Pink Martini – Je Dis Oui! (2016)

Pink Martini, la "pequeña orquesta de Portland", siempre se ha caracterizado por su diversidad cultural y por su fomento de la interculturalidad. Formada por artistas de distintas nacionalidades, "inevitablemente, nuestro repertorio es extremadamente variado. En un instante, es como si estuvieras en un desfile de samba en Río de Janeiro, y al momento siguiente estás en una sala de conciertos francesa de los años 30 o en un palacio napolitano. Es un poco como un documental de viajes" señala Thomas Lauderdale, miembro fundador de la banda junto con China Forbes.
Je Dis Oui! es el noveno álbum de estudio de Pink Martini, otra aventura alrededor del mundo, que incluye una lista de quince canciones -muchas de ellas originales- en francés, farsi, armenio, portugués, árabe, turco, xhosa e inglés, y vuelve a reafirmar el espíritu global que ha definido su sello desde hace 25 años. "Je dis oui" es el mantra optimista del coro de "Joli garçon", una de las tres canciones co-escritas por la banda para la película "Souvenir" (2016), protagonizada por la legendaria actriz francesa Isabelle Huppert. Además hay canciones cantadas por las dos cantantes del grupo, China Forbes y Storm Large.

Je Dis Oui! incluye voces invitadas, Ari Shapiro, corresponsal de la NPR (que canta una nueva versión en árabe de "La Soledad" del primer álbum de la banda, Sympathique), y Rufus Wainwright, quien canta una versión impresionante del clásico de Richard Rodgers & Lorenz Hart "Blue Moon". El álbum también marca el debut de dos viejas amistades de la banda: Ikram Goldman, gurú de la moda, y Kathleen Saadat, activista de derechos civiles.

Página web oficial: Pink Martini

tracks list:
01. Joli garçon
02. The Butterfly Song
03. Kaj Kolah Khan
04. Ov sirun sirun (feat. Ari Shapiro)
05. Love for Sale
06. Solidão
07. Al Bint Al Shalabiya (feat Ikram Goldman)
08. Souvenir
09. Aşkim bahardı
10. Finnisma Di (feat. Ari Shapiro)
11. Segundo
12. Blue Moon (feat. Rufus Wainwright)
13. Fini la musique
14. Pata Pata
15. Serenade





Souad Asla & les femmes de la Saoura – Lemma (2018)

La cantante Souad Asla creció en la región de Béchar, en Saoura (el Sáhara argelino). Establecida en Francia, regresa allí regularmente, yendo principalmente a la pequeña aldea de Taghit, donde, cada viernes por la tarde, durante siglos, las mujeres se reúnen. Cantan, bailan, se acompañan de instrumentos ancestrales, discuten y se ayudan. Un verdadero espacio de libertad donde la música se convierte en una lucha social, cultural y educativa. Tras observar que cada año, a su regreso, una de las ancianas ha desaparecido y la nueva generación ya no se siente preocupada, Souad Asla comenzó hace unos años una obra titánica de recopilar el patrimonio musical del Sáhara en peligro de extinción. También logra convencer a tres generaciones de mujeres para que abandonen la intimidad de su círculo para actuar en el escenario con ella y la complicidad de Hasna el Becharia, su maestra absoluta.
Lemma se puede traducir como una reunión, encuentro, asamblea. También puede significar cosechar o recoger. Tantos significados para este proyecto con estas mujeres del Sáhara Occidental, convencidas de que no se debe permitir que desaparezca su tradición oral, y que deben preservar una cultura llena de influencias nómadas, lo que significa recopilar canciones ancestrales que se han cantado y bailado a lo largo de los siglos.

En Lemma, las mujeres de la Saoura se reúnen y comparten esas canciones que dan ritmo a sus vidas en su tierra. De la diwan al malhûn, zaffânî, gnâwi, hadra, al-ferda, hidûss (haydous)… estos bailes y géneros musicales encuentran su fuerza en canciones y ritmos heredados tanto de esclavos del Imperio sudanés como de las tribus bereberes y beduinas. Esas mujeres son la voz que habla con valentía de una cultura abierta y compleja, con sus muchas influencias. El espectáculo, compuesto de cuadros sucesivos, les permite expresar su felicidad de estar juntas en un escenario, y describe una lucha por la vida que debe ser afrontada con alegría.
En el cuadernillo que acompaña la edición del disco (escrito por el antropólogo Abderrahmane Moussaoui) se describen los distintos géneros que se abordan en Lemman. Al-farda es un género con canciones religiosas pero también con largas odas dedicadas al amor, cercano al sufismo, con un ritmo bastante lento. Aziza Tahri es la especialista. El Zaffânî se canta tradicionalmente entre familiares y amigos en fiestas privadas y celebraciones, acompañadas por el bendir (tambor bereber), también canciones sobre el exilio y la bienvenida... El Malhûn ("poema melódico") es un estilo poético y espiritual, que toma sus modos de la música andalusí. El Hidûss (Heydous o Ahidous) es un baile bereber muy popular que se realiza a menudo durante las celebraciones. Los hombres y las mujeres se colocan codo con codo y forman círculos, y los cuerpos se balancean en un movimiento muy sensual. Ha sido uno de los rituales tradicionales de las bodas, para ayudar a las personas a encontrarse unas a otras. El Gnâwi originalmente describe la música del pueblo gnawa, oscilando entre el lamento y la celebración, similar al blues de las y los esclavos en las plantaciones negras. En el disco está representado por Hasna El Becharia, quien también toca el guembri (un instrumento ancestral del Gnâwi), el banjo y la guitarra eléctrica. Fatima Abbi presta su voz a las canciones gnawa de esclavos negros, lentas y complejas. Y el Hadra es un trance colectivo practicado durante los rituales sufíes, que sigue las canciones de grandes celebraciones místicas.
Como señala Asla, "hay muchas influencias, increíbles variaciones rítmicas, una gran variedad de temas y tradiciones transportados por estas canciones. Lemma, el espectáculo, descrito a través de diferentes cuadros de vida en nuestra región, desde la suavidad de una canción de amor hasta el trance espiritual nacido de la repetición. La única canción que escribí, ´Lemti´, es una canción que rinde homenaje al grupo, de gratitud a las once mujeres que forman parte de esta ´unión´ musical. Todo mi agradecimiento por acompañarme en esta aventura para preservar esta música".

facebook: Souad Asla

Personal:
Souad Asla – voz, percusión
Hasna El Bécharia – voz, guembri, banjo
Brik Mebrouka – voz, percusión
Fatima Abbi - voz, percusión
Anebi Khedidja - voz, percusión
Rabia Boughazi - voz, percusión
Sabrina Cheddad - voz, percusión
Aziza Tahri - voz, percusión
Zohra Kharabi - voz, percusión
Zahoua Boulali – voz, percusión
Ismahane Cheddad – voz, percusión

tracks list:
01. Lemti
Al-farda
02. Sidi Moulanaa
03. Maachouk NBI
Zaffânî
04. Slamet Lahbab
05. A lala y´a lalla
06. El-Hadjadj
Malhûn
07. Slat El Fedjer
08. Zine Lemma
09. Baba Mimoune
Hidûss
10. Rabhou Bslat Nabi
11. Kheirli Ana
Gnâwi
12. Ali Ya Ali
13. Sidi Mimoune Gnawi
Hadra
14. La illah ila Allah
15. Allah Moulana
16. Yallah Moulana





Mehdi Rostami & Adib Rostami - Melodic Circles. Urban Classical Music from Iran (2018)

Melodic Circles es el nuevo álbum escrito y producido por dos músicos iraníes de formación clásica, los primos Mehdi Rostami y Adib Rostami. Ambos son maestros de sus instrumentos: Mehdi es un experto del setār (variación persa del laúd), mientras que Adib acompaña con el tombak (tambor de copa). Melodic Circles tiene sus raíces en la música tradicional kurda de la provincia de Fars, considerada la capital cultural de Irán.
A medida que aprenden su oficio, las y los músicos clásicos iraníes despliegan su habilidad a partir de la doble tarea que tienen que desarrollar. Por un lado, aprender las viejas melodías transmitidas de generación en generación, llamadas "radifs". Posteriormente, transformarlas en algo nuevo a través de un proceso de hábiles improvisaciones. La música clásica iraní se basa en radifs y cientos de dastgāh (equivalentes a escalas) para crear círculos melódicos de emoción, interés y mística. En propias palabras, Adib describe la creación de Melodic Circles como "un viaje en un círculo de melodías iraníes con un enfoque contemporáneo de la música tradicional... Todas las melodías iraníes están unidas en sistemas modales, por lo que el disco es un círculo melódico y una colección de melodías".
Melodic Circles está construido alrededor de dos dastgāh musicales urbanos, el primero es "Bayāt-e Tork" que comprende 3 piezas: "Nostalgia", "Journey" y "Delight". El segundo "Bayāt-e Esfahān" incluye "Lonely", "Life", "Past" y "Mystic Dance". Un trabajo que nos viene a mostrar la fuerza técnica y creativa de dos jóvenes músicos que han alcanzado un alto nivel de virtuosismo, quienes son capaces de convertir cada actuación en un nuevo descubrimiento musical. Como describe Adib en una entrevista en la Asia House de Londres, "La improvisación es la esencia central de la música iraní. Se llama improvisación porque el día de la actuación siempre hay nuevas adiciones que vienen a la mente. Es un proceso muy largo para ser un improvisador; tienes que practicar en casa e interpretar materiales tradicionales, así como crear tus propias piezas. Cuando se trata del concierto, el 70 por ciento de lo que toca un improvisador es lo que ya ha practicado en casa, pero según el día y la atmósfera, cambiará... La improvisación es el núcleo de la música persa y del jazz".
Adib Rostami se mudó al Reino Unido hace unos años para estudiar Music Industry Management en la University of East London y ahora interpreta música iraní en todo Londres. El proyecto Reflections of Silence de Adib Rostami, con la arpista kurda Tara Jaff y el maestro de tabla Sirishkumar Manji, fue seleccionado como uno de los 10 grandes eventos del Reino Unido por la revista Songlines después de su debut en Londres en 2014.
Melodic Circles es el lanzamiento, a nivel internacional, de Mehdi y Adib Rostami bajo la producción de ARC Music. Enraizadas en la antigua tradición musical iraní, sus temas presentan una perspectiva fresca y contemporánea de esta música que nos sumergen en una atemporalidad evocadora y exótica.

tracks list:
Circle One: Bayāt-e Tork:
01. Nostalgia
02. Journey
03. Delight
Circle Two: Bayāt-e Esfahān:
04. Lonely
05. Life
06. Past
07. Mystic Dance



Catrin Finch & Seckou Keita – SOAR (2018)

Aquí tenemos, por fin, el tan esperado nuevo álbum de este notable dúo formado por la gran arpista galesa Catrin Finch y el griot y virtuoso de la kora Seckou Keita. Han encontrado lugares mágicos en los que encontrarse explorando la convergencia musical entre Gales y Senegal y, cinco años después de Clychau Dibon, SOAR celebra, de nuevo, esta conexión.
Osprey (el águila pescadora) es una magnífica ave que pasa el invierno en África occidental, y migra cada año a Gales traspasando fronteras artificiales en un épico viaje de resistencia. Y ha comenzado a reproducirse en el País de Gales por primera vez desde principios del siglo XVII. La primera águila pescadora nacida en esta tierra en los últimos años, que viajó a África y regresó para reproducirse en el Reino Unido, fue bautizada como "Clarach". "Saben dónde encontrarán paz y felicidad", "He estado en el mismo viaje, pero de una manera diferente", dice Keita.
Inspirado en su historia, SOAR explora temas de migración y viaje, emocional y físico, descubriendo y celebrando los paralelos y las diferencias cuturales entre el arpa galesa y la kora africana.

Precisamente "Clarach" da nombre a la pista de inicio del disco, una pieza tranquila y suavemente flotante que se convierte en un dúo en alza. A partir de aquí, tanto Finch como Keita comienzan a mostrar su excelencia. "Bach to Baïsso" incluye un extracto de las "Goldberg Variationem", nunca antes interpretada en la kora, junto con una antigua melodía senegambiana. "1677" es una pieza meditativa y atmosférica inspirada en los recuerdos de la infame estación esclava de Gorée en África, mientras que "Cofiwch Dryweryn" es otro lamento, por otro valle galés que se inundó para crear un embalse. Es un disco exquisito. Incluso las notas del libreto, por Andy Morgan, resultan fascinantes, escritas desde el punto de vista de Clarach el águila.
En definitiva, la creación de Catrin Finch y Seckou Keita vuelve a ser un testimonio mágico, hipnótico y etéreo, que perdurará durante años como uno de los encuentros que han producido más y bueno por y para la integración de las culturas.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Clarach
02. Téranga-Bah
03. Yama Ba
04. Bach to Baïso
05. 1677
06. Listen to the Grass Grow
07. Hinna-Djulo
08. Cofiwch Dryweryn





Rachid Taha - Made in Medina (2000)

Rachid Taha, el hombre que construyó esa pequeña choza en la carretera donde el rock'n'roll conoció la música del norte de África y se enamoró, falleció el pasado 12 de septiembre. Era un lugar salvaje y solitario, lleno de controversia y transgresión cultural, no apto para débiles de corazón o espíritu. Solo un músico de su coraje intelectual y originalidad sin concesiones pudo haberlo habitado durante tanto tiempo.
Taha, icono cultural dentro y fuera de Francia, fue uno de los principales responsables de la popularización, fuera de África, de la música chaâbi argelina, mezclándola con el räi, rock, punk, techno y otros estilos, un eclecticismo cultivado sin ningún tipo de complejo.
Denunció a lo largo de su carrera las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia. "Ya Rayah", en su magnífico Diwân (1998), es una versión de Dahmane El-Harrachi que se convertiría en himno para las y los migrantes de Argelia.

En Made in Medina, grabado en 2000 en Londres, New Orleans y París, Taha lleva la combinación entre rock y los sonidos norteafricanos a su punto más alto. Producido también por Steve Hillage (al igual que hiciera con Diwân y Diwân 2), el plantel de artistas que hicieron su aporte al álbum es tan cosmopolita como los tres destinos elegidos para realizar la grabación, lo que deja su impronta a lo largo del disco.
Guitarras distorsionadas que parecen provenir de las alturas de los kasbah (barrios fortificados en las alturas de las colinas) de su Orán natal; cuerdas y percusión orientales, cadencias hipnóticas en letras y ritmos; un bilingüismo típico de lxs magrebíes migradxs a Francia, y ningún tipo de prejuicios en cuanto a estilos o nacionalidades, hacen de Made in Medina un disco obligatorio para todas aquellas personas buscadoras de nuevas expresiones en la música mundial.
Con variedad estilística y lingüística, excelentes composiciones y mejor aún ejecución instrumental (la tríada guitarra eléctrica+cuerdas+percusión es sublime), Made in Medina es otro de sus ejemplos de que desde Argelia se podía hacer rock sin perder las raíces.
Taha descansa en paz bajo su natal Argelia, pero su alma se amotina entre las nubes. Innovador incomparable, un valiente transgresor de las normas culturales y el pensamiento perezoso, un tipo de persona a la que, probablemente, no volveremos a ver durante mucho, mucho tiempo.

facebook: Rachid Taha officiel

tracks list:
01. Barra Barra
02. Foqt
03. Medina
04. Ala Jalkoum
05. Aïe Aïe Aïe
06. Hey Anta
07. Qalantiqa
08. En Retard
09. Verité
10. Ho Cherie Cherie
11. Garab





-M- – Lamomali (2017)

Matthieu Chédid, conocido también como –M-, es un compositor, cantante, productor, fotógrafo y guitarrista francés de raíces egipcias y libanesas. Nieto de la poetisa Andrée Chédid y destacado en el ámbito del rock alternativo francés, Matthieu ha desarrollado una trayectoria artística admirable, que lo ha encumbrado como uno de los músicos más importantes, respetados y admirados en los países de habla francesa.
Chédid descubrió Malí gracias a su amistad con la pareja de cantantes malienses Amadou & Mariam y, con los años, el país africano se volvió su musa. Su sexto album, puente musical con África, nació de otra amistad. Mathieu Chedid creó y grabó este proyecto titulado Lamomali (contracción de "l´âme au Mali", el alma de Mali) con dos leyendas malienses de la kora: Toumani Diabaté y su hijo Sidiki Diabaté. Además, cuenta con la participación de un auténtico quién es quién de cantantes e instrumentistas venidos de todo el continente africano (por ejemplo, Youssou N´Dour, Amadou & Mariam o Fatoumata Diawara) y también con grandes nombres internacionales como Santigold, Jain, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Phillipe Jaroussky y el rapero y poeta francés Oxmo Puccino.

El resultado son once temas que transitan muy diferentes texturas sonoras, todas con raíces en el continente africano. Un disco afropop con rock y electrónica, donde el sonido cristalino y delicado de la kora juega con la guitarra electrónica, oscilando entre momentos contemplativos y ritmos explosivos. La canción "Une âme" (Un alma) "habla del hecho de que, incluso el más pobre, cuando escucha la kora, sonríe, cree en el mismo y en el futuro", explicó a la prensa Fatoumata Diawara, la voz femenina en este disco y que denuncia la situación de prohibición de la música en el norte del país, "No nos pueden robar la música, la música es el alma de mi país".
Lamomali es también una invitación a bailar y a celebrar el estar juntxs ("Bal de Bamako"), a celebrar el mestizaje ("Solidarité"), y una generosa invitación a descubrir la energía y la luz de Malí (por ejemplo, la bellísima "Mama"). Un trabajo caleidoscópico, cosmopolita y ajeno a cualquier etiqueta genérica que se le pueda poner.

Página web oficial: Matthieu Chédid

tracks list:
01. Manitoumani - M, Sidiki Diabaté, Fatoumata Diawara
02. Bal De Bamako – M, Fatoumata Diawara, Oxmo Puccino
03. Cet Air – M, Fatoumata Diawara
04. Interlude
05. Une Âme – M, Fatoumata Diawara
06. Le Bonheur – Philippe Jaroussky, Kerfala Kanté
07. Solidarité – Santigold, -M-, Hiba Tawaji, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Nekfeu, Youssou N´Dour, Sanjay Khan, Chacha
08. Toi Moi – M, Fatoumata Diawara, Louis Chédid
09. L´Âme Au Mali – M, Amadou & Mariam, Jain
10. Mama – Mamani Keita, Moriba Diabaté
11. Koman Le Héros





Alexandra Stréliski – Inscape (2018)

Inscape es el último trabajo de Alexandra Stréliski, pianista y compositora que trae aires nuevos al mundo de la música neoclásica, cuyas composiciones de su primer trabajo Pianoscope (2010) han servido de fondos sonoros de series tan aclamadas como "Big Little Lies" (2017) y "Sharp Objects" ("Heridas Abiertas", 2018).
Grabado en otoño de 2017 en el Studio PM en Montreal (y editado por Secret City Records), Inscape es el trabajo de una artista que no se preocupa por las convenciones, cuyo enfoque del neoclasicismo es resueltamente actual. Producida por la misma Alexandra Stréliski y Maxime Navert (quien también coprodujo Pianoscope), su composición resulta de una época de vacío emocional, "Para mí", dice Stréliski, "Inscape fue una crisis existencial. Un año en el que todo se volcó y tuve que atravesar varios paisajes interiores: ajetreado, hermoso y doloroso al mismo tiempo". En su travesía por estas vivencias, sigue un impulso creativo que se compromete a devolver a la persona oyente a una forma de sinceridad perdida. "Un piano, por sí solo, es algo muy vulnerable, y quiero compartir este momento con el oyente".
Si Pianoscope miraba hacia el exterior con sus ricas y brillantes pistas de piano, Inscape vuelve su mirada hacia el interior, cambiando la luminosidad por un toque de melancolía y anhelo. El título del álbum es una combinación de "interior", "paisaje" y "escape": la música de la pianista y compositora es frágil y vulnerable y, en ella, el optimismo de la superficie actúa como una máscara de su profunda introspección. A la vez, Inscape transmite una profunda sensación de calma.
La nostalgia que desprende este álbum emerge de sus colores difuminados y del sonido melancólico del piano con sordina que domina muchos de sus temas. La inicial "Plus tôt" es un plácido vals y "The Quiet Voice", una cadenciosa miniatura. Stréliski vuelve al sonido imponente del piano de cola en la bella "Burnout Fugue", una fascinante tocata, antes de explorar la exquisita melodía de la balada "Revient Le Jour".
El hecho de que Stréliski sea tan capaz de evocar tal complejidad emocional a partir de un solo instrumento, anuncia mucho por venir a medida que continúa acercándose a la altura de sus poderes compositivos. En definitiva, Inscape es una mirada poderosa hacia un nuevo paisaje neoclásico.

Página web oficial: Alexandra Stréliski

tracks list:
01. Plus tôt
02. The Quiet Voice
03. Par la fenêtre de Théo
04. Ellipse
05. Changing Winds
06. Interlude
07. Blind Vision
08. Burnout Fugue
09. Overturn
10. Revient le jour
11. Le Nouveau Départ





Alexandra Stréliski – Pianoscope (2010)

Alexandra Stréliski es una pianista y compositora afincada en Montreal, de origen polaco, cuya música se distingue por su sensibilidad y suavidad, que a veces evoca a Erik Satie, Philip Glass y Michael Nyman. Concertista y valor excepcional en el mundo de la música neoclásica, Stréliski crea música que cautiva a las y los oyentes, de calidad cinematográfica, afinada por años trabajando en publicidad como compositora.
Educada entre París y Montreal, hizo su debut en solitario con Pianoscope en 2010, siendo sus temas descubiertos por el gran público a través de las películas "Dallas Buyers Club" (2013) y "Demolition" (2015), al trailer de la Temporada 2 de la aclamada serie de HBO "Big Little Lies" (2017) y, más recientemente, en el desenlace final de la también serie de HBO "Sharp Objects" ("Heridas Abiertas", 2018), trabajos en los que el director y productor Jean-Marc Vallée colocó canciones del disco. Animada por la gran acogida hacia su música, en 2018 acaba de editar su segundo disco Inscape (de nuevo producido por ella y Maxime Navert).

En Pianoscope, las formas rítmicas son muy simples: arpegios o patrones básicos de acompañamiento de piano. Las armonías son frescas, combinando lo esperado con lo inesperado, y bellamente adornadas con líneas melódicas simples. Las melodías y las estructuras de los acordes suenan a clásico, pero se presentan como un producto nuevo y fresco porque Strélinski compone desde lo que siente, no desde lo que piensa.
Si se considera, también, el hecho de que el piano es un instrumento asombrosamente emocional, capaz de expresar multitudes de sentimientos, entonces no resulta extraño suponer que un álbum que contiene solo el piano tenga el potencial de ser la música más expresiva. Y aquí reside el éxito de este trabajo, un álbum emotivo, intensamente personal pero con el que es fácil trazar paralelismos entre sus pasiones y las nuestras, un disco que transmite con precisión y fragilidad el mundo que nos rodea. Un hito.

Página web oficial: Alexandra Stréliski

tracks list:
01. Prélude
02. Automne
03. Sous l´eau
04. Le sablier
05. La leçon
06. New York
07. Valse pour maman
08. Bourrasques
09. Le vieillard
10. Comptine
11. Lé départ
12. Berceuse





Fatoumata Diawara – Fenfo (2018)

Fatoumata Diawara estableció su reputación como una de las cantantes y compositoras más creativas de Malí gracias a su notable álbum de debut, Fatou, editado en 2011. Desde entonces, ha estado involucrada en una variedad de proyectos, que incluyen colaboraciones con el pianista cubano Roberto Fonseca, con sus colegas malienses Amadou & Mariam y Oumou Sangaré, brillando con luz propia en el proyecto Lamomali (2017) del artista francés Matthieu Chédid (alias –M-). Precisamente él produce este magnífico Fenfo, que se traduce como "algo que decir", un trabajo de clase que demuestra su impresionante rango musical.
Sus canciones son melódicas, suaves y ricas en cuerdas: kora, n´goni, guitarra eléctrica, chelo y, por encima de todo, una voz que suena más conmovedora y expresiva que en su álbum debut, rodeada por una destacada banda. En su primer álbum participó Toumani Diabaté; en este segundo, el elenco incluye a su hijo Sidiki Diabaté, junto con el mismo Matthieu Chédid y el extraordinario chelista Vincent Ségal.

Las letras, en su mayoría en bambara, con ocasionales incursiones en inglés, abordan preocupaciones especialmente sentidas en el continente africano (incluyendo las demandas para poner fin a la prohibición de matrimonios entre personas de distintas etnias). En la emocionante "Nterini" canta sobre el drama de la emigración. En la bluesera "Kokoro" alienta a las y los africanos a abrazar su color y su cultura. Las canciones abarcan toda una variedad de estilos, desde el fresco y melódico afropop hasta el gentil blues de "Mama", r&b a la africana como "Kanou Dan Ye", y funk y toques de rock en "Negue Negue" y "Bonya". El álbum cierra con un encantador dueto de guitarra acústica y violonchelo de "Don Do".
En definitiva, un extraordinario trabajo que ejerce de majestuoso puente entre el pop y las músicas africanas.

Página web oficial: Fatoumata Diawara

tracks list:
01. Nterini
02. Kokoro
03. Ou Y' An Ye
04. Kanou Dan Yen
05. Fenfo
06. Negue Negue
07. Mama
08. Takamba
09. Bonya
10. Dibi Bo
11. Don Do





Agnes Obel – Aventine (Deluxe Edition, 2014)

Influenciada tanto por Joni Mitchell como Debussy y Satie, la danesa afincada en Berlín Agnes Obel cautivó al público tanto de su país como del extranjero con su hermosísimo Philharmonics, melancólico álbum debut de 2010 en el que descubríamos a una de las pianistas y compositoras europeas con más potencial de los últimos años. Este debut se corona por completo en 2013 con la llegada de Aventine, un trabajo mucho más maduro que continúa en la misma línea de composiciones clásicas y contemporáneas, reforzado por las magistrales cuerdas de Mika Posen y Anne Müller.
Los temas instrumentales, incluyendo el oscuro y nostálgico tema de apertura "Chord Left" y la breve melancolía de "Tokka", son una muestra de su reposada excelencia instrumental, que se destaca en el colosal "September Song" (incluido en la edición Deluxe de 2014, y que ha sido popularizado al ser utilizado como coronación del desenlace de la serie de HBO "Big Little Lies"). Es en "Fuel To The Fire" donde Obel muestra su fina voz, enarbolando gran confianza y seguridad. Ese mismo tono, en un formato más cavernoso, es el que se describe posteriormente en "Dorian", donde las notas instrumentales sirven como base del controlado estallido vocal de la danesa. En "Aventine" el sentido melódico da un giro notable, pasando la voz de Agnes a un ligero segundo plano y otorgando el protagonismo a una inquietante melodía generada por un dinámico violonchelo; "The Curse" es uno de los temas con vocación de single de este delicioso disco.

"Pass Them By" es un tema colorista, que haya su contrapunto en la siguiente canción "Words Are Dead" que suena como un corte lúgubre e invernal. Y para cerrar el disco, Obel nos despide con una sensible joya, "Smoke & Mirrors".
Sin duda alguna, Aventine es un maravilloso álbum de otoño, donde se exculpen cuerdas y piano en ondulaciones bellamente melancólicas que se prolongan en la edición Deluxe que compartimos que, además de los once cortes originales, incluye tres nuevos temas de estudio, seis de los temas del disco en directo y dos versiones: una del productor y compositor Daniel Matz, y una remezcla del director de cine David Linch.

Página web oficial: Agnes Obel

tracks list:
01. Chord Left
02. Fuel To Fire
03. Dorian
04. Aventine
05. Run Cried The Crawling
06. Tokka
07. The Curse
08. Pass Them By
09. Words Are Dead
10. Fivefold
11. Smoke & Mirrors
12. Under Giant Trees
13. Arches
14. September Song
15. Run Cried The Crawling (live)
16. Chord Left (live)
17. Fuel To Fire (live)
18. Aventine (live)
19. Words Are Dead (live)
20. The Curse (live)
21. Dorian (Daniel Matz Rework)
22. Fuel To Fire (David Lynch Remix)







La Mambanegra – El Callegüeso y su Malamaña (2017)

La Mambanegra es una orquesta de once miembros de Santiago de Cali que desarrolla un sonido que ellos mismos llaman "colombian break salsa" y que está inspirado en las orquestas de salsa que triunfaron en el Nueva York de los años 70 del siglo XX, al que incorporan influencias del r&b, el hip hop y el reggae.
Inspirada en la historia de un héroe anónimo y mítico del Barrio Obrero, quien tuvo una serie de aventuras fantásticas en Cali, La Habana y Nueva York, esta orquesta trae un nuevo concepto de la salsa y la música latina para el Mundo: "Dice la leyenda que alguna vez existió un personaje llamado Tomas Rentería -hijo de la nigeriana Belarmina Rentería- que se embarcó como polizón en un buque que zarpo del puerto de Buenaventura hacia New York. Rentería fue capturado en el barco y, sin misericordia, arrojado a las aguas cálidas de Cuba. Dice, además la leyenda, que Rentería tenía tan buena suerte que un babalao lo salvó de ahogarse y lo cuidó por un buen tiempo, lo bautizo además con el nombre de El Callegüeso. En la Habana conoció al legendario conguero Chano Pozo, el cual le regaló una flauta proveniente de África a la que le decían La Mambanegra. De nuevo como polizón, el recién bautizado Callegüeso logró completar su viaje hasta New York y en los años 40 del siglo pasado fundo su orquesta Mambanegra".

Como esta historia suena El Callegüeso y su Malamaña, la opera prima de La Mambanegra. Creada y dirigida por el compositor, arreglista, saxofonista y vocalista colombiano Jacobo Vélez, La Mambanegra propone un discurso musical con elementos urbanos como el hip hop, el funk y la música antillana. Jacobo -quien a su vez fundó La Mojarra Eléctrica- logra crear todo un universo visual y sonoro a partir de historias urbanas que entrelazan el Barrio Obrero de Cali con el malecón de La Habana. Acontecimientos surrealistas, vivencias de esquina, y la picardía propia de un músico con horizontes infinitos, logran que esta grabación (realizada en su mayoría en Cali por Bombo Records) difícilmente pueda ser etiquetada, como precisamente pretende el experimentado saxofonista.
Además de los once músicos base de La Mambanegra, otros/as artistas invitados/as hicieron parte de la grabación: la holandesa Maite Hontelé se destaca en el solo de trompeta de "Puro Potenkem". Eddy Martínez, pianista colombiano, participa en la bella melodía "Cantare Para Vos", una pieza inspirada en la nueva trova cubana. "La Compostura" destaca al trombonista Edgardo Manuel; el trompetista cubano Yasek Manzano despliega su virtuosismo en "El Blues de Yemaya", mientras que Andrés "Chinito" Escobar ejecuta la batería en "Me Parece Perfecto", una explosiva descarga en homenaje al timbalero Wilson Viveros.

Página web oficial: La Mambanegra

Personal:
Jacobo Vélez "El Callegüeso": vocales y saxofón
Carolina Mosquera Arrechea: canto
Julia Díaz: canto
Fabio Martínez "Mifa Lucumi": trombón
Sergio "Checho" Orobio: coros y güiro
Harold Orozco: batería y timbal
Juan Carlos Arrechea: congas
Jefferson Arango: congas
Daniel Gutiérrez: teclado
Roger Torres: trompeta
Jeffry Obando: bajo
Jorge Andrés Caicedo: bajo
Carlos Peralta: guitarra
Brayan Parker: saxofón barítono
Víctor González: teclado
Frank Alexis: saxofón barítono
Diego "Cachorro" Giraldo: trompeta

tracks list:
01. Puro Potenkem (feat. Maite Hontelé & Denilson Ibargüen)
02. El Sabor De La Guayaba (feat. Santiago Jiménez)
03. Cantare para Vos (feat. Eddy Martínez)
04. La Compostura (feat. Edgardo Manuel)
05. La Fokin Bomba (feat. Santiago Jiménez)
06. El Blues De Yemaya (feat. Yasek Manzano)
07. Kool And The Mamba
08. Me Parece Perfecto (feat. Chinito Escobar)
09. El Malembe (feat. Wilson Viveros)
10. Barrio Caliente (feat. Jorge Huertas)





Ana Alcaide - Leyenda (2016)

Leyenda es el cuarto disco en solitario de Ana Alcaide, que sale diez años después de su trabajo debut Viola de teclas (2006), un disco instrumental que tuvo como originalidad la adaptación de la nyckelharpa sueca (Viola de teclas) a una selección de piezas tradicionales ibéricas de distintos orígenes (melodías sefardíes, ritmos castellanos y flamencos, rabeladas cántabras y piezas renacentistas…).
Ana Alcaide es una intérprete y compositora de Toledo que desarrolla una actividad investigadora en torno a antiguas tradiciones y culturas. Siendo estudiante, viajó a Suecia y allí conoció la Viola de teclas, un instrumento medieval que en sueco se llama Nyckelharpa. Ana se enamoró de él y lo aprendió a tocar de forma autodidacta en las calles de Toledo, fuera y lejos de su tradición original. Así se convirtió en una pionera introduciendo y divulgando la nyckelharpa en España.
Su música es habitualmente descrita como la “banda sonora de Toledo”. Es una creación nueva inspirada en antiguas tradiciones que sintetiza estilos musicales de diferentes culturas. Desde el marco de inspiración que le brinda esta ciudad, Ana comenzó escribiendo y produciendo sus canciones, añadiendo composiciones y adaptando su instrumento a melodías ancestrales que han viajado por el Mediterráneo y que tuvieron su origen en la España medieval.

Después de dedicar otros dos discos a las tradiciones sefardíes, Leyenda es un proyecto musical y escénico inspirado en leyendas y mitologías de seres femeninos ancestrales de España, Europa y de diversos lugares del mundo, que explora la fuerza de lo femenino con una mirada actual, y que supone una evolución en la presentación de su música. "Lo femenino… El poder de una fuerza creadora y destructora, tan dócil como indómita, invisible, mágica, imprevisible, eterna y secreta, que burbujea latente en la cadena de sangre de todas y cada una de las hijas de la tierra; pura, temible, silenciosa y a menudo silenciada, tan profunda y arcana, tan salvaje y mineral como el principio de los tiempos..."
Este nuevo disco, que pudo salir adelante gracias al micromecenazgo (Crowdfunding), está compuesto por doce historias más o menos míticas, en clave moderna, protagonizadas por mujeres, con las que Ana Alcaide rinde homenaje, no sólo al espíritu femenino, sino a esa parte de superación y cambio que existe en todos los seres humanos.

Página web oficial: Ana Alcaide

tracks list:
01. Tlalli
02. Diosa Luolaien
03. La ondina de Vacares
04. Leyenda
05. La Mujer Muerta
06. Folía de la Primavera
07. La Lamia de Kobate
08. El Puente de San Martín
09. Kari Kalas
10. La esposa Selkie
11. Elenion
12. Akelarre





Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajeri – 3MA – Anarouz (2018)

3MA es el proyecto resultante del encuentro de tres virtuosos africanos de las cuerdas: Ballaké Sissoko (kora), Driss El Maloumi (oud) y Rajery (valiha), artistas que comparten una pasión musical, un diálogo recíproco y una hermosa amistad. El grupo toma su nombre de las tres naciones respectivas de los artistas: Malí, Marruecos y Madagascar.
Se conocieron en 2006 y, desde entonces, se han reunido regularmente, impulsados por el placer de una relación humana y musical excepcional. En 2008 editaron el excepcional disco 3ma, en el que interpretaban juntos clásicos tradicionales de cada uno de sus países de manera magistral. Diez años después, después de numerosos conciertos de 3MA por todo el mundo, llegó el momento de hacer balance y volver al estudio de grabación. El resultado es Anarouz ("Esperanza"), un trabajo continuista pero en todo el sentido positivo, porque vuelve a ser un disco extraordinario.

Anarouz es testigo de su maravillosa conexión y experiencia madura. El álbum recoge las ideas surgidas en este tiempo, dando lugar a nuevas composiciones o reelaborando planteamientos previos. Más enfocados incluso que en su primer trabajo, Anarouz repite el logro de entretejer los instrumentos de cuerda de forma mágica, presentando dos cortes reinterpretados de nuevo, "Anfaz" y "Awal". Al proyecto se incorpora el percusionista Khalid Kouhen, que agrega los pulsos delicados de sus tablas indias y sus percusiones paquistaníes.
Un disco a escuchar y bucear para perdernos en las profundas y ricas raíces de tres países con una tradición musical infinita. Pero, sobre todo, para quedarnos con el mensaje compartido de 3MA, un mensaje que se manifiesta contra la violencia de nuestro mundo, con sus armonías suaves y vigorizantes, energía vital y poesía universal.

facebook: 3MA: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery

tracks list:
01. Anarouz
02. Samedi Glace
03. Anfaz
04. Moustique
05. Hanatra
06. Lova
07. Mariam
08. Aretina
09. Jiharka
10. Awal





Maya Youssef – Syrian Dreams (2017)

Desde la desolada Siria suena con especial emoción el nuevo trabajo de Maya Youssef, virtuosa del qānūn: "Desde que empezó la guerra en mi tierra en 2011 hacer música dejó de ser una opción. Era una manera crucial de expresar mis intensos sentimientos de pérdida y tristeza al ver a mi gente sufrir y mi patria destruida". Por suerte, Youssef está afincada en Londres y desde allí pudo realizar este disco enteramente dedicado a la tragedia siria y que se escucha, lógicamente, con una intensa emoción. A ratos cerca de la vanguardia o del jazz, Syrians Dreams es un disco tan triste como necesario.
El virtuosismo y enfoque único e innovador de Maya Youssef para tocar el qānūn, originalmente un instrumento tradicional, consiste en combinar sus extraordinarios dones musicales con una generosidad de perspectivas, calidez, humor y optimismo.
El qānūn es un instrumento de cuerda pulsada de Siria, de 78 cuerdas, perteneciente a la familia de las cítaras. También existe en el resto del mundo árabe, Turquía, Grecia, Armenia y Azerbaiyán, pero en formas ligeramente diferentes. La palabra árabe "qanun" se traduce como "la ley": el qanun establece y dirige el tono en conjuntos tradicionales de música.
Maya Youssef ha actuado en todo el mundo y es ganadora del premio Exceptional Talent, que le permitió migrar al Reino Unido en 2012. Además de su música, lleva a cabo su proyecto de doctorado "Music Healing for Syrian Refugee Children" en la SOAS University of London, donde también enseña el qānūn y dirige el SOAS Middle Eastern Ensemble, además de ser una habitual en la BBC.

Maya procede de una familia de escritores y artistas progresistas e intelectuales de Damasco. Educada en la gran colección de música que poseía su padre (árabe clásica, jazz, fusión, world music, tibetana, clásica occidental...), comenzó su formación musical a los 7 años en el Instituto de la Música Sulhi al-Wadi en Damasco. Cuando tenía 12 años ganó el Premio al Mejor Músico en el Concurso Nacional de Música para Jóvenes. Continuó en el Instituto Superior de Música y Arte Dramático de Damasco para obtener una licenciatura en Música especializada en qānūn, graduándose en 2007 antes de mudarse a Dubái y, posteriormente, establecerse en Omán en 2009 para enseñar y actuar.
Producido por Jerry Boys para Harmonia Mundi, Syrian Dreams cuenta con la participación de Sebastian Flaig (percusión), Barney Morse-Brown (cello) y Attab Haddad (oud). Como señala Youssef en el disco, "Este álbum es mi viaje personal a través de los 6 años de guerra en Siria. Es una traducción de mis recuerdos del hogar y mis sentimientos hacia la música. Veo el acto de tocar música como lo opuesto a la muerte; es un acto de vida y de afirmación de esperanza. Para mí, la música es sanadora y un antídoto contra lo que está sucediendo, no solo en Siria, sino en todo el mundo. Me gusta pensar que mi música devuelve a la gente a la humanidad y al centro de sus corazones, donde no se puede dañar a ninguna forma de vida y donde todas y todos pueden existir juntos en paz". Este viaje personal y su propuesta musical ha supuesto para Maya resultar finalista en los Songlines Music Awards de 2018.

Página web oficial: Maya Youssef

tracks list:
01. Horizon
02. Bombs Turn Into Roses
03. Hi-Jazz
04. Touta
05. Queen Of The Night
06. Syrian Dreams
07. The Seven Gates Of Damascus
08. Breakthrough
09. The Sea
10. Awatef (bonus track)





The Calais Sessions (2016)

El 24 de octubre de 2016 empezó el desmantelamiento de la "Jungla de Calais", el mayor campo improvisado de migrantes de Europa, con más de 7000 personas refugiadas que se habían visto obligadas a huir de sus casas, la mayoría de ellas deseando cruzar al Reino Unido por el Eurotúnel. Un año antes, un grupo de artistas hicieron el camino inverso, queriendo hacer algo para luchar contra la crisis humanitaria que se desarrollaba a unos pocos kilómetros de sus casas. El resultado fué The Calais Sessions, un disco grabado por los y las habitantes de "La Jungla", cuyo objetivo fué implicar a las personas que vivían en el campo en un proyecto que aumentase su autoestima, canalizando su talento a través de la música.
Todo empezó con la foto del cadáver de Aylan, de tres años, en una playa turca. Vanessa Lucas-Smith, violoncelista británica, reaccionó con algo más que compasión. El fin de semana siguiente desembarcó en Calais con un grupo de artistas. "Nuestra primera intención era personal: entender qué pasaba, quiénes eran esas personas. Pero estábamos convencidos de que habría música, y músicos, entre los refugiados. Una hora después de llegar –cuenta la chelista– ya un par de músicos sirios de Londres habían formado un grupo con dos compatriotas del campo. Y dos días después grababan el primer corte". Lucas-Smith es chelista del Allegri Quartet de Londres (y una de las principales impulsoras del proyecto) y a través del álbum ha comprendido que cuando "le das instrumentos a la gente, se convierten en algo como el pan, el agua o el carbón, es algo que realmente necesitan", cuenta en The New York Times.
El disco se abre con "The Lost Singer". Para Moheddin, autor del tema y cantante de extraordinaria voz, aquello sirvió de pasaporte: hoy vive en Londres de su oficio, sastre. "Khandahar" es una coproducción afgano-kurda, escrita en farsi por dos hermanas afganas, una de nueve y la otra de doce años. La melodía la compusieron con ayuda de dos refugiados kurdos, bateristas.

Kasper es un refugiado iraquí de 25 años. Rapea sobre el amor en "University Story", pero en Bagdag se dedicaba a hacer joyas. Tuvo que huir de su casa y después de un agotador viaje de tres semanas llegó a Calais. Mohammed Ismail (que interpreta "Ismail") es afgano y le gusta tocar la dambora, un instrumento de cuerda. Pero su afición no le gustó a los talibanes ya que "un día me oyeron tocar en casa, metieron mi brazo derecho en agua hirviendo y me dijeron que lo hacían porque era el brazo con el que toco". Ahora Ismail toca un instrumento parecido al chelo que han creado con piezas que encontraban en el campo y ha logrado vencer los malos recuerdos.
Durante la grabación del disco el equipo se encontró con muchas dificultades ya que en febrero las autoridades francesas comenzaron a desmantelar el campo, lo que afectó a muchas de las personas implicadas. Un grupo de mujeres eritreas, al principio un poco reticentes, se decidieron a grabar una canción religiosa llamada "Yezus". Al acabar estaban tan ilusionadas con el proyecto que quisieron grabar otra canción, pero a la mañana siguiente se levantaron y no pudieron ir a su iglesia para rezar, ensayar o inspirarse, la habían derruido.

México está presente en este planeta-disco gracias a Carolina Ferrer y Jesús Bellosta Flores, dos voluntarios que trabajaban en el campo y que grabaron "La llorona". Laura, del colectivo The Calais Sessions, recuerda en La Vanguardia que "pronto descubrimos que los refugiados tenían un enorme talento; sus historias personales nos impresionaron tanto como las culturas musicales que viajaban con ellos. Decidimos que era imprescindible que aquella gente se integrara en nuestro colectivo para transcribir sus historias en música. Y que aquello fuera otro viaje, pero distinto, en el que todos –sirios, afganos, sudaneses, eritreos– compartieran ese mundo de convivencia y armonía que la música propone".
El proyecto, cuyas fotos corren a cargo de Sarah Hickson, se grabó en un estudio casero que se alimentaba de energía solar, cerca de la biblioteca del campo. Los aspectos técnicos también fueron una odisea, pero Damien Barrière-Constantin, un ingeniero de sonido de 24 años y cofundador de la iniciativa, logró un sonido profesional. Para él lo más importante no es que "la gente nos escuche", sino que "los refugiados puedan escuchar lo que ellos mismos han hecho", cuenta.

El álbum, que también cuenta con la participación de Natalia Tena (Molotov Jukebox) y Çiğdem Aslan, se puede comprar a través de su web, cuyos beneficios se destinan a las y los propios refugiados y a una organización benéfica británica llamada Citizen UK.

Página web oficial: The Calais Sessions

tracks list:
01. Moheddin Aljabi – The Lost Singer
02. Kasper King – University Story
03. Bogdan Vacarescu – Deskovo Oro
04. Danny Rowe – Sounds of the Jungle
05. Carolina Ferrer – La Llorona
06. Abdullah Kathin – Ya Rab´oun
07. Andy Kyte – Khandahar
08. The Evangelist Church Singers – Yesus
09. The Evangelist Church Singers – Halleluyah
10. Carl Burgess – Long Road
11. Mohammed Ismail – Ismail
12. Laurens Price-Nowak – Nothing
13. Natalia Tena – Every Heart That Loves







Criolo – Espiral de Ilusão (2017)

Espiral de Ilusão es el último álbum de Criolo (nombre artístico de Kleber Cavalcante Gomes), en el que trabaja por primera vez con una banda de samba, transponiendo sus historias de desigualdad, esperanza y realidades para muchas y muchos brasileños que viven en las periferias, a una banda cohesionada de percusión, guitarra, cavaquinho y vientos.
Un disco que sorprenderá a muchos/as de sus fans. El popular rapero y cantante brasileño es más conocido por ser un virtuoso del hip-hop, mezclándolo con cualquier cosa (desde reggae y funk hasta samba), pero en este lanzamiento cambia exclusivamente a samba con un conjunto relajado dominado por su voz simple, no con respaldo proporcionado por teclados y programación, sino por el pequeño cavaquinho (interpretado por un miembro de Pagode da 27, un proyecto de samba vecinal en São Paulo), junto con la guitarra de siete cuerdas.
Espiral de Ilusão es un álbum esencial de uno de los talentos destacados de Brasil en los últimos años, un cantante y rapero que ha logrado sintetizar los sentimientos de tantas y tantos brasileños que sienten que los que están en el poder les ignoran. Al trabajar con una banda de samba, Criolo rememora su juventud (su familia solía escuchar samba en casa) y una de sus mayores pasiones.

Muchas de sus nuevas canciones suenan como viejos clásicos melodiosos, pero con un toque ácido y contemporáneo, sin abandonar la crítica social. Por ejemplo, el reflexivo y lánguido "Menino Mimado" es una queja ("los niños mimados no deberían gobernar"), mientras que la optimista "Cria de Favela" es una colorida advertencia sobre la criminalidad.
Para la portada del disco cuenta con Elifas Andreato, diseñador gráfico e ilustrador que ha desarrollado algunas de las portadas de discos más conocidos de la música popular brasileña (Chico Buarque, Elis Regina, Paulinho Da Viola…). Su obra mezcla la poesía multicolor de sus inspiraciones con un fuerte comentario de cuño social. Para la producción, con dos de los mejores productores y compositores actuales de la música brasileña (Gabriel Ganjaman y Marcelo Cabral), dando como resultado un disco de samba bailable y divertida, clásica y contemporánea.
Al igual que los anteriores trabajos de Criolo, Espiral de Ilusão está disponible de forma gratuita en su sitio oficial.

Página web oficial: Criolo

tracks list:
01. Lá Vem Você
02. Dilúvio de Solidão
03. Menino Mimado
04. Nas Águas
05. A Filha do Maneco
06. Espiral de Ilusão
07. Calçada
08. Boca Fofa
09. Hora da Decisão
10. Cria de Favela





Trio Da Kali & Kronos Quartet – Ladilikan (2017)

Ladilikan es una combinación deliciosa de canciones mandingas y aires musicales contemporáneos de muy altos vuelos. Una fusión audaz de las tradiciones musicales de Occidente y las de África: de la tradición griot de Malí, representada por el Trio Da Kali, y de la tradición clásica moderna, representada por el venerable Kronos Quartet, que no es ajeno al aventurismo musical.
El Trio Da Kali, con Lassana Diabaté (balafón), Mamadou Kouyaté (ngoni), y la espléndida cantante Hawa Kassé Mady Diabaté (de voz tan brillante como la de su padre, el legendario Kassé Mady Diabaté) no precisa apoyos externos para atrapar con sus vibraciones mandingas; y el muy singular Kronos Quartet ha experimentado tanto, sonidos africanos incluidos, que no necesita agrandar su currículum con trabajos de conveniencia. El encuentro de las dos formaciones en el excelente disco Ladilikan (prometer o comprometerse), gracias a la etnomusicóloga británica Lucy Duran, es una aventura no impuesta y, al parecer, largo tiempo acariciada. El resultado es igual de libre y, además, hermoso. Trío y cuarteto dialogan en claves diferentes pero con emociones similares, armando un universo realmente en expansión.
Las colaboraciones como Ladilikan a menudo se quedan cortas, ya que las dificultades de mezclar con gracia tradiciones musicales muy diferentes pueden desbordar las mejores intenciones. Pero este no es el caso aquí. Ambas tradiciones están representadas por igual, a través de fronteras culturales y lingüísticas los instrumentos occidentales de escala temperada se mezclan a la perfección con los instrumentos africanos tradicionales, creando un maravilloso híbrido musical que es atractivo, fascinante e irresistible.

Si es verdad que la música traspasa los límites y nos conecta a con nuestra humanidad común, entonces Ladilikan brilla como un maravilloso ejemplo de poner esa idea en práctica. Vivimos en tiempos desafiantes, cuando los viejos demonios del racismo, la xenofobia y la intolerancia vuelven a levantar su fea cabeza, precisamente en un momento en que la humanidad en su conjunto se enfrenta a un desastre ecológico que amenaza nuestra propia supervivencia como especie. Quizás colaboraciones como esta puedan, a su manera, mostrarnos el camino a seguir para todas y todos nosotros.
Una vez más Kronos Quartet no parece tener límite en su creatividad a la hora de reinventar y adaptar repertorio de cualquier procedencia y género. El más hermoso trabajo del cuarteto según su fundador y director artístico, David Harrington.

Página web oficial: Kronos Quartet, Trio Da Kali

tracks list:
01. Tita
02. Kanimba
03. Eh Ya Ye
04. Garaba Mama
05. God Shall Wipe All Tears Away
06. Samuel
07. Lila Bambo
08. Kene Bo
09. Ladilikan
10. Sunjata





Alsarah & The Nubatones – Manara (2016)

El concepto y la cuestión de la identidad alimenta la música de la cantautora sudanesa Alsarah. De ascendencia nubia, y afincada en Nueva York, Alsarah es una ferviente etnomusicóloga: su mirada introspectiva, que comprende la compleja historia artística y política de la región africana a la que ella denomina hogar, define tanto a la artista como a su nuevo álbum Manara ("El Faro").
Alternativamente cantado en lenguas nubia y árabe, Manara habla enérgicamente del desplazamiento, de la desconexión diaspórica, del sentimiento sociopolítico y de las individualidades. A través de letras poéticamente abstractas, Alsarah y su banda, The Nubatones, logran transmitir multitud de emociones, folclore y pasiones autóctonas. Para ello se valen de instrumentos occidentales y africanos, incorporando discretos elementos electrónicos. "Retropop de África del Este" es como denominan su música, aunque Manara suena más contemporáneo y global.

En cualquier caso, en tiempos de crecientes restricciones migratorias, no está de más que la música nos recuerde uno de los muchos aspectos positivos de unir a gente de múltiple procedencia: el enriquecimiento que aporta la diversidad.

Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

tracks list:
01. Salam Nubia
02. Asilah Interlude
03. Alforag
04. Albahr
05. Fulani Interlude 1
06. 3yan T3ban
07. Fulani Interlude 2
08. Ya Watan
09. Nar
10. Manara
11. 3roos Elneel
12. Asilah
13. Fulani
14. Safr Minni





Jojo Effect - Not With Me (2007)

El grupo Jojo Effect surgió del proyecto que Anne Schnell, cantante y compositora alemana, y los productores Kitty the Bill, Maxim Illion (Club des Belugas) y Juergen Kausemann (de Chinchin Records) fundaron en 2005. Los temas de Jojo Effect han sido vendidos más de 2 millones de veces, licenciados más de 300 veces hasta ahora en compilaciones como Café del Mar, Klassik Lounge, Brazilectro, Bar Lounge Classics… (por nombrar algunas) y para series de TV y anuncios en todo el mundo.
La música de Jojo Effect se puede clasificar como nujazz, una mezcla de electrojazz, jazzdance, bossa, latin, jazzfunk y souljazz, recordando en muchos momentos a Pink Martini. La banda que acompaña a Anne Schnell la conforman magníficos artistas procedentes del mundo del jazz: Dirk Pätzold (batería), Florian Beer (percusión), Franz Schnell (saxo, flauta y teclados), Thomas Basy (piano), Christian Kraus (bajo) y Manfred Koller (guitarras).

Desde que, en 2007, lanzaran su primer álbum Not With Me, sus posteriores trabajos han sido recibidos con una gran acogida: Ordinary Madness (2009), Marble Tunes (2011) y Smarter (2014). La clave de su éxito radica en la extraordinaria habilidad para manejar un amplio abanico de ritmos junto a sus letras llenas de vida, irónicas, divertidas, sensuales y conmovedoras que describen situaciones de nuestras rutinas diarias, el amor y la vida, a veces con un toque descarado.
Como señalan en su web, Jojo Effect "son un paquete de spa musical que todo buen médico y farmacéutico debería recomendar para iluminar el estado de ánimo".

Página web oficial: Jojo Effect

tracks list:
01 Stay Away from My Man
02 Not With Me
03 The Beat Goes On
04 Sing a Little Bit
05 Moods
06 Higher
07 Same Old Song
08 So What
09 Bado Baijo
10 La Fin Est Nulle
11 Mystery
12 Il Ne Reste Rien
13 Music Lifts Me Up
14 Mister Mista





Roberto Fonseca – ABUC (2016)

Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC, que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.
Nacido en La Habana en 1975, Roberto Fonseca ha compartido escenario con leyendas de la música cubana como Cachaíto López, Manuel "Guajiro" Mirabal y Manuel Galbán, tocando en diversos países del mundo en más de 400 conciertos. Ha vivido con la música desde siempre; de hecho, su madre Mercedes Cortés Alfaro es una es una cantante que fue bailarina en Tropicana Club de La Habana (canta en el álbum Zamazu, 2007), y su padre Roberto Fonseca Durades, baterista. El pianista tiene en su haber un máster en composición obtenido en el Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), y ha sido profesor de música. Con solo 15 años grabó su primer CD, En el Comienzo, junto a Javier Zalba y el grupo Temperamento, el cual fue nombrado Mejor Álbum de Jazz de Cuba en 1999.
Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.
ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.

Página web oficial: ABUC – Roberto Fonseca

tracks list:
01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)