruguay, Venezuela, Cuba y Nicaragua. Han actuado también en diferentes ciudades españolas como Madrid, Bilbao, Valencia y Vigo, entre otras.
A finales de años 90, el grupo Mestisay quedó reducido al dúo formado por Manuel González, creador inicial de la formación, y Olga Cerpa, vocalista incorporada al grupo a mediados de los 80. En los años siguientes siguen con la producción de discos y espectáculos basados en grupos y cantantes de música folk y poetas de Latinoamérica, celebrando su 25 aniversario con una producción que titulan Toda una vida y que recorre todas las épocas del grupo, hasta llegar a octubre de 2008, en la que presentan la edición de Pequeño fado y otras canciones de amor, donde la voz de Olga acomete un repertorio de boleros vestidos instrumentalmente por músicos de fado portugués. Viento de la Isla (1998) contó la producción del portugués Julio Pereira y con la participación del cantante portugués de origen mozambiqueño João Afonso. Sus canciones son historias de cada día, sensaciones de un tiempo y relatos de una vida, unidas en melodías dulces y voces cálidas. Un disco lleno de alegría y melancolía hecho con un buen aderezo de calidad.
tracks list:
01. Agüita
02. Na Machamba
03. A donde voy
04. Pobre corazón
05. Se va a salir
06. Atocha 53
07. Trovador de sueños
08. La historia de Julia
09. Niña Candela
10. Aguardiente de caña
11. Utopía
12. Le debo la vida al cielo
13. Viento de la Isla
Youssou N´Dour, uno de los cantantes y compositores senegaleses más conocido a nivel mundial, nos sorprende en 2010 con Dakar-Kingston. Admirador confeso de Bob Marley, ha grabado revisiones de antiguas canciones y recientes a ritmo de reggae, resultando un sorprendente trabajo si tenemos en cuenta que Youssou es el maestro de la música mbalax. De hecho, el ritmo emblemático de la isla de Jamaica tiene un origen similar al mbalax senegalés, si tenemos en cuenta los ritmos que portaba la población africana obligada a viajar.
Producido por Tyrone Downie, viejo amigo de Marley y miembro de los Wailers, Youssou N´Dour se rodea de lo mejor: Earl "China" Smith a la guitarra, Patrice Bart-Williams y la cantante Ayo, la legendaria banda de reggae Morgan Heritage, y Yusuf Islam (Cat Stevens) componiendo el primer tema titulado "Marley".
tracks list:
01. Marley (feat Mutabaruka)
02. Medina
03. Joker (feat Patrice)
04. Bololene
05. Bamba
06. Black Woman
07. Survie
08. Africa Dream Again (feat Ayo)
09. Diarr Diarr
10. Don’t Walk Away (feat Morgan Heritage)
11. Bagn Len
12. Leteuma
13. Pitch Me
Assarouf (el perdón, 1997) y Assouf (la nostalgia, 1995), son dos de los trabajos editados conjuntamente por Steve Shehan y el desaparecido Baly Othmani, artista bereber argelino y maestro del oud.
Steve Shehan, productor, percusionista, multiinstrumentalista, miembro de Hadouk Trío, conocido mundialmente por su extraordinaria colaboración con Omar Faruk Tekbilek en Alif (2002) y por sus trabajos de estudio junto con Brian Eno, John McLaughlin, Vangelis, Herbie Hancock, Paul Simon, Vangelis, Ryuichi Sakamoto y Rokia Traoré, ha compuesto y producido más de 15 álbumes y bandas sonoras de películas en una veintena de años. Arraigado tanto en la world music como en el jazz, sus composiciones combinan sonidos de Asia Oriental, influencias latinas, africanas, e indonesias.
Shehan, que tiene sangre irlandesa y cherokee, habla catorce idiomas y toca decenas de instrumentos de percusión, además de la guitarra, el bajo y el piano. Fascinado por sonidos, combina técnicas sofisticadas con timbres de metal, madera y cristal. Para Steve Shehan, la música es un modo de comunicación entre los pueblos sea cual sea su lengua, su cultura o su religión.
Steve Shehan y Baly Othmani logran crear en Assouf y Assarouf la expresión de la vida en el desierto. Música fascinante, bella (Baly Othmani proporciona el acompañamiento vocal perfecto), sumamente recomendada para quien desee perderse en los ritmos y las melodías del Sáhara argelino.
En Awalin, Nabil Othmani continúa el trabajo iniciado por su padre (Baly Othmani) colaborando con Steve Shehan, que también le rinde homenaje con el documental Assikel, de bali à baly (2008) a este gran poeta del desierto. Awalin ("mi palabra", en Tamasheq) es un dulce viaje que toca los sentidos penetrando profundamente en el alma del desierto. Sobre este álbum, el joven tuareg, con ojos tan intenso como los de su padre - pero con una voz que es "más dulce, menos áspera", según Steve Shehan - ensancha sus horizontes. Junto a Othmani y Shehan se pueden oir a un flautista siberiano, un sarangi hindú, sonidos de la radio egipcia, al trompetista Ibrahim Malouf y al duduk de Didier Malherbe, que participa con Steve Shehan en Hadouk Trío. El resultado de la combinación de todos estos sonidos es la creación de un ambiente mágico que refleja la belleza y el infinito del desierto.
Amália Rodrigues, conocida como "La Reina del Fado", fue la figura más representativa e influyente en la consolidación del fado como canción popular en Portugal en el siglo XX, conocida fuera del país a través de sus múltiples actuaciones internacionales, incluyendo TV y películas. A lo largo de su carrera (que abarca seis décadas) elevó el fado, estética, formal y conceptualmente a niveles superiores, interpretando los más diversos poetas populares y clásicos.
Debutó en el año 1939 en el Retiro da Severa, una de las más prestigiosas casas de fado de la década de los años 30, y en 1940 en el Teatro de Revista, desde donde se siguen invitaciones para actuar, primero, en Madrid, y después en Rio de Janeiro. A partir de entonces, Amália Rodrigues inicia una carrera singular en el panorama nacional, singular por la extensión de su voz, timbre, capacidad interpretativa y su exigencia natural en encontrar nuevas sonoridades y ambientes poéticos en el contexto de la música portuguesa.
Sus primeras grabaciones (de un total estimado de unas 170) datan de 1945, y fueron realizadas en Brasil. Este The Greatest Songs (2009) es un homenaje a la reina del fado, un viaje a través de las sonoridades de su mejor música grabada entre los años 1953 y 1959, una selección de 20 de sus mejores canciones de siempre: los grandes fados que se convirtieron en clásicos como "Que Deus me perdoe", los temas tradicionales fadistas ("Alamares"), su paso por la Revista y la Opereta ("Lisboa não sejas francesa"), los temas que internacionalizó y que tornó suyos, las marchas de su Lisboa ("Marcha da Mouraria"), la experiencia de Coimbra ("Marcha da Mouraria"), o su extraordinaria asociación con David Mourão-Ferreira ("Solidão").
tracks list:
01. Barco negro
02. Solidão
03. Uma casa portuguesa
04. Lisboa não sejas francesa
05. Que Deus me perdoe
06. Coimbra
07. Alamares
08. Fado xuxu
09. Cantei o fado
10. Eu disse adeus
11. Toiro! Eh! Toiro!
12. Marcha da Mouraria
13. Faia
14. Três ruas
15. Lar português
16. Campinos do Ribatejo
17. Conta errada
18. Fado Hilário
19. Fado Eugénia da Câmara
20. A chave da minha porta
Hanine y Son Cubano es una banda que fusiona la música cubana y la árabe, formada en 1999 por el artista y visionario productor de vanguardia greco-libanés Michel Eléftériades (productor, también, de otros interesantes proyectos como el de The Chehadé Brothers).
Sentado en un Café de la Habana Vieja, Elefteriades se sorprendió tarareando una canción que él reconoció como tema de la cantante libanesa Asmahane titulado "Ya habibi ta'ala", que en español se titulaba "El Huerfanito", tratando la letra la misma temática que la versión en árabe. Maravillado de que aquella composición hubiese cruzado mares y fronteras, se le ocurrió fusionar géneros musicales cubanos y árabes. Michel tardó un par de años en hacer realidad el proyecto. Seleccionó siete de los mejores músicos cubanos (Cuban All Stars Orchestra, con el legendario Marcelino Linares) y a la cantante árabe Hanine Abou Chakra, que unirían su talento para llevar a cabo este experimento musical único: una selección de temas clásicos árabes con arreglos cubanos. Siguió un año entre ensayos, grabación, mezclas y la organización del tour de conciertos. El éxito fue impresionante. El álbum entró como agua fresca en el mercado libanés y permaneció en el nº 1 de las listas de ventas durante un año.
tracks list:
01. Baladi (salsa salsita)
02. Zourouni (visitame)
03. Lama aa tarik el ein (la fuente)
04. Chaghalouni (ojos del alma)
05. Zeh´ani (soledad)
06. Bhebak w menak khaifi (no llores)
07. Imlali (llename la copa)
08. Arabo-cuban improvisation
tracks list:
01. La llave - Albi Wa Muftaho
02. Afro - Ana Wel Azab We Hawak
03. Cuando - Imta Ha Ti'raf
04. El mambo de los recuerdos - Aala Bali
05. El huerfanito - Ya Habibi Ta'ala
06. La flor - Ya Zahratan Fi Khayali
07. El gallo - Il Hilwa Di
08. El día feliz - Kan Ajmal Yom
09. Pot pourri - Medley
10. Descarga
11. El mambo de los recuerdos - Aala Bali (remix Michel Eléftériades)
Se han cumplido treinta años de La Leyenda del Tiempo, disco clave que marca un antes y un después en la carrera de Camarón y que supuso un cambio en el flamenco moderno, abriendo nuevos horizontes y acercándolo al rock, al jazz y a las tradiciones orientales.
Rock progresivo y flamenco, fue la primera colaboración de Tomatito con Camarón junto con Raimundo Amador y miembros de los grupos Alameda y Dolores. A la guitarra y las palmas se añaden bajo, batería, flauta, moog, piano Fender e incluso una cítara. Producido por Ricardo Pachón, los poemas de Federico García Lorca dan cuerpo a las letras en cinco adaptaciones, e incluye una letra popular, "La Tarara".
La versión que aquí se presenta es la edición remasterizada en 2005 del LP original, publicado en 1979.
tracks list:
01. La leyenda del tiempo (jaleos)
02. Romance del amargo (bulerías por solea)
03. Homenaje a Federico (bulerías)
04. Mi niña se fué a la mar (cantiñas de Pinini)
05. La Tarara (canción)
06. Volando voy (rumba)
07. Bahía de Cádiz (alegrías de baile)
08. Viejo mundo (bulerías)
09. Tangos de la sultana (tangos)
10. Nana del caballo grande (canción-nana)
M´Bemba (2005) fue el primer álbum de Salif Keita grabado en Malí, en su propio estudio en Bamako (en el que también han grabado, además, distintos músicos, como su amigo y aprendiz, el prodigioso Richard Bona), regalando un trabajo precioso que fue nominado como Mejor Disco del Año en los "BBC Radio 3 Awards for World Music".
Salif Keita vuelve parcialmente con M'Bemba al repertorio tradicional, repitiendo la fórmula del álbum predecesor Moffou, acompañado por auténticos "griots": Toumani Diabaté a la kora, Mama Sissoko con su laúd n´goni, el guitarrista Ousmane Kouyate y las voces de Djanka Diabaté, Buju Banton y las hermanas de Keita. De los arreglos se encargo el propio músico con la ayuda de Kanté Manfila (compañero en la época de Les Ambassadeurs) consiguiendo, de modo delicado y sensible, conservar el espíritu natural de su origen y el sonido acústico de la percusión, la kora y el preciosismo y estremecimiento de las voces.
Dee Dee Bridgewater, compositora y cantante norteamericana, es una de las artistas más interesantes e innovadoras del panorama del jazz vocal contemporáneo. En la década de los años 70 del siglo XX cantó con figuras de la talla de Dizzy Gillespie o Dexter Gordon. Su impresionante caudal de voz está influenciado por figuras como Nancy Wilson o Sarah Vaughan, siendo alumna favorita de Ella Fitzgerald. En Red Earth –tierra roja, en referencia al color del paisaje de Malí- Dee Dee Bridgewater busca sus raíces africanas, el verdadero corazón del jazz y de la cultura de la que ha bebido desde que nació.
Conoció Malí como embajadora de la FAO, reencontrándose con las raíces profundas del blues del delta del Mississipi donde creció. Red Earth es una incursión honesta en el folklore de esa tierra sin que tengamos presente, en ningún momento, que quien lo perpetra es una diva del jazz. Dee Dee no es una artista que se planta en los patrones comerciales del jazz sino que explora todas las músicas posibles, tamizándolas y reconstruyéndolas en jazz, en blues e, incluso, en flamenco. Así, pues, en Red Earth nos encontramos texturas jazzísticas y sonoridades de blues antiguo, con algún detalle flamenco, junto con una deslumbrante equipación de sonidos extraidos del desierto rojo de Malí. Dee Dee ha compuesto y grabado buena parte de los temas de este asombroso álbum, participando todo un impresionante plantel de grandes artistas malienses del momento: por supuesto, la kora planea por todo el disco tocada por su intérprete más universal, Toumani Diabaté; Oumou Sangaré, Mamadou Diabaté, Djelimady Tounkara, Baba Sissoko, Kassé Mady Diabaté… son algunos de los nombres de la treintena que participa.
Un disco de sonoridad jazz impregnado de esencias africanas tan fascinantes como deslumbrantes. Un disco que hace creer en el jazz, en su poder de rejuvenecimiento y de continua reevaluación de sus códigos, lleno de ritmos hipnóticos, de cadencias arábigas y de blues clásico.
tracks list:
01. Afro blue
02. Bad Spirits (Bani)
03. Dee Dee
04. Mama don’t ever go away (Mama digna sara yé)
05. Footprints
06. Children go ’round (Demissènw)
07. The griots (Sakhodougou)
08. Oh my love (Djarabi)
09. Four women
10. No more (Bambo)
11. Red Earth (Massane Cissé)
12. Meanwhile
13. Compared to what
El desolado Sahara en el norte de Malí es el hogar de la tribu nómada Tamashek, cuyos miembros son conocidos en el extranjero como los tuaregs. La agrupación Tinariwen, que significa "desiertos" o "espacios vacíos" en la lengua Tamashek, se formó en los campos de refugiados de Libia con los tuaregs que luchaban por mayores derechos y reconocimiento frente al ejercito maliense. Allí sus miembros escuchaban rock y reggae, y cambiaron sus instrumentos tradicionales por guitarras eléctricas para componer canciones que hablaban de la revolución y la lucha cotidiana de su pueblo.
Después de firmar un tratado de paz con el gobierno maliense en 1996, los miembros de Tinariwen dejaron de lado sus armas y se convirtieron en embajadores musicales de la cultura tuareg, llevando su conmovedora música con reminiscencias del blues a la audiencia global.
El guitarra británico Justin Adams conoció a Tinariwen en un festival de música al oriente de Malí. Allí les propuso grabar un álbum en un estudio de una cadena de radio local, en Tidal. Las sesiones de grabación dieron lugar a Radio Tisdas (2000), que recoge el sonido ambulante característico de Tinariwen.
La música latina era popular en Senegal desde los años 40 del siglo XX cuando los marineros que llegaban al puerto de Dakar traían discos sobre todo cubanos. Hacia final de los años 50 tanto Senegal como sus vecinos Guinea y Mali buscaban la independencia del régimen colonial y sus vínculos con la Cuba castrista favorecieron el ya incipiente interés por su música. Pero lo que distinguió a la Orchestra Baobab sobre otras formaciones fue el desparpajo increíble con el que mezclaban ritmos mandinka, diola y wolof, con el son afro-cubano, teñidos de algo de reggae y una ecléctica variedad de influencias.
El origen de la Orchestra Baobab es de 1970, cuando un grupo de políticos senegaleses deciden poner algo de swing a sus noches de timba y casino en el Club Baobab de Dakar. Y lograron su objetivo: convocar a una inspiradísima orquesta que pusiera fin al estrés de las largas sesiones con que cebaban el ministerio africano. Sin duda, uno de los mejores proyectos ejecutados por la política e industria del entretenimiento de Senegal con proyección en el mundo entero, en plena década prodigiosa. De este capítulo nos queda el registro recuperado por Günter Gretz para la World Circuit: Pirates Choice, un doble CD producido en el año 1982 y que se distribuyó en formato cassette.
Specialist in all Styles es uno de los mejores discos de música afrocubana del nuevo siglo, ganador de los "BBC Radio 3 Awards for World Music" en 2003. Grabado en directo en estudio durante diez días, Specialist in all Styles fue producido por Nick Gold con el ingeniero de sonido de World Circuit Jerry Boys y Youssou N'Dour completando el grupo de producción, contando con la activa participación de músicos cubanos, destacando proverbialmente la voz del maestro Ibrahim Ferrer en "Hommage à Tonton Ferrer", un bolero aterciopelado cuyo cruce bilingüe señala las desventuras de la relación entre dos amantes, un verdadero tratado de la pasión.
tracks list:
01. Bul Ma Miin
02. Sutukun
03. Dée Moo Wóor
04. Jiin Ma Jiin Ma
05. Ndongoy Daara
06. On Verra Ça
07. Hommage à Tonton Ferrer
08. El Son te llama
09. Gnawoe
En 2007, la Orchestra Baobab entregó su tercera producción titulada Made in Dakar en homenaje a sus orígenes, donde se muestra la mixtura, entre el bolero y la guajira, el son y el danzón afrocubano junto a la rumba del congo, el calipso y el folk de Senegal con un fino toque de jazz, con una maestría inusual. Cuenta con las colaboraciones de Yossou N´Dour en "Nijaay", y del soplo cubano de Jesús "Aguaje" Ramos, el trombonista cubano de mayor proyección en el globo. Una joya de la música africana con proyección en todas las partes del mundo.
tracks list:
01. Pape Ndiaye
02. Nijaay
03. Beni Baraale
04. Ami Kita Bay
05. Cabral
06. Sibam
07. Aline
08. Ndéleng Ndéleng
09. Jirim
10. Bikowa
11. Colette
Souad Massi es la artista que guía a la nueva generación de músicos/as de Argelia. Con su dulce voz canta en árabe una música que está próxima al folk-rock, un delicado folk-rock argelino rico en suaves armonías, que refuerza con unas letras humanas y sensibles. Nacida en Alger en 1972 en el seno de una familia de artistas, a los 17 años Souad ya corría por los escenarios de su país, guitarra al hombro, actuando en solitario. En su formación ha bebido de muchas fuentes musicales: folk, country, música clásica, arábigo-andaluza, chaâbi argelino, raï… En su música influyen las tres culturas que conviven en su Argelia natal: la cultura amazigh de la Kabylia (bereber), la árabe y la francesa.
Publica su primer trabajo en 1997 y bate récords de ventas. Comienza a tener dificultades en su país (por lo que representaba el expresarse libremente una mujer) y es entonces cuando le llega una invitación para participar en el festival "Mujeres de Argelia". París descubre a Souad Massi y se queda impresionada por su presencia, superando las barreras del lenguaje. Tras el concierto, firma con el sello Island-Mercury la publicación de Raoui en 2001, con una acogida que desbordó todas sus previsiones. Tuvo también el apoyo de algunos de sus paisanos como Idir, la Orchestre National de Barbès y otros músicos con los que compartió escenarios; posteriormente grabó algunos dúos con artistas reconocidos, de los que destacó "Noir et blanc", grabado con Ismael Lô, un tema que surge como reacción a la ola xenófoba que recorre el mundo tras los sucesos del 11 de septiembre neoyorkino y que está incluido como bonus track en una edición posterior del disco.
tracks list:
01. Raoui
02. Bladi
03. Amessa
04. Tant pis pour moi
05. Noir et blanc (duo con Ismael Lô)
06. Hayati
07. Nekreh el Kelb
08. Denya
09. Khsara Aalik
10. Rani Rayha
11. J'ai pas de temps
12. Awham
13. Lamen
14. Enta Dari
15. Matebkiche
16. Paris (duo con Marc Lavoine)
17. Tant pis pour moi (versión single)
Después de la fabulosa acogida que tuvo su disco Raoui, Souad Massi tuvo el tiempo suficiente para dejar que su segundo álbum madurase, conocer a otras y otros artistas y realizar multitud de conciertos. Deb es su florecimiento musical. Desde los acordes de apertura de este nuevo álbum se muestra un mundo desprovisto de fronteras arbitrarias, burbujeantes tablas de Pakistán, entonaciones zíngaras, sollozos de violoncelos, etéreos laudes árabes (ouds), folk-rock cosmopolita y flamenco andaluz… Un trabajo vibrante y generoso donde su voz se eleva cargada de matices afianzada con una fabulosa sutileza y seguridad.
tracks list:
01. deb - Heart Broken
02. moudja - The Wave
03. ya kelbi - Oh My Heart
04. passe le temps - As Time Goes On
05. ghir enta - I Only Love You
06. ech edani - I Shouldn't Have Fallen In Love With You
07. yemma - Mummy I Lie To You
08. yawlidi - My Little Boy
09. le bien et le mal - Good And Evil
10. houria - Freedom
11. theghri – I Send An S.O.S.
12. beb el mahdi - The Gate Of The Past
Mesk Elil, publicado a finales de 2005, es el resultado del bagaje artístico y cultural sabiamente combinado y enriquecido por la madurez de los años. Para su grabación contó con destacadas aportaciones de algunos músicos como su fiel guitarrista Jean François Kellner, el percusionista Mino Cinelu o el guitarrista malinés Djely Moussa Kouyaté (que acompaña a Salif Keita). También Ismael Lô, Pascal Danaé, Rabah Khalfa y Daby Touré colaboraron, además de cómo instrumentistas, con sus voces, formando los respectivos duos con Souad Massi. Esta selecta diversidad convierte al disco en una mezcla de aires tradicionales y actuales que recorre desde las tierras de los tuaregs hasta los cálidos ritmos antillanos aportando riqueza y calidad. Un maravilloso disco donde sus raices y su apasionado misticismo se alian de manera conmovedora en un acto de sensibilidad y honestidad al alcance de pocos.
En cuanto a las letras de sus canciones, la mayoría escritas por la misma Souad, todas desprenden un cierto tono de nostalgia que no les resta belleza. En muchas de ellas rememora su tierra natal a partir de cosas tan simbólicas como el intenso aroma de la madreselva que perfuma las noches argelinas (el magnífico "mesk elil"); dedica también otros temas al recuerdo de algunos lugares de su infancia, o a expresar el dolor que le produce la lejanía de sus seres queridos, o realiza una afirmación de identidad como es el caso de "miwawa", tema que canta con el mauritano Daby Touré y en el que proclaman juntos el deseo de no perder las raíces. En definitiva, son canciones de exilio, expresión de sentimientos cruzados de amor a su tierra y de tristeza por todo lo que le llevó a alejarse de ella. Mesk Elil es un disco lleno de matices e influencias y, sobre todo, una ocasión para disfrutar de la voz grave y cautivadora de esta mujer bella, generosa, sensible y conmovedora, que desborda talento y humanidad.
Rupa & The April Fishes vuelven, desde San Francisco, con su segundo álbum Este Mundo, editado en octubre de 2009, haciendo una inquietante e irónica reflexión sobre la vida. Envueltos en las contagiosas y seductoras melodías compuestas por Rupa (de origen indio, médica de día y activista musical de noche), los temas del disco nos hacen reflexionar sobre la vida, el amor, el arte, la muerte y las cuestiones reales e imaginarias que nos separan. De hecho, el disco está dedicado "a la memoria de aquellos migrantes que han perdido sus vidas en interminables viajes en la migración global en buzca de trabajo y una vida mejor para sí mismos y para sus familias".
Después de su magnífico debut con Extraordinary Rendition (2008), en Este Mundo Rupa & The April Fishes nos traen, de nuevo, un sonido alternativo aderezado con especias internacionales (con letras en castellano, francés e inglés), mezclado con elementos del swing gitano, la cumbia colombiana, el reggae, la canción francesa, el klezmer y los ragas hindús, creando un sonido propio que la revista Time Out ha catalogado como "agit-pop".
tracks list:
01. (La frontera)
02. C´est Moi
03. Por la frontera
04. La línea
05. La Rose
06. Culpa de la luna
07. L`éléphant
08. Soledad
09. (el camino del diablo)
10. Este Mundo
11. Soy Payaso
12. Neruda
13. Trouble
14. La Estrella caida
15. Espero la luna
Putumayo World Music presenta A Jewish Odyssey (2000), un recopilatorio que explora la riqueza y diversidad de la música judía. Desde los sabores de la música sefardí del Mediterráneo a la emotiva y dinámica música klezmer, A Jewish Odyssey es un largo viaje por estos ritmos que recorre desde Medio Oriente a España, Italia, Turquía, Europa del Este, EE.UU. y otros países. A Jewish Odyssey sorprende y deleita con su acceso a la fascinante mezcla de músicas que refleja la diversidad de la expresión cultural del pueblo judío. Cuenta con artistas de Italia, Israel, Estados Unidos, Turquía, Canadá e incluso Gran Bretaña y Brasil. Cada elemento de sus exóticas melodías, instrumentos, ritmos y letras contenidos en A Jewish Odyssey sirven como referencia para comprender el largo trayecto histórico y cultural recorrido por el pueblo judío.
Con su libreto informativo, que incluye información general sobre la música judía, fotografías y biografías de las y los artistas, A Jewish Odyssey es el regalo perfecto para cualquier persona interesada en las músicas del mundo o que quiere saber más sobre la música y la cultura judía.
tracks list:
01. Chava Alberstein & the Klezmatics • Di Goldene Pave (Israel/USA)
02. The Burning Bush • Rad Halaila (UK)
03. KlezRoym • Fel Shara • (Italy)
04. Zohar • Shabbat Medley (USA/Morocco)
05. Ofra Haza • Rachamim (Israel)
06. Uzca • Kona Hora (USA)
07. The Klezmer Conservatory Band • Meron Nign (USA)
08. Janet & Jak Esim • Ija Mia Mi Kerida • (Turkey)
09. Consuelo Luz • Las Estreyas (Chile/Cuba/USA)
10. Finjan • Dancing on Water (Canada)
11. Fortuna • Shalom Aleichem (Brazil)
Egypt ha sido el proyecto más ambicioso y polémico de Youssou N´Dour. Si hasta la fecha había fusionado los ritmos africanos con melodías occidentales, en este disco se embarca en un viaje por la tradición sufí de Senegal con la compañía de los arreglos orquestales egipcios y árabes de la orquesta de Fathly Salama. Egypt es un canto a la tolerancia del Islam senegalés y al encuentro musical entre África negra y Oriente Medio.
El repertorio de Egypt suena gracias a la combinación entre las percusiones senegalesas e instrumentos egipcios (magruna, doholla, sagat, kawala) y árabes (rababa, oud). Los arreglos de cuerdas subliman unas canciones, ya de por sí, bellísimas. El resultado es soberbio. Desde el saludo inicial de "Allah" hasta la despedida "Touba – Daru Salaam", la peregrinación musical que propone Youssou N’Dour entre Dakar y El Cairo demuestra que la evolución de la música popular, la que hunde sus raíces en los pueblos, no entiende de globalización ni invasiones sino de diálogo y respeto, recalcando una y otra vez la importancia de lo que ama: un Islam humanista.
Como señala la cita de Mamadou Dia, que cierra el libreto del disco: "El amor, en el Islam, no es intelectual sino visceral". Egypt fué Premio Grammy en 2005 for "Best Contemporary World Music Album".
tracks list:
01. Allah
02. Shukran Bamba
03. Mahdiyu Laye
04. Tijaniyya
05. Baay Niasse
06. Bamba The Poet
07. Cheikh Ibra Fall
08. Touba - Daru Salaam
Conocido como "el Jimi Hendrix de la kora", Seckou Keita es un brillante defensor de los sonidos menos conocidos del repertorio de la kora del sur de Senegal. Los giros innovadores que introduce en la improvisación con esta arpa-laud de 21 cuerdas distinguen el sonido de Keita, un eclecticismo que se refleja en su quinteto, cuyos miembros proceden de Senegal, Italia, Egipto y Gambia.
El quinteto Seckou Keita SKQ es una de las bandas más aclamadas en sus tours, seduciendo con su cautivadora música y su maravillosa habilidad para conjuntar sus instrumentos a audiencias de Montreal a Manchester, Suecia o Senegal. Seckou Keita SKQ está compuesto por el propio Seckou Keita a la kora, Davide Mantovani en el contrabajo, Surahata Susso a la percusión, el sonido distintivo de Samy Bishai en el violín, y la encantadora voz de Binta Susso.
Seckou Keita se distingue de otros músicos en sus sonidos inimitablemente propios, conviertiéndose en uno de los intérpretes actuales de kora más innovadores y creativos. Toda la virtuosidad y magia de Keita y de su quinteto se exhiben en el álbum The Silimbo Passage (2008). Sonido fresco inclasificable y encantador.
tracks list:
01. bemo
02. mande arab
03. fonding ke
04. Chelima
05. miniyamba
06. konte djula
07. souraressi
08. dingba don
09. kanu foro
10. missing you
Rokku Mi Rokka (dar y tomar) fué el siguiente disco de estudio del cantante y compositor senegalés Youssou N'Dour, tras ganar el Grammy, en 2005, por el álbum Egypt. El disco, cantado en wolof (la lengua mayoritaria de Senegal), contiene once canciones nuevas y cinco bonus tracks, de vibrante pulso rítmico africano. La inspiración del álbum viene de los sonidos de las zonas de Senegal que bordean con Malí y Mauritania. En él también se puede escuchar, según palabras del propio cantante, "algo de reggae, blues y un poco de Cuba. En África nos excitamos cuando escuchamos estos sonidos porque forman parte de nuestra herencia cultural".
Youssou ha grabado el disco con su banda de gira Le Super Etoile de Dakar, y colaboran Neneh Cherry, el músico maliano Bassekou Kouyate y los miembros de la Orchestra Baobab.
tracks list:
01. 4-4-44
02. Pullo Àrdo (Le berger)
03. Sama Gàmmu (Mon rival)
04. Bàjjan
05. Baay Faal
06. Sportif
07. Tukki (Voyage)
08. Létt Ma (Irrésolution)
09. Dabbaax
10. Xel (Intelligence)
11. Wake Up (It's Africa Calling) (con Neneh Cherry)
Gardens of Eden, editado por Putumayo en 2001, es una colección de músicas cuya temática común gira en torno a los lugares considerados "paraísos terrenales" y los sonidos de la guitarra acústica, el ukelele, la kora africana, los ritmos polinesios, la tabla india y el sitar. Un viaje idílico a través de los ritmos de las tierras del edén.
tracks list:
01. Telek - Midal [Papua New Guinea]
02. Eric Manana - Tsara NY Miran'ny Taniko [Madagascar]
03. Ana Rita Simonka - Mais Filhos de Gandhi [Brazil]
04. Baba Djan - Makola [Guinea]
05. Shweta Jhaveri - To a Beloved [India]
06. Barefoot - Arica [Big Sur]
07. Regional Vermelho E Branco - Conori [Brazil]
08. Guadalupe Urbina - País Azul [Costa Rica]
09. Te Vaka - Tautai E [New Zealand]
10. Keola Beamer - Elepaio Slack Key [Hawaii]
11. Yungchen Lhamo - Happiness Is... [Tibet]
Na Afriki (Hacia África), publicado por Cumbancha, es el álbum editado en 2007 de Dobet Gnahoré, extraordinaria cantante, compositora, bailarina y percusionista de Costa de Marfil, en el que ofrece una visión personal del África actual.
Dobet compone en varios idiomas e incorpora una variedad de ritmos y estilos en su música. Interpreta en las lenguas indígenas marfileñas de Dida y Malinké, y en wolof (Senegal), fon (Benín), lingala (Congo) y xhosa (Sudáfrica), canciones desafiantemente diversas, musical y lingüísticamente, y que tratan cuestiones sociales y políticas de África: las dificultades de las mujeres en la sociedad africana, la explotación infantil, y el impacto de la avaricia y la violencia en la familia.
Dobet canta sobre el amor y la pérdida, sobre la alegría y la celebración, utilizando una amplia variedad de ritmos y estilos que reflejan su propuesta pan-africana. Como madre joven, los temas se refieren con frecuencia a la infancia. En "Têlo Dé" da consejos de una madre a otra, animando a las familias a dejar que su hijo o hija salga al mundo y se exprese. En "Khabone-n'daw" se pronuncia con una lengua intrépida y feroz contra el incesto. En "Djiguene” (Mujer), rinde homenaje a la "Mujer de África, mujer de Asia, mujer de Europa, mujer del mundo", que lucha por la libertad y cura la enfermedad, que cultiva la tierra, alimenta a la infancia y se convierte en madre. Muchas de sus canciones ofrecen reflexiones personales sobre su vida al crecer en una comunidad artística, y gratitud para quienes la ayudaron a guiarse por el camino que eligió para sí misma.
Gnahoré hace un llamamiento a África para que busque soluciones desde dentro y aproveche sus innumerables recursos para crear un futuro mejor con una voz llena de energía y musicalidad, y una portentosa propuesta escénica que la colocarán, sin duda, entre los talentos más sorprendentes del continente.
Djelimady Tounkara es un impresionante músico de Malí, tanto a la guitarra acústica como a la eléctrica, y al n´goni (mezcla de arpa y laúd), un instrumento considerado ser el precursor africano del banjo. Tounkara comenzó su carrera con el jazz en el área de Missira de Bamako en los años 60 del siglo XX, y fué miembro fundador de la legendaria banda The Rail Band of Bamako junto a Salif Keita y Mory Kanté. Desde entonces ha llevado a cabo un gran trabajo para dar a conocer al mundo la música de su país. En 2001 Djelimady Tounkara gana la concesión del Premio "BBC Radio 3 Awards For World Music" para África, y en 2002 lanza Sigui al mercado, trabajo en el que Tounkara reinterpreta las consonancias tradicionales del jeli (canciones de los miembros de la casta responsables de guardar una historia oral de la aldea o de la tribu).
Mariza es el nombre artístico de Mariza dos Reis Nunes, cantante de fados, una de las más populares de Portugal y una de las artistas lusas con más proyección internacional. De padre portugués y madre mozambiqueña, empieza a ser reconocida en 1999 a raíz de la muerte de la más grande fadista de la historia, Amália Rodrigues, en cuyos homenajes póstumos Mariza participó.
Publicó su primer álbum en 2001, Fado em mim, que llegó al cuádruple platino en Portugal. Le siguió Fado curvo en 2003 que la asentó como artista y que le dio el éxito internacional (por estos dos trabajos recibió la Medalla de Oro del Ministerio de Turismo Portugués y el distintivo Artista del Año por la Asociación de Ejecutivos de Marketing en Portugal). En 2005 publicó Transparente. En noviembre 2005, este álbum se publica en España con dos versiones en castellano: Hay una música del pueblo (junto al cantaor José Mercé) y Mi fado mío. En 2006 se edita su DVD grabado en directo Concerto em Lisboa, nominado a los premios Grammy como mejor álbum de folk. Gracias a esta magnífica trayectoria, ha sido nominada como embajadora para la candidatura del Fado al programa de la UNESCO "Herencia Cultural Intangible de la Humanidad", y ganadora de los "BBC Radio 3 Awards for World Music" como Mejor Artista Europea en 2003, 2005 y 2006.
Después de haber trabajado con Jorge Fernando, Carlos Maria Trindade y con Jacques Morelenbaum, Mariza escogió al español Javier Limón como productor para Terra, editado en 2008. Terra es, según la propia Mariza, su obra cumbre, el disco en el que más ha crecido a nivel interpretativo y en el que se ha enfrentado a nuevos retos (mezclar con flamenco y morna, jazz y música folk) que la convierten una vez más en la embajadora del fado en todo el mundo. Para este ha contado con varias colaboraciones, a las guitarras de fado portugués de Bernardo Couto y Diogo Clemente se unen el guitarrista británico Dominic Miller (uno de los músicos de Sting durante los últimos veinte años), tres pianistas (el brasileño Ivan Lins y los cubanos Chucho Valdés e Iván "Melón" Lewis), la guitarra flamenca del propio Javier Limón, y el percusionista español Piraña (percusionista favorito de Paco de Lucía). La voz de Mariza se mezcla con la de Tito Paris (Cabo Verde) y la voz de Concha Buika, demostrando ampliamente su maestría en el género y su habilidad para transmitir pasión y tristeza mezcladas con la alegría a través de su poderosa voz.
tracks list:
01. Já Me Deixou
02. Minh´Alma
03. Rosa Branca
04. Recurso
05. Beijo De Saudade (con Tito Paris)
06. Vozes Do Mar
07. Fronteira
08. Alfama
09. Tasco Da Mouraria
10. Alma De Vento
11. Se Eu Mandasse Nas Palavras
12. As Guitarras
13. Pequenas Verdades (con Concha Buika)
14. Morada Aberta
"Tras viajar y conocer algunas de las diferentes culturas musicales que habitan las orillas del Mediterráneo, me sumerjo ahora en un mundo de sonidos diferentes y hermanados a la vez, ramas de un mismo árbol. A veces en forma de canción, otras en forma de instrumento de raíz y otras simplemente como inspiración, este mar y sus voces son el hilo conductor de este disco dedicado a las mujeres, y en especial a las que por alguna razón se les prohíbe cantar". Así define Javier Limón al que ya ha sido calificado como su proyecto más ambicioso, Mujeres de Agua, recién editado en septiembre de 2010.
Doce voces femeninas se unen en este disco dedicado a las cantantes iraníes perseguidas y silenciadas: Aynur Doğan, La Susi, Estrella Morente, Mariza, Carmen Linares, Buika, Montse Cortés, Sandra Carrasco, La Shica, Yasmin Levy, Elefthería Arvanitáki y Genara Cortés. Y podemos escuchar su canto desde Madrid, Lisboa, Atenas, Estambul, París y Tel Aviv. Mujeres mediterráneas que miran a Oriente emanando fortaleza y melancolía mientras les cantan a las otras, a las amordazadas.
Las diferentes culturas musicales a orillas del Mediterráneo y las voces de sus mujeres son el hilo conductor de este proyecto. Un disco donde conviven fados, coplas por bulerías, soniquetes del Kurdistán, pasodobles turcos o cante tradicional griego, con composiciones propias de Javier Limón acompañadas por músicos de Túnez (Dhafer Youssef), Turquía (Hüsnu Şenlendirici, de Taskim Trio) y Líbano.
tracks list:
01. Amanecer En Estambul (Obertura) - Aynur Doğan
02. ¡Las Caritas Desnudas! (Paso a dos tunecino) – La Susi
03. Manuela (Pasodoble turco) – Estrella Morente
04. Fadista Louco (Fado) - Mariza
05. Media luna me sonríe (Túnez e influencias del Este) – Carmen Linares
06. Oro Santo (Canción isleña) - Buika
07. El Beso Libanés (Canción libanesa-iraquí) – Montse Cortés
08. La calle del olivar (Copla y oud por bulerías) – Sandra Carrasco
09. Agua Misteriosa (Aires adriáticos) – La Shica
10. Komo El Pasharo Ke Bola (Repertorio ladino) – Yasmin Levy
11. Milo Mou Kai Mandarini (Tradicional griego) – Elefthería Arvanitáki
12. Un Lugar Casi Vacío (Buzuki flamenco) – Genara Cortés
Grandes Éxitos, editado por Malanga Music (en exclusiva para fnac, 2009) contiene los más grandes éxitos del célebre pianista cubano Bebo Valdés, auténtica leyenda viva, grabados durante su época de mayor esplendor, entre mediados de la decada de 1950 e inicios de la de 1960. En todas las grabaciones aparece como líder de diversas formaciones que incluyen a algunos de los mejores intérpretes del jazz cubano como Celeste Mendoza, Pacho Alonso, Rolando Laserie y Pío Leyva. "El piano no es mi cuerpo. El piano soy yo. Para mí la música es espíritu."
Pianista, compositor, arreglista y gran líder de bandas históricas, Bebo Valdés es una de las figuras más destacadas de la música cubana. A los 92 años (nació un 9 de octubre), y a pesar de padecer artritis, sigue siendo uno de los pianistas más importantes del mundo.
Nacido en el pueblito habanero de Quivicán, Valdés fue criado en medio de las músicas rituales yorubas de procedencia africana. Estudió armonía y solfeo en el Conservatorio de La Habana, al tiempo que se relacionaba con el jazz y el swing que sonaban a todas horas en la ciudad.
Con apenas diecisiete años, Bebo empezó a tocar piano en varias bandas. En la década del treinta fue integrante del Conjunto Camacho y la banda de jazz de José María Ulacia. También formó un trío de jazz con Roberto Barreto al clarinete y su primo Guillermo Barreto a la batería. A partir de 1943 fue pianista de la orquesta de Wilfredo Curbelo en el Cabaret Faraón. La versatilidad del show obligaba a Bebo a interpretar muchos ritmos diferentes cada noche y a adiestrarse con mucha rapidez en muy diferentes tipos de arreglos para cada pieza, según las características de los cantantes solistas. En esta época también empezó a ser conocido y respetado como arreglista, trabajando para las emisoras habaneras más importantes: RHC Cadena Azul, CMQ y Mil Diez.
Tras colaborar entre 1945 y 1947 en la orquesta del veterano trompetista Julio, fue contratado para trabajar en Tropicana, donde permaneció casi una década como pianista y arreglista de la agrupación del famoso cabaret. Son históricas las descargas que tenían lugar en Tropicana los domingos por la tarde a inicios de los años 50, cuando varios de los integrantes de la orquesta, con Bebo Valdés al piano, tocaban bebop (y otros estilos de jazz) junto a músicos norteamericanos de relieve.
En 1952, en el estudio-teatro de la emisora RHC, Bebo Valdés anunció el estreno de un nuevo ritmo llamado batanga que, entre otras innovaciones, introducía por primera vez en la música popular bailable el tambor batá, cuyo origen se remonta a las ceremonias religiosas afrocubanas. En una de aquellas actuaciones en RHC presentó a Benny Moré, quien debutaba en La Habana cantando batanga tras triunfar con el mambo en México junto a Pérez Prado y Rafael de Paz. Pero Moré no llegó a grabar con Bebo y el batanga, lamentablemente, quedó en el olvido sin llegar a ser una revolución musical semejante a la que llevaron a cabo Machito y Mario Bauzá en Nueva York, o Dámaso Pérez Prado en México.
En 1954, Bebo empezó a grabar una serie de discos para el sello Decca: Your Musical Holiday in Havana (Bebo Valdés and his Havana All Stars), Music for the Girlfriend (Bebo Valdés and his Tropicana Orchestra) y Cha cha chás y charangas (The Latín Sound of Bebo Valdés and his Orchestra). Comienza un prolífico período en el que muchos cantantes, cubanos y extranjeros, tuvieron la oportunidad de contar con sus arreglos y su dirección.
Bebo trabajó en la Orquesta de Tropicana hasta 1957, cuando decidió fundar la orquesta Sabor de Cuba, que interpretando composiciones instrumentales o acompañando a renombrados solistas, demostró ser una de las más importantes bandas de jazz en la isla. La mayoría de los temas que aparecen en este CD fueron grabados con los integrantes de la orquesta Sabor de Cuba (y la mitad de las composiciones son de Bebo). Algunas canciones se registraron antes de la formación oficial del grupo (como "Desconfianza" de 1952, y "Music Box Mambo", "Mississippi Mambo", "Mambo cantabile", "Big Shot Cha Cha Chá", "Descarga caliente" y "Miramar" de 1955), mientras que otras siguen el trayecto del grupo desde su inicio en 1957, hasta su fin en 1960.
Tras haber brindado grandes éxitos a su orquesta Sabor de Cuba, en 1960 Bebo se trasladó a México después de ser objeto de amenazas tras la revolución. Trabajó allí con Rolando Laserie (que había dejado Cuba junto a Bebo), y después estuvo en Estados Unidos y España antes de establecerse en Estocolmo, Suecia, en 1963. Allí se quedó, trabajando en hoteles y tocando en clases de baile.
Después de pasar treinta años en el anonimato, Bebo recibió una llamada de Paquito D'Rivera en noviembre de 1994, invitándole a grabar un nuevo disco en Alemania. La grabación de Bebo Rides Again le permitió dar un nuevo giro a su carrera pese a tener ya 76 años. Tras la grabación del disco, Bebo participó en el documental musical de Fernando Prueba, Calle 54 (2000) y grabó el disco El Arte de Sabor (2001) junto a Cachan y Patato Valdés, por el cual recibió un premio Grammy al Mejor Álbum Tropical Tradicional.
En 2003, Fernando Trueba produjo el disco Lágrimas negras, que tiene a Bebo al piano acompañando el cantaor flamenco Diego el Cigala. Por este trabajo obtuvo un gran éxito internacional, que le mereció un premio Grammy, un premio Ondas, tres premios de la Música, cinco premios Amigo, tres discos de Platino en España, y uno en Argentina, México y Venezuela. Y con nada menos que 86 años Bebo empezó una gira mundial. En 2004 vino su colaboración en la banda sonora de El Milagro de Candeal (también de Fernando Trueba, con Carlinhos Brown)… y actualmente Bebo Valdés vive con su familia en Málaga. A pesar de los años y los problemas de salud, aún disfruta tocando el piano. Él mismo lo ha dicho más de una vez: "Yo quiero tocar hasta que me muera" (extraido de Enrique Molino, en el libreto del CD).
tracks list:
01. Dile a Catalina (son montuno)
02. Special de Bebo (descarga)
03. Siempre cantando (chachachá)
04. Diane (canción de Haití)
05. Music Box Mambo (mambo)
06. Ladrón de gallinas (montuoro guajira, con Celeste Mendoza)
07. Masa limpia (montuno batanga)
08. El manisero (mambo-son)
09. Mayajigua (montuno batanga)
10. Big Shot Cha Cha Chá (chachachá)
11. El cumbanchero (rumba)
12. Dame un chance (son montuno, con Pacho Alonso)
13. Siboney (lamento chá)
14. Wi wi (guaracha mambo)
15. Chamizo (chachachá)
16. La rumba se llama (rumba, con Pio Leyva)
17. Mississippi mambo (mambo)
18. Mambo cantabile (mambo)
19. A quién engañas (danzón)
20. El azúcar abajo (guaracha, con Rolando Laserie)
21. Descarga caliente (mambo-descarga)
22. Estoy matizando (chachachá)
23. Desconfianza (afro-cuban jazz)
24. Miramar (chachachá)
25. Este amor nunca lo podré olvidar (bolero, con Pepe Delgado)
La música de India es conocida, a nivel internacional, como resultado de los influyentes conciertos de cítara de Ravi Shankar y, más recientemente, gracias a las bandas sonoras de películas populares como Slumdog Millionaire, Monsoon Wedding (La boda del monzón) y Bend it Like Beckham (Quiero ser como Beckham). Si bien es cierto que la cítara es importante, existen otros instrumentos indios clásicos igualmente significativos como la tabla y el santoor. Igualmente, más allá de Bollywood, existen otros muchos géneros musicales pop y tradicionales tales como la música rítmica del baile punyabí (llamada bhangra), y los qawwali devocionales sufí, que se hicieron conocidos gracias al fallecido cantante pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan.
Aunque ningún CD en particular puede hacer justicia a la diversidad musical proveniente de India en la actualidad, esta colección ofrece una amplia muestra: desde los sonidos tradicionales a los éxitos pop de Bollywood y las canciones contemporaneas que mezclan las influencias de Oriente y Occidente. Este trabajo de Putumayo confirma que la música de India es tan diversa y fascinante como el país mismo.
Chavela Vargas es la voz desgarrada, el sentimiento que sale de las entrañas cantando unas rancheras sentidas, únicas, con un estilo diferente al del otro grande mexicano, Jorge Negrete.
Nacida en Costa Rica, Isabela Vargas Lizano se ha considerado siempre mexicana. Se fue a México a los 14 años, vagabundeó por las calles de D. F. hasta que, a los 30 años, se hizo cantante profesional, forjándose una leyenda negra vestida de hombre con su ponche rojo, su pistola, fumando cigarros y bebiendo tequila. Conoció y disfrutó a la gente mejor: Diego Rivera, Frida Kahlo y José Alfredo Jiménez, cantante y compositor de sus mayores éxitos. Canciones como “La llorona”, “Piensa en mí”, “Volver, volver” o “La Macorina”, interpretadas hasta entonces sólo por hombres, convirtieron a Chavela en un símbolo, redescubierto hace pocos años en España gracias a Pedro Almodóvar y Joaquín Sabina, y a su aparición en las películas Frida -cantando sus grandes clásicos "La Llorona" y "Paloma negra"- y Babel, cantando "Tú me acostumbraste", inmortal bolero de Frank Domínguez.
Recién cumplidos los 90 años, viva, divertida, feroz e indomable, México le ha rendido un sentido homenaje nombrándola ciudadana distinguida de la Ciudad de México.
tracks list:
01. Somos
02. Fallaste corazón
03. Con mis propias manos
04. El preso número nueve
05. Aquel amor
06. Tu me acostumbraste
07. Amarga Navidad
08. La noche de mi amor
09. La enorme distancia
10. Pobre corazón
11. Paloma negra
12. Amar y vivir
Adriana Calcanhotto es considerada una de las más importantes compositoras musicales de Brasil por la variedad de estilos que contempla. Escritora e intérprete, su trabajo está influido por la música popular brasileña, el movimiento tropicalista, el canto y el performance, y por el movimiento literario modernista del país, del que se ha impregnado a lo largo de su desarrollo personal. Enguiço (1990), Senhas (1992), A Fábrica do Poema (1994), Maritmo (1998), Público (grabado en directo, 2000), Cantada (2002), Adriana Partimpim (2004), Adriana Partimpin O Show (2005) y, el más reciente hasta la fecha, Maré (2008), son sus trabajos en solitario. Colectivamente… más de una treintena de participaciones. Perfil, editado en 2003, es una especie de recopilación de sus temas más significativos hasta la fecha ("Devolva-me", "Mentiras", "Vambora" y otros), ideal para conocer a esta compositora, un derroche de inteligencia creadora y talento de la música popular de Brasil, delicada, irónica y divertida pero de emociones profundas. Una sutil pintora de sonidos y palabras.
