Mariza – Mundo (2015)

Transcurridos cinco años desde su último disco de estudio, Mariza publica su nuevo álbum Mundo, bajo la producción de Javier Limón (que ya le produjo su anterior Terra en 2008). Un álbum muy esperado de una de las artistas más populares de Portugal y la representante mundial del Fado tras la admirada y siempre recordada Amália Rodrigues.
El Fado también le acompaña en este nuevo álbum, pero es un Fado moderno que abarca muchos conceptos, estilos y emociones, porque incluye ritmos de tango, flamenco, pop, sutiles toques de electrónica, africanos y antillanos, evocando otras culturas musicales. Cuenta con artistas de la talla de José Manuel Neto, guitarra portuguesa; Pedro Jóia, viola; Charlie Mendes, bajo; Alfonso Pérez, piano y teclados; Israel Suárez “Piraña” (percusión), y Javier Limón a la guitarra flamenca.

Es notable la voz de Mariza que enlaza a la perfección diferentes estilos musicales bajo el paraguas del Fado que todo lo abarca. El desgarrador “Sombra” y el optimista “Missangas” son ejemplos de la condición de Mariza como la reina del fado tradicional. El tango del mítico Carlos Gardel (“Caprichosa”), la preciosa balada “Melhor de Mim”, “Adeus”, la etérea “Sem Ti” y la espléndida “Saudade Solta” (de los hermanos Pedro Da Silva y Luís José Martins, de Deolinda) encuentran en sus brillantes interpretaciones sus alas. Otro ejemplo es la nueva versión de “Padoce de Céu Azul” (que ya grabara Lura en 2005), luciendo más luminosa si cabe. En definitiva, nos encontramos con una Mariza en plena madurez expresiva que presta a su voz unos matices nunca antes registrados. Impresionante.

Página web oficial: Mariza

tracks list:
01. Rio de Mágoa
02. Melhor de Mim
03. Alma
04. Saudade Solta
05. Sem Ti
06. Maldição
07. Padoce de Céu Azul
08. Caprichosa
09. Paixão
10. Anda o Sol Na Minha Rua
11. Adeus
12. Missangas
13. Sombra
14. Meu Amor Pequenino





Bholoja – Swazi Soul (2010)

Bholoja (Mbongiseni Ngubane) es un joven y sobredotado músico, muy celebrado en su país de origen, Suazilandia. Su llamativa voz multicolor y su talento para escribir canciones se ha canjeado la admiración de su corte de seguidores/as, que se ha expandido más allá de las fronteras de su tierra. Su inspiración es la tradición y el modo de vida Suazi; su música (que incluye mbira, sitolotolo y armonías tradicionales) busca asegurar que una parte esencial del patrimonio cultural Suazi no sea víctima de la negligencia histórica.
La música de Bholoja, que se encuadra en el llamado “Swazi Soul” (una combinación de folk, soul y afro-jazz), va ganando en popularidad tanto en Suazilandia como en el sur de África, y encaja como una narrativa social, hablando a la misma conciencia del oyente gracias a su fuerza como letrista. La mayoría de sus canciones se centran en cuestiones sociales y económicas que rigen la vida cotidiana de las personas. Con un sentido del humor contagioso y optimista que prevalece a través de toda su música, su atractivo se extiende tanto a jóvenes como a mayores gracias a su capacidad de crear un sonido único apreciable por el público de origen multicultural.
Desde que debutara en 2004, su crecimiento como artista se ha ido viendo a medida que ha compartido escenarios con grandes nombres como Lokua Kanza, Oliver Mtukudzi, Freshlyground y Hugh Masekela, entre otros.
Swazi Soul (2010) y Swazi Soul II: Luyasikwa Luyamila (2016) son las muestras de su estilo único, los cimientos para que las y los cantantes de su tierra abracen su lengua y compartan historias de Suazi a través del canal de sus canciones conducidas por su guitarra.

Página web oficial: Bholoja

tracks list: 01. Indzawo Yami
02. Mbombela
03. Ikhonkhotsa llele
04. From Zero to Hero
05. Ngikhumbula Ngisemncane
06. Africa Unite
07. Iyakhalindvodza
08. Umkhuleko
09. You And I
10. Umhlaba Uyahlaba
11. Ilawonde
12. King Somhlolo's Dream





Lura – Herança (2015)

El nuevo disco de Lura, considerada como una de las mejores exponentes musicales de Cabo Verde, es un disco vibrante, bailable y muy caboverdiano, centrado en el energizante género musical del archipiélago. Herança (Patrimonio) sigue perfectamente la progresión natural de la discografía de Lura después Di Korpu ku Alma (2005), M'bem di fora (2006) y Eclipse (2009).
Como reflejo del constante retorno de Lura a sus raíces, la última obra nos sumerge en la esencia vital de la identidad de la cantante. El álbum explora las facetas más sublimes y sagradas del batuque y la funaná en canciones como "Sabi di Más" y "Ness Tempo di Nha Bidjissa", aunque Lura trae su propia y especial universalidad a los tradicionales ritmos de Cabo Verde. Herança es otra oportunidad de oro para volver a explorar su rica cultura y sus gentes, su tradición y su música en compañía de las y los más melodiosos y carismáticos cantantes de toda una generación de artistas del país africano. Con temas compuestos por la propia Lura, Mário Lúcio, Kaka Barbosa y Tcheka, el disco incluye la colaboración de tres importantes invitados e invitada: el poeta y músico brasileño Naná Vasconcelos ("Herança"), Richard Bona en "Barco di Papel" (que escribió con Lura) y la estrella emergente Elida Almeida en "Nhu Santiagu".

La voz de Lura y cada una de las canciones del álbum nos recuerdan cómo la esencia de la multiculturalidad y la música criolla tradicional ha dado lugar a un género vocal universal, en el corazón del secreto mejor guardado de África: Cabo Verde.

Página web oficial: Lura

tracks list:
01. Sabi di Más
02. Somada
03. Di Undi Kim Bem
04. Mantenha Cudado
05. Nhu Santiagu (with Elida Almeida)
06. Ness Tempo di Nha Bidjissa
07. Ambienti Más Seletu
08. Herança (with Naná Vasconcelos)
09. Barco di Papel (with Richard Bona)
10. X da Questão
11. Sema Lopi
12. Maria di Lida
13. Goré
14. Cidade Velha





Shantel – Viva Diaspora (2015)

“Diáspora” es una palabra de origen griego que significa “disperso”. Se suele usar para describir situaciones en las que determinados conflictos geopolíticos obligan a las personas a abandonar sus lugares de origen por razones sociales, culturales, políticas o religiosas. Viva Diaspora es el último trabajo de Shantel, y quiere servir de puente para todas esas personas que, de una forma u otra, se han visto en la necesidad de reinventarse.
Cómo fusionar la música balcánica con la electrónica de baile, sin hacer que pierda su esencia, ha sido la cuestión que ha movido toda la trayectoria profesional de Stefan Hantel, más conocido como Shantel. Alemán de raíces rumanas, comprobó cómo al público de las discotecas donde trabajaba de DJ le encantaba sus mezclas de beats con fragmentos de canciones zíngaras. Esta es la propuesta que ha ido madurando durante su discografía y que se refleja en dos de sus anteriores trabajos, Disko Partizani (2007) y Planet Paprika (2009).

Viva Diaspora, fuertemente influenciado por la nueva vida del artista en Atenas, responde a la crítica situación que vive Grecia, con una reivindicación de todos los sonidos mediterráneos. Como señala en una entrevista publicada en b-ritmos, el trabajo “es algo parecido a una road movie de veinticuatro horas que podría ser la banda sonora de una estancia en Atenas, Estambul o Berlín… Soy un artista que vive y trabaja en la diáspora, no en los Balcanes. Creo que la música que yo hago nunca podría haber surgido en la región, pues necesita de la colisión de culturas para nacer. Es un fenómeno muy urbano que sucede en lugares cosmopolitas como Frankfurt, Berlín o Viena”.
El álbum contiene temas tradicionales, realizados junto a la gran intérprete de santur y cantante griega Areti Ketime y magistrales músicos de Atenas del Grupo Takim (Konstantinos Fotiadis y Thomas Konstantinou). El proyecto, ambicioso y exigente, lleno de pistas rápidas, con una multitextura difícil de clasificar, aprovecha el talento de su Bucovina Orkestar, y de artistas digitales como Iman Baildi. Una trayectoria que conduce desde las tabernas de rebetika de Grecia a los bares de Líbano y Turquía, pasando a continuación a las pistas de bailes de París y Berlín, con influencias del rap y del reggae neoyorquino. Shantel, de nuevo, lo vuelve a hacer. Memorable.

Página web oficial: Bucovina Club

tracks list:
01. Intro-Uncertain Future
02. Eastwest-Dysi Ki Anatoli (feat. Areti Ketime)
03. Hey Girl
04. Promised Land
05. Disko Devil
06. Rio-Bucovina Dub
07. Nikolaki Mou Amanes (feat. Areti Ketime & Takim)
08. The Streets Where The Kids Have Fun (feat. Iman Baildi)
09. Oriental Cha Cha
10. The Whip
11. Acid Greeks (feat. Iman Baildi)
12. Today Is Life, Tomorrow Never Comes
13. Rio
14. Alright Savica
15. Viva Diaspora
16. Exarchia Radiate
17. Natural Beat





Ghazalaw – Ghazalaw (2015)

Ghazalaw celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.
Tauseef Akhtar conoció a Gwyneth Glyn a través de su amigo común Donal Whelan, de Hafod Mastering. Con el apoyo de Wales Arts International, Tauseef y Gwyneth se reunieron para explorar su afinidad musical. Fué durante seis días en The Roundhouse, St Hilary, cuando nació Ghazalaw.
En noviembre de 2012 Gwyneth invitó arpista galesa Georgia Ruth Williams para unirse a ella y Tauseef en Bombay para desarrollar aún más las canciones con los músicos Ashish Jha (tabla), Manas Kumar (violín) y Sanloy Das (guitarra). Ghazalaw actuó en Bombay, en el Desert Festival (Delhi) y fue presentado en el Indiearth Exchange en Chennai. Posteriormente, formó parte del concierto de apertura de Cerys Matthews en WOMEX13. Y en enero de 2015 fueron invitados a tocar en la Feria del Libro de Calcuta y en el Ghazal Bahaar en Bombay.

Con el apoyo del Arts Council of Wales y el patrocinio de Air India, los músicos volvieron The RoundHouse para grabar su primer disco con título homónimo, Ghazalaw, que fué publicado en septiembre de 2015 bajo el sello Marvels of The Universe de Cerys Matthews, en coproducción con Theatr Mwldan, acompañado de un precioso y completísimo libreto con grafías árabes y henna de Kiran Sahib.
En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.
Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

Página web oficial: Ghazalaw

tracks list:
01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan





Khiyo – Khiyo (Bengali Music with a London Sound) (2015)

Khiyo es una banda, establecida en Londres, que interpreta el patrimonio musical bengalí, formada en 2007 como una colaboración entre la cantante británica-bangladeshí Sohini Alam y el multiinstrumentista y compositor Oliver Weeks (a quienes se unió el bajo y las guitarras de Ben Heartland) para explorar nuevas formas de presentar la música tradicional bengalí, pero preservando su esencia. Es por eso que la banda eligió, como nombre distintivo, una letra del alfabeto bengalí, "Khiyo", una combinación de dos letras con identidad propia. De la misma manera, aunque la banda se basa en diversos fondos musicales, la fusión de conjunto tiene un sonido singularmente identificable.
Las canciones de este disco debut representan una mezcla ecléctica de clásicos bengalíes de Bangladesh e India, basándose en lo popular, películas, canciones protesta conmemorativas de la independencia bangladeshí y otros géneros tradicionales como las Rabindra Sangeet (canciones de Rabindranath Tagore) y las Nazrul Sangeet (canciones de poeta nacional bengalí Kazi Nazrul Islam). La potente y expresiva voz de Sohini Salam se acompaña a la perfección con arreglos dinámicos y originales que se alimentan de los sonidos del sur de Asia y de la tradición clásica, del rock y del jazz. El resultado es un sutil equilibrio entre las culturas y tradiciones de Oriente y Occidente.

Disco de versiones, el debut homónimo de Khiyo es, sin embargo, una colección refrescante y original, un testimonio de la moderna identidad bengalí y una conmemoración a aquellas personas que lucharon por la independencia de Bangladesh.

Página web oficial: Khiyo

tracks list:
01. Akashta Kanpchhilo Kyan?
02. Doyal Tomaro Lagiya
03. Rum Jhum Rumu Jhumu
04. Nishi Raat
05. Amar Protibaader Bhasha
06. Murshidi (Kachhe Nao Na, Dekha Dao Na)
07. Koi Jao Rey
08. O Ke Udashi Benu Bajayey
09. Purbo Digontey
10. Hai Rey Amar Mon Matano Desh
11. Amaro Deshero Matiro Gondhe
12. Ek Shagori Rokter Binimoyey
13. Kotobaaro Bhebechhinu
14. Bareer Kachhe Arshinogor





The Soil – Nostalgic Moments (2014)

El canto a capella es una de las grandes tradiciones de la música sudafricana, y The Soil ha transformado el género con un abordaje valientemente contemporáneo. En poco menos de cuatro años, desde el lanzamiento de su disco homónimo de múltiples premios y doble disco platino, The Soil ya se ha ganado un puesto en el corazón del mundo de la música. Su estilo es definido como "Kasi Soul", una mezcla ecléctica de géneros musicales a golpe de swing, hip-hop, afro-pop, soul y jazz.
Un trío que comenzó a cantar junto en un instituto de secundaria de Soweto y que rinde homenaje a la herencia de Sophiatown y los grupos de la época (la vibrante escuela musical de Johannesburgo hasta que fue "limpiada" étnicamente en 1955 y su población de color fue trasladada por la fuerza). Cada miembro del grupo juega un papel distintivo, con Buhlebendalo Mda como líder, Ntsika Fana Ngxanga que añade líneas de armonía robustas, y su hermano Luphindo "Master P" como human beatbox. Su repertorio varía desde baladas interpretadas con chasquidos de los dedos propias de las calles de Soweto a la fusión de swing, R&B, afro-pop y jazz. De vez en cuando suenan como una versión simplificada o puesta al día de Ladysmith Black Mambazo, con quienes interpretan "Hamba Uyosebenza". Como Ladysmith, bien podrían ser masivamente conocidos, pero han optado por conservar sus raíces africanas.

Con Nostalgic Moments, The Soil continúa con su objetivo de fusionar sus voces para regalarnos mensajes melódicos y armoniosos dirigidos a elevar el espíritu para el disfrute de todos los públicos.

facebook: The Soil

tracks list:
01. Unspoken Word (Intro)
02. We Are One (Celebrate Humanity)
03. Susan (feat. Khuli Chana)
04. Noma Ungahamba
05. Streets of Soweto
06. Hamba Uyosebenza (feat. Ladysmith Black Mambazo)
07. Ndibambe Kanje
08. Before
09. Andinanto
10. Asante Sana
11. Mkhuluwa





Ravi Shankar – Tana Mana (1987)

Publicado por Private Music en 1987, Tana Mana (que significa "cuerpo y mente") es el trabajo de Ravi Shankar que dió lugar a la popularización del término "World Music", ya que su propuesta incide en la fusión de elementos orientales y occidentales abordando un nuevo camino en el que se unifican música india, jazz y electrónica.
Precisamente el término "World Music" ha resultado, desde entonces, paradójico para el entendimiento, ¿o es que acaso no todas las músicas son del mundo? La denominación se adopta en 1987 en el intento de hallar un término que reflejara el espíritu globalizador de los años 80 del siglo XX. El afán de las discográficas por vender se puso de lado de ciertos músicos del hemisferio Sur y de Oriente que, basados en su folclore autóctono, no sólo exploraban fusiones audaces con occidente, sino que en ocasiones lograban un considerable éxito, manteniendo la categoría de mitos o maestros de la que gozaban en sus respectivos países. Youssou N'Dour, Ali Farka Touré, Ladysmith Black Mambazo o Nusrat Fateh Ali Khan son sólo algunos nombres de indudable éxito. Peter Gabriel, Paul Simon o David Byrne son músicos occidentales que ayudaron a impulsar esta etiqueta y a determinados artistas de gran interés, pero para otros ilustres como Philip Glass no cabe duda de que el sitarista indio Ravi Shankar fue clave -incluso padre- de ese movimiento, años antes de su institución.

Tras décadas de trabajo y popularidad en la India y numerosos viajes por el mundo, Ravi Shankar conoció al Beatle George Harrison en 1966 y se convirtió en su maestro (el propio Harrison es un reclamo en Tana Mana, al acudir a la llamada de su mentor y amigo para tocar en el mismo cítara y sintetizador). Para dar el salto hacia el gran público, Ravi optó por facilitar las cosas, fusionando con otros estilos e instrumentos y acortando las duraciones de las canciones, más acordes con el gusto occidental y la radiodifusión. Aún así, a pesar de no tocar la música que le reclamaban los puristas de su país, este maestro consiguió su objetivo de "no perder la indianidad de su música". Más allá, con adaptaciones como ésta no exentas de alma, Ravi dió un importante paso para mantener viva la música clásica india en el mundo contemporáneo, abriendo camino a otros músicos notables, como su propia hija Anoushka Shankar.
Shankar tuvo una gran popularidad en EEUU cuando los Beatles le "descubrieron" a Occidente, se instaló en los Estados Unidos y dió populosos conciertos, y fué relanzado para el público general gracias al buen ojo del productor Peter Baumann para Private Music, donde publicó tres discos a finales de los 80, justo cuando comenzaba a instaurarse la mencionada etiqueta "World Music": Tana Mana (1987), un estupendo concierto en Moscú llamado Inside the Kremlin (1988), y la espléndida e imprescindible colaboración con Philip Glass Passages (1990).
En Tana Mana, instrumentistas indios (incluyendo a la vocalista Lakshmi Shankar o a Shubho Shankar -hijo del maestro, fallecido en 1992) se funden con nombres estadounidenses como los de los productores (Peter Baumann y Frank Serafine) o los de Patrick O'Hearn (al bajo), Ray Cooper (Marimba), Al Cooper (guitarra) o el mencionado George Harrison. Tana Mana, compuesto por Ravi Shankar un año después de sufrir un infarto, es una hermosa sucesión de piezas cantarinas, que van más allá de continentes y épocas para acatar la universalidad de la música india y darla a conocer al resto del mundo, en su faceta más asequible, a través de uno de sus grandes valedores. (Fuente: Solsticio de Invierno)

tracks list:
01. Chase
02. Tana Mana
03. Village Dance
04. Seven and 10½
05. Friar Park
06. Romantic Voyage
07. Memory of Uday
08. West Eats Meat
09. Reunión
10. Supplication





Ballaké Sissoko & Vincent Segal – Musique de Nuit (2015)

En 2009, el maestro de kora Ballaké Sissoko y el violoncelista Vincent Segal decidieron hacer un álbum, Chamber Music, que capturaría sus diálogos musicales, un trabajo que transcendió géneros, tendencias y fronteras. Desde entonces, la música del dúo se ha paseado alrededor del mundo. Con más de doscientos conciertos, desde Europa a China pasando por USA y Brasil, esta maravillosa sonoridad ha encantado las salas de música más prestigiosas de los cuatro continentes.
Seis años después de Chamber Music, la colaboración entre los dos hombres ha seguido floreciendo y creciendo, nutrida por sus años de peregrinación juntos que les lleva a comunicarse sin necesidad de palabras. En el tejado de la casa de Ballaké Sissoko, en Bamako, se gestó el disco Musique de Nuit. Desde medianoche y hasta las cuatro de la mañana, momento en que caían rendidos, estuvieron tocando el maliense y el francés Vincent Segal. Tres noches de poesía sonora. Con las cuerdas del violonchelo y la kora sobre el rumor lejano del tráfico o los balidos de ovejas. Así se grabaron los cuatro primeros temas; los otros cinco salieron de sesiones diurnas en los estudios Bogolan.

Musique de Nuit es un ejercicio de libertad, el sonido de dos músicos quienes son maestros de sus instrumentos. Talento artístico y tradición de dos personas que son capaces de trascender en el diálogo de cada sonido, que centra toda la atención hacia la belleza del momento. Un trabajo que celebra todo lo que es poesía en el mundo.

Para saber más: No Format!

tracks list:
01. Niandou
02. Passa Quatro (para familia Ivan Vilela)
03. Balazando
04. N´Kapalema
05. Diabaro (feat. Babani Kone)
06. Super Étoile
07. Prélude
08. Samba Tomora
09. Musique de Nuit





Anoushka Shankar – Home (2015)

Home es el último disco de Anoushka Shankar, editado por el prestigioso sello de música clásica Deutsche Grammophon, una vuelta a las raíces de la música clásica hindú y, a la vez, un homenaje a su padre, el gran Ravi Shankar, que fue el primer músico hindú que abrió la música de su país al mundo. En definitiva, Home es una vuelta a casa y puede considerarse como una antología pura, donde despliega su virtuosismo al sitar y se muestran las cualidades meditativas y virtuosas del raga.
En esta ocasión, el género se enriquece con dos ragas, "Guru: Raga Jogeshwari" y "Celebration: Raga Manj Khamaj". La primera, a sitar sólo, está dividida en tres partes y dura más de 36 minutos, mientras que la segunda dura 18 minutos y en algunos momentos Anoushka Shankar se encuentra acompañada por Tanmoy Bose con la tabla y Kenji Ota con la tanpura y el bajo.
El proyecto, dirigido por ella misma, viene acompañado por unas largas e interesantes notas en las que explica qué es y cómo funciona la música india, su profundidad espiritual y sus formas melódicas y rítmicas, todo en aras de lograr un mayor acercamiento a esta música por parte de las y los oyentes occidentales. Con Home, Anoushka Shankar continúa su viaje explorando formas modernas y frescas de reinterpretar y mantener vivas las hermosas tradiciones musicales de India.

Página web oficial: Anoushka Shankar

tracks list:
Guru: Raga Jogeshwari
01. Alaap
02. Jod, Jhala
03. Gat in Rupaktaal
Celebration: Raga Manj Khamaj
04. Aochar, Dadra, Teentaal, Coda

Pink Martini & The Von Trapps – Dream a Little Dream (2014)

El apellido Von Trapp está asociado a la película "Sonrisas y Lágrimas", uno de los filmes musicales con más éxito de la historia. Detrás de la película, ganadora de Oscar, está la historia de una familia de cantantes que tuvo que abandonar Austria, tras el auge del nazismo, con dirección a Estados Unidos en 1938.
En su país de acogida fueron inicialmente conocidos como el Trapp Family Choir, comenzando a actuar en Estados Unidos y Canadá, y firmando con F.C. “Freddie” Schang, agente que "americanizó" su repertorio y cambió, en 1949, el nombre de la banda familiar a The Trapp Family Singers. La familia, que por entonces contaba con siete hijas y tres hijos, se convirtió en famosa internacionalmente. Tras la guerra, crearon el fondo Trapp Family Austrian Relief Inc, que envió grandes cantidades de comida y ropa a las zonas más devastadas por la guerra de Austria. En 1959 se estrenó en Broadway la obra teatral "The Sound of Music", basada en la historia de su vida, que en castellano se tradujo por "Sonrisas y Lágrimas", y se convertiría en película en 1965.
Ahora son las biznietas y el biznieto de Maria y Georg Von Trapp quienes perpetúan la tradición familiar. Sofia, Melanie, August y Amanda Von Trapp presentaron su álbum Dream a Little Dream en 2014, un disco realizado en colaboración con Pink Martini.

"Nuestra carrera ha evolucionado de una manera muy interesante", explica Sofia von Trapp. "Primero cantábamos muchas canciones de la película, los temas de la película para niños, digamos. Pero esta nueva fase, la del nuevo disco, es una especie de homenaje a la historia de nuestra familia y al musical. Por supuesto, también hemos aportado algo nuevo a la tradición familiar y estamos muy contentos de haberlo hecho". Sus padres no se dedican a la música pero los cuatro miembros del grupo aseguran haber mantenido siempre una muy buena relación con su abuelo, una de las razones por las que decidieron formar un grupo. De hecho, fue su abuelo (uno de los protagonistas de "Sonrisas y Lágrimas") quien les enseñó canciones tradicionales. Fue a raíz de sufrir un ictus que decidieron grabar algunas de esas canciones para que las escuchara en el hospital. Y así fue cómo comenzó todo.
Con Dream a Little Dream, la actual famila Von Trapp debuta a nivel internacional con Pink Martini. En el disco, además de estándares como "Dream A Little Dream", "Fernando" (Abba), "Edelweiss" y "Lonely Goatherd" (de "Sonrisas y lágrimas"), abordan tres composiciones originales de Ausgust Von Trapp, además de una selección de canciones en la línea del gusto selecto y cosmopolita de Pink Martini, piezas procedentes de Suecia, Ruanda, China, Japón y Baviera. Cuenta, también, con colaboraciones de The Chieftains, Wayne Newton, "Jungle" Jack Hanna y Charmian Carr (la cantante y actriz que interpretó al personaje de Liesl en la película).
Arreglos impecables, voces magníficas y un repertorio bien elegido que en vivo mantiene toda la eficacia sin perder elegancia y magia. De nuevo, altamente recomendables y una forma de producir música a seguir.

Página web oficial: Pink Martini, The Von Trapps

tracks list:
01. Storm
02. Kuroneko no tango
03. Dream a Little Dream
04. Fernando
05. Hayaldah hachi yafa bagan
06. Friend
07. Die Dorfmusik
08. In stiller Nacht
09. Le premier bonheur du jour
10. Rwanda Nziza
11. Gong Si
12. Hushabye Mountain
13. The Lonely Goatherd (feat. Wayne Newton and Jack Hanna)
14. Edelweiss (feat. Charmian Carr)
15. Thunder (feat. The Chieftains)





Monsieur Doumani – Grippy Grappa (2013)

Nominados para la categoría de "Best Newcomer" en los Songlines Music Awards 2014, Monsieur Doumani se formó en 2011 en Nicosia con Angelos Ionas (guitarra), Demetris Yiasemides (vientos) y Antonis Antoniou (tzouras). Aunque cada miembro de Monsieur Doumani llegaba con su propio bagaje estilístico y musical, los tres están tocados y hechizados por la música popular de Chipre. Su objetivo es agregar su propio color al sonido y sentimiento de las músicas tradicionales chipriotas componiendo, también, sus propios temas en el dialecto chipriota del griego inspirados en las actualidades del país.

Su formación musical les ha hecho conocedores de otros estilos musicales, pero siempre se han dejado llevar por la fascinación de la sencillez, la belleza y las melodías únicas de la música tradicional de su tierra. Esta es la singularidad que Monsieur Doumani ha potenciado, enriqueciendo esas canciones tradicionales con nuevos arreglos, melodías, ritmos y sonidos, elaborando un estilo distintivo propio, un tratamiento fresco y audaz del folklore chipriota que constituye un auténtico regalo para los oídos.

Página web oficial: Monsieur Doumani

tracks list:
01. Ο Δασονόμος - The Forest Ranger
02. Τυλληρκώτισσα - Woman From Tylliria
03. Συρτός Μαυρομμάτης - Syrtos Mavrommatis
04. Ο Αχάπαρος - Out-of-touch Guy
05. Έσυρα Το Μήλον - I Tossed An Apple
06. Το Σύστημαν - The System
07. Κοφτό Ζεϊμπέκικο - Kofto Zeibekiko
08. Η Μουζουρού Του Μόρφου - Dark Beauty From Morfou
09. Παιάκιν Μυρωάτον - Young Upwardly-mobile Professional
10. Η Βράκα - My Baggy Trousers
11. Κυπριακή Σούστα - Cypriot Sousta
12. Τσιάκκαρα Μάκκαρα - Tsiakkara Makkara
13. Γαμήλιον Εμβατήριο - Wedding Procession Song





NO Blues – Oh Yeah Habibi (2015)

Si buscamos la palabra "arabicana", encontraremos un género y sus inventores: NO Blues, una mezcla única de la cultura musical americana (folk, blues y country) y la música árabe. Incluso después de diez años como banda, sigue siendo única en el mundo. En el nuevo álbum Oh Yeah Habibi, NO Blues tiende un puente entre Oriente y Occidente navegando por el Nilo y el Mississippi y sus deltas musicales.
En 2004 Rob Kramer - director artístico de productiehuis Oost-Nederland - invitó a tres virtuosos de las cuerdas para una sesión de tres días que dio, como resultado, un concierto conjunto. La sinergia desarrollada de forma espontánea entre Anne-Maarten van Heuvelen (bajo), Ad van Meurs (guitarra) y Haytham Safia (u'd - laúd árabe) condujo a cientos de espectáculos y cuatro discos como NO Blues, siendo su debut Farewell Shalabiye (2005) un éxito inmediato. En 2007 NO Blues se convierte en quinteto con la incorporación del percusionista Osama Maleegi y la vocalista y productora Ankie Keultjes. Desde entonces, conquistan a amantes de su música en Francia, Grecia, México y paises árabes con Ya Dunya (2007), Hela Hela (2011) y Kind of NO Blues (2013). Con Oh Yeah Habibi (2015) la banda continúa su viaje musical. Diez años de su mezcla única Arabicana!.

Oh Yeah Habibi suena directo y fresco como un álbum de debut. El intérprete de oud Haytham Safia señala que han vuelto a la esencia de la guitarra, oud, bajo y percusión. A diferencia de los discos anteriores, en NO Blues han decidido utilizar los acontecimientos actuales como temas de sus canciones. Temas como "Exodus" y "The World" giran en torno al drama de los refugiados, y "Two Trains" y "Gods Move" hacen referencia a los enfrentamientos religiosos. "Nos llamó la atención que nuestra música parecía tener una energía diferente después del ataque terrorista contra Charlie Hebdo", dice el bajista Anne-Maarten van Heuvelen. El guitarrista Ad van Meurs señala: "Nunca hemos sido una banda con contenido político, pero, definitivamente, no podemos mirar hacia otro lado tampoco".
Oh Yeah Habibi va más allá en la temática previa de NO Blues, y su aclamada "arabicana" por la crítica todavía sigue teniendo gran impacto y sorprendiendo. En este nuevo trabajo de doce pistas suben un nivel más en su abrazo musical entre este y oeste.

Página web oficial: NO Blues

tracks list:
01. Into The Caravan
02. Imta
03. Doubt
04. Two Trains
05. Ehsas
06. Exodus
07. The World Keeps Turning
08. Sudani
09. Oh Yeah Habibi
10. The Moment
11. Osama Blues
12. Gods Move





Kiran Ahluwalia – Sanata: Stillness (2015)

Sanata: Stillness es el nuevo trabajo de Kiran Ahluwalia, creando al frente de su sólida banda un sonido transcultural e innovador a la vez que contemplativo y seductor para el baile. Grooves paquistaníes se aunan con ritmos de raga hindú y se fusionan de manera natural con los hipnóticos blues saharianos y el concepto improvisatorio del jazz occidental.
Gracias a un encuentro casual con los legendarios Tinariwen, Kiran quedó fascinada por las guitarras tuareg del desierto del Sahara. Después de estudiar estas y otras músicas de África Occidental, quedó convencida de que tenía que añadir a sus ideas compositoras sus ritmos adictivos, hipnóticos y cíclicos. El resultado fue el extraordinario Aam Zameen: Common Ground (2011), con la participación de los malienses Tinariwen y Terafakt.

En Sanata: Stillness esta influencia se sigue dejando sentir, encontrándonos un buen híbrido de la música indo-sahariana, una especie de síntesis de música de India, jazz y los sonidos subsaharianos, todos aderezados con un estilo únicamente suyo. Las canciones de este álbum hablan sobre lo inalcanzable, el amor y lo divino. Sus composiciones y arreglos son un reflejo de una búsqueda constante para crear música atemporal en un contexto moderno y global que mira hacia el futuro, manteniendo una línea vital con su pasado histórico, relatado en nueve temas. Encontramos sonidos de tablas, percusiones, más el canto característico tradicional, junto con guitarras eléctricas de rock, desenvolviéndose y encontrando puntos en común muy bien trabajados. Para ello, es fundamental el trabajo a las guitarras de Rez Abbasi y las fascinantes notas del harmonium de Kiran Thakrar.
El resultado carece de temporalidad y fronteras, entrando en un contexto global y moderno que abarca el futuro pero se mantiene con sólidas raíces en la tradición.

Página web oficial: Kiran Ahluwalia

tracks list:
01. Hayat
02. Jaane Na
03. Sanata
04. Tamana
05. Hum Dono
06. Jhoom
07. Taskeen
08. Qaza
09. Lament

Tamana



Seckou Keita - 22 Strings (2015)

Después de su sublime álbum Clychau Dibon, con la arpista galesa Catrin Finch (que ganó el premio "Cross-Cultural Collaboration" de los Songlines Music Awards de 2014), Seckou Keita presenta su nuevo disco en solitario: 22 Strings, las de su ancestral instrumento, la kora, gracia de meditación y elegancia consumada.
El título 22 Strings hace referencia a un cuento sobre la kora, que tiene 21 cuerdas. Según una vieja leyenda, cuando los espíritus (djinns) de la selva africana dieron la primera kora al griot Jali Mady "Wuleng", ésta tenía 22 cuerdas. Cuando Jali Mady murió, sus compañeros griots tomaron una cuerda en su memoria. En su lugar de nacimiento en el sur de Senegal y Guinea Bissau, la kora de 22 cuerdas ha sobrevivido, dando ventajas especiales en términos de alcance tonal. Para Seckou Keita, esta cuerda adicional representa el hogar, el lugar donde reside su corazón.

Keita se ha convertido, sin duda, en uno de los intérpretes de la misma más influyentes e inspiradores de su generación, un músico excepcional y carismático que en este trabajo, íntimo y exquisito, explora lo que significa ser un ciudadano del mundo moderno llevando, sin embargo, tras de sí nada menos que siete siglos de tradición y herencia que se van desgranando y expresadando a través de la música. Seckou nos muestra la kora en su pureza, un instrumento maravilloso que puede llevar al espíritu humano a un lugar de meditación profunda, quietud y belleza. Como botón de muestra, el tema que cierra el álbum ("Future Strings in E", que también aparecía en Clychau Dibon), un escaparate impresionante de la inventiva de Seckou en estas veintidos cuerdas.

Página web oficial: Seckou Keita

tracks list:
01. The Path From Gabou
02. N'Doké (Little Bro)
03. Mikhi Nathan Mu-Toma (The Invisible Man)
04. If Only I Knew
05. Alpha Yaya
06. Kana-Sila
07. Tatono
08. Mandé
09. Abdou N'Diaye
10. Future Strings in E





Hindi Zahra – Homeland (2015)

Hindi Zahra, cantante, compositora y multi-instrumentista de origen bereber, es una artista imbuida de Marruecos y su diversidad cultural más allá de sus fronteras. No tuvo prisa para publicar su primer trabajo, el excelente Handmade, en 2010, que fusionaba la cultura poética amazigh con el soul, el jazz, el folk y el blues con una voz que recordaba a Patti Smith o Billie Holliday.
Desde aquel momento se embarcó en una gira interminable y no paró de recibir premios. Habiendo sido una de las revelaciones del año gracias a su increíble concierto del mes de mayo en el Festival Gnawa de Essaouira, publica su segundo álbum Homeland, grabado entre Marrakech, Essaouria, Córdoba y Paris, y en el que participan las impresionantes guitarras de la estrella tuareg Bombino y el gitano Juan Fernández "Panki".

Homeland es un trabajo impresionante, donde muestra su fino control vocal en las frescas y luminosas baladas compuestas en inglés y francés indistintamente, con influencias flamencas o del blues del desierto respirando en cada canción. El disco es jazz, soul, chanson, folk, pop, es todo a la vez, canciones que van más allá de las fronteras, dificil de clasificar (como muestra, el precioso "Cabo Verde" cantado en bereber). Lo que prima sobre todos estos estilos musicales es la dulzura de su voz, los excelentes arreglos musicales y la frescura de una propuesta musical que entrelaza magistralmente la tradición y la vanguardia.

Página web oficial: Hindi Zahra

tracks list:
01. To The Forces
02. Silence
03. Any Story
04. Un Jour
05. Can We Dance
06. La luna
07. The Blues
08. Broken Ones
09. Dream
10. Cabo Verde
11. The Moon Is Full





Flaco & Max – Legends & Legacies (2014)

Flaco Jiménez y Max Baca, integrante de Los Texmaniacs, han colaborado en decenas de discos y conciertos a lo largo de sus carreras. Pero Legends & Legacies es el primero en el que el astro del acordeón de la música Tex-Mex y el maestro del bajo sexto (una guitarra tejana con seis pares de cuerdas dobles) comparten crédito como cantantes e instrumentistas.
Grabado bajo el sello del Instituto Smithsonian, señala Jiménez que "Este disco tiene un significado muy especial para mí", "queríamos llevar a la nuevas generaciones al origen de esta música. Es la música de mi abuelo Patricio a fines del siglo XIX y de mi padre en los años 30".
La amistad de Jiménez y Baca se remonta a la década de 1970, cuando el último tenía siete años. El padre de Max le llevó, junto a su hermano, a Lubbock (Texas) para ver una serie de actuaciones de Flaco Jiménez en un club llamado el Fronterizo. Cuando Flaco Jiménez, que era amigo de su padre (Max Baca Sr.), invitó a los pequeños a subir al escenario a tocar con él, la destreza de los Baca en el bajo sexto y acordeón lo deslumbró. Veinte años después, Max Baca Jr. se convirtió en el bajo sexto preferido de Jiménez.
En 1994 ambos colaboraron con los Rolling Stones en Voodoo Lounge, que ganó el Grammy al mejor álbum de rock. Por su parte, Flaco Jiménez ha ganado tres Grammy como solista, uno con The Texas Tornados y otro con Los Super Seven, y Max Baca tiene uno con Los Texmaniacs, pero Legends & Legacies es su primera colaboración oficial.
Legends & Legacies es una colección de canciones que Jiménez tocaba con su padre (Santiago Jiménez) y Baca con el suyo. Excepto por la cumbia "La múcura", el disco está integrado por polcas, rancheras y valses tocados al estilo de conjunto tejano, el género que se nutre de la música introducida por inmigrantes alemanes y del Este de Europa a fines del siglo XIX en el norte de México y el sur de Texas.
El disco incluye, entre otros, clásicos popularizados por Santiago Jiménez (la polca "Margarita, Margarita"), una ranchera que se convirtió en éxito de Los Alegres de Terán ("Me voy lejos") y un viejo original de Jiménez que nunca había grabado antes ("Fiesta alegre"). Temas con los que Flaco y Max contribuyen a una meta común: obtener respeto por su legado musical más allá de su comunidad tejana mexicana, al mismo tiempo que destacan que las tradiciones y las raíces de todas las personas merecen el mismo respeto.

facebook: Flaco Jiménez
Página web oficial: Max Baca & Los Texmaniacs

tracks list:
01. Margarita, Margarita (canción-polca)
02. Cada vez que cae la tarde (canción-polca)
03. El pesudo (canción-polca)
04. Me voy lejos (canción ranchera)
05. Borradita diente de oro (canción-polca)
06. La múcura (cumbia)
07. Mi primer amor (canción-polca)
08. El parrandero (canción-polca)
09. Los amores de José (vals)
10. Brincando cercas (canción-polca)
11. Jardín de las flores (canción-vals)
12. La viejita (canción-polca)
13. Beer-Drinking (polca)
14. La nueva Zenaida (canción-polca)
15. Morena, morenita (canción-polca)
16. Ay te guacho cucaracho (canción-polca)
17. Fiesta alegre (polca)





Totó la Momposina – Tambolero (2015)

Tambolero es el "nuevo" trabajo de la cantante Totó la Momposina, considerada tesoro cultural de su país. Desde la década de 1970 ha estado cantando y bailando a la música de la costa caribeña de Colombia en los escenarios de todo el mundo.
Su álbum La Candela Viva, que grabó para Real World Records de Peter Gabriel en 1993, fue su disco debut, a nivel internacional, pese a ser una artista con mucha experiencia en los escenarios, un estallido definitivo de la vibrante mezcla de influencias africanas, indígenas y españolas que componen el majestuoso sonido de su tierra a lo largo de la costa del Caribe.
Su última colección, Tambolero, es una recreación de ese álbum seminal. Revisando las grabaciones originarias, el productor John Hollis descubrió más de 20 canciones que no habían sido utilizadas. Para esta nueva producción se restauraron las cintas originales, se llevaron a formatos digitales y se reeditaron y mezclaron. También se agregaron algunos instrumentos y se reforzaron los coros con la voz de dos nietas de Totó, Mª del Mar y Oriana Melissa Hollis (esta última ni siquiera había nacido cuando se grabó el primer disco).

"Estoy cantando lo viejo nuevo" dice Totó, "Estamos en una nueva época, en una nueva era donde se utiliza mucho lo electrónico", "pero cuando tú encuentras la música hecha con amor naturalmente, con los instrumentos naturales, con el sentimiento de amor musical, pues la música suena con un toque de una energía ancestral".
Tambolero es otra manifestación artística definitiva de una artista que acaba de entrar en su 75 aniversario llevando sesenta y siete como intérprete.

Página web oficial: Totó la Momposina

tracks list:
01. Adiós Fulana
02. El Pescador
03. Chi Chi Mani
04. Curura
05. Gallinacito
06. La Sombra Negra
07. Dame la mano Juancho
08. La Candela Viva
09. Dos de Febrero
10. Malanga
11. La Acabación
12. Tambolero





Efrén López – El Fill del Llop (2015)

La carrera del multiinstrumentista y compositor valenciano Efrén López es tan amplia y extraordinaria que cualquier intento de resumirla en unas pocas lineas pecará con seguridad de falta de rigor. Durante más de quince años se ha sumergido en el sustrato musical mediterráneo, estudiando y viajando hasta las fuentes, con estancias en Grecia, Creta, Turquía, Israel… y lo ha compartido con excelentes músicos/as de proyectos innovadores de la música de raíz y antigua de ambos extremos del Mediterráneo, tanto la occidental como la oriental.
En 1998 fundó, junto a Mara Aranda, L’Ham de Foc, uno de los grupos españoles más destacados a nivel internacional, nutrido de influencias árabes, griegas, iraníes, turcas, balcánicas, afganas y una fuerte identidad valenciana. Posteriormente, ha trabajado con artistas y bandas como Evo (con quienes llevó a cabo un proyecto donde interpretaban, de manera contemporánea, un repertorio basado en piezas medievales, Eva, en 2012), Capella de Ministrers, Carles Dénia, Maria del Mar Bonet, Pep Gimeno "Botifarra", Miquel Gil, Ross Daly & Labyrinth, Stelios Petrakis, Trío Chemirani… entre otras y otros.

Con El Fill del Llop, Efrén López da un paso más allá en su carrera y estrena un nuevo proyecto donde es el único responsable de todo el trabajo, volviéndose a sumergir en las tradiciones mediterráneas, de España, Turquía o Grecia y en distintas épocas musicales. Para ello, maneja instrumentos de las distintas geografías (oud, saz, zanfona, guitarra, banjo, bağlama, santur o bouzouki) con una maestría excepcional.
En el disco nos encontramos desde delicadas piezas de inspiración kurda hasta potentes aperturas a ritmo de davul, un doble tambor turco de sonido sobrecogedor. Acercamientos al flamenco ("Como al pie del suplicio estuve", de Juan Peña "El Lebrijano") con el cantaor valenciano Raul Micó, a las danzas francesas ("Bourrées de la Carrasca de la Vaca", para zanfona) y a los sonidos portugueses ("Azinhaga"). Además, se ha rodeado de artistas que ya le han acompañado en diversos proyectos como Christos Barbas, Miriam Encinas y Alexandre Guitart, presentándose el conjunto como Abracadabra. Precisamente "Abracadabra" es el tema que cierra el disco, una fiesta de percusiones manejadas por Aleix Tobias para este trabajo extraordinario, un disco de abrumadora belleza y de concepto impecable.

facebook: Efrén López Música

tracks list:
01. Kurtoğlu Zeybeği
02. Plaerdemavida
03. Como al pie del suplicio estuve
04. Oγιος του λύκου - O gios tou lykou
05. Aralık (Ferahfezâ)
06. اسب سنگ / Asbe Sangi
07. Lo boièr – Iria
08. Vallsabollera
09. Bourrées de la Carrasca de la Vaca
10. Azinhaga
11. Abracadabra





Niyaz – The Fourth Light (2015)

Después de tres discos, giras por todo el mundo y la publicación de trabajos a nivel individual, Niyaz ha decidido tomarse un tiempo hasta editar The Fourth Light, un álbum en el que renuevan la formación (pasando a ser un dueto formado por Azam Ali y Loga R. Torkian) y en el que vuelven a centrar su atención en la poesía mística sufí.
The Fourth Light está dedicado a la primera mujer mística sufí y poeta Rabia Al Basri (Rabia Al Adawiyya), una de las primeras voces del islam que nació en el siglo VIII en Basora, Irak: “A través de algunos de sus poemas que han sobrevivido a través del tiempo, las palabras que hemos heredado nos revelan a un verdadero icono femenino que encarna todos los aspectos de la liberación femenina y espiritual. Muchos poetas sufíes que vinieron después, como Attar y Rumi, atribuyen los poemas a su inquebrantable y sublime espíritu”.

Producido por Niyaz y mezclado por el destacado músico electrónico y productor Damian Taylor, en el presente trabajo Azam Ali asume un peso mayor, además de ser la vocalista se adentra en la programación electrónica. Las composiciones que han grabado se basan en temas tradicionales de Afganistán, Irán y Turquía. Texturas vocales, instrumentales y electrónicas de vanguardia arropando poemas místicos centenarios para ofrecer “un mensaje de esperanza contra la injusticia y la opresión, un tributo universal a la belleza, a la diversidad cultural y espiritual, libertad y dignidad para todas y todos”.

Página web oficial: Niyaz

tracks list:
01. Sabza Ba Naz (The Triumph of Love)
02. Tam e Eshq (The Taste of Love)
03. Eyvallah Shahim (new rendition) (Truth)
04. Yek Nazar (A Single Glance)
05. Man Haramam (I Am a Sin)
06. Aurat (Woman)
07. Khuda Bowad Yaret (Divine Companion)
08. Shir Ali Mardan (Song of a Warrior)
09. Marg e Man (My Elegy)