Mostrando entradas con la etiqueta Marruecos. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Marruecos. Mostrar todas las entradas

Tasuta N-Imal – Tamlalte (2018)

TASUTA N-IMAL significa "Generación futura" en lengua amazigh. El objetivo de la banda es transmitir musicalmente la historia, los valores y el modo de vida de los grupos nómadas, desérticos y montañeses de las y los habitantes del Anti-Atlas. El Anti-Atlas ocupa el extremo suroeste de las montañas del Atlas, bordeando el desierto del Sahara en el sur de Marruecos, un área marcada por picos imponentes, extensos campos y antiguos kasbahs (castillos).
En tiempos pasados, los kasbahs eran importantes como lugar de refugio y como depósito de suministros para las familias. Cerca de estos asentamientos, los campos en terrazas con muros de contención de piedra cubren el paisaje; sin embargo, cada vez más casas se vacían y los campos quedan sin cultivar. Con la continua migración de la tierra, los sistemas de riego necesarios para la agricultura también están decayendo, confirmando las duras condiciones de vida en la actualidad.
En este sentido, Tasuta N-Imal no es solo una banda, sino una expresión de los muchos sentimientos que se describen como habitantes del Anti-Atlas. Tomaron este estilo de música como un mosaico lleno de colores para que el público pueda comprender el significado de la vida en su lugar del Mundo. La poesía de sus letras hace referencia a los sufrimientos de los grupos nómadas y sedentarios, su importante historia y sus valores de tolerancia, amor, paz y resistencia.
El repertorio de la banda se caracteriza por la incisividad de su sonido, que se inspira en la diversa herencia musical de la región mezclada con el blues y el rock del desierto, con Tinariwen, Bombino y Ali Farka Touré como principales referentes.
Tasuta N-Imal la conforman seis jóvenes artistas de Boumalne Dades y tocan una mezcla de instrumentos tradicionales y no tradicionales: Hassan Amzil (demdoun y qraqeb), Abdelkrim Aynaz (guitarra rítmica), Smail Khalis (bajo), Abdessamad Amzil (guitarra principal), Redouan Ourabeh (percusión) y Abdelali Elyakoubi (djembé y darbouka).
En 2018 lanzaron su primer EP, Tamlalte, llamado así por la región del Anti-Atlas en Marruecos. Y entre 2019 y 2024 han editado una serie de sencillos ricos en conmovedoras melodías y percusiones constantes y arrulladoras, que nos llevan al cálido paisaje sonoro de las montañas del Atlas y sus historias de amor, nostalgia y dignidad, una patria de paz y tolerancia.

Página web oficial: Tasuta N-Imal

tracks list:
01. Tamunt (union)
02. Tamlalte (gazelle)
03. Tayri (love)
04. Izem (Lion)
05. Akal (Homeland)

sencillos:
01. Sigham Olinw
02. Fadma
03. Tanglit (longing)
04. Amekraz (the farmer)
05. Agherbaz





Driss El Maloumi – Aswat (2023)

Aswat es el último trabajo del excepcional músico marroquí Driss El Maloumi. En una formación en trío caracterizada por las voces melódicas, los sonidos armónicos del oud y las percusiones rítmicas, Aswat es un viaje musical interior y una victoria metafórica sobre las vicisitudes de la vida cotidiana.
El Maloumi presenta un conjunto de deslumbrantes interpretaciones de oud acompañadas de una rica capa de percusión del norte de África y Medio Oriente. En particular, es un diálogo continuo entre el oud y la percusión que incluye una brillante interacción de llamada y respuesta. Para ello, se acompaña de sus fieles percusionistas Saïd El Maloumi y Lahoucine Baqir, así como de su hermana Karima en la voz, en esta nueva obra.
Aswat, que se traduce como "sonidos", es una manifestación de la búsqueda permanente de El Maloumi del éxtasis musical, o Tarab, que se refiere al estado de éxtasis, dicha y satisfacción que la música puede inducir. Como músico árabe, se inspira en la rica tradición oral y busca imbuir su escritura con la misma esencia. Este álbum es la primera parte de un proyecto más amplio, que también incluirá "Tafassil", una obra instrumental para Oud y Orquesta Sinfónica.
Driss El Maloumi describe su nuevo álbum: "Una atención musical a los ecos sonoros de la vida cotidiana: los sonidos de la esperanza, el dolor, el cansancio, la duda, la soledad, la felicidad… ¡de la vida! Considero este proyecto como un anhelo, un anhelo y un sueño que tengo desde hace años. Es el resultado de mi búsqueda fundamental del "éxtasis musical", representado por el Tarab (ese sentimiento de asombro que se encuentra entre la dicha, la alegría, el éxtasis y el éxtasis después de escuchar música). Mi escritura como músico "oriental" busca captar lo que está en juego en este "Tarab", nutrido por la poderosa tradición oral".
Equilibrando entre una tensión deliciosa y el descubrimiento permanente de la alegría del tiempo y los sueños, su música celebra la meditación y la gloria de la belleza.

Página web oficial: Driss El Maloumi

tracks list:
01. Aswat
02. Sultana
03. Matar
04. Dalalat
05. Jrada
06. Nas Assabah
07. Chajar
08. Tissit





Oum – Zarabi (2015)

Nacida en Casablanca, de origen saharaui, y afincada en Marrakech, Oum El Ghaït Benessahraoui es una cantautora marroquí cuyas composiciones exploran la diversidad de la música marroquí, teñidas con elementos de jazz y soul de la música bereber norteafricana, música andalusí, hassani (del Sáhara), así como ritmos gnawa, cubanos o etíopes.
En sus comienzos a principios de la década de 2000, sus canciones estaban influenciadas por el pop y el hip-hop con letras en inglés y darija, el dialecto árabe maghrebí ampliamente hablado en el norte de Africa. De sonidos más urbanos, sus dos primeros álbumes (lanzados solo en Marruecos) Lik'Oum (2009) y Sweerty (2012) la elevan al rango de estrella en su país.
Su lanzamiento internacional se produce con el álbum Soul of Morocco (2013) en el que reversiona gran parte de sus anteriores trabajos, y que marca un cambio significativo hacia un sonido más acústico y soul-jazz con un cuarteto de músicos (contrabajo, flauta/saxofón, guitarra y batería) y oud/oboe/percusiones invitadas. Siguiendo en la misma línea, Zarabi fue lanzado en septiembre de 2015 en Lof Music/MDC/Harmonia Mundi.
Adoptando un enfoque similar a muchas formaciones de jazz contemporáneo, Oum también graba sus sesiones en vivo, y más recientemente en un estudio improvisado al aire libre en el desierto del sur de Marruecos. Más que una elección estética, esta es también la manera en la que la cantante refleja la práctica musical de lugareños y nómadas en la región del Sahel, que a menudo improvisaban versos, tocaban música y bebían té durante las largas sesiones de la tarde.
Con los cubanos Damian Nueva al contrabajo y Yelfris Valdés a la trompeta, Yacir Rami al oud, y Rhani Krija en percusiones, Zarabi fue grabado en vivo en dos lugares atípicos: el Domaine de la Gérardie en Normandía, y en M'hamid El Ghizlane (provincia de Zagora, sur de Marruecos), una comunidad rural que bordea el desierto saharaui y un lugar de encuentro tradicional para las caravanas comerciales transsaharianas. Aquí es también donde el Festival Taragalte (antiguo nombre de M'hamid El Ghizlane) tiene lugar desde 2009. Impulsado por la propia Oum, el festival celebra el antiguo patrimonio artístico y cultural de la región a través de una serie de conciertos anuales, debates y talleres.
El nombre del álbum en sí ("Zarabi" significa "Alfombras" en darija) es una referencia al trabajo de las tejedoras locales: "Zarabi" funciona como un homenaje a las mujeres que hacen alfombras con prendas antiguas y las reciclan en bellas piezas donde se unen diversas texturas y colores. "Estas alfombras también simbolizan nuestro trabajo como músicxs mezclando diferentes colores e influencias en un solo disco" señala Oum.
Inspirándose en las tradiciones orales colectivas de su país, Oum y sus músicos crean en Zarabi un tapiz maravillosamente elegante, auténtico y vibrante de la música marroquí contemporánea con una canción tradicional ("Ah Wah"), una versión en darija de "Veinte años" de la cantante cubana María Teresa Vera, y ocho nuevas composiciones de su autoría.

Página web oficial: Oum

tracks list:
01. Nia
02. Lila
03. Hna
04. Jini
05. Ah Wah
06. Wali
07. Mansit
08. N´Nay
09. Saadi
10. Veinte años





Sophia Charaï – Blue Nomada (2016)

Blue Nomada (2016) es el último disco de estudio de Sophia Charaï, una nueva y estimulante gira por la música llevada por su voz radiante y sensual. Su aclamado Pichu (2011) distorsiona el mundo, las identidades y las costumbres, un álbum que desvela la alquimia de una música-encuentro que se parece a su vida: bohemia, viajera parisina, artista en varias disciplinas, experimentadora de tradiciones y marroquí. Pero como si Marruecos fuera fronterizo de Harlem y Bombay, como si el flamenco fuera hermano de la bossa nova, como si Rajastán y Cabo Verde mezclaran sus cantos.
Cantadas en árabe y francés, sus canciones pasean por los recuerdos del piano de Chopin que aprendió a tocar durante su infancia, el jazz de las noches parisinas, Brasil y su experiencia con el flamenco y las músicas árabes y de la India, sonidos que incorpora de sus incesantes viajes por el planeta con Mathias Duplessy en busca de nuevos sonidos.

Charaï da un seguimiento inspirado al álbum Pichu con Blue Nomada, una obra sobre la confluencia de idiomas y ritmos, y continúa cantando la vida y la tolerancia bajo una preciosa alianza de sonidos con ricas influencias, inspirada en las músicas del mundo. En él, Mathias Duplessy vuelve a desplegar su virtuosismo tocando la mayoría de instrumentos, e incorpora al contrabajista cubano Felipe Cabrera, al pianista brasileño Philippe Baden Powell, al percusionista argentino Minimo Garay, y el piano y el órgano interpretados por Nicolas Tescari, gran director italiano que firma música para películas.
Sophia Charaï canta el mundo y la vida. En esta estimulante obra, inventa un blues sin fronteras, en árabe, español, francés, portugués e inglés, a partir de una mezcla aprendida de la cual ella tiene el secreto.

facebook: Sophia Charaï

01. Shouff Shouff
02. Mertaha
03. Canción de la Luna
04. Enta, toi
05. La Caminante
06. Nouveau train
07. Ma Andi Man Dir
08. Aquí
09. I Am a Woman
10. Pajarillo del Alba





Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou – Oulad Lghaba (2019)

Asmâa Hamzaoui junto con su banda Bnat Timbouktou (Las hijas de Tombuctú) son el primer grupo de música gnawa tocada únicamente por mujeres, poniendo en jaque un estilo dominado exclusivamente por hombres hasta la fecha, y siguiendo la estela de la gran Hasna el Becharia, artista del sur de Argelia que, desde muy joven, sintió la necesidad de ir contracorriente y defender, con su música y su actitud valiente, los derechos de las mujeres de Argelia y del Sahara.
A Asmâa Hamzaoui le propusieron dos veces matrimonio pero con una condición: que dejara de tocar el guembri, el instrumento sagrado de tres cuerdas característico de la música gnawa reservado solo para hombres. "Jamás", les contestó. Aprendió a tocar el guembri desde niña, cuando acompañaba a su padre a las lila, ceremonias privadas donde se combinan poesía, música y danza. Pero pronto se dio cuenta de que en la música gnawa, originaria de los antiguos esclavos de origen subsahariano traídos al Magreb, las mujeres eran relegadas a un segundo plano. Hasta que un día su madre le planteó: "¿Por qué no creas un grupo de mujeres?".
Esta es la otra parte de la historia que hace de Asmâa una maâlema: su padre, Mâalem Rachid Hamzaoui, un maâlem (maestro), la llevó a tocar con él a un festival, cuando ella tenía 12 años, y tras ese concierto bautismal decidió legarle su propio guembri y, con él, su título.

Así que Asmâa le tomó la palabra a su madre. En 2012, con apenas 16 años, creó el primer grupo de música gnawa tocado únicamente por mujeres. Se llaman Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou y, juntas, han decidido romper el tabú. "Es solo un mensaje", explica Hamzaoui. "Las mujeres pueden hacer lo que quieren. Pueden ser pilotos, pueden ser músicas y, desde luego, pueden tocar el guembri", afirma.
Sobre el escenario, Asmâa lidera el ritmo. Empieza a tocar las cuerdas de su guembri y entona los primeros versos de una canción. Le contestan las otras integrantes del grupo, acompañadas por el sonido metálico de los qraqeb (crótalos, las tradicionales castañuelas metálicas). Las letras de la música gnawa hablan del sufrimiento de los esclavos africanos traídos a Marruecos. Son la memoria de un pasado remoto en el cual cantaban su miseria y sus preocupaciones diarias.
En el álbum Oulad Lghaba la banda se ha mantenido fiel a la tradición estilísticamente, pero ha introducido su propia elección de temas. La separación, el sufrimiento y la memoria de África son los contenidos predominantes, dando buena muestra de por qué Asmâa y Bnat Timbouktou están causando tanto revuelo, tanto en el mundo árabe del Norte de África como en Occidente.

facebook: Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou

Personal:
Asmâa Hamzaoui (guembri, voz, qraqeb)
Aicha Hamzaoui (voz, qraqeb)
Soukaina Elmelyjy (voz, qraqeb)
Lamgammah Hind (vocal, qraqeb)
Meriem Ouillane (voz, qraqeb)
Meriem Garrami (voz, qraqeb)

tracks list:
01. Bala Yourki
02. Rebi Ya Moulay
03. Lando
04. Beryandou
05. Soudani Mama
06. Mamariyou
07. Foulani
08. Allal
09. Sandia
10. Interlude
11. Sidi Lafquih (bonus track)





Aziz Sahmaoui & University of Gnawa - Poetic Trance (2019)

Cuando Aziz Sahmaoui desembarcó en París en los años 90 del siglo XX, descubrió un verdadero continente de ritmos, ofreciendo el suyo a L´Orchestre National de Barbès, el buque insignia de una revolución musical que fusionó el patrimonio del Marrakech de su infancia con el resplandor del jazz, el reggae, el funk, el rock, raï y chaâbi. Llevando sus exploraciones experimentales al límite con Joe Zawinul y su Syndicate de Zawinul, Aziz Sahmaoui regresó a lo que él llama "sus instintos" en 2010 al fundar University of Gnawa, en la que inscribió de inmediato a los músicos senegaleses Alune Wade (bajo), Hervé Samb (guitarra) y Cheick Diallo (kora y teclados) como ingenieros de un sonido universal.
Sahmaoui es un hombre que induce a Claude Nougaro, Nass El Ghiwane y los proverbios bereberes, sin discriminar entre ellos, al panteón de sus inspiraciones. "La poesía tiene el poder de la elevación, es la escritura del cielo en la Tierra. Cuando una palabra suena, cuando suena sin arrugar, sin estirar o sin aplastar, entonces encuentra su lugar en una arquitectura poderosa. Pero el poeta también debe cantar sobre las injusticias: denunciar las fracturas entre los pueblos, a lo largo de las fronteras o en el lenguaje de imposición".

Producido por Martin Meissonnier (que ya lo hizo con University of Gnawa, 2011) y grabado en vivo en un sentido de riesgo y aventura, Poetic Trance revela un lenguaje musical maduro, brillante y de peso. "Musicalmente, queríamos encontrar un equilibrio entre África, Europa y el resto del mundo. Con Poetic Trance, creo que hemos tenido éxito: es pop, es rock y reggae y, de repente, los sonidos de kora, n´goni, guembri y karkabous se entrelazan... ¡Qué felicidad! Hoy, los grandes maestros del Gnawa, los maâlems, mis amigos, estarán orgullosos de nosotros: hemos podido renovar el género sin distorsionarlo, y muchos han seguido el ejemplo".
Gracias a un brillante dominio vocal, Aziz Sahmaoui y University of Gnawa pueden cantar en Tamazight, Wólof o Mina (Togo) sobre la resistencia de las víctimas de la guerra ("Coquelicots", Amapolas), el amor ("Nouria"), la fraternidad ("Entre Voisins", Entre vecinos). El grupo declara un profundo apego a su cultura africana en "Janna ifrikia" (Paraiso africano). "Con mi música, quiero ayudar a suavizar la amargura, construir puentes entre África y Europa. Es una forma de ampliar nuestro círculo, que nunca está cerrado: ¡ven y únete!", señala Sahmaoui. De hecho, como se declara en el clásico de Gnawa "Gang Sound of Mbirika", "La gente ha venido en masa, de todas partes, para estas festividades y para esta celebración, para vivir la experiencia como una terapia liberadora de cuerpos y mentes".

Página web oficial: Aziz Sahmaoui

tracks list:
01. Hanna ifrikia (African Paradise)
02. La peur – Nogcha (Fear)
03. Nouria (Luminous)
04. Entre voisins (Among Neighbours)
05. Ganga Sound of Mbirika
06. Coquelicots (Poppies)
07. Soudani ya yémma
08. Absence
09. Sotanbi





Abdesselam Damoussi & Nour Eddine – Jedba. Spiritual Music from Morocco (2019)

Se dice que en los pueblos donde se practica el sufismo, los conflictos se resuelven a través de poetas, uno por cada persona involucrada en la disputa. Los argumentos se escuchan y luego se cantan como poesía mientras la gente de las aldeas baila hasta caer rendida. De esta manera, la música, el trance, la rendición extática y, en última instancia, la paz se entrelazan. Y es esta noción de paz universal lo que Jedba intenta conjurar en un álbum que lleva varios años en desarrollo, un lanzamiento que cubre bastante terreno musical a medida que avanza desde el sur sahariano de Marruecos hacia su norte más fértil. ARC, un sello que ha lanzado discos de música sufí de Bangladesh, Turquía, Egipto, Pakistán y otros lugares, continúa ofreciendo a este tipo de música devocional centenaria un lugar para reinventarse.
Jebda mezcla las voces y la música de seis cantantes y músicos profesionales con una variedad de músicos callejeros reunidos por el productor Abdesselam Damoussi, que los encontró en el camino a través de la plaza Jemaa el-Fna de Marrakech a su Riad y estudio del siglo XV, equipados con micrófonos Neumann, para registrar qué generaciones de músicos, magos, narradores y encantadores han actuado durante siglos en la plaza cercana, ejerciendo sus oficios extáticos. Con el multi-instrumentista y coproductor Nour Eddine, los instaló en el estudio, les sirvió té, los preparó para tocar y capturó una mejor parte de su alma.

Como resultado, lograron captar la esencia de la música marroquí, despojada de una producción brillante, pero con la lucidez profesional suficiente para que esta música antigua suene para siempre actual. Está "Adán", un solo a capela llamando a la oración (Saad Temsamani), un rabe bereber y un artista del banjo de las montañas del Atlas que aparece en "Tazalit" (Larbi Bakchich y Raiss Brahim), e incluso una guitarra eléctrica y una pista vocal en "Arrahmane", que cuenta con dos intérpretes del Sáhara más profundo del país (Hassan Haddad y Yemdeh Selem) y tiene un parentesco claro con el tipo de blues del desierto que se encuentra más al sur en el Sáhara Occidental y Mauritania.
En cuanto a la fidelidad del registro del trance, se puede sentir especialmente en la pista que da nombre a esta colección. Con Eddine en percusión y Abdelaziz Inouiti a la ghaita (un instrumento similar al oboe), la melodía es implacable, en una línea de percusión tensa y repetida donde, finalmente, entra la ghaita hasta desvanecerse de forma infinita.
La voz de Damoussi y la percusión de Eddine se encuentran entrelazadas en gran parte de los temas del disco, deslizándose desde los ritmos bereberes llenos de banjo con llamadas y respuestas hasta los tipos de ululaciones agudas que se encuentran en todo el continente africano. También hay una voz de niña de 8 años que da forma a una oración a capela del imán de Tánger Said Lachhab ("Spiritual Mawal"). Y en "Allah Hay", ghaita y tambores de mano abren el camino hacia el canto vocal más complicado y espectacular del álbum.
Jedba, en sus casi sesenta minutos, es un relato interno superlativo del éxtasis musical sufí de Marruecos, llevado a un Riad que desearíamos que fuera nuestro hogar.

Página web: Jedba - Spiritual Music from Morocco

tracks list:
01. Jedba (Trance)
02. Sabaato Rijal (Seven Stairs of Marrakech)
03. Spiritual Mawal (Light of the Star) (Traditional)
04. Allah Hay (God Is Alive)
05. Arrahmane (Spiritual Desert Voice From the Moroccan Sahara)
06. Ziyara (Traditional)
07. Assalat Al Machichiya (Traditional)
08. Tazalit (Spiritual Berber Voice From the Atlas Mountains)
09. Lailaha illa Allah (One God) (Traditional)
10. Adan (A Call to Prayer) (Traditional)





Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajeri – 3MA – Anarouz (2018)

3MA es el proyecto resultante del encuentro de tres virtuosos africanos de las cuerdas: Ballaké Sissoko (kora), Driss El Maloumi (oud) y Rajery (valiha), artistas que comparten una pasión musical, un diálogo recíproco y una hermosa amistad. El grupo toma su nombre de las tres naciones respectivas de los artistas: Malí, Marruecos y Madagascar.
Se conocieron en 2006 y, desde entonces, se han reunido regularmente, impulsados por el placer de una relación humana y musical excepcional. En 2008 editaron el excepcional disco 3ma, en el que interpretaban juntos clásicos tradicionales de cada uno de sus países de manera magistral. Diez años después, después de numerosos conciertos de 3MA por todo el mundo, llegó el momento de hacer balance y volver al estudio de grabación. El resultado es Anarouz ("Esperanza"), un trabajo continuista pero en todo el sentido positivo, porque vuelve a ser un disco extraordinario.

Anarouz es testigo de su maravillosa conexión y experiencia madura. El álbum recoge las ideas surgidas en este tiempo, dando lugar a nuevas composiciones o reelaborando planteamientos previos. Más enfocados incluso que en su primer trabajo, Anarouz repite el logro de entretejer los instrumentos de cuerda de forma mágica, presentando dos cortes reinterpretados de nuevo, "Anfaz" y "Awal". Al proyecto se incorpora el percusionista Khalid Kouhen, que agrega los pulsos delicados de sus tablas indias y sus percusiones paquistaníes.
Un disco a escuchar y bucear para perdernos en las profundas y ricas raíces de tres países con una tradición musical infinita. Pero, sobre todo, para quedarnos con el mensaje compartido de 3MA, un mensaje que se manifiesta contra la violencia de nuestro mundo, con sus armonías suaves y vigorizantes, energía vital y poesía universal.

facebook: 3MA: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery

tracks list:
01. Anarouz
02. Samedi Glace
03. Anfaz
04. Moustique
05. Hanatra
06. Lova
07. Mariam
08. Aretina
09. Jiharka
10. Awal





Hindi Zahra – Homeland (2015)

Hindi Zahra, cantante, compositora y multi-instrumentista de origen bereber, es una artista imbuida de Marruecos y su diversidad cultural más allá de sus fronteras. No tuvo prisa para publicar su primer trabajo, el excelente Handmade, en 2010, que fusionaba la cultura poética amazigh con el soul, el jazz, el folk y el blues con una voz que recordaba a Patti Smith o Billie Holliday.
Desde aquel momento se embarcó en una gira interminable y no paró de recibir premios. Habiendo sido una de las revelaciones del año gracias a su increíble concierto del mes de mayo en el Festival Gnawa de Essaouira, publica su segundo álbum Homeland, grabado entre Marrakech, Essaouria, Córdoba y Paris, y en el que participan las impresionantes guitarras de la estrella tuareg Bombino y el gitano Juan Fernández "Panki".

Homeland es un trabajo impresionante, donde muestra su fino control vocal en las frescas y luminosas baladas compuestas en inglés y francés indistintamente, con influencias flamencas o del blues del desierto respirando en cada canción. El disco es jazz, soul, chanson, folk, pop, es todo a la vez, canciones que van más allá de las fronteras, dificil de clasificar (como muestra, el precioso "Cabo Verde" cantado en bereber). Lo que prima sobre todos estos estilos musicales es la dulzura de su voz, los excelentes arreglos musicales y la frescura de una propuesta musical que entrelaza magistralmente la tradición y la vanguardia.

facebook: Hindi Zahra

tracks list:
01. To The Forces
02. Silence
03. Any Story
04. Un Jour
05. Can We Dance
06. La luna
07. The Blues
08. Broken Ones
09. Dream
10. Cabo Verde
11. The Moon Is Full





Driss El Maloumi – Makan (2013)

En su anterior álbum en solitario, L'âme dansée (2005), Driss El Maloumi se destacó por ser uno de los intérpretes de oud más prometedores de su generación. Makan (2013) lo eleva a la categoría de virtuoso del instrumento. Desde los primeros compases del disco se nos muestra como un verdadero maestro, alguien que combina una técnica asombrosamente segura con una inventiva juguetona.
Driss El Maloumi es un artista que pretende que las músicas, incluso las tradiciones milenarias, evolucionen serenamente fuera de los discursos fundamentalistas de aquellos que prefieren encerrar estas expresiones tradicionales en armaduras. Ama la tradición, su estructura, su fuerza, su dignidad. Sabe que está hecho de esta herencia, pero también de permeabilidad. El resultado de estas ganas de saber cómo reaccionará el oud al contacto de un zarb iraní o de una percusión venida de Madagascar le ha llevado a aventuras llenas de riqueza en los caminos emprendidos (desde hace casi una década) con Jordi Savall (último Premio Nacional de Música) y Montserrat Figueras en Hespèrion XXI, con 3ma (Ballaké, Sissoko y Rajery), con el trompetista Paolo Fresu, el israelí Armand Amar…

Esta trayectoria le ha llevado a dirigir el Conservatorio de su ciudad natal, Agadir, y destacar como especialista en filosofía y literatura árabe. Recolecta todas estas magníficas experiencias y comprueba como el oud las difunde en trío con la ayuda de percusiones, siempre respetando la noción de espacios. Precisamente el álbum fue grabado en Agadir, crisol de culturas, en esta parte de Marruecos donde se siente en un cruce esencial entre culturas árabes, amazigh, occidental y subsahariana. Las composiciones de Makan varían en estilo y estados de ánimo, de la canción con influencia magregí tradicional "Ayour" al experimentalismo de "Intidar", el sentimentalismo de "Douceur pour deux «R»" (dedicada a su esposa y a su hija) o la fuerza y velocidad que esgrime en "Tawazoun" y "Safar". Se acompaña por la voz de su hermana Karima y las percusiones de su hermano Said y Lahoucine Baquir (daf, darbouka, cajón, castañuelas…).
El brillo y la coloridad es la característica de este arriesgado trabajo, una demostración de que es posible agrandar el campo de expresión de un instrumento sin llegar a caer en la exposición inútil.

Página web oficial: Driss El Maloumi

tracks list:
01. Imtidad
02. Moudaaba
03. Nassim
04. Safar
05. Douceur pour 2 «R»
06. Tawazoun
07. Imtinan
08. Awzan
09. Le coin «D»
10. Khamsa
11. Ayour
12. Comme une joie
13. Intidar





Aziz Sahmaoui & University of Gnawa – University of Gnawa (2011)

University of Gnawa es el primer álbum de Aziz Sahmaoui, fundador, líder y compositor de esa entrañable Orchestre National de Barbès y ex acompañante de Joe Zawinul, reconocido como uno de los máximos impulsores de la música de jazz fusión. Un increible viaje a través de la música marroquí y senegalesa a través del prisma gnawa. Indudablemente, con los adelantos técnicos de hoy pero sin renunciar por ello a la autenticidad tradicional del famoso diálogo en canto-respuesta que contribuía a mantener vivos y con esperanza a los viejos esclavos nómadas de las caravanas.
Y no es de extrañar al revisar la trayectoria de Sahmaoui. En la Orchestre National de Barbès se mezclaban un montón de cosas, pero echando la vista atrás resulta que el "gnawa" era el pilar fundamental. Como botón de muestra, en el tema de apertura del presente disco ("Salabati") las qraqeb (las tradicionales castañuelas metálicas, crótalos, típicas del Atlas) suenan electrónicas y algunos coros nadan entre efectos de sintetizador. En este disco se perciben en toda su dimensión los entresijos de esta exótica y abductora música, donde tiene un papel muy importante el uso del guimbri, el ngoni y la percusión. A ello añadimos la energía y el poderoso genio vocal de este hombre que creció en Marrakech escuchando a los grandes músicos emergentes de la música marroquí, como Nass El Ghiwane, Hassan Hakmoun, la música chaabi o amazigh o los grandes maestros "gnawa".

Álbum producido por Martin Meissonnier, quien ha trabajado con artistas tan ilustres como los nigerianos Fela Kuti (exponente del género afrobeat) y King Sunny Adé, y Papa Wemba, el hechizo del Magreb se pasea por estos recomendables surcos, que nos enseñan lo importantes que son las alianzas musicales como ésta cuando hay talento de por medio.

Personal:
Aziz Sahmaoui: lead voice, ngoni, guimbri, mandole
Hervé Samb: guitar, vocal
Alioune Wade: bass, vocal
Cheikh Diallo: kora, keyboard, vocal
Amar Chaoui: percussions
Guillaume Pihet: percussions

tracks list:
01. Salabati
02. Maktoube (short version)
03. Ana Hayou
04. Kahina
05. Foufou Danba
06. Alf Hilat
07. Black Market
08. Miskina
09. Sawayé
10. Rofrane
11. Mimouna
12. Tamtamaki
13. Maktoube (long version)





Laïla Amezian - TriOde (2012)

La ambición de Laïla Amezian es la de crear vínculos entre Oriente y Occidente, el viejo y el nuevo misticismo y la música. TriOde es el resultado de esta ambición, un proyecto que es toda una oda al arte de cantar y en el que se combinan el árabe, el jazz y la música clásica a cargo de un trío de mismo nombre: tres artistas con talento e innovación.
Al igual que Natacha Atlas, Laïla Amezian nació en Bélgica de familia de origen árabe (marroquí). Y al igual que Atlas, ha pasado muchos años cantando en diferentes géneros, incluyendo chanson, folk, jazz, rock, electro dance, fusión y música árabe. Y habiendo abordado todos estos géneros con bandas como Jaune Toujours y Arabanda, su segundo álbum en solitario (el primero es Initial, 1999) es un disco fantástico en el que despliega una monumental seguridad y madurez abordando versos centenarios sufíes y letras del poeta místico libanés Khalil Gibran, con un soporte austero pero maravilloso que combina elementos de la composición árabe, clásica y del jazz. En su mayor parte, su voz sinuosa se acompaña de poco más que del cello de Anja Naucler y de la inventiva percusión de Stephan Pougin, y de un poco de trompeta que entra y sale de alguna que otra pista junto con algún efecto de guitarra eléctrica en un par más.

La pieza central (aunque en realidad cierra el álbum) es un tema de casi once minutos que aborda un fragmento del libro de Gibran, "El Profeta". Con el cello de Naucler reverberando sonidos de atmósfera árabe, Amezian entrega las letras con un aplomo fascinante que invoca, de forma mágica, el presagio místico de las palabras de Gibran. Y en el disco nos encontramos, también, con una particularísima versión de "Strange Fruit". Frecuentemente descrito como uno de los temas de los estándares del jazz de más difícil interpretación para transmitir el horror de los terribles acontecimientos que describe, la fascinante interpretación de Amezian no se queda atrás de las versiones más conocidas de Billie Holiday y Nina simone. Impresionante, en todos los sentidos.

Página web oficial: Laïla Amezian

tracks list:
01. Tirhab
02. Daatakoum
03. Love Song
04. Imaani
05. Samaoutou
06. Strange Fruit
07. Ka-abatin - part I
08. Ka-abatin - part II
09. Muwashah
10. The Gift





Orchestre National de Barbès – Rendez-vous Barbès (2010)

La Orchestre National de Barbès son el ruido, el olor y el alma de este barrio mestizo de París, pero también la fusión de las diferentes comunidades musicales magrebíes y francesas, la unión de 11 músicos llegados de diferentes regiones del Magreb y de Francia que montaron un repertorio que pone a todo el mundo de acuerdo, marroquíes, argelinos, tunecinos y franceses de los barrios populares. Su penúltimo álbum, Rendez-vous Barbès (2010), es una síntesis de los 3 precedentes y llega para insuflar una nueva dinámica a las músicas norteafricanas de las que son los mejores embajadores.
De raíces argelinas y marroquíes, los integrantes de esta orquesta residían en el barrio parisino de Barbès cuando se unieron para hacer música en 1995. Barbès es un emblema de la historia de la inmigración en Francia, el lugar donde numerosas trabajadoras y trabajadores argelinos, marroquíes, malienses o senegaleses eligieron su primer domicilio, generalmente una habitación en un hotel ruinoso, esperando juntar un poco de dinero. Y es en los cafés de este barrio que nació la escena de las músicas magrebíes en Francia, entonces confidencial y frecuentada únicamente por las centenas de inmigrantes que bajaban al café al volver de la fábrica, a escuchar unas canciones de su país. Cantantes míticos salieron de allí, como Dahmane El Harrachi o Cheb Khaled.

Hoy, más de quince años después, la Orquestre National de Barbès sigue mezclando estilos tradicionales magrebíes, el raï, el reggae y la música gnawa con sonidos y ritmos contemporáneos para mostrar al mundo la riqueza sonora de África, incluyendo tanto el norte como las tierras que empiezan a partir del desierto del Sahara, haciendo hincapié en los ritmos más festivos y tomando como base la tradición para adaptarla a los sonidos de hoy.
Rendez-vous Barbès es una síntesis de sus tres trabajos anteriores. Canciones inspiradas en los ritmos allaoui, raï, gnawa, chaabi, beréberes, reggae... conjugados con una energía inspirada del rock y del ska. Un instantáneo de la energía y del espíritu creativo que caracteriza los barrios populares de París, un disco que invita al baile y que casi haría olvidar al "demasiado serio" de los habitantes de la capital francesa. En definitiva, "un disco intenso, que deriva en una invitación a viajar por ese mundo inmenso que se encuentra en las calles de ese barrio multicultural que es Barbès".

Página web oficial: Orchestre National de Barbès

tracks list:
01. Sidi Yahia-bnet Paris
02. Chkoun?
03. No no no
04. Chorfa
05. RDV Barbès
06. Jarahtini-Marhba-Jibouhali
07. Rod Balek
08. Laafou
09. Denya
10. Allah idaouia





Amina Alaoui - Arco Iris (2011)

La cantante de origen marroquí Amina Alaoui presenta con Arco Iris un proyecto donde se teje un diálogo musical que intenta aliar y hermanar los sonidos del fado, del flamenco y del andalusí con una obra poética que celebra los idiomas históricos de la Península Ibérica: el castellano, el portugués y el árabe.
Nacida en Fez (Marruecos), Amina Alaoui pertenece a una familia profundamente ligada tanto a la tradición popular marroquí como a los medios intelectuales y artísticos. Desde su infancia estudió canto arábigo-andaluz, piano clásico, danza contemporánea y clásica, marroquí y oriental, estudios que Amina Alaoui profundizó junto a grandes maestros y en el Conservatorio de Rabat. A los diez años publicó ya sus primeros poemas y, más tarde, sus estudios universitarios le llevaron a consagrarse a la filología y la lingüística (árabe, francesa y española).

A partir de entonces, Amina Alaoui ha desarrollado un trabajo de búsqueda en los cantos arábigo-andaluces y orientales, especializándose en el cántico gharnati. Con Djallal Akhbari se inició en el canto clásico persa, y con Henri Agnel en el canto medieval europeo. Por todo ello, se puede asegurar que Amina Alaoui no sólo posee una de las voces más fascinantes de la actualidad, sino también una de las mejor preparadas y formadas. En los últimos diez años, ha realizado conciertos con músicos de la talla de Djamchid Chemirani, Pedro Soler, Hameed Khan, Pablo Cueco, Hughes de Courson, Lluis Llach, Nena Venetsanou o Soeur Marie Keyrouz. También ha colaborado en numerosos espectáculos de danza de los más prestigiosos coreógrafos.
Con Arco Iris (su cuarto disco, después del estupendo Siwan), la cantante propone un proyecto que, aun siendo una música con raíces mediterráneas, tiene la pretensión de trascender fronteras y de traspasar los límites estilísticos y geográficos en los que se asienta.
En este disco Alaoui celebra la obra poética de diversos autores que han escritos en tres de las lenguas históricas de la Península Ibérica (el castellano, el portugués y el árabe), abarcando las canciones seleccionadas un arco temporal que va desde el siglo XI con la poesía de Al-Mu’tamid Ibn Abbad, hasta los fados del siglo XX con la obra de António de Sousa Freitas, pasando por la obra mística de Santa Teresa de Jesús.
Con la elección de poetas y músicas que la acompañan (el fado, el flamenco y la música andalusí), Alaoui quiere poner de manifiesto la porosidad de las fronteras, el intercambio cultural que se produce de manera natural entre las diferentes formas de música, resultando imposible poner puertas al campo. Asímismo, se encuentran por primera vez el laúd andalusí, la guitarra flamenca y el mandolín fadista. Los cinco músicos que le acompañan son excepcionales, con el violín árabe de Saïfallah Ben Abderrazak, el oud de Sofiane Negra (ambos tunecinos) y la guitarra flamenca de José Luis Montón, a menudo actuando como solistas junto a la hermosa voz de Alaoui, entretejiendo los sonidos en toda complicidad y sinergia hasta alcanzar lo que comúnmente se llama en el fado "entendimiento". Música exquisita.

tracks list:
01. Hado
02. Búscate en Mí
03. Fado Al-Mu'tamid
04. Flor de nieve
05. Oh Andaluces
06. Ya laylo layl
07. Fado menor
08. Búscate en Mí, var.
09. Moradía
10. Las Morillas de Jaén
11. Que faré
12. Arco Iris



Majid Bekkas, Ablaye Cissoko & Khalid Kouhen – Mabrouk (2011)

Majid Bekkas es un músico marroquí, maestro de la tradición gnawa y su instrumento emblemático, el guembri, que también toca la guitarra y el oud. Conocido en Marruecos como "el mago de los encuentros", en Mabrouk se acompaña de Ablaye Cissoko, a la kora, y de Khalid Kouhen (a la percusión), siendo los tres los que proporcionan las voces.
Sus influencias incluyen al gran Ali Farka Touré, Boubacar Traoré (otro gran guitarrista maliense), y el guitarrista de jazz estadounidense Wes Montgomery, revelando su estilo gran cantidad de técnicas.
Paralelamente a su carrera como músico tradicional, Majid Bekkas también ha colaborado con músicos de la escena del jazz europeo como el saxofonista Archie Shepp, el guitarrista Pedro Soler, el trompetista italiano Boltro Flavio y el saxofonista alemán Doldinger Klaus. Con el pianista alemán Joaquim Kühn y el baterista alicantino Ramón López ha editado tres exquisitos trabajos (Kalimba, Out Of The Desert y, recientemente, Chalaba) donde se destacan sus maestrías musicales en una conversación policultural para dar forma a un espacio lingüístico propio. Fruto de su inquietud por el diálogo intercultural y de su prolífica capacidad creativa, también en este año 2011 se ha presentado el trabajo Makenba, con músicos de distintas nacionalidades.

El álbum Mabrouk se distingue principalmente por el diálogo entre el guembri de Bekkas y la kora de Ablaye Cissoko, al estilo de un megáfono para transmitir la poesía que en ellos habita, con acuáticas resonancias de las tablas (en "Mabrouk") y el lirismo gnawa del oud (en "Masmoudi"). En el repertorio se alternan piezas tradicionales y composiciones propias de Majid Bekkas, y en "Salya" aportan las letras para el tema original del grupo senegalés Touré Kunda. En definitiva, un maravilloso álbum con el que podemos imaginar una reunificación musical entre el norte y el sur del Sahara, un viaje que se cierra con un homenaje a los ancestros lleno de emoción ("Hommage Aux Ancestres"), que resuena con un gran talento para transmitir la voz de las tradiciones a las que tanto debe la música marroquí.

tracks list:
01. Banya
02. Fangara
03. Mabrouk
04. Salya
05. Masmoudi
06. Bala Moussa
07. Le Monde A L´Envers
08. Hommage Aux Ancestres





Sophia Charaï – Pichu (2011)

El nombre de Sophia Charaï circula desde hace tiempo por el circuito underground parisino. La gente recuerda su música llena de entusiasmo, canciones que apelan a diversidad de estilos, guitarras zingaras, ritmos que oscilan entre el lánguido fado portugues, la chanson francesa y los sonidos latinoamericanos que envuelven una voz personalisima, fuerte y expresiva. Y como telón de fondo, su "marroquismo" que lleva, no como bandera nacional, sino como referente musical. Sin duda alguna, Pichu es, por lo personal del trabajo, su frescura y capacidad de asombro, uno de los discos del año 2011.

Nacida en Casablanca, y arquitecta de formación, ha transitado por la fotografía, el diseño y el teatro, lo que explica su poder fascinante en el escenario. Su segundo álbum Pichu, terminado en diciembre de 2010, está cantado en marroquí y un poco de francés, y podría ser la banda sonora de una película filmada conjuntamente por Pedro Almodóvar y Emir Kusturica. Realizado por Mathias Duplessy (que despliega su virtuosismo como multiinstrumentista: guitarras, banjo, oud, flauta, duduk, gombri, santur, acordeón, percusiones...), que también compone los temas junto con Sophia y Mohamed Zemmouri, y que también cuenta con la participación de la Macedonian Radio Orchestra (dirigida por Ivan Illic), Pichu ve la luz para distorsionar el mundo, las identidades y las costumbres. Trece temas que revelan los hechizos de la música de mestizaje, que se asemeja a su errante vida artística, y que sólo consiguen la gente de raza mixta. Temas que se saborean deseando escuchar los siguientes para sentir la sorpresa que deparan.
Sophia Charaï es una cantante de jazz que se aventuró en la música del mundo, una vocalista del Sur que vuelve a desdibujar los contornos de la globalización con su vitalidad mediterránea, su capacidad comunicativa y sus ansias de atravesar fronteras con su equipaje musical colorista y entusiasta.

facebook: Sophia Charaï, Mathias Duplessy

tracks list:
01. Pichu-Pichu
02. Casa
03. Dalamouni
04. Un P´tit Chouïa
05. Bouhali
06. Rouhi Marhouna
07. Mêle Ta Langue
08. Raksa
09. Khoud Iddiya Intro
10. Khoud Iddiya
11. Habiba
12. Dokak
13. Cow Girl





Malika Zarra - On The Ebony Road (2006)

La cantante, compositora y productora Malika Zarra salta sin esfuerzos, como si de una palanca de cambios se tratara, entre lenguas y tradiciones aparentemente inconexas, uniéndolas y utilizándolas para enriquecimiento mutuo, realizando una infusión entre la música de su cultura nativa con el jazz. On The Ebony Road, su primer álbum autoeditado, mezcla ritmos chaábi, bereber y gnawa con improvisación de jazz y su aterciopelada y sinuosa voz mezzosoprano.
Nacida en el sur de Marruecos y emigrada a Paris con su familia, Malika cita toda una variedad de influencias en su formación: Chiha Hamdaouia, el virtuoso del oud libanés Farid el Atrache y la cantante argelina Warda Al-Jazairia, absorviendo, también, la música de Ella Fitzgerald, Bobby McFerrin, Thelonious Monk, Stevie Wonder y Aretha Franklin. Se interesa, principalmente, por el jazz atraida por lo que tiene de improvisación, que es su principal conexión con la música árabe. Por otra parte, Malika recibe formación en conservatorios y academias de jazz en Tours y Marsella, estudiando con Sarah Lazarus y Françoise Galais. Es en su etapa de intérprete en numerosos eventos y clubs de la escena de Paris (incluyendo el Festival L'esprit Jazz de St Germain, Sunside, Baiser Sale, Hot Brass, Espace Julien, Pelle Mele y la Cite de la Musique) cuando empieza a cantar en su propia lengua y a escribir letras para jazz, recibiendo del público una magnífica acogida.
En 2004 Malika se traslada a Nueva York, elaborando todo un repertorio en el que incorpora sus herencias bereber, gnawa y shaabi, la elegancia del pop francés y su bagaje por el jazz. Su reputación como solista comienza a crecer, la versatilidad vocal de Malika le lleva a participar en una amplia variedad de proyectos, incluyendo house, dance, gospel, funk y música africana. Graba con una amplísima variedad de artistas e interviene en multitud de reputadas escenas como the Carnegie Hall, the London Jazz Festival, the Festival du Monde Arabe, the Duke Ellington Jazz Festival, Brooklyn Academy of Music y un largo etcétera.
En On The Ebony Road se revela un firme conocimiento de su rica diversidad de referencias, la fusión de Oriente y Occidente en un ejercicio vivo, sensual, fresco y profundo de inclusión. La fusión de instrumentos como el oud y las percusiones tradicionales del magreb con la batería y el bajo, y su extraordinaria técnica vocal sobrevuelan los temas incluidos en el álbum. Interpretando en francés, inglés y su natal árabe marroquí, a la vez que dibuja su canto sobre el bereber y los sonitos y ritmos gnawa, Malika se revela como una cantante y compositora que ya puede estar dentro de la élite de las músicas del mundo y del jazz.

Página web oficial: Malika Zarra

tracks list:
01. Run
02. Free
03. Pouvoir
04. Fayne
05. All the same
06. Joky heart
07. Mchina
08. Your jewel





Nass El Ghiwane - La légende - Best of (2007)

Nass El Ghiwane aparecieron en los años 70 del siglo XX, de origen humilde de uno de los barrios más populares de la gran Casablanca. Considerada como revolucionaria y fenómeno social, la mítica formación continua en activo después de 30 años, y sigue conmoviendo a gran parte de la juventud actual de su país. Nass El Ghiwane no llegaron a imaginar, en sus inicios, lo que sus canciones iban a despertar en el público de los setenta, años difíciles en el plano socio-político, convirtiéndose en la voz de la gente oprimida. En una época donde una simple declaración llevaba a la comisaría, Nass El Ghiwane denunciaban con sus letras a los responsables de la corrupción y exigían la justicia que nunca llegaría.
Culturalmente, adoptaron un estilo "no tradicional" junto con la tradición: había que remodelar el patrimonio para crear textos basados en cuestiones sociales. Musicalmente, sus bases incluyen toda la diversidad de la música tradicional marroquí, mezclando sonidos gnawa con la aïssawa y música campesina y bereber, bastándose de sencillos instrumentos de fabricación tradicional. El éxito de Nass El Ghiwane no se limita a Marruecos sino a los demás países norteafricanos, atribuyendose el nacimiento del raï a la influencia del movimiento ghiwani en la gente joven de Orán. Impresionante.

tracks list:
01. Saifna Oulla Chatwa
02. Kittati
03. Essinia
04. El Hassada
05. Echems Ettalaa
06. Arraghaya
07. Dayine
08. Youme Malqak
09. Oua Ennadi Ana
10. Sif Albattar
11. Nerjak Ana
12. Ya Bani Insane
13. Kesset Laagouz
14. Oulad El Alam
15. Taghounja
16. Zad El Ham
17. Essalama
18. Ahafine
19. Dellal
20. Essamta
21. Leskam
22. Edem Essail
23. Khadra
24. Ghadi Fhali
25. Lahmoun Hrafti
26. Alli Ou Khalli
27. Firihab Maalik
28. Ya Men Jana





Gnawa Bambara & Maâlem Abdenbi El Gadari - Sidi Mimoun (2006)

Maâlem Abdenbi El Gadari, natural de Marrakech y residente en Casablanca, editó Sidi Mimoun con su grupo Gnawa Bambara en Italia, en 2006, producido por Davide Ferrari. Habituales de los grandes festivales de músicas del mundo en Europa, e imprescindibles en el "Festival Gnawa de Essaouira", su estilo hace referencia tanto a las tradiciones gnawa de Marrakech como a las más urbanas de Casablanca.
Acompañados del tabal (tambor), qraqeb (dobles castañuelas metálicas) y el guembri (instrumento de tres cuerdas y sonido de bajo), la huella del desierto se hace evidente en la estructura de sus ejecuciones, en la que las melodías rítmicas del tabal acompañan los característicos cantos de llamada-respuesta y las palmas del coro.

tracks list:
01. Chorfa
02. Bambara
03. Giungouba
04. Sasadi Manayou
05. La Ghmami
06. Foullani
07. Kakani
08. Lallayamma
09. Barmayou
10. Youbati
11. Elfatha
12. Benh'Sain



Driss El Maloumi - L´âme dansée (2005)

Driss El Malomi es, en la actualidad, uno de los mejores compositores e intérpretes de Oud. Originario de Marruecos, es conocido a nivel internacional por el fabuloso proyecto intercultural 3ma (Malí, Marruecos, Madagascar), en el que tres maestros de la cuerda (Ballaké con la kora, Rajery con la valiha y Driss con el Oud) logran un sonido cristalino y evocador que trasladan a lugares que sólo se visitan con la imaginación.
Driss editó con anterioridad L'âme dansée ("The Dancing Soul", 2005), trabajo donde despliega todo su virtuosismo: la habilidad de combinar los colores y la textura del sonido bereber del oud con los ritmos más clásicos de las grandes escuelas orientales.

Más información: Driss El Maloumi - L´âme dansée

tracks list:
01. Calme (Calmness)
02. Nostalgie (Nostalgia)
03. La Lune - The Moon
04. Badinage
05. Notes / Naqarate
06. L'Âme Dansée (The Dancing Soul)
07. Enfance (Childhood)
08. Résonnance (Resonance)
09. L´élévation Même (The Elevation Itself)
10. La Marche (Promenade)