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Tinariwen – Hoggar (2026)

Tinariwen, el grupo más legendario y emblemático de la música tuareg, vuelve con su álbum Hoggar, título que hace referencia a una cadena de montañas situada en el oeste del Sáhara, al sur de Argelia, en la provincia de Tamanrasset. Llamado en árabe el macizo de Ahaggar y en tamasheq Idurar Uhaggar, es un parque nacional culminado por el imponente monte Tahat, que preside el fondo de la portada.
Defensores acérrimos de la cultura nómada de su pueblo, que habita en las zonas fronterizas desérticas entre Mali y Argelia, la música de Tinariwen, con su sonido blues y guitarras y sus 45 años de existencia, ha cosechado reconocimiento mundial por su enérgica fusión de denuncia política, en lengua tamasheq, ritmos sincopados y melodías cautivadoras: un Grammy en 2012 por su álbum Tassili (2011) y nominados de nuevo por sus trabajos Elwan (2017) y Amadjar (2019).
En Hoggar, la banda vuelve a sus raíces (con sus fundadores Ibrahim Ag Alhabib, Abdallah Ag Alhousseyni y Touhami Ag Alhassane) y se reivindica como guardianes de esta tradición musical tuareg. Retoma sus orígenes componiendo con guitarras acústicas y cantando en comunidad alrededor de la hoguera del desierto, al tiempo que cede el testigo a una generación más joven de artistas y músicos invitados para mantener viva la llama de la rebeldía y la resistencia. Entre ellos y ellas, Liya Ag Ablil (Darra), de Terakaft, que pone su guitarra en seis de los temas, y Haiballah Akhamouk, Hicham Bouhasse e Iyad Moussa Ben Abderahmane (Iyad Sadam), del grupo Imarhan, que se encarga de la producción técnica. El álbum ha sido grabado en su estudio Aboogi de Tamanrasset, con la ayuda del ingeniero Patrick Votan.
José González canta en castellano (aportando calidez a las melodías arquetípicas) en el tema "Imidiwan Takyadam", que habla de las madres y las hijas oprimidas por la tiranía infernal de la misoginia islamista, resaltada por un coro femenino que lamenta la difícil situación de sus hermanas. Una reivindicación femenina que es constante en el disco, como se percibe en el vídeo animado del blues trágico "Erghad Afewo" donde cantan "El desierto está en llamas / solo el enemigo está allí ahora", que muestra el amor incondicional de una joven pareja imponiéndose a las dificultades gracias a la ayuda de la música, o en las colaboraciones del disco, empezando por Sulafa Elyas (Sulaf), coprotagonista en la canción tradicional "Sagherat Assani" con su voz y su laúd; o de las voces tuareg de Wonou Walet Sidati (Tamikrest) y Nounou Kaola, determinantes en la emotiva cadencia de "Tad Adounya", una balada llena de compasión.
Tinariwen está actualmente afincado en Argelia, porque tuvieron que abandonar sus casas en el norte de Mali en 2024 debido a la represión de los militares malienses y de los mercenarios rusos del grupo Wagner, responsables de atrocidades como la quema de poblados, la matanza de animales y la violación de mujeres, algo que denuncian a través de su música. Así, en la aparente calma que desprenden las deslizantes guitarras y las percusiones rotundas de "Aba Malik", la doliente voz de Abdallah Ag Alhousseyni aprovecha para maldecir a Wagner.
Desde Argelia, siguen ahondando en el estilo que les ha hecho célebres, las guitarras eléctricas que dan razón de ser al blues del desierto y los cantos comunales de llamada y respuesta. Un signo de identidad que no solo refuerza su mensaje, sino que les sirve para seguir siendo fundamentales en un sonido que ha hecho historia. Otro invitado que los ayuda a conformarlo es el nigerino Anana Harouna, líder del incisivo grupo tuareg Kel Assouf, que aparece en los coros de "Asstaghfero Allah", un título que significa "Pueblo de Mahoma, temed a Dios" y cuya atmósfera reproduce las veladas nocturnas bajo las tiendas compartiendo música y té a la menta.
"N´ak Tenere Iyat" figura como lo más blues del disco, una canción que refleja la nostalgia y el assouf (la soledad), vista no como algo negativo sino como un estado de introspección y libertad. Teneré, además de ser el nombre de un desierto de Níger, significa en tamasheq "tierra vacía" y es la raíz del nombre de la banda, ya que Tinariwen es su plural, los desiertos. En un extremo opuesto, la rítmica "Amidinin Wadar Nohar" mezcla su amor por el Sáhara con las dificultades de la supervivencia en el desierto. No dudan en reconocer que lo tienen mucho más fácil quienes pueden cambiar el camello por un Toyota Land Cruiser en un "Khay Erilan" que los conecta directamente con el blues rural del Mississippi.
A pesar de todas las calamidades, el orgullo de pertenencia domina en la inicial "Amidinim Ehaf Solan", con su sonido marca de la casa de flotantes guitarras, voces de llamada y respuesta, palmas y darbukas, en la que cantan "aún tenemos un país, sediento y dolido, pero volverá a reverdecer y brotarán nuevas ramas". Y no solo eso, también tienen solidaridad con otros pueblos oprimidos, tal como demostró su participación en el emocionante ACT X PALESTINE celebrado en enero de 2026 en Barcelona.
El resultado son once temas de profunda emoción, melodías complejas y la calidez de voces que se funden en una armonía poderosa.

Página web oficial: Tinariwen

tracks list:
01. Amidinim Ehaf Solan
02. Imidiwan Takyadam (ft. José González)
03. Erghad Afewo
04. Tad Adounya
05. Asstaghfero Allah
06. Sagherat Assani (ft. Sulafa Elyas)
07. N´ak Tenere Iyat
08. Amidinin Wadar Nohar
09. Khay Erilan
10. Dounia Tau Ray
11. Aba Malik





Piers Faccini & Ballaké Sissoko - When the Word Was Song EP (2025)

Tras el éxito de su álbum a dúo Our Calling (2025), el cantautor anglo-italiano Piers Faccini y el virtuoso maliense de kora Ballaké Sissoko presentan un nuevo EP con canciones originales. Siguiendo la misma línea que su álbum anterior, este nuevo EP pone de relieve la profunda conexión musical que estos dos artistas han forjado a lo largo de más de veinte años de amistad, así como la singularidad de su diálogo musical e intercultural. Juntos, incorporan los sonidos de la kora maliense a la música folk, y viceversa, con formas inglesas que a su vez abrazan la melodiosidad mandinka. Una vez más, estos dos aventureros musicales nos ofrecen canciones de una intensidad emocional que es, a su vez, original e inmensamente conmovedora.
"Melancholy", con el violonchelista Vincent Segal, y "Harbour", con Badjé Tounkara al ngoni, provienen de las sesiones de grabación originales en París. Su versión de "Special Rider Blues", del bluesman de Mississippi Skip James, se grabó en los estudios Maida Vale de la BBC en Londres. Finalmente, "When The Word Was Song" fue compuesta en conjunto durante su gira y grabada en directo sobre ruta.

Página web oficial: Piers Faccini, Ballaké Sissoko

tracks list:
01. Special Rider Blues
02. When The Word Was Song
03. Harbour
04. Melancholy





Tamikrest – Tamotaït (2020)

Tamikrest, en lengua tamasheq, significa unión, conexión, nudo, coalición. Los miembros del grupo provienen de distintos lugares (Malí, Níger, Argelia y Francia). Con el deseo de asumir plenamente su identidad tuareg, encontraron en la música rebelde Ishumar el medio para expresarla. "Un desierto nos acoge, una lengua nos une, una cultura nos vincula".
En 2020, el grupo presentó Tamotaït, su álbum más potente desde el aclamado Chatma (2013), que se aleja de las tendencias más comerciales del blues del desierto para profundizar en un sonido aún más introspectivo, político y espiritual. Este disco marca un punto culminante en la carrera de la banda, consolidando su identidad como una de las voces más poderosas del rock sahariano contemporáneo.
El título Tamotaït, que significa "esperanza" en lengua tuareg, encapsula el espíritu de resistencia y búsqueda de cambio que permea el álbum. En una región devastada por el conflicto armado, las migraciones forzadas y la crisis ambiental, Tamikrest se convierte en portavoz de la diáspora tuareg, luchando por preservar su identidad cultural y sus tradiciones ante los embates de la globalización y la opresión.
A lo largo del álbum, las canciones se erigen como himnos de resiliencia. El disco no solo refleja la situación política en Malí, sino que también aborda temas universales como la lucha por la libertad, la conexión con la tierra y el anhelo de un futuro mejor. Tamotaït no es solo una llamada a la esperanza, sino también una invitación a reflexionar sobre el lugar de los pueblos nómadas en el siglo XXI.
Musicalmente, Tamotaït conserva las características esenciales del blues del desierto, pero se aventura en un terreno más experimental, fusionando elementos de psicodelia, rock y música tradicional tuareg. Las guitarras, siempre desérticas y penetrantes, se entrelazan con percusiones y líneas de bajo que construyen una atmósfera densa y expansiva. La voz de Ousmane Ag Mossa, líder de la banda, se mantiene como la columna vertebral de este universo sonoro, cargada de emoción, pero también de una calma introspectiva que le da profundidad al mensaje.
Canciones como "Awnafin", con su riff hipnótico y su ritmo constante, establecen el tono del álbum: una sensación de permanencia en medio del caos. "Amzagh" es una invocación al mundo de hoy y al del mañana, por la preservación de las futuras generaciones. "Amidinin Tad Adouniya", una de las piezas más líricas, es un canto a la espiritualidad, donde la guitarra se convierte en un vehículo de comunicación directa con el alma. La colaboración con Hindi Zahra en "Timtarin" añade una dimensión más compleja al álbum, la pista se desarrolla en un crescendo alimentado por percusiones galopantes, voces masculinas y femeninas entrelazadas en una armonía que evoca tanto la fragilidad como la fortaleza de la esperanza ("Mi juventud se extinguió entre tantos deseos, con tantas cosas que creí eternas, la vida me enseñó que nada es para siempre").
"Tihoussay" es otra canción de amor que canta el "encanto lleno de delicadeza y atractivo" de la persona amada. Las guitarras se deslizan y resbalan, "La belleza es tuya, tu corazón sabe amar... Cualquiera que se separa de su alma gemela pierde toda la alegría".
El álbum se cierra con "Tabsit", una canción reflexiva que deja una sensación de seriedad, pero también de paz. En ella, la voz de Ag Mossa se acompaña de un delicado fondo de guitarra, creando un contraste con la intensidad de las primeras canciones del disco. Este final casi meditativo refleja la transición de la lucha hacia la aceptación, un espacio de quietud donde se puede comenzar a soñar con un futuro más justo.
La producción de Tamotaït fue confiada a David Odlum, que logra un equilibrio perfecto entre la rusticidad del desierto y un sonido más pulido que potencia las texturas y los detalles del álbum. La mezcla de lo tradicional con lo moderno se siente natural, sin perder nunca la esencia cruda y auténtica que caracteriza al grupo. Los ecos del desierto están siempre presentes, pero se enriquecen con capas sonoras que amplían el horizonte del álbum.
Más que una simple colección de canciones, Tamotaït es un manifiesto de resistencia, una declaración de esperanza en tiempos difíciles. Tamikrest no solo preserva las tradiciones de su pueblo, sino que también las lleva hacia el futuro, mostrándonos que la música puede ser una poderosa herramienta de lucha y transformación.

Página web oficial: Tamikrest

tracks list:
01. Awnafin
02. Azawad
03. Amzagh
04. Amidinin Tad Adouniya
05. As Sastnan Hidjan
06. Timtarin (feat. Hindi Zahra)
07. Tihoussay
08. Anha Achal Wad Namda
09. Tabsit





Trio Da Kali – Bagola (2025)

Trio Da Kali se fundó en 2013 por iniciativa del Aga Khan Music Programme, con la ayuda de la productora musical Lucy Durán, saltando a la fama internacional con su sublime álbum Ladilikan (2017), que contó con una colaboración sin precedentes y galardonada de Kronos Quartet, el legendario cuarteto de cuerda clásico de San Francisco. Ocho años después, el grupo maliense publica por fin un álbum íntegramente en su nombre: Bagola, un trabajo que confirma a este trío como una de las formaciones más relevantes de la música mandinga contemporánea.
El resultado justifica con creces el tiempo transcurrido. Con un sonido acústico cristalino, obra del ingeniero Timothée Gumy y del productor artístico Javier Monteverde, el disco combina herencia, comentario social y una sorprendente capacidad de renovación dentro de los márgenes de la tradición griot.
El álbum se abre con "Bagola", pieza que da título al trabajo y que, sobre un ritmo vivo y contagioso, despliega una sátira sobre las relaciones de poder patriarcal en la sociedad maliense. Aquí la voz de Hawa Kasse Mady Diabaté (hija del legendario Kassé Mady Diabaté), que se distingue por su pureza y expresividad exquisita, brilla con un magnetismo que oscila entre la dulzura y la firmeza, acompañada por el balafón hipnótico de Lassana Diabaté y la base grave y cálida del ngoniba de Madou Kouyaté. La ironía de la letra contrasta con la vitalidad instrumental, ejemplo perfecto de cómo la tradición oral puede actualizarse sin perder fuerza comunicativa.
Entre los momentos más conmovedores destacan "Dadunkan", reflexión sobre el destino y la aceptación de lo inevitable, y "Orpaillage", una denuncia poética de la devastación ambiental causada por la minería del oro en Mali, Guinea y Senegal. También sobresale "Cela Sigui", que aborda las implicaciones sociales de los matrimonios concertados, y "Tulunke", composición de Lucy Durán que rescata el carácter lúdico de los cantos femeninos rurales, con un aire casi afrocubano.
El bloque central del disco se completa con piezas de fuerte carga simbólica: "Wara", dedicada a la danza femenina; "Nana Triban", homenaje a una de las grandes heroínas de la épica mandinga, o "Fakoly", que evoca al guerrero del mismo nombre, clave en la fundación del imperio de Mali en el siglo XIII. En "Latege" el trío se repliega hacia un clima introspectivo, invitando a la paciencia y al respeto mutuo. El cierre llega con "Deme", grabación más antigua, que recupera el ambiente festivo de los bautizos y bodas urbanas, con palmas y coros que expanden el carácter comunitario del álbum.
El equilibrio instrumental es otro de los grandes logros de Bagola. El balafón cromático de Lassana Diabaté (heredero de una tradición guineana que él mismo ha llevado a colaboraciones con la Symmetric Orchestra de Toumani Diabaté o el proyecto Afrocubism) aporta una paleta de timbres capaz de sostener melodía, ritmo y armonía al mismo tiempo. El ngoniba de Madou Kouyaté, hijo del virtuoso Bassekou Kouyaté y miembro del grupo Ngoni Ba, añade profundidad armónica y refuerza la rítmica. Y sobre todo ello, la voz de Hawa se erige como un instrumento emocional de primera magnitud, comparable por su fuerza expresiva a la de las grandes cantantes de la tradición soul. La producción de Lucy Durán, etnomusicóloga de referencia en la música de África occidental, resulta fundamental: ha sabido preservar el carácter acústico del trío, evitando excesos y dejando que las canciones respiren con naturalidad.
Bagola no es solo un disco de canciones: es un manifiesto sobre cómo la música griot sigue viva, capaz de iluminar los grandes dilemas sociales, ecológicos y humanos de nuestro tiempo. Un álbum que celebra la herencia, pero no se conforma con custodiarla, sino que la reinventa con elegancia, rigor y emoción. Un trabajo imprescindible, que confirma a Trio Da Kali como uno de los grandes referentes actuales de la música de África occidental.

facebook: Trio Da Kali

tracks list:
01. Bagola (The persuasive woman)
02. Dadunkan (A person´s destiny in life)
03. Cela Sigui (Marriage in the husband´s home)
04. Tulunke (Let us play!)
05. Orpaillage (Gold-panning)
06. Dissa
07. Wara (The lion)
08. Nana Triban
09. Fakoly
10. Latege (Destiny)
11. Deme (Please support me!) (bonus track)





Piers Faccini & Ballaké Sissoko - Our Calling (2025)

Piers Faccini es italo británico y proviene del folk poético; Ballaké Sissoko, de Malí, es uno de los grandes maestros de la kora. Dos décadas después de su primera colaboración, vuelven a unir culturas y tradiciones en un disco acariciante: Our Calling. Este fascinante diálogo, entre un virtuoso instrumentista en la cima de sus facultades y un compositor inspirado, consigue crear nuevas formas de canción con una ligereza que tiende puentes entre continentes y juega con la tradición.
Las semillas de Our Calling se plantaron cuando Sissoko y Faccini se conocieron por primera vez en el sello Label Bleu a principios de la década de 2000, y cimentaron una amistad que se ha ido alimentando con el paso de los años. Ambos conectan y experimentan con nuevas formas de combinar las tradiciones mandingas y las canciones folk británicas y mediterráneas. Sissoko colaboró en el segundo álbum en solitario de Faccini, Tearing Sky, en 2006. En 2020, su colaboración encontró una nueva inspiración bajo el estandarte del sello Nø Førmat!, cuando Sissoko invitó a Faccini a cantar "Kadidja" en lengua bambara en su aclamado álbum Djourou, y más tarde con el sencillo "The Fire Inside", una química que confirmó su visión compartida de realizar un primer álbum a dúo.
A través de diez pistas exquisitamente elaboradas, Our Calling es un canto sonoro y narrativo de alabanza a la migración en todas sus formas: ya sea a través de la naturaleza, como semilla transportada por el viento o por aves como el ruiseñor (que viaja entre África Occidental y Europa con el cambio de las estaciones) o a través de los seres humanos, a lo largo de los siglos y a lo largo de caminos y rutas, compartiendo modos y ritmos musicales. El diálogo acústico de los dos amigos se grabó en París, en directo y codo a codo en el estudio, durante cinco días. La originalidad del álbum radica en que su esencia musical es profundamente maliense, pero está impregnada de la esencia del folk cantado en inglés.
Grabado por Frédéric Soulard, el álbum reúne a un extraordinario elenco de músicos, entre ellos Vincent Segal al cello, Badjé Tounkara al ngoni y Malik Ziad al guembri. Un trabajo delicioso en el que la voz de Faccini va fluyendo con sedosidad, mientras la magia de Ballaké se va prodigando con gran sapiencia. Un encuentro de culturas y tradiciones que amplía toda noción previa que se tenga acerca de las posibilidades del folk contemporáneo.

Página web oficial: Piers Faccini, Ballaké Sissoko

tracks list:
01. One half of a dream
02. I Wanted To Belong
03. If Nothing Is Real
04. Mournful Moon
05. Ninna Nanna
06. Borne on the wind
07. Go Where Your Eyes
08. Shadows Are
09. North And South
10. By your hand





Salif Keita – Moffou (2002)

Salif Keita posee una de las voces más exquisitas que jamás haya salido de Malí, del continente africano o de cualquier otro lugar. Es un instrumento de una belleza, un poder y una intuición milagrosos. Su destreza es aún más notable porque no es un jali (músico hereditario), sino un noble renegado que se vio obligado a confiar por completo en su ingenio y su habilidad innata.
Moffou es el nombre que se le da a una flauta africana, un instrumento muy simple usado por los campesinos del Sahel, hecho a mano según técnicas ancestrales. No hay nada más simple, más elemental, ni más eterno que este pequeño objeto. Y Moffou es tanto el título del álbum de 2002 de Salif Keita como el nombre de un complejo cultural creado cerca de Bamako para intercambiar y extender la cultura maliense.
Disco eminentemente acústico, que conforma una trilogía junto con M´Bemba (2005) y La différence (2010), Moffou es una obra de inspiración africana al cien por cien, con las influencias del soul y del pop momentáneamente aparcadas, donde la voz celestial de Salif Keita, que posee una claridad y un vigor excepcionales, nos brinda una de sus grabaciones más frescas, más vertiginosas y más auténticas.
Rodeado de artistas excepcionales, el disco navega entre baladas íntimas como "Iniagige", "Souvent" o "Ana Na Ming" y ritmos más animados, e invita Cesária Évora a unirse a él en uno de los temas, "Yamore". Precisamente son las baladas, simples y generalmente acompañadas solo por la guitarra, las que emergen como el corazón y el alma de Moffou. En ellas, la obra de toda la vida de Keita se consolida y se glorifica a través de la madurez relajada de un artista en su mejor momento. Su tenor imponente y de sabor islámico está respaldado en todo momento por los elegantes arreglos acústicos de Kanté Manfila, meticulosamente elaborados, dando como resultado una música bañada de claridad melódica en la que destaca una instrumentación esencialmente tradicional.
La tradición y sencillez musical, por un lado, la apertura y la universalidad por el otro, son los elementos que hacen de Moffou un clásico; nunca, nunca sonará anticuado.

Página web oficial: Salif Keita

tracks list:
01. Yamore (feat. Cesária Évora)
02. Iniagige
03. Madan
04. Katolon
05. Souvent
06. Moussolou
07. Baba
08. Ana Na Ming
09. Koukou
10. Here





Sissoko Segal Parisien Peirani - Les Égarés (2023)

El álbum Les Égarés es más que un disco. Es un espacio de juego habitado por dos dúos que durante años se han destacado en el arte de cruzar sonidos y trascender géneros. El formado por el icono de la kora Ballaké Sissoko y el chelista francés Vincent Ségal se ha hecho célebre por crear una original música de cámara, con elementos europeos y africanos, plasmada en los celebrados discos Chamber Music (2009) y Musique de Nuit (2015). Por su parte, el francés Émile Parisien se ha convertido, con sus saxos alto y soprano, en un adalid del jazz europeo, sin renunciar a incorporar a su lenguaje la tradición del folclore y el rigor de la música clásica contemporánea. Lo ha demostrado en numerosos discos, algunos de ellos a dúo con su paisano Vincent Peirani (acordeonista, arreglista y compositor) como Belle Époque (2014) o Abrazo (2020), ambos publicados por ACT.
La portada del debut del cuarteto, una acuarela de tintes impresionistas, representa a la perfección el contenido del disco, un sonido que parte del jazz para captar la esencia de varias músicas del mundo en un florido diálogo a cuatro voces instrumentales que se convierte en seductora música de cámara contemporánea.
Las piezas que lo abren y cierran, "Ta Nyé" y "Banja", son dos viejas melodías del repertorio mandinga de la kora a las que se desviste de su africanidad para dotarlas de un sentido minimalista y melancólico, además de insuflar un halo jazzístico cortesía del saxo y sin renunciar a las cascadas cristalinas del arpa de Sissoko, encargadas de llevar la melodía a sus orígenes.
En "Izao" el saxo soprano le da un aire armenio, en tanto que las alargadas notas del acordeón son como el ancla de fondo y a la vez el pulso sobre el que cabriolea la kora. Por su parte, "Amenhotep", con el chelo en modo pizzicato a la manera de contrabajo y los tonos agudos de un acordeón que parece una concertina, es como una meditación a la que el aporte del viento le insufla una gran calidez.
"Esperanza" es una adictiva y bailable versión de un tema del acordeonista Marc Perrone. "Orient Express" preserva la melodía del original de Joe Zawinul, pero prescindiendo de cualquier elemento electrificado y haciendo énfasis en el mood oriental gracias al magnífico trabajo del chelo y el saxo soprano.
El tema que da título al álbum, "La Chanson des Égarés" (égaré significa "perdido, extraviado o descarriado") refleja a la perfección un paisaje campestre lleno de languidez y parsimonia, en una pulsión perezosa dirigida por saxo y acordeón en diálogo con la kora. Partiendo de esta tonalidad, "Dou", introducida y sostenida por la kora, evoluciona en un vaivén en el que sobresale la preciosista y aérea melodía que dibuja el saxo mientras el acordeón lo dobla y se desmelena.
La misteriosa y ensoñadora "Nomad´s Sky" vuelve a mostrar una fragancia oriental, con el chelo de nuevo en modo de contrabajo, un acordeón a lo nocturno y el saxo soprano paseando por un mercado persa. Y el guiño a la agrupación Bumcello que supone la breve "Time Bum" preserva el swing del original, aunque mutando groove por brisa jazzística en un sonido tan inclasificable como adictivo.
Ni jazz, ni tradicional, ni de cámara, ni vanguardista, sino un poco de todo a la vez, Les Égarés es el tipo de álbum que hace del oído el rey de todos los instrumentos. Es una magia colectiva que, haciendo otro símil pictórico, permite catalogarlo de jardín musical de las delicias.

tracks list:
01. Ta Nyé
02. Izao
03. Amenhotep
04. Orient Express
05. La chanson des Égarés
06. Esperanza
07. Dou
08. Nomad´s Sky
09. Time Bum
10. Banja





Tinariwen – Amatssou (2023)

Tinariwen está compuesto por los miembros fundadores Ibrahim Ag Alhabib, Abdallah Ag Alhousseyni y Touhami Ag Alhassane, además del bajista Eyadou Ag Leche, el percusionista Said Ag Ayad y el guitarrista Elaga Ag Hamid, quien inventó por sí solo un estilo de guitarra que ha cautivado la imaginación del mundo. Ellos lo llaman ishumar o assouf ("nostalgia" en tamashek), pero el resto del mundo lo conoce como el blues del desierto, o blues Tuareg.
Amatssou es su décimo disco. El primero salió en 1992 en casete, The Radio Tisdas Sessions (2000) fue su lanzamiento internacional y, desde entonces, su blues del desierto ha fluido hipnotizante. Y de la arena del desierto que a todo se adapta vienen Tinariwen que, con rectitud y oficio, la han imitado en la grabación de este álbum para hacerse bien, es decir, han tenido que adaptarse al escaso margen que les han dejado las circunstancias. Amatssou iba a engendrarse en un estudio de la estadounidense Nashville, pero llegó la pandemia y tocó cambiar de planes, y su futuro lo convirtieron en pasado.
Así que tuvieron que crear Amatssou donde hace doce años grabaron Tassili (2011), con el que ganaron el Grammy al Mejor Disco de World Music: en un estudio ubicado en el parque nacional de Tassili N´Ajjer, en el desierto del Sáhara, al sur de Argelia, el país donde se formaron en 1979 como colectivo musical de exiliados. Es decir, que volviendo a su viejo mundo improvisaron el venidero, con la ayuda del grupo Imarhan, que les cedieron su equipo. A pesar de todo, del plan inicial pudieron mantener algunos aspectos relacionados con el propósito de explorar las sensibilidades compartidas entre su característico blues del desierto y la vibrante música country de la Norteamérica rural: desde Nashville colaboraron Fats Kaplin con pedal steel y violín y Wes Corbett con banjo, desde París les llegó la percusión de Amar Chaoui y desde Los Ángeles Daniel Lanois aportó pedal steel, piano y su gran saber hacer como productor remoto. Si el título del disco, en la lengua tamashek, significa "Más allá del miedo", está claro que Tinariwen supieron masticarlo despacio.
Escuchando el excelente resultado final, cuesta asumir ese intento de anglosajonizar su propuesta. Al final, el paisaje, la geografía del Sáhara, su blues devastador lleno de alegorías poéticas de lucha, resistencia y mártires, batallas y esperanzas, el sol que evocan como si fuera una herida de cuchillo escurriéndose por las sombras, todo eso, con esas guitarras y llamadas-respuestas llegando de todas partes, es lo que rige.

Página web oficial: Tinariwen

tracks list:
01. Kek Alghalm
02. Tenere Den
03. Arajghiyine
04. Imzad (Interlude)
05. Tidjit
06. Jayche Atarak
07. Imidiwan Mahitinam
08. Imzad 2 (Interlude)
09. Ezlan
10. Anemouhagh
11. Iket Adjen
12. Nak Idnizdjam
13. Tinde (Outro)





Kayhan Kalhor & Toumani Diabaté - The Sky Is the Same Colour Everywhere (2023)

The Sky Is the Same Colour Everywhere es una meditación espiritual llevada a cabo por dos grandes maestros y portadores de tradiciones musicales, que comparten su virtuosismo basándose en repertorios tradicionales persas y malienses para kamanché y kora: Kayhan Kalhor y Toumani Diabaté.
Kayhan Kalhor y Toumani Diabaté son solistas bien conocidos por derecho propio, pero esta grabación a dúo es algo especial que nos lleva a un viaje musical hacia nuevos paisajes. "Es como si esta música ya estuviera allí esperándonos", dice Toumani. "Y es como si los dos nos hubiéramos conocido antes, en otra vida".
Kayhan Kalhor, de Irán, es el principal intérprete del kamanché, instrumento de cuatro cuerdas tocadas con un arco corto, para lo que se tiene que apoyar entre las rodillas, "como montar un caballo salvaje" señala Kayhan. Su trayectoria incluye colaboraciones con Yo-Yo Ma’s Silk Road Ensemble, Kronos Quartet, Shujaat Khan, Erdal Erzincan, Rembrandt Trio y muchos otros.
Toumani Diabaté es uno de los mejores virtuosos de la kora, esa creación prodigiosa de calabaza, piel de vaca y sedal. Ha ganado tres premios Grammy y ha grabado con Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, Taj Mahal, Arnaldo Antunes y Edgard Scandurra, y The London Symphony Orchestra. Esta es la primera colaboración de Kayhan con un músico africano. "Las cualidades de minimalismo y trance que me gustan en la música persa también están presentes en la de Toumani", dice Kayhan. "Así es como me gusta pensar y contar una historia. Esa calidad en la música africana siempre me ha atraído y creo que Toumani lo hace muy bien".
La idea del dúo provino de Michael Dreyer, director del Festival Morgenland en Osnabrück, Alemania, donde Kayhan había tocado en varias otras colaboraciones. La preparación fue mínima, ni siquiera una discusión sobre escalas o estructura, sino solo una prueba de sonido y, luego, simplemente tocaron unos 90 minutos de música. Esa actuación fue en septiembre de 2016 y la siguieron con una breve gira europea, aunque Kayhan dice que la forma de la pieza realmente no cambió. Lo grabaron en París después del concierto final en Bruselas.
Porque en un mundo diverso, la música es el lugar común. Sublime.

Página web oficial: Kayhan Kalhor
facebook: Toumani Diabaté

tracks list:
01. Wayfarers of the Legends
02. The Path of No Return
03. Stay Here
04. Joyful Sun
05. I'm Speaking to You
06. Whereto
07. Anywhere That Is Not Here
08. Is Anyone There?
09. The Sky Is the Same Colour Everywhere



Fatoumata Diawara – London Ko (2023)

London Ko es el nuevo trabajo de Fatoumata Diawara, a través de Wagram Music, después de llevarnos de vuelta a sus raíces con su impresionante Maliba (2022), musicalización de la presentación en línea de los Manuscritos de Tombuctú por Google Arts & Culture.
Fatou nos sumerge en su universo intenso, ecléctico y vanguardista. Con los diferentes estilos que siempre aporta a su música (afrobeat, jazz, pop, rock, electro e incluso hip hop). Aguda con sus textos, logra un equilibrio entre los sonidos eléctricos de sintetizador y los ritmos tradicionales de Malí, su país. Fatou también juega con los espacios geográficos y lo que estos representan, como vemos en el título del álbum, "London Ko". Un neologismo creado por ella que también simboliza su estrecha colaboración con el co-productor Damon Albarn que da lugar a un nuevo mundo, la fusión de Bamako (capital de Malí) y Londres (capital de Reino Unido). Un guiño a la riqueza del mestizaje, a la apertura a la diversidad y a la importancia de la interculturalidad. Fatoumata comenta sobre el álbum y como lo siente su amigo: "Para mí, ‘London Ko’ significa abrir la mente. También refleja la conexión que Damon Albarn tiene con la música maliense".
El primer tema "Nsera" cuenta con un videoclip de Gregory Ohrel, un artista que entiende el valor del universo gráfico actual. Fatou presenta una relación sin complicaciones con África, desmantelando el estereotipo colectivo inconsciente del continente y su diáspora. Su estética nos invita a un viaje cósmico, pasando del mito a la realidad.
Basándose en los increíbles encuentros artísticos internacionales que han dado forma a su vida musical hasta el momento, Fatoumata invita a colaboradores/as especiales que abren las puertas a un álbum que tiene como objetivo llegar a diferentes públicos. Esto incluye a dos nuevas estrellas emergentes del continente africano: el rapero ghanés M.anifest en la canción "Mogokan" y la nueva voz del afrobeat desde Nigeria, Yemi Alade en "Tolon" (una llamada a la celebración). Fatou demuestra que, en la música, no puedes simplemente esperar y creer, tienes que convertirte en una fuerza impulsora y una voz en movimiento. Tampoco hay que perderse la colaboración en "Somaw" de la pionera afroamericana del neo soul, Angie Stone, cantando sobre el dolor de la distancia.
En "Blues", con el virtuoso pianista cubano Roberto Fonseca, rinde homenaje a quienes no vemos. Por último, Fatou se reencuentra con su antiguo compañero de gira de Lamomali (2017) y productor de Fenfo (2018), -M- (Matthieu Chédid) en "Massa Den".
Hay momentos muy emotivos, como "Moussoya", que se eleva hacia cotas celestiales con el magnífico empuje góspel del Brooklyn Youth Chorus, un coro de niños y niñas de diversos orígenes que procura otra participación, si cabe aún más sublime, en "Sete", una preciosa balada afro-soul en estrecha conexión con sus raíces bambara como elogio a las mujeres. Esa esencia se entrelaza también con el funk y la música disco en "Seguen" y en el convincente blues-rock del desierto que rezuma "Dakan".
Y el momento más vanguardista llega con los círculos concéntricos reggae-dub de la electrónica "Dambe" (que se puede traducir como "los valores de la tradición"), donde establece claramente las intenciones de Fatoumata Diawara como artista: no solo crítica, también aportando ideas frescas. La música es su herramienta elegida, y la utiliza para revelar la posibilidad de una relación diferente con el tiempo. Este cambio entre el estilo vanguardista y los homenajes a sus antepasados difunde su compromiso con las problemáticas del presente.

Página web oficial: Fatoumata Diawara

tracks list:
01. Nsera (feat. Damon Albarn)
02. Somaw (feat. Angie Stone)
03. Sete
04. Seguen
05. Massa Den (feat. -M-)
06. Mogokan (feat. M.anifest)
07. Blues (feat. Roberto Fonseca)
08. Moussoya
09. Netara
10. Yada
11. Tolon (feat. Yemi Alada)
12. Dambe
13. Dakan
14. Maya





Ali Farka Touré – Voyageur (2023)

Ali Farka Touré es conocido como uno de los guitarristas más influyentes y talentosos que ha dado África. Es difícil exagerar su legado e impacto: el sonido de Ali fusionó sus apreciados estilos musicales tradicionales malienses con elementos distintivos del blues, lo que dio lugar a la creación de un nuevo género pionero, ahora bien conocido como el "Blues del Desierto".
Voyageur es el nuevo álbum del legendario guitarrista y cantante, material inédito de Touré desde el póstumo Ali & Toumani, ganador de un Grammy en 2010, y presenta una colección de "gemas capturadas" en varios momentos de la ilustre carrera de Ali. Son nueve piezas (tres de éstas con la voz de la superestrella maliense Oumou Sangaré) que reafirman el estatus de Ali como una leyenda venerada de la música africana. En la producción han estado Nick Gold y el propio hijo de Ali, Vieux Farka Touré.
Grabadas espontáneamente a lo largo de 15 años, en la carretera y en el estudio entre las sesiones de otros álbumes, las canciones de Voyageur eran de inmensa importancia personal para Ali, ya que "reflejan su compromiso apasionado con la creatividad y la diversidad cultural de su tierra natal, y una vida dedicada al movimiento, como un viajero –un voyageur– entre las estepas desérticas de Timbuktu, los estudios de West Hollywood, las salas de conciertos de Londres y Tokio, y pequeños pueblos dispersos en la orilla del río de Malí, donde Ali era, por supuesto, conocido por todos y todas", señalan los productores.
Desde colaboraciones con Ry Cooder y el maestro de kora Toumani Diabaté, hasta crudas grabaciones de lo-fi realizadas en su remoto pueblo natal, la inimitable voz de Ali y su hipnótica forma de tocar la guitarra se comunican con las y los oyentes diecisiete años después de su muerte.
Voyageur muestra un almacén secreto de canciones que Ali construyó a lo largo de su larga y variada carrera, arrojando nueva luz sobre un talento extraordinario y enigmático. Por ejemplo, "Safari" (Medicine) es un clásico de Ali en su característico modo songhaï, su voz cargada subrayada por un ritmo propulsor de calabaza y el zumbido fantasmal de una flauta Fula, mientras Ali se jacta de tener la medicina, la guía necesaria para curar el "mal comportamiento".
En "Cherie" (Darling), uno de los tres temas en los que Ali se une a la gran diva de Wassoulou, Oumou Sangaré, el kameln´goni le da un maravilloso swing elástico al resbaladizo riff de guitarra de Ali, mientras las dos voces repican entre sí en armonía perfecta. "Sambadio", una canción en Fula (tradicional, de alabanza a los agricultores) se escucha en dos versiones. En la acústica se trasmite una sensación de fogata maravillosamente suelta impulsada por el insistente despunte de ngoni de los maestros Bassekou Kouyate y Mama Sissoko. Desde ritmos minimalistas e hipnóticos particulares de Ali, himnos en forma de coro, ritmos pulsantes de cazadores y una "banda de ruido" africana de guitarras y ouds cargados de reverberación (como en "Kombo Galia").
Estos temas, parte de lo que el productor Nick Gold describe como un "archivo privado precioso", fueron revelados por Ali con moderación a Gold durante un período de 25 años. Varias de estas canciones se transmitieron de forma completamente espontánea entre tomas de otras canciones. Afortunadamente las cintas estaban grabando, o gran parte de la música de este maravilloso álbum nunca se habría escuchado.

Página web oficial: Ali Farka Touré

tracks list:
01. Safari
02. Malahani
03. Sambadio (Acoustic)
04. Bandolobourou (feat. Oumou Sangaré)
05. Cherie (feat. Oumou Sangaré)
06. Kenouna
07. Sajona (feat. Oumou Sangaré)
08. Sambadio (Electric)
09. Kombo Galia





Oumou Sangaré – Timbuktu (2022)

Oumou Sangaré es conocida en todo el mundo por su música vibrante que a menudo contiene mensajes revolucionarios sobre los derechos de las mujeres, la tradición y la pobreza. Considerada una de las reinas de la música africana, su corona está hecha del orgullo de un linaje femenino de cantantes aficionadas que tuvieron que salir adelante solas, trabajando de lo que fuese: sabe de lo que habla cuando menciona la labor incansable de las mujeres, en un país que soporta la poligamia, el matrimonio infantil y la mutilación genital, predominantemente en las regiones rurales. Ella consiguió consagrarse a la música.
Por su fuerte activismo social y cultural, la artista ostenta los títulos de Embajadora de Buena Voluntad de la ONU, Comandante de la Orden Nacional de Malí y Caballero de la Cultura en Francia.
En marzo de 2020, poco después del Festival Internacional de Wassoulou (FIWA), un evento que Oumou lanzó en 2016 para promover su región natal en el sur de Malí, Sangaré se fue a Estados Unidos. Solo había planeado quedarse unas semanas, pero llegó el confinamiento por Covid-19, primero en Nueva York y luego en Baltimore, un lugar en el que rápidamente se sintió como en casa. "Algo en esa ciudad me atrajo enseguida. Me sentí tan bien allí que me compré una casa". Una vez instalada en su nueva morada, pasó los días escribiendo canciones con la ayuda de un viejo amigo, Mamadou Sidibé, que ha sido el intérprete de kamele n'goni de Oumou Sangaré desde el principio.
De este periodo de reclusión forzosa nacieron diez de las once canciones de Timbuktu, el nombre de una "ciudad sagrada", venerada por Sangaré, que contiene toda la nostalgia de esos seis meses alejada de sus seres queridos y su oposición a la guerra, a todas las guerras, pero sobre todo a la que mantiene en pulsante dolor a Malí desde hace diez años. El contrapeso de la guerra es la música. La de Timbuktu es vitalista, bailable, muy reconocible en sus orígenes y, no obstante, con el atractivo de los arreglos del buen pop internacional.
Coproducido con Nicolas Quéré y Pascal Danaë, el álbum teje íntimas conexiones sonoras entre los instrumentos tradicionales de África Occidental y los vinculados a la historia del blues, sobre todo el kamele n'goni y sus herederos lejanos, el dobro y la guitarra slide. En el disco, la cantante expresa sus pensamientos sobre temas como los indescifrables misterios de la existencia, las canciones son metáforas hechas de la naturaleza africana y sus habitantes con las que Sangaré trabaja para rendir tributo "al amor, a la infancia desfavorecida y, sobre todo, a las mujeres que son las que más trabajan, las que primero se levantan y las últimas que se acuestan".
"La música está dentro de mí", declara Oumou. "Sin ella, no soy nada, ¡y nada puede quitármela! He puesto mi vida en este disco, toda mi vida, esta vida en la que he conocido el hambre, la humillación de la pobreza y el miedo, y de la que hoy saco la gloria".

Página web oficial: Oumou Sangaré

tracks list:
01. Wassulu Don
02. Sira
03. Degui N´Kelena
04. Gniani Sara
05. Timbuktu
06. Sarama
07. Kanou
08. Demissimw
09. Kêlê Magni
10. Dily Oumou
11. Sabou Dogoné





Fatoumata Diawara – Maliba (2022)

La traslación de los planetas y la inclinación de la Tierra respecto al Sol, el derecho de niñas y niños a una educación de calidad, cómo descubrir la enfermedad de un paciente a través de su orina y el cálculo matemático para repartir una herencia; los límites del poder frente a la corrupción o la injusticia, los relatos de viajeros que llegaron a China o se hicieron a la mar rumbo a lo desconocido, la fundación de ciudades e imperios, cuentos y poesía... El contenido de los antiguos manuscritos de Tombuctú de entre los siglos XI y XX son el mayor patrimonio escrito del continente africano, y se muestra por primera vez al público gracias al acuerdo entre la asociación Savama-DCI y Google Arts & Culture, revelando la existencia de una profunda y riquísima tradición escrita en África. Es apenas una pequeña muestra, pero su historia es fascinante.
En 2012, el grupo yihadista Ansar Dine se hace con el control de Tombuctú e impone su radical visión de la vida. Entre otras medidas, destruyen edificios históricos como mausoleos o la puerta de la mezquita de Sidi Yahya. Los manuscritos estaban en peligro y residentes de la ciudad los sacan a escondidas, junto con muchos de sus tesoros. En enero de 2013, los extremistas queman varios cientos de legajos que estaban expuestos en el Cedrab; sin embargo, la treta funcionó y la pérdida fue mínima. Ansar Dine fue expulsado y, desde entonces, se están llevando proyectos para reconstruir las colecciones.
Maliba, de Fatoumata Diawara, forma la banda sonora de la presentación en línea de los manuscritos en Google Arts & Culture. Fatoumata canta sobre los tesoros de Malí y cuenta la historia de su preservación; las canciones brotan de los manuscritos y celebran el espíritu de la ciudad y su patrimonio cultural, y la importancia de valores como la educación, la unidad y la solidaridad.
"Kalan" hace alusión a los erúditos de los manuscritos de Tombuctú, que escribieron que la educación es un derecho humano básico al que deben poder acceder tanto niños como niñas. El orgullo de Malí, su resiliencia y su legado son el tema principal de "Mali Ba", que aboga por fomentar el patrimonio nacional. El rapero Master Soumy interviene: "I owe my humanity and honour to Timbuktu/Mali, Africa, Europe, it belongs to everyone". Otras voces participan, cantando en tamasheq, el idioma de los tuaregs, una ilustración musical de la unidad de Malí. En "One day", Fatoumata canta en inglés antes de hacerlo en bambara "We will realise/That the manuscripts in our possession/Have great significance", habla del legado de los manuscritos (algo de lo que saben bastante las familias que los han protegido durante generaciones), señalando la esperanza de que el conocimiento que albergan estos manuscritos llegue a todos los rincones del mundo.
"Save It" trata con incomodidad el legado de la esclavitud y las preguntas sobre qué partes de la herencia vale la pena salvar. En "Sini", Diawara apela a sus coetáneos/as malienses y de todo el mundo para que se unan y apoyen la protección de los tesoros culturales de Malí para generaciones venideras, desde la restauración física de sus monumentos más emblemáticos hasta la documentación de tradiciones musicales en vías de extinción.
"Yakandi" es un himno que concluye el álbum, haciendo un llamamiento a la unidad, la comunidad, las familias y ese sentimiento que nos produce sabernos en casa, "I don’t discriminate, we are all the same/The Bambara is black, you are white/Let’s unite and march together". Fatoumata muestra abiertamente lo orgullosa que está de su país y de sus gentes, a la vez que despierta en las y los oyentes el interés por aprender cosas de Malí, una tierra enamorada de la música, la cultura y la unidad de sus pueblos. Dice Diawara: "Este proyecto significa mucho para mí. Participar en la protección de los manuscritos de Tombuctú es un gran honor. Las condiciones para hombres y mujeres en Malí son muy diferentes y para una mujer involucrarse en esta preservación cultural es muy importante. Es increíble ser parte de esto y se siente como un sueño. Estoy tan orgullosa y tan feliz. Estoy muy en contacto con mi pasado ancestral. Muchas de las imágenes e ideas que utilizo me vienen en sueños, sueños sobre mis antepasados. Tener la oportunidad de ayudar a proteger nuestro legado ancestral y cultural es muy especial para mí".

Para saber más: "Los manuscritos de Tombuctú se abren al mundo"

Página web: Mali Magic

tracks list:
01. An ka bèn
02. Kalan
03. Maliba
04. One Day
05. Save It
06. Sini
07. Yakandi (feat. Tenin Nayan Diawara x Biwôrô Gang)





Toumani Diabaté & The London Symphony Orchestra – Kôrôlén (2021)

Kôrôlén es una colaboración muy especial entre dos titanes de la música: el gran Toumani Diabaté, el virtuoso por excelencia de la kora maliense ganador de un Grammy en 2006 (junto con otra leyenda, Ali Farka Touré), y la London Symphony Orchestra, reconocida mundialmente por sus interpretaciones de música orquestal en disco, cine y escenario.
Encargado como un proyecto especial por el Barbican Centre de Londres y producido por World Circuit, las grabaciones se realizaron en directo en 2008, y presentan a Diabaté y a su grupo de eminentes músicos malientes (el cantante Kasse Mady Diabaté, el balafonista Lassana Diabaté, Ganda Tounkara al ngoni, y Fode Kouyaté con el calabash y el tama) acompañados por la gran presencia de la LSO, en arreglos realizados por los compositores Nico Muhly e Ian Gardiner y dirigidos por Clark Rundell.
El título otorgado por Diabaté a este lanzamiento único e innovador, "Kôrôlén", se traduce del idioma Mandinga como "ancestral", un lema apropiado para un álbum que reúne antiguas melodías griot y arreglos orquestales occidentales en una relación exquisita, resultando un sonido afro-neoclásico fresco y hermoso. Un sonido que deleitará a las y los admiradores de la música africana, tradicional y ambiental.

facebook: Toumani Diabaté

tracks list:
01. Haïnamady Town
02. Mama Souraka
03. Elyne Road
04. Cantelowes Dream
05. Moon Kaira
06. Mamadou Kanda Keita





Ballaké Sissoko – Djourou (2021)

Dice mucho para la música maliense que dos de sus mejores intérpretes, los maestros de la kora Toumani Diabaté y Ballaké Sissoko, estén entre sus más decididos innovadores. No sólo son portadores de un gran legado familiar (los dos son primos), sino que tienen un merecido reconocimiento internacional tanto como virtuosos del arpa de 21 cuerdas de África Occidental, como por su fomento de las colaboraciones entre culturas.
Djourou es el último trabajo de Ballaké Sissoko, en el que ha contado con una variedad de artistas, entre ellos el violonchelista Vincent Ségal (con quien ya publicó dos álbumnes sublimes, Chamber Music y Musique de Nuit) que se une al clarinette de Patrick Messina para realizar una vivaz versión de la "La Simphonie Fantastique" de Hector Berlioz.
Con Sona Jobarteh, maestra femenina de la kora y procedente de una prestigiosa familia griot de Gambia, ejerce de segunda kora, mientras ella añade embrujados lamentos vocales a su dúo. El gran Salif Keita aporta una bella y sensitiva interpretación en "Guelen", mientras que Camille Dalmais proporciona romance al arreglo de cuerdas del violonchelista Clément Petit en otro de los momentos más destacados del álbum, "Kora".
Oxmo Puccino contribuye con su comentario hablado sobre "Frotter Les Mains" en satisfacción sin el señuelo del beneficio. El guitarrista y vocalista británico Piers Faccini canta en francés sobre las subidas y bajadas del amor en "Kadidja". Y el tema final son nueve minutos de kora junto al grupo francés Feu! Chatterton en una poética canción sobre la luz de la luna como ropa, "Un Vetement Pour La Lune".
Djourou es un disco de difícil clasificación, en el que Ballaké Sissoko lleva su arte a explorar otros mundos, volviendo a desplegar su admirable capacidad de improvisación y prodigio a la kora, presentándola en multifacéticas formas: íntima y universal, singular y plural, en solitario o en conversación.

Página web oficial: Ballaké Sissoko

tracks list:
01. Demba Kunda
02. Djourou (feat. Sona Jobarteh)
03. Jeu Sur La Simphonie Fantastique (feat. Vincent Ségal / Patrick Messina)
04. Guelen (feat. Salif Keita)
05. Kora (feat. Camille)
06. Mande Tabolo
07. Frotter Les Mains (feat. Oxmo Puccino)
08. Kadidja (feat. Piers Faccini)
09. Un Vetement Pour La Lune (feat. Feu! Chatterton)





Afel Bocoum – Lindé (2020)

Lindé es el último trabajo del compositor y guitarrista maliense Afel Bocoum, en el que teje un cálido y acogedor paisaje sonoro, tras casi diez años en silencio, con el que supone el cuarto álbum de su trayectoria.
Nacido en Niafunké, al norte de Malí, este virtuoso de la guitarra del desierto tiene su base de operaciones en Bamako. Su carrera musical comenzó en 1968, cuando con 13 años se unió al grupo de su tío Ali Farka Touré, colaboración que duró alrededor de 30 años. En los ochenta fundó su propio grupo al que llamó Alkibar, que significa "mensajero del gran río" en Sonrai.
Canta principalmente en sonrai, la lengua de su madre, pero también en tamasheq, lenguaje de los tuaregs, y en bambara. En 1999, Afel Bocoum publicó su primer álbum, Alkibar. En 2006 el cantante grabó su segunda obra, Niger, en colaboración con Daniel Boivin. Con este trabajo, Bocoum nos lleva una vez más a las orillas del gran río de Niafunké, a una de las fuentes del blues.
Lindé lleva el nombre del gran territorio semisalvaje cerca de Niafunké. Es una mezcla notable de tradición profunda e innovación audaz. El álbum fue grabado en la capital de Malí, Bamako, y une la música tradicional de la región con estilos de todo el mundo, con actuaciones de varios músicos malienses sobresalientes, incluidos Garba Touré (Songhoy Blues) y Madou Diabaté (hermano de Toumani), así como el fallecido "Hama" Sankaré. El disco también presenta al pionero del afrobeat recientemente fallecido Tony Allen (Joan As Police Woman). Los instrumentos tradicionales como el n´goni, njurkel, kora y calabaza se mezclan con guitarras, percusión y cantos de llamada y respuesta.
Bocoum reflexiona desde el fragor de una capital masificada sobre los acontecimientos que han llevado a su país a un Golpe de Estado y que tiene a su ciudadanía sumida en una situación de crisis, inseguridad e incertidumbre que parece perpetuarse, con la cada vez más enraizada presencia del terrorismo en gran parte del extrarradio rural y la indiferencia altiva de la comunidad internacional. Una situación sobre la que el artista pone el acento en sus canciones con el blues del desierto como pilar especiado de músicas globales en su andamiaje.
Frente a un mundo incierto y turbulento, y una patria que lucha contra la yihad, la pobreza y la violencia, Afel Bocoum insta a la esperanza, la solidaridad y la unidad, lidiando con canciones que invocan a la paz y a la unidad de una ciudadanía - la maliense - partida en dos por la incertidumbre.

facebook: Afel Bocoum

tracks list:
01. Penda Djiga
02. Bombolo Liilo
03. Dakamana
04. Fari Intro
05. Fari Njungu
06. Jama Bisa
07. Avion
08. Sambu Kamba
09. Yer Gando
10. Kakilena
11. Djougal





Habib Koité – Kharifa (2019)

Kharifa es el sexto álbum de estudio de Habib Koité, considerado el "Eric Clapton" de su país natal, Malí, un disco en el que el guitarrista ha madurado y evolucionado, manteniendo una vez más un pie firmemente arraigado en su tradición musical. Grabado y mezclado en Bamako, el sonido del país, sus ricas y diversas tradiciones e instrumentos musicales (ngoni, flauta, kora, dun dun ...) impregnan las doce pistas que componen este magnífico proyecto.
Podríamos decir que en Kharifa, Habib Koité suena más "maliense" que nunca. Para ello, ha seleccionado cuidadosamente a las y los artistas que le acompañan tanto en el escenario como en la grabación: Toumani Diabaté, su sobrino M'Bouillé Koité (ganador del Prix Découvertes RFI 2017), su hijo Cheick Tidiane Koité, Amy Sacko (cantante principal del grupo de Bassekou Kouyaté, Ngoni Ba), y el gran guitarrista guineano Sékou Bembeya Diabaté.

Las composiciones que conforman la columna vertebral de este nuevo álbum reflejan el espíritu abierto del griot, su voluntad de viajar a través de la rica herencia maliense mientras construye las bases de una música decididamente moderna, también influenciada por el rock y el folk occidental.
Sin negar nunca los problemas que afectan a su ciudad y país (contaminación, pobreza, ociosidad, insalubridad, enfermedad, "La vida es una lucha diaria" canta en "Wara"), Habib se mantiene decididamente optimista, esperanzado, luchando contra la intolerancia, la ignorancia y el oscurantismo ("Djiguiya"). Mientras "Mandé" habla sobre la riqueza de culturas y pueblos de Malí, "Kharifa" hace un llamado a la responsabilidad de cada persona sobre los cuidados. "Ntolognon" es la preciosa historia del niño Bwa, "que siempre sonríe y juega a la camaradería", y "La ignorancia es una fuente de intolerancia, la apertura a los demás es una fuente de tolerancia" afirma convencido en "Yaffa".
Seis álbumes, sin contar las grabaciones "en vivo" y el dúo con Eric Bibb (Brothers in Bamako, 2012), más de 1500 conciertos en todo el mundo, reconocido por los mejores nombres de la música y un repertorio imparable: Habib Koité se toma su tiempo y construye, paso a paso, una carrera ejemplar enraizado en su cultura.

Página web oficial: Habib Koité

tracks list:
01. Wara
02. iVazi
03. Kharifa
04. Hakilina
05. Forever
06. Mandé
07. Djiguiya
08. Ntolognon
09. Yaffa
10. Symbo
11. Tanatê
12. Fanta Damba





-M- – Lamomali (2017)

Matthieu Chédid, conocido también como –M-, es un compositor, cantante, productor, fotógrafo y guitarrista francés de raíces egipcias y libanesas. Nieto de la poetisa Andrée Chédid y destacado en el ámbito del rock alternativo francés, Matthieu ha desarrollado una trayectoria artística admirable, que lo ha encumbrado como uno de los músicos más importantes, respetados y admirados en los países de habla francesa.
Chédid descubrió Malí gracias a su amistad con la pareja de cantantes malienses Amadou & Mariam y, con los años, el país africano se volvió su musa. Su sexto album, puente musical con África, nació de otra amistad. Mathieu Chedid creó y grabó este proyecto titulado Lamomali (contracción de "l´âme au Mali", el alma de Mali) con dos leyendas malienses de la kora: Toumani Diabaté y su hijo Sidiki Diabaté. Además, cuenta con la participación de un auténtico quién es quién de cantantes e instrumentistas venidos de todo el continente africano (por ejemplo, Youssou N´Dour, Amadou & Mariam o Fatoumata Diawara) y también con grandes nombres internacionales como Santigold, Jain, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Phillipe Jaroussky y el rapero y poeta francés Oxmo Puccino.

El resultado son once temas que transitan muy diferentes texturas sonoras, todas con raíces en el continente africano. Un disco afropop con rock y electrónica, donde el sonido cristalino y delicado de la kora juega con la guitarra electrónica, oscilando entre momentos contemplativos y ritmos explosivos. La canción "Une âme" (Un alma) "habla del hecho de que, incluso el más pobre, cuando escucha la kora, sonríe, cree en el mismo y en el futuro", explicó a la prensa Fatoumata Diawara, la voz femenina en este disco y que denuncia la situación de prohibición de la música en el norte del país, "No nos pueden robar la música, la música es el alma de mi país".
Lamomali es también una invitación a bailar y a celebrar el estar juntxs ("Bal de Bamako"), a celebrar el mestizaje ("Solidarité"), y una generosa invitación a descubrir la energía y la luz de Malí (por ejemplo, la bellísima "Mama"). Un trabajo caleidoscópico, cosmopolita y ajeno a cualquier etiqueta genérica que se le pueda poner.

Página web oficial: Matthieu Chédid

tracks list:
01. Manitoumani - M, Sidiki Diabaté, Fatoumata Diawara
02. Bal De Bamako – M, Fatoumata Diawara, Oxmo Puccino
03. Cet Air – M, Fatoumata Diawara
04. Interlude
05. Une Âme – M, Fatoumata Diawara
06. Le Bonheur – Philippe Jaroussky, Kerfala Kanté
07. Solidarité – Santigold, -M-, Hiba Tawaji, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Nekfeu, Youssou N´Dour, Sanjay Khan, Chacha
08. Toi Moi – M, Fatoumata Diawara, Louis Chédid
09. L´Âme Au Mali – M, Amadou & Mariam, Jain
10. Mama – Mamani Keita, Moriba Diabaté
11. Koman Le Héros