Aynur – Hevra (2013)

Diez años después de su debut internacional con Keçe Kurdan (que la convirtió en una de las máximas exponentes de la cultura y la música kurda), Aynur Doğan presenta Hevra (“Juntos” en kurdo), en una línea similar a la de sus trabajos anteriores: una equilibrada conjugación de canciones tradicionales actualizadas y nuevas composiciones con influencias diversas.
Seyir (2002), Keçe Kurdan (2004), Nûpel (2006) y Rewend (2010) son sus trabajos anteriores. En Hevra (2013) Aynur añade nuevos colores a su propuesta mostrando, al mismo tiempo, un innegable respeto por su cultura originaria y una intención por llevarla un paso más allá. Para ello cuenta con la brillante producción de Javier Limón, que enriquece el bagaje de la cantante kurda desde un sobrio y elegante trabajo en los arreglos llenos de acentos mediterráneos y orientales. Javier Limón consigue entrecruzar a la perfección instrumentos tradicionales como tembur, kaval y nay con ráfagas de guitarra, clarinete, piano y percusión (e, incluso, el cante) con la voz poderosa y expresiva de Aynur, que sobrevuela hasta límites insospechados.

Hevra combina composiciones propias con tradicionales y de otros autores, y cuenta con un plantel de artistas al servicio de la intención del disco. Por ejemplo, Saúl Quirós pone su cante en “Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam”; Cermil Qoçgirî acompaña sólo con el tembur en el precioso “Sîsilê”, al igual que el piano de Ariadna Castellanos en el impresionante “Xerîw”. La percusión corre, en la mayoría de las veces, a cargo de José Ruíz “Bandolero”. Y la guinda, el zapateado de Belén López en “Yar Melek e”, otra de las muestras de la genialidad en la realización de Javier Limón. Hevra es, sencillamente… un disco espléndido.

Página web oficial: Aynur Doğan

tracks list:
01. Peş Nare (It Makes No Headway)
02. Ûrmiye (Urmia)
03. Sîsilê
04. Tobedar im (I Repent)
05. Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam (I Have Built a House by the Sea)
06. Min Digo Melê (Remembering My Little Angel)
07. Diyarbekir
08. Xerîw (Poor Fellow)
09. Reng Esmerê (Come, Come You with the nut coloured skin)
10. Dil Ji Min Bir (She Stole My Heart Away)
11. Yar Melek e (My Lover is an Angel)





Ferran Savall – Impro (2014)

Ser autónomo, sentirse libre del dictado de la moda, de las reglas de la industria discográfica y de las etiquetas es el objetivo de Ferran Savall. El músico acaba de presentar su nuevo disco, Impro (en Alia Vox), un trabajo muy diferente a su primer álbum en solitario publicado en 2008. Un disco precioso.
"Ferran Savall bebe de la música antigua y especialmente de la cultura mediterránea para crear un lenguaje artístico propio, fresco y actualizado" (tv3, 2009). Hijo de la soprano Montserrat Figueras y del violagambista y musicólogo Jordi Savall (fundador del proyecto de música barroca Hespèrion XXI), y hermano de Arianna Savall (soprano y harpista), desde sus primeros años ha estado en contacto cotidiano con el ambiente musical de estudio, de ensayos y de conciertos con los miembros de su familia, que tienen lugar en su casa. A los siete años empieza su formación musical, estudia violín y piano y los completa con estudios de canto, guitarra y, más tarde, de laúd, tiorba y guitarra barroca.
En la adolescencia inicia sus estudios de guitarra en la Escuela Luthier con Xavier Coll. Paralelamente, con la idea de formarse en la interpretación de instrumentos antiguos y en el bajo continuo, sigue clases particulares con Rolf Lislevand, del que todavía es discípulo en la actualidad. Desde el año 2000 trabaja el canto moderno y prosigue sus estudios con Dolors Aldea y Petter Johansen. Durante los años 2001-2003, estudia los instrumentos antiguos en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) con Xavier Díaz-Latorre. Y también trabaja en diversas ocasiones con Andrew Lawrence-King en el marco de los "Cursos de Música Antigua de Cataluña" en Sant Feliu de Guíxols.
En 2004 inició la aventura de tocar profesionalmente con su familia, seguida de la publicación del disco Du temps & de l’instant que los llevó a realizar conciertos por todo el mundo.
Desde 2005 colabora con la bailarina y coreógrafa india Shantala Shivalingappa en distintos proyectos, el último de los cuales titulado Impro Sharana fue presentado en diciembre de 2014 en Barcelona y Girona. En 2008 inició su carrera musical en solitario con el disco Mireu el nostre mar con la ayuda de Mario Mas y la participación de Jordi Gaspar, Javier Mas y Dimitris Psonis, entre otros.

Y también en 2014 ha presentado su última propuesta, Impro, que incluye piezas grabadas entre 2003 y 2011. Señala el propio artista que este trabajo "es una reconciliación conmigo mismo. Cuando empecé a cantar a los 20 años lo que más me gustaba era coger la guitarra e improvisar con mi voz". En aquella época no tenía ninguna necesidad de componer. En cambio disfrutaba "jugando, imitando la manera de cantar del pop, del gospel o de los árabes sin utilizar palabras, inventándome un lenguaje que puede recordar a algo pero no lo es". Y solía tocar en la calle, "que para mí ha sido la mejor escuela", apunta, sin miedo a experimentar y buscando esa comunión que permite aflorar los sentimientos en estado puro, dejando que fluyan ecos de sus influencias más diversas. Hasta ha creado su propio lenguaje creando un vocabulario que, sin palabras, evoca emociones: "Invento palabras que no existen. Las improvisaciones no cuentan historias, surgen de la música y de la melodía", explica.
En Impro, la versátil y dulce voz de Savall se acompaña de su guitarra española o de su tiorba. A veces se unen también músicos que conoce bien: su padre, Jordi Savall, y su famosa viola de gamba, y el percusionista Pedro Estevan (darbuca, maracas, tambor ganga). El disco transmite vibraciones diferentes, empapadas de frescura y belleza, en gran parte inspiradas en su experiencia con la música antigua. "Comiat d'una mare" es un tributo de amor a su madre (fallecida en noviembre de 2011), y "Wonder" un guiño a uno de los artistas que admira, Steve Wonder.
Con Impro Ferran Savall ha encontrado su camino, la improvisación, dejar que la música fluya fruto del momento y de la emoción justa, de su forma de ser y de los recursos con los que cuente en el preciso instante. Por ello, le gusta actuar en espacios abiertos e improvisados, en círculos íntimos donde también el público participa en la creación de la atmósfera de donde emergerá su voz en canto. Sus interpretaciones son siempre únicas e irrepetibles. Y cada concierto es diferente. Por eso Impro es difícil de etiquetar. Como todo lo bello. (Fuente: "Ferran Savall, emociones sin palabras")

Página web oficial: Ferran Savall

tracks list:
01 somni
02 plaça del sol
03 fills de l’abundància
04 de gira
05 cardona blues
06 el joc etern
07 nous horitzons
08 veus humanes
09 jaroslaw
10 amb el pedro i els canaris
11 sense fer soroll
12 wonder
13 comiat d’una mare
14 somewhere over the rainbow





Kassé Mady Diabaté – Kiriké (2014)

Kassé Mady Diabaté tiene una de las voces más hermosas del oeste africano. Descendiente de una distinguida familia griot (hermano de Abdoulaye Diabaté), su nombre pertenece a esa "realeza musical" de la que forman parte otros griots como Toumani Diabaté o Bassekou Kouyaté. Más conocidos por su labor de "guardianes de la tradición", los griots son también considerados como mediadores en casos de rivalidades o discusiones en sus comunidades. Su función es la de canalizar todas las emociones e impulsos de estos desencuentros y convertirlos en canciones. Es por esto que, en este mundo dominado por la tradición oral, solo poetas como Kassé Mady Diabaté, que traduce las preocupaciones del alma humana en historias musicales, pueden alcanzar tal nivel de excelencia y convertirse en un tesoro nacional en Malí.
Nacido en la cuna de la civilización Mandinga, Kassé Mady se formó desde muy pequeño con su tía Sira Mory Diabaté, la cantante mandinga más conocida de su época y todavía referente en la escena artística de Malí. Su reputación fue creciendo en los primeros años de independencia y en 1970 se convirtió en vocalista de la Orchestre Régional Super Mandé de Kangaba, con quien ganó la Bienal de Música de Bamako (una iniciativa estatal para promocionar artistas que fomentan el patrimonio cultural), llamando la atención de Las Maravillas de Malí (un grupo que estudia en Cuba y que regresa para realizar sus interpretaciones de clásicos cubanos). Con Kassé Mady como vocalista, Las Maravillas (más tarde conocido como Badema National) logra un gran éxito en toda África Occidental, con canciones de estilo cubano pero con un nuevo toque mandinga.
En 1988 deja Badema National y se establece en Paris, donde graba su primer disco en solitario con el productor senegalés Ibrahima Sylla. En los diez años que vive en Paris toca con Toumani Diabaté y forma parte de su Symmetric Orchestra primero, colabora con Ketama en su Shongai 2, graba varios discos como solista, y a su regreso a Mali participa en el proyecto Koulandjan con Taj Mahal, y en Afrocubism, producido por Nick Gold.
Su último disco Kiriké (en No Format!) es una celebración de sus cincuenta años en la música. Es un trabajo con el que vuelve a sus raíces y en el que se apoya en una banda acústica de ngoni, balafón y kora (interpretada por Ballaké Sissoko), con un delicado trabajo de cello del productor Vincent Segal, donde se pone de manifiesto la belleza de su voz que conmueve con las historias de sufrimiento y de alegrías que transmite.

Página web oficial: Kasse Mady Diabaté

tracks list:
01. Simbo
02. Sori
03. Ko Kuma Magni
04. Sadjo
05. Toumarou
06. Kiriké
07. Douba Diabira
08. Hera





Los Míticos del Ritmo (feat. Quantic) – Los Míticos del Ritmo (2012)

Will "Quantic" Holland es una de las grandes estrellas del soul, del funk y del nü jazz de la década pasada. En 2006 un viaje a Colombia le cambió la vida, quedó tan fascinado por sus sonidos, aromas y colores que se instaló en la nación cafetera y se sumergió en su cultura musical. The Original Sound of Cumbia, una compilación de 55 pistas de la cumbia colombiana y porro publicado por Soundway en 2011, fue el resultado de cinco años de investigación de campo de Holland.
Pero encontrar y compilar registros antiguos no es lo único que ha hecho en este tiempo. Ha estado aprendiendo a interpretar el acordeón, tomando lecciones de maestros de Colombia y Panamá (Anibal Velásquez y Papi Brandao). Y ha llevado adelante sus proyectos Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica, este último junto al bogotano Mario Galeano (Frente Cumbiero).

Los Míticos del Ritmo es un proyecto dedicado a la cumbia y el vallenato de la década de los 60 de Colombia y de otros países del Caribe. Un disco grabado en analógico y para el que se han utilizado sólo cuatro pistas sobre las que se han ido superponiendo todos los instrumentos, como se hacía en aquella época. En el grupo participan Ancer Barrios Rada (percusión), nieto del gran acordeonista colombiano Francisco Pacho Rada (que participa en los directos con su voz y acordeón). El proyecto también se ve enriquecido con la participación de Combo Bárbaro (el bajo de Fernando Silva y la percusión de Freddy Colorado), y Humberto Pernett, uno de los músicos fundamentales en la historia de la fusión de ritmos costeños de Colombia con elementos electrónicos.
El resultado no puede ser más interesante: cumbia instrumental bailable y poderosas versiones, entre las que destaca "Another One Bites The Dust", de Queen ("Otro Muerde El Polvo").

Página web: Quantic

tracks list:
01. Introduction
02. Cumbia Comejen
03. Otro Muerde El Polvo (Another One Bites The Dust)
04. La Libanesa
05. Samaria
06. Willy’s Merengue
07. Cumbia de Mochilla
08. Satta Massa Cumbia
09. No Pares Hasta Tener Lo Suficiente (Don’t Stop Till You Get Enough)
10. Noche de Tamborito
11. Fabiola





Amparo Sánchez – Espíritu del Sol (2014)

Espíritu del Sol es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
Representante del movimiento mestizo barcelonés, después de liderar durante doce años el proyecto Amparanoïa, a este tercer álbum como solista de Amparo Sánchez se han sumado dos de sus músicos inseparables: Jordi Mestres (guitarras) y Willy Fuego. Vuelve a Tucson a grabar con sus compañeros Joey Burns y John Convertino (de Calexico) los doce temas que lo componen, contando además con las colaboraciones de otras y otros destacados artistas de Arizona como Brian López, Sergio Mendoza (teclados), Mona Chambers (cello) y Vicky Brown (violín). Desde Argentina también participan Carlos Jiménez "La Mona", Raly Barrionuevo y Malena D’Alessio (de Actitud María Marta), mientras que México deja su huella con el Tapacamino Colectivo Musiquero de Oaxaca.

Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago) con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.

Página web oficial: Amparo Sánchez

tracks list:
01. Plegaria
02. Mi gitana
03. Luces en el mar
04. De este amor
05. Hermosa
06. El último trago
07. De lluvia y barro
08. Rio turbio
09. Cuarteto en Paris
10. No pudo ser
11. Sin nombre
12. Long long nite





DEM Ensemble - Erguvan (2013)

DEM Ensemble es la formación extendida de DEM Trio, un proyecto que, desde sus inicios, ha reivindicado los sonidos del bağlama y el tambur, instrumentos de referencia de la música folk de la península de Anatolia. En DEM Ensemble participan Murat Salim Tokaç (tambur y ney), Emre Erdal (kemençe ó kamanché clásico), Cenk Güray (divan saz y cura), Atilla Akıntürk (kanun) y Erdem Simsek (bağlama).
El segundo disco de la formación instrumental turca avanza en su viaje musical, el álbum está dedicado a la historia musical de Estambul como un interesante crisol cultural de los días del Imperio Bizantino, la herencia otomana y los diversos períodos de la república turca. En total han registrado una veintena de piezas de belleza sublime (grabadas entre 2008 y 2013 en Turín, Estambul y Ankara), melodías que se pierden en el tiempo, que abarcan el Egeo y toda la península de Anatolia (Esmirna, Rodas, Lesbos, Burdur…) y que se unifican como una representación de todas estas culturas regionales en la estructura cosmopolita de la capital.
DEM Ensemble ha elegido como título para este maravilloso disco a la flor rosa que simboliza a Estambul, Erguvan, que brota cada primavera por un breve período de tiempo, el símbolo de una ciudad en la que se han cruzado, mezclado y enfrentado diversas culturas. De esos encuentros y desencuentros surge la urbe actual, donde la tradición y las nuevas formas musicales son abrazadas como una sola. Música pensada, soñada y escenificada de forma magistral.

tracks list:
01. Hantuman Zeybeği
02. Ağır Al Yazma Zeybeği
03. Jandarma Zeybeği
04. Hüseyni Taksim
05. Eskişehir Zeybeği
06. Baylan Cemile
07. Nihavend Taksim
08. Kutsavakiko
09. Mazomenos
10. Koca Ümmet Zeybeği
11. Rodos
12. Kostak Ali Zeybeği
13. Kasnak Zeybeği
14. Eviç Taksim
15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar
16. Karanlıkdere Zeybeği
17. Abdurrahman Halayı
18. Hüseyni Taksim
19. Tevekte Üzüm Kara
20. Hasapikos Politiko





Toumani & Sidiki Diabaté - Toumani & Sidiki (2014)

La kora es un instrumento tradicional africano, mezcla entre arpa y laud, que se construye con una calabaza gigante. Su máximo exponente es la familia Diabaté, quienes generación tras generación han aprendido todos los entresijos de este mágico instrumento. La tradición en el uso de la kora está vinculada a la tradición de los griots, cuentahistorias y poetas propios de la cultura mandinga, cuya antigüedad se remonta al siglo XII. Los griots gozan aun en la actualidad, si bien quedan pocos, de una gran consideración social, y son la referencia de la tradición, de la memoria cultural y la genealogía de su entorno, así como un elemento casi indispensable en cualquier reunión social.
Toumani Diabaté ha cumplido 50 años de edad, de los cuales ha pasado más de cuarenta buscando en los rincones de su kora el aliento esencial del blues africano y los puntos de encuentro con otros países del imperio Mandinga. Afirma, por ejemplo, que su Symmetric Orchestra "escenifica a la perfección la reconstrucción de este antiguo imperio compuesto por Malí, Senegal, Costa de Marfil, Burkina Faso, Níger y Mauritania. Por el contrario, en lo que hacemos Sidiki y yo las canciones pueden provenir del mismo periodo -siglos XII y XIII-, pero, en los arreglos finales, ponemos al día el mensaje, modernizándolo".

Considerado como uno de los músicos más influyentes de África, es conocido no sólo por interpretar música tradicional, sino por mezclar la kora con otros estilos como el flamenco o el jazz y por colaborar con artistas de la talla de Ali Farka Touré, Taj Mahal, Ketama o Björk, entre otros. Su hijo, Sidiki, además de ser otro virtuoso de este instrumento (como era de esperar en la familia) es uno de los más reputados productores de hip hop en África.
Padre e hijo se han unido y han grabado en 2014 Toumani & Sidiki, un disco que la crítica de música ya ha clasificado como clásico y que dispone de antecedentes evidentes en Cordes Anciennes y New Ancient Strings, editados en 1970 y 1999 respectivamente. El álbum, un mano a mano entre Toumani y Sidiki, el maestro de la kora y su mejor alumno, los dos músicos africanos que mejor dominan este instrumento, transmite emoción, alegría y rebosa elegancia. El disco funde pasado y presente del instrumento, diez temas en la que ambos artistas viajan por diferentes culturas musicales de Malí, contribuyendo a actualizar los mejores ingredientes del acervo popular mandinga. Toda una declaración de amor infinito por la propia tierra, un deleite para los sentidos, un trabajo distinguido en los Songlines Music Awards 2015 en la categoría de "Best Group".

Página web oficial: Toumani & Sidiki

tracks list:
01. Hamadoun Toure
02. Claudia & Salma
03. Rachid Ouiguini
04. Toguna Industries
05. Lampedusa
06. Bagadaji Sirifoula
07. Tijaniya
08. Dr Cheikh Modibo Diarra
09. A.C.I. 2000 Diaby
10. Bansang





Raghu Dixit – Jag Changa (2013)

Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.
Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.

Página web oficial: Raghu Dixit

tracks list:
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita





Susheela Raman – Queen Between (2014)

Queen Between es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.
Susheela Raman nació en Londres, hija de emigrantes indios tamil. Se trasladaron a Australia donde Susheela se inició en la música clásica del sur de India y comenzó a cantar a temprana edad, posteriormente adquiriendo un gran interés por el blues y el funk que se hacía en aquella época en Sydney. Así, la fuerza de Susheela como intérprete esta enraizada en estas dos escuelas.
De regreso a Inglaterra en 1997, Susheela trajo consigo la idea de unir estas dos corrientes musicales. Irrumpió en la escena musical con su álbum de debut Salt Rain que vio la luz en 2001. Susheela Raman se ha dedicado desde entonces a investigar el crisol de culturas que es la música de la India para renovarla y presentarla acompañada de una gran voz y de su energía en el escenario.

Queen Between es su sexto disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India. En Queen Between, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Este disco es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.
En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

Página web oficial: Susheela Raman

tracks list:
01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo





Aurelio – Lándini (2014)

Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.
Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.
"Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.

Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.
En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.
En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.
(fuente: Aurelio – RealWord)

Página web oficial: Aurelio

tracks list:
01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
02. Nando (Leonardo)
03. Milaguru (Miracle)
04. Nafagua (I Will Try)
05. Nari Golu (My Golden Tooth)
06. Lándini (Landing)
07. Lirun Weyu (Sad Day)
08. Durugubei Mani (Evil People)
09. Irawini (Midnight)
10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
11. Nitu (Older Sister)
12. Chichanbara (Ginger)





Boulpik – Konpa Lakay (2014)

Boulpik es un grupo que se formó en Puerto Príncipe hace una decena de años que, desde sus inicios, han dado continuidad a una tradición musical surgida en las calles, como animadores de plazas y de eventos privados, rememorando tiempos en los que las orquestas callejeras interpretaban multitud de piezas, pero también unos años donde el turismo llegaba a la isla y que hoy es raro de encontrar. Boulpik principalmente interpreta konpa, un sonido bailable que aparece en los años cincuenta del pasado siglo XX, ritmos de textura artesanal que rápidamente se extenderían por todas las calles y que llegará a ser el alma sonora de toda la isla, el konpa lakay.
"Chèche lavi", "busca vida". Una expresión en creole haitiano que resume la frase "buscar la manera de ganarse la vida", y sugiere que la vida no es algo que viene con facilidad, pero que es un objetivo a buscarse (como si estuvieras en una búsqueda de un premio perdido o tesoro enterrado). Así, Franckel Sifranc y sus compañeros músicos de Boulpik son busca vidas. Nada particularmente extraordinario ha sucedido en sus carreras. De hecho, su pasado es muy parecido la de otros millones de haitianos. Excepto que tienen un don para la música.
La historia de Boulpik es la historia de Franckel Sifranc (fundador del grupo), que comenzó hace alrededor de cincuenta años, en La Grand Anse, una remota región de la República de Haití, hacia el oeste. Pensando en su infancia en el pueblo costero de Dame-Marie, recuerda los sonidos de la "ti djaz" (little jazz): bandas acústicas de músicos aficionados que se llamaban así para ser distinguidos de la más prestigiosas "gwo djaz" (big jazz, bandas con sus modernos instrumentos y amplificadores). El ti djaz tocaba en las reuniones locales utilizando rudimentarios instrumentos locales: la guitarra de seis cuerdas Matamò (su nombre es un recordatorio de la fuerte influencia del Trío Matamoros en el género), la trè (una guitarra de origen cubano con tres cuerdas dobles) o incluso un banjo. La formación instrumental era completada por las cuerdas de un contrabajo o un maniboula (un idiófono desplumado basado en la marímbula cubana) y percusión: tambor, maracas y tabla de raspar o kaskayèt (claves) para acompañar al coro vocal que respondía al cantante principal.
Como un niño que crece en una familia dedicada al trabajo agrícola, Franckel no tenía idea de que un día utilizaría esos instrumentos para "buscar la vida". Unos años más tarde, al igual que miles de otros habitantes de zonas rurales, se vio obligado a moverse del campo a la capital, Puerto Príncipe, cuya población ha aumentado de quinientos mil a casi 3 millones en los últimos cincuenta años. Adolescente, Franckel llegó a la ciudad a finales de los años 70, invitado por un hermano mayor. Instalado en un modesto barrio en la parte baja de la ciudad, encontró trabajo como "manitas" y comenzó a explorar la capital, encontrándose con los muchos músicos que suministraban la banda sonora de la noche de la ciudad y el entretenimiento del turismo que en aquella época llenaba la isla caribeña. Franckel se convirtió en miembro de la banda Ti Okap. Hoy en día, todo lo que queda de la carrera del grupo son el nombre de su líder, los recuerdos de sus populares actuaciones en los diferentes hoteles, y el que fue la banda con la que Franckel aprendió a cantar y tocar maracas y kaskayèt.

Posteriormente, en 1980, decidió formar su propio grupo: Frère Desjeunes. Continuó interpretando con ellos durante más de veinticuatro años, pese a las frecuentes interrupciones causadas por los interminables trastornos sociopolíticos que sacudieron el país. Fue en 2004 cuando Franckel plantea un nuevo enfoque a la banda, transformándose en Boulpik e incorporando a cinco músicos jóvenes que él consideraba con más talento y compromiso que sus predecesores.
Desde Franckel comenzó, la situación en Haití ha cambiado radicalmente. De la época en que los músicos solían interpretar para ganar un poco de dinero extra, en la actualidad la música es su medio de trabajo. A diferencia de muchos otros, los músicos de Boulpik se han negado a emigrar (siempre es una tentación para los "busca vidas"). Siguen creyendo en su buena estrella y no muestran signos de derrota o autocompasión, sino más bien una determinación inquebrantable a confiar en la felicidad y en el buen rollo. Son otros tiempos y Boulpik no renuncian a cantar a la paz, al amor y a su país, la dignidad ante la adversidad.

Para saber más: "Vecinos: Boulpik – Nèg Dafrik"

tracks list:
01. Alakanpay
02. Boulpik Twoubadou
03. Si Lavi Te Fasil
04. Nèg Dafrik
05. Karol
06. Lakay
07. Rele
08. Jeremie
09. Twa Zan
10. Je Reviens Chez Nous
11. Souvenir d'Afrique
12. Lavi a Di





Çiğdem Aslan – Mortissa (2013)

Çiğdem Aslan es una prometedora estrella en el renacer del rebetiko, música de los exiliados y de los bajos fondos interpretada en los Café Amans de Atenas, Pireo y Estambul desde 1920. Con raíces profundas en el puerto de Smyrna/Izmir, el "Blues del Egeo" -como tambien es conocido el rebetiko- es compartido por griegos y turcos, se desarrolló en la parte continental de Grecia (debido a forzados intercambios poblacionales) y desde un principio estuvo proscrito por su marginalidad y su "orientalidad".
Çiğdem Aslan nació en la encrucijada cultural de Estambul: de familia kurda procedente de la comunidad aleví turca, desde siempre ha comprendido el mosaico étnico que compone la moderna Turquía. Trasladada a Londres para avanzar en sus estudios musicales, es en esta ciudad donde desarrolla su proyecto Songs of Smyrna, que celebra el rebetiko y la música sefardí de Turquía, y se une a la She'Koyokh Klezmer Ensemble y al grupo de música balcánica Dunav. Esta experiencia se cristaliza en Mortissa (mujer fuerte e independiente) su debut en solitario.

Mortissa es un álbum con canciones rebetiko en griego y turco, con raices musicales en Anatolia, con aires klezmer y con diversos matices en cuanto a sus textos. Junto a canciones de amor, nos encontramos con temas como "Çakıcı", que celebra la figura de Mehmet Efe (una especie de Robin Hood turco), mientras que “Ferece” es el grito de una mujer desesperada por escapar del velo que cubre su rostro, y "Pane Gia To Praso", que es un juego de palabras en torno al hachís y sus efectos. Aslan grabó la mayoría del disco con artistas de la comunidad musical griega y turca del norte de Londres, incluyendo al maestro del kanun Nikolaos Baimpas y a She'Koyokh.
Mortissa es más que música: es una ventana abierta a diferentes culturas e historias, "Lo que estoy haciendo es añadir detalles y destacar las similitudes entre las culturas", "esto demuestra que no hay fronteras culturales en la música". Çiğdem Aslan aborda el rebetiko con una naturalidad impresionante, evocando tiempos pasados con una interpretación fresca y de sencillez exquisita.

Página web oficial: Çiğdem Aslan

tracks list:
01. Aman Katerina Mou (Oh My Katarina)
02. Vale Me Stin Agalia Sou (Take Me In Your Arms)
03. To Dervisaki (Little Dervish)
04. Bir Allah (One God)
05. Pane Gia To Praso (Out For Leek)
06. Trava Vre Manga Kai Alani (Away With You, Manga)
07. Ferece (Veil)
08. Nenni (Lullaby)
09. Çakıcı
10. Sto Kafe Aman (At The Café Aman)
11. Uşaklı Kız (Girl from Uşak)
12. Kanarini (Canary)
13. S’agapo (I Love You)





The Gloaming – The Gloaming (2013)

The Gloaming es un grupo de música irlandesa que traza nuevos caminos al conectar la rica tradición folclórica de Irlanda con la escena musical contemporánea de Nueva York.
Formado por cinco músicos virtuosos, se reunieron por primera vez en los estudios West Grouse Lodge West Meath, Irlanda, a principios de 2011 con la intención de explorar nueva música. Cada uno procedía de la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente con respecto a la tradición musical irlandesa. La primeras creaciones eran sencillas pero preciosas, auténticas y llenas de melodía, de un matiz totalmente diferente.

Los fundamentos tradicionales los pusieron el violinista Martin Hayes junto con el guitarrista y compositor de Chicago Dennis Cahill. El dublinés Caoimhín Ó Raghallaigh interpreta el violín, la viola de cinco cuerdas, y el violín de Hardanger (instrumento nacional de Noruega). Ó Raghallaigh también experimenta con instrumentos exóticos como la pellegrina (una especie de viola con la que se obtiene mayor resonancia acústica y confort a la hora de tocarla). Iarla Ó Lionáird es un maestro del estilo de canción irlandesa sean-nós ("a la antigua usanza") muy conocido como cantante con Afro Celt Sound System. Por último, se une a la formación el pianista estadounidense Thomas Bartlett (conocido como Doveman), que también produce el álbum The Gloaming, con el sello Real World.
¿El resultado? Una exquisita forma de acercar la música irlandesa al público general, inyectar un toque contemporáneo a la música celta creando un sonido propio.

Página web oficial: The Gloaming

tracks list:
01. Song 44
02. Allistrum´s March
03. The Necklace of Wrens / An Muince Dreoilíní
04. The Girl Who Broke My Heart
05. Freedom / Saoirse
06. The Sailor´s Bonnet
07. The Old Bush
08. Opening Set
09. Hunting The Squirrel
10. Samhradh Samhradh





Alsarah & The Nubatones – Silt (2014)

Silt es el primer trabajo de la vocalista sudanesa Alsarah y su banda The Nubatones. Considerada como la "Nueva Estrella del Pop Nubio" por el diario británico The Guardian, la compositora y etnomusicóloga Alsarah describe el sonido de su grabación como East African Retro Pop, música que bebe de los sonidos de las décadas de los 60′s y 70′s de la música Nubia, perteneciente a la región situada en el sur de Egipto y el norte de Sudán.
Alsarah, sudanesa de nacimiento y asentada actualmente en Brooklyn, Nueva York, es la voz principal del grupo; forma parte del colectivo de artistas que promocionan la cultura del Nilo, Nile Project. Por otra parte, el proyecto de Los Nubatones se coció en medio de una conversación sobre música del norte de África entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser en la sala de la casa de este último. Posteriormente se unieron Haig Manoukian, un gran maestro del oud, y el bajista Mawuena Kodjovi.

Silt tiene sus raíces en la diáspora que sufrió la población Nubia cuando el gobierno egipcio construyó Aswan High Dam en 1970, un dique para controlar las inundaciones del rio Nilo, y que a su vez inundó grandes extensiones comprendidas entre el norte de Sudán del Norte y el sur de Egipto. Es la música olvidada del Sudán de los años 60 y 70, canciones que tienen como temática el exilio a la fuerza y el pasado nostálgico desaparecido. Especialmente conmovedor suena "Oud Solo" de Haig Manoukian, más si cabe tras conocer la noticia de su triste desaparición a principios de abril de 2014.
En definitiva, Silt es una propuesta que destaca como una muy acertada manera de revisar el pasado con respeto, incorporando la modernidad y encarando el futuro con originalidad.

Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

tracks list:
01. Habibi Taal (Traditional)
02. Soukura (It's Late) (Alsarah)
03. Nuba Noutou (Traditional)
04. Oud Solo (Haig Manoukian)
05. Bilad Aldahb (Ahmed Mounib)
06. Fugu (Shams Alhurria) (Alsarah)
07. Rennat (Alsarah)
08. Wad Alnuba ft. Sounds of Taraab (Alsarah / Black Star Musical Club)
09. Yanas Baridou (Traditional)
10. Nuba Drums (Solo) (Rami El-Aasser)
11. Jibal Alnuba (Traditional)





Ana Moura – Leva-me aos fados (2009)

Ana Moura pertenece a esa generación brillante que ha ido ocupando el vacío dejado por Amália Rodrigues, y en la que figuran fadistas como Mariza, Mafalda Arnauth, Katia Guerreiro, Cristina Branco, Joana Amendoeira, Ana Sofía Varela, Raquel Tavares, Carminho... sin olvidar a la pionera Mísia. Como tantas de ellas, Ana Moura ha cantado muchas noches en casas de fado de Lisboa. "Todas tenemos una única cosa en común y es el deseo de renovar el fado".
Esta intérprete de fado, y personalidad femenina en Portugal, es otra de las nuevas embajadoras de esta música portuguesa, considerado por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Su voz tan especial, su visión amplia de la música portuguesa en general y del fado en particular la han convertido en una estrella internacional. Sus canciones susurran emociones con una elegancia exquisita que marcan toda una época.
Nacida en Santarém, Moura fue descubierta por la gran fadista Maria da Fé siendo una adolescente, en una de las reuniones familiares de Navidad, y le propuso integrarse en el elenco de su casa de fado, "Sr Vinho". Ella asegura que su vida cambió cuando empezó a frecuentar las casas de fado porque allí no hay micrófono, es una experiencia muy íntima, y los nuevos aprenden de los más veteranos. En Sr. Vinho, cantando todas las noches con su voz de contralto, Ana Moura conoció al guitarrista, compositor y productor Jorge Fernando (que trabajó como productor de Amália Rodrigues entre 1978 y 1986) que se convirtió en su productor musical y cómplice.
En 2003, con su primer disco Guarda-me a vida na mão, la crítica enalteció la nueva voz y enseguida llegaron las invitaciones para actuar en el extranjero. En 2005, con su ambicioso segundo trabajo, Aconteceu, las fronteras empezaron a desaparecer. Es nominada para un Edison. Es la primera artista portuguesa en pisar el mítico escenario del Carnegie Hall de Nueva York y es invitada por Tim Ries (saxofonista de Los Rolling Stones) a participar en el recopilatorio The Rolling Stones Project vol. 2 (grabando para el proyecto "Brown sugar" y "No expectations", adaptadas al fado por Jorge Fernando y Custódio Castelo), interpretaciones que cautivaron a los integrantes de la banda por la potencia y calidad vocal de Moura, que terminó por cantar a dúo con Mick Jagger en el concierto de los Stones en Alvalade, Lisboa, en 2007.
Con su tercer disco, Para Além da Saudade, recibe el Premio Amália a la Mejor Intérprete de 2007, otorgado por la Fundación Amália Rodrigues. En 2008 gana su primer Disco de Platino, y su cuarta producción discográfica Leva-me aos fados fue Disco de Oro el primer día y su segundo Disco de Platino en su natal Portugal. En 2010, Ana Moura actúa en el Festival Super Bock Super Rock con Prince y pone su voz a los temas "Dar de Beber à Dor" y "A Sós com a Noite".
Y en su último trabajo Desfado, de 2012, traspasa los límites del género, incluyendo nuevos y viejos compositores de fado, piezas cantadas en inglés, y cuenta con la producción musical del multipremiado productor norteamericano Larry Klein.
Con Leva-me aos fados (producido por Jorge Fernando) tenemos la oportunidad de comprobar lo que los críticos portugueses destacan principalmente de ella: sus "cualidades primitivas y su sensibilidad natural, que fluye con facilidad sin ser premeditada". A disfrutar.

Página web oficial: Ana Moura

tracks list:
01. Leva-me aos fados
02. Como uma nuvem no céu
03. Por minha conta
04. A Penumbra
05. Caso arrumado
06. Talvez depois
07. Rumo ao Sul
08. Fado das águas
09. Fado vestido de fado
10. Crítica da razão pura
11. De quando em vez
12. Fado das mágoas
13. Águas Passadas
14. Que dizer de nós
15. Não é um fado normal
16. Esta Noite
17. Na palma da mão





Salsa Céltica – The Tall Islands (2014)

The Tall Islands es el quinto álbum de estudio de este peculiar grupo que desde sus inicios explora y fusiona los ritmos latinoamericanos y caribeños con el sonido y los instrumentos de la música folclórica escocesa e irlandesa, convirtiéndose en muy poco tiempo en una de las bandas escocesas más populares de la actualidad.
Todo comenzó en 1996, en una sesión de un bar de Edimburgo con un pequeño grupo de artistas celtas y latinos que probaron a mezclar músicas celtas y caribeñas. El peculiar experimento dio lugar a Salsa Céltica. Poco después, la banda registraba su primer álbum, Monstruos y Demonios, Angels & Lovers (1997). Canciones del folklore sudamericano, son cubano, ritmos de salsa y rumba, improvisación, vivas melodías escocesas… todo en perfecta armonía musical estimulada por la cruda energía celta creando una ardiente atmósfera de baile en cada una de sus presentaciones en vivo. The Great Scottish Latin Adventure (2000) fue su segundo álbum, al que sucedieron El Agua De La Vida (2003, producción en la que se incluyo su tema mas sonado hoy por hoy, "Maestro"), El Camino (2006) y En Vivo En El Norte (2010).

En la actualidad, con varios cambios en su formación, la agrupación continúa fiel a su singular cóctel con voces salseras y celtas acompañadas por un divertido batallón de instrumentos: timbales, bongos, gaita escocesa, gaita irlandesa, birimbao (arpa judía), flauta celta, violín, banjo, trompeta, saxo, trombón, guitarra, piano, bajo… Sus múltiples presentaciones por las islas escocesas fueron su principal influencia para The Tall Islands. Así como otros discos de este conjunto abrían con "Salsa Céltica o "Rumba Escocia", temas que ya desde el título sintetizan la propuesta del grupo, éste lo hace con "Descarga Gaélica". A partir de aquí vemos que la banda tiene sus bazas más seguras en la voz del cubano Ricardo Fernández Pompa y en unos arreglos muy correctos, que más allá de las mixturas, son bastante fieles a la tradición. Su director y fundador, el guitarrista y percusionista Toby "El León" Shippey, coordina a las y los músicos procedentes de Cuba, Escocia, Irlanda, Argentina e Inglaterra, entre quienes participan (como invitados) el percusionista David Pattman (Charanga Del Norte) y la cantante y actriz Kathleen MacInnes.

Página web oficial: Salsa Céltica

tracks list
01. Descarga Gaélica
02. An Danns Elegua
03. Disfrútalo
04. Ven Guajira Ven
05. Fonn
06. Primavera
07. Canto Al Tiempo Pt. 2
08. He Mandhu (Aurel)
09. Rumba del Mar
10. Rolling Road
11. Canto Al Tiempo Pt. 1
12. Yo Me Voy II





Ellika Solo Rafael - Now (2013)

La violinista sueca Ellika Frisell y el cantante e intérprete de kora Solo Cissokho, un griot de Senegal, llevan tocando juntos desde hace más de quince años en una búsqueda de terrenos comunes entre el violín escandinavo y el sonido de la kora de África Occidental. Los dos publicaron dos álbumes como dúo, Tretkat Takissaba y Abaraka Tack (Xource, 2002 y 2005) y recibieron el BBC World Music Award. A Now se suma el célebre baterista y percusionista Rafael Sida, originario de México, un cercano colaborador Ale Möler, uno de los precursores de la escena de la world music sueca.
El trío entreteje melodías tradicionales del rico folk sueco con legados griot del oeste africano, aderezado con ritmos latinos de una manera tan armónica que las distancias geográficas y las diferencias culturales se disipan, sin dejar de destacar la fuerte individualidad de cada artista. Ellika, Solo y Rafael son narradores magistrales que pueden crear tramas detalladas y coloridas dentro de una canción. Un ejemplo es la encantadora "Sanka/Virrvals", una historia de agradecimiento a la sabiduría de una mujer hechicera africana, en el que se disfruta del hermoso escenario de la naturaleza sueca bailando al ritmo de bulerías, o la contagiosa "Dolo/Porque Se Fue", que cita a un gran éxito latinoamericano de 1964 de Leo Dan.

Ellika, Solo y Rafael vagan tranquilamente entre las tradiciones, yendo y viniendo, adornando y enriqueciéndose en un juego sin esfuerzo, de empatía y de apoyo, profundizando e innovando, sin prisas, en una extensa y emocional conversación. El popurrí "Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe" mezcla de forma natural y divertida canciones de los pueblos de montaña del oeste de Suecia, canto afrocubano y danza tradicional de África Occidental volviendo a desdibujar fronteras. "Djibril" está dedicada a Djibril, un gran intérprete del riti (violín de África Occidental) al que conocieron en Senegal, que suena como si estuviera dedicada a un héroe sueco. O "Saya/Vägen", que combina una conmovedora composición de Cissokho dedicada a la memoria de su hermana Fatoubintou con la delicada melodía del violín de Frissell, tema que despliega su secreto (es una celebración a la alegría de vivir) durante nueve minutos. Cierra el disco una hermosa canción tradicional de Guinea, "Wousse" (amor, "el amor es tan poderoso que no lo puedes comprar"), compartiendo la honesta y profunda conexión entre ésta y estos músicos únicos y extraordinarios. Una experiencia preciosa.

Personal:
Ellika Frisell: violin, viola.
Solo Cissokho: kora, voz.
Rafael Sida Hizar: percusión, voz.

facebook: Ellika Solo Rafael

tracks list:
01. Brudpolska efter Janissa Per Hansson
02. Sanka/Virrvals
03. Skänklåt från Bingsjö/Sahadougou/Kelefapolska/Kelefaba
04. Nanibaly
05. Dolo/Porque Se Fue
06. Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe
07. Casesolo
08. Djibril
09. Saya/Vägen
10. Wousse





Driss El Maloumi – Makan (2013)

En su anterior álbum en solitario, L'âme dansée (2005), Driss El Maloumi se destacó por ser uno de los intérpretes de oud más prometedores de su generación. Makan (2013) lo eleva a la categoría de virtuoso del instrumento. Desde los primeros compases del disco se nos muestra como un verdadero maestro, alguien que combina una técnica asombrosamente segura con una inventiva juguetona.
Driss El Maloumi es un artista que pretende que las músicas, incluso las tradiciones milenarias, evolucionen serenamente fuera de los discursos fundamentalistas de aquellos que prefieren encerrar estas expresiones tradicionales en armaduras. Ama la tradición, su estructura, su fuerza, su dignidad. Sabe que está hecho de esta herencia, pero también de permeabilidad. El resultado de estas ganas de saber cómo reaccionará el oud al contacto de un zarb iraní o de una percusión venida de Madagascar le ha llevado a aventuras llenas de riqueza en los caminos emprendidos (desde hace casi una década) con Jordi Savall (último Premio Nacional de Música) y Montserrat Figueras en Hespèrion XXI, con 3ma (Ballaké, Sissoko y Rajery), con el trompetista Paolo Fresu, el israelí Armand Amar…

Esta trayectoria le ha llevado a dirigir el Conservatorio de su ciudad natal, Agadir, y destacar como especialista en filosofía y literatura árabe. Recolecta todas estas magníficas experiencias y comprueba como el oud las difunde en trío con la ayuda de percusiones, siempre respetando la noción de espacios. Precisamente el álbum fue grabado en Agadir, crisol de culturas, en esta parte de Marruecos donde se siente en un cruce esencial entre culturas árabes, amazigh, occidental y subsahariana. Las composiciones de Makan varían en estilo y estados de ánimo, de la canción con influencia magregí tradicional "Ayour" al experimentalismo de "Intidar", el sentimentalismo de "Douceur pour deux «R»" (dedicada a su esposa y a su hija) o la fuerza y velocidad que esgrime en "Tawazoun" y "Safar". Se acompaña por la voz de su hermana Karima y las percusiones de su hermano Said y Lahoucine Baquir (daf, darbouka, cajón, castañuelas…).
El brillo y la coloridad es la característica de este arriesgado trabajo, una demostración de que es posible agrandar el campo de expresión de un instrumento sin llegar a caer en la exposición inútil.

Página web oficial: Driss El Maloumi

tracks list:
01. Imtidad
02. Moudaaba
03. Nassim
04. Safar
05. Douceur pour 2 «R»
06. Tawazoun
07. Imtinan
08. Awzan
09. Le coin «D»
10. Khamsa
11. Ayour
12. Comme une joie
13. Intidar





Angélique Kidjo – Eve (2014)

Eve es el título del nuevo trabajo de Angélique Kidjo, un maravilloso recopilatorio con una serie de canciones dedicadas a la cultura de las mujeres de África, un homenaje a su fuerza, su femineidad y a su constante lucha por la independencia y la libertad.
Producido por Patrick Dillett (colaborador de artistas del calibre de David Byrne), el nombre del disco es una clara dedicatoria a la madre de Angélique Kidjo y ha sido grabado incluyendo hasta diez coros de mujeres procedentes de Benín y Kenia, que acompañan a la "New Mama Africa" cantando en distintos dialectos e idiomas autóctonos, entre ellos el Fon, el Yoruba, el Goun y el Mina. La cantante lanza este nuevo trabajo en conjunción con la edición de "Spirit Rising: My Life, My Music", una autobiografía publicada por Harper Collins.
"Eve es un álbum de recuerdos de la mujer africana con la que crecí y un testimonio del orgullo y la fuerza que se esconde detrás de la sonrisa que oculta problemas cotidianos" dice Kidjo, cuyos premios incluyen una discografía de 20 años y miles de conciertos en todo el mundo. "Sus voces emanan positividad y gracia en momentos difíciles. En esta grabación dejo que las voces de las mujeres muestran su belleza al mundo", añade. "Eve muestra la positividad que aportan a sus pueblos, ciudades, la cultura y el mundo".

Para la realización de Eve, Angélique ha contado, también, con un impresionante plantel de artistas como el guitarrista Lionel Loueke, el batería Steve Jordan, el bajista Christian McBride y con la participación extraordinaria del original percusionista senegalés Magatte Sow. También podemos escuchar en el disco a Dr. John (piano), Rostam Batmaglij (guitarra de Vampire Weekend), Kronos Quartet y a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo.
Con la popular cantante nigeriana Asa canta "Eva", y para la tradicional canción congoleña "Bana" cuenta con la carismática voz de su madre Yvonne.
"Eve está dedicado a las mujeres de África, a su capacidad de recuperación y a su belleza", dice Kidjo. "Estas mujeres tienen muy poco en lo material, pero cuando sonríen es como si hubieran saltado a la luna y estuvieran colgando de ella. Siempre y cuando seamos fuertes, vamos a seguir adelante con dignidad". Definitivamente, Eve se coloca como una de las cumbres de la impresionante carrera de Kidjo, una demostración de su absoluto nivel técnico, un álbum perfecto para quienes amamos y admiramos las culturas africanas.

Página web oficial: Angélique Kidjo, Batonga Foundation For Girls Education

tracks list:
01. M´Baamba (Kenyan Song)
02. Shango Wa
03. Eva (con ASA)
04. Interlude: Agbade
05. Bomba (con Rostam Batmaglij)
06. Hello (von Trio Teriba)
07. Blewu
08. Kamoushou
09. Kulumbu (con Dr. John)
10. Interlude: Kletedjan
11. Ebile (con Kronos Quartet)
12. Awalole (con Orchestre Philharmonique du Luxembourg)
13. Bana (con Yvonne Kidjo)
14. Orisha
15. Interlude: Wayi
16. Coari







Aziza Brahim – Soutak (2014)

La cantante y poetisa saharaui Aziza Brahim ha reunido una colección de temas acústicos donde la palabra y su voz, luminosa y desafiante, es la protagonista del disco: Soutak, que se traduce como "mi voz". Su canto es el de un pueblo que tiene su voz "silenciada, censurada y amordazada". Son canciones de la resistencia.
Blues del desierto (un espacio inhóspito, duro y donde la vida es casi imposible) es la música que entrega Aziza Brahim. Nació en los campos de refugiados de Tinduf, a lo largo de la frontera entre Argelia y Sáhara Occidental, donde su madre huyó durante los primeros días de la ocupación marroquí. Su padre murío durante la guerra, y fue en esos campos donde comenzó a dar muestras de su talento para la música, "Desde que tengo uso de razón, he practicado la música porque en mi casa era algo habitual. No solo nos reuníamos los viernes para cantar El Medeh, el resto de la semana también estaba presente. Nos entreteníamos organizando juegos musicales, mi abuela proponía unos versos y teníamos que inventarles una melodía, ella decidía cuál era más bonita. Me pasaba el día imaginando melodías para ganar esos concursos familiares". Sus primeros instrumentos musicales fueron "Primero la voz y las palmas, después una alfombra, más adelante un bidón de agua para simular un tabal. Cualquier cosa me servía entonces para hacer ritmo".
Desde el año 2000 reside en Barcelona aunque, como dice la letra de "Lagi", "Desde que llegué a este mundo / yo vivo refugiada. / Aunque me vaya hacia el norte / sigo siendo refugiada". En 2007, Brahim inicia un proyecto musical llamado Gulili Mankoo, compuesto en su origen por artistas de diversa procedencia (España, Senegal, Colombia, Sáhara…) cuyo sonido se basa en la idea de desarrollar música saharaui sobre un soporte armónico generado por el collage de influencias culturales y estilos personales de sus miembros. Con el sello francés Reaktlon autopublican Mi Canto (2008) y Mabruk (2012), en cuyo resultado cristaliza una actitud reivindicativa que transmite un mensaje poético, a través de unos textos, que exige la liberación de la ocupación marroquí y la autodeterminación del pueblo saharaui.

Su tercer disco, Soutak (2014), ha sido grabado completamente de manera acústica en Barcelona, y producido por Chris Eckman (Tamikrest) para el sello alemán Glitterbeat. Busca así la sencillez que toda verdad encierra: a través del Haul, la tradicional música saharaui que se acompaña del tabal (el instrumento de percusión femenino saharaui por excelencia), marcar el ritmo del sentimiento y la esperanza de que todo cambie después de cuatro décadas de ocupación. En esta ocasión, ha sido la música de Malí la que le ha servido de inspiración. Como canta en "Ya Watani" (Mi Tierra), "Para la vida, la libertad y la dignidad / mira estos ojos inocentes mirando el cielo / desea alcanzar el horizonte del océano".
Un disco emocionante, cautivador, que clama por la dignidad, los derechos y la libertad. Bello y trascendental. (Fuente: entrevista en Músicas del Mundo)

Personal:
Aziza Brahim: voz, tabal
Guillem Aguilar: bajo
Ignasi Cussó: guitarra
Nico Roca: percusión
Kalilou Sangare: guitarra
Badra Abdallahe: coros

Página web oficial: Aziza Brahim

tracks list:
01. Gdeim Izik
02. Julud
03. Espejismos
04. Lagi
05. Aradana
06. Soutak
07. La Palabra
08. Manos Enemigas
09. Ya Watani