Tiganá Santana - Vida-Código (2020)

Tiganá Santana es compositor, cantante, instrumentista, poeta, productor musical, director artístico, investigador, profesor y traductor. Su cuarto álbum de estudio, Vida-Código, es un trabajo de una dulzura desarmante, un verdadero elogio a la lentitud y el arte de susurrar.
Graduado en Filosofía, Santana ha estudiado las estructuras lingüísticas de los idiomas kimbundu y kikongo, que se hablan en Angola y el Congo. Su pasión por la africanidad hace que sea el primer artista brasileño en componer en dialectos del continente: además del kikongo y el kimbundu, el wolof y el mandinka están presentes en todo su trabajo.
Su primer álbum Maçalê ("eres uno con tu esencia", en arcaico yoruba) fué lanzado en 2010. En 2012 vino The Invention of Colour. Una subvención del Departamento de Cultura de Suecia, el país en el que se grabó, permitió el proyecto. En el mismo año, recibió una beca UNESCO-Aschberg (programa de becas para artistas y profesionales culturales), para una residencia artística en Senegal (en Espace Sobo Badé, en la ciudad de Toubab Dialaw). Después de una estancia de 5 meses, grabó, junto con músicos de África occidental (Senegal, Guinea-Conakry y Mali), el álbum doble Tempo & Magma (2015). En el álbum aparecen la cantante CéU y Maria Stella de Azevedo Santos (conocida como Mãe Stella de Oxossi), aclamada escritora, pensadora y sacerdotisa de la religión africana de Ilê Axé Opô Afonjá, la primera practicante de Candomblé en formar parte de la Academia de Letras da Bahia.
En este tiempo, Tiganá Santana también ha dirigido la producción artístico-musical de otros proyectos, incluido el último álbum de la cantante Virgínia Rodrigues (Mama Kalunga, con el que ganó el premio a la mejor cantante en los Premios de la Música Brasileña en 2016).
Grabado en Salvador de Bahía, Vida-Código es un regreso al trabajo de Tiganá como compositor. Su textura de sonido difiere bastante de los álbumes anteriores del artista, con una presencia ligeramente más significativa de instrumentos electrónicos junto con los acústicos. Presenta los sonidos del piano y el acordeón interpretados por Aline Falcão, las guitarras y ukulele de Leonardo Mendes y Jorge Solovera, y el bajo de Ldson Galter, cómplice del escenario durante más de 10 años.
Producido junto a su compañero musical Sebastian Notini, el álbum ha sido lanzado por el sello sueco ajabu!. Las nueve canciones del álbum están en portugués, francés, kikongo y español, e incluyen tres asociaciones: una con Alzira E ("Palavra de Honra") y dos con Leonardo Mendes ("Flor Destinada" y "Vida-Código"). Se ha incluido la canción "Ilê, Se Eu Não Gostasse de Você" del bloco afro Ilê Aiyê, compuesta por Heron, con la participación especial de Arany Santana, su madre (quien le enseñó la canción en la década de 1980). Y, también, nos encontramos con una nueva version de "Do Fundo", originalmente lanzado en Maçalê.

Página web oficial: Tiganá Santana

tracks list:
01. Flor Destinada (Effleurer le destin)
02. Palabra de Honra
03. Disu ye Mvula
04. Ilê, Se eu não gostasse de você
05. Meios
06. Vida-Código
07. Aclarate
08. Do Fundo
09. Não vás, Preta





Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou – Oulad Lghaba (2019)

Asmâa Hamzaoui junto con su banda Bnat Timbouktou (Las hijas de Tombuctú) son el primer grupo de música gnawa tocada únicamente por mujeres, poniendo en jaque un estilo dominado exclusivamente por hombres hasta la fecha, y siguiendo la estela de la gran Hasna el Becharia, artista del sur de Argelia que, desde muy joven, sintió la necesidad de ir contracorriente y defender, con su música y su actitud valiente, los derechos de las mujeres de Argelia y del Sahara.
A Asmâa Hamzaoui le propusieron dos veces matrimonio pero con una condición: que dejara de tocar el guembri, el instrumento sagrado de tres cuerdas característico de la música gnawa reservado solo para hombres. "Jamás", les contestó. Aprendió a tocar el guembri desde niña, cuando acompañaba a su padre a las lila, ceremonias privadas donde se combinan poesía, música y danza. Pero pronto se dio cuenta de que en la música gnawa, originaria de los antiguos esclavos de origen subsahariano traídos al Magreb, las mujeres eran relegadas a un segundo plano. Hasta que un día su madre le planteó: "¿Por qué no creas un grupo de mujeres?".
Esta es la otra parte de la historia que hace de Asmâa una maâlema: su padre, Mâalem Rachid Hamzaoui, un maâlem (maestro), la llevó a tocar con él a un festival, cuando ella tenía 12 años, y tras ese concierto bautismal decidió legarle su propio guembri y, con él, su título.

Así que Asmâa le tomó la palabra a su madre. En 2012, con apenas 16 años, creó el primer grupo de música gnawa tocado únicamente por mujeres. Se llaman Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou y, juntas, han decidido romper el tabú. "Es solo un mensaje", explica Hamzaoui. "Las mujeres pueden hacer lo que quieren. Pueden ser pilotos, pueden ser músicas y, desde luego, pueden tocar el guembri", afirma.
Sobre el escenario, Asmâa lidera el ritmo. Empieza a tocar las cuerdas de su guembri y entona los primeros versos de una canción. Le contestan las otras integrantes del grupo, acompañadas por el sonido metálico de los qraqeb (crótalos, las tradicionales castañuelas metálicas). Las letras de la música gnawa hablan del sufrimiento de los esclavos africanos traídos a Marruecos. Son la memoria de un pasado remoto en el cual cantaban su miseria y sus preocupaciones diarias.
En el álbum Oulad Lghaba la banda se ha mantenido fiel a la tradición estilísticamente, pero ha introducido su propia elección de temas. La separación, el sufrimiento y la memoria de África son los contenidos predominantes, dando buena muestra de por qué Asmâa y Bnat Timbouktou están causando tanto revuelo, tanto en el mundo árabe del Norte de África como en Occidente.

facebook: Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou

Personal:
Asmâa Hamzaoui (guembri, voz, qraqeb)
Aicha Hamzaoui (voz, qraqeb)
Soukaina Elmelyjy (voz, qraqeb)
Lamgammah Hind (vocal, qraqeb)
Meriem Ouillane (voz, qraqeb)
Meriem Garrami (voz, qraqeb)

tracks list:
01. Bala Yourki
02. Rebi Ya Moulay
03. Lando
04. Beryandou
05. Soudani Mama
06. Mamariyou
07. Foulani
08. Allal
09. Sandia
10. Interlude
11. Sidi Lafquih (bonus track)





Souad Massi – Oumniya (2019)

La cantautora argelina Souad Massi, trovadora norteafricana por excelencia (y una de sus mejores de todos los tiempos) lanza su sexto trabajo, Oumniya, un tributo a la mujer a través de las emociones, desde las propias hasta las universales, producido junto a Mehdi Dalil.
Nacida en Argelia, Souad Massi se mudó a París cuando los mensajes políticos de su banda Atakor recibieron amenazas de muerte. Allí grabó su maravilloso debut en solitario, Raoui (2001), que significa narradora de historias. "Si supiera contar historias", cantaba, "contaría tantas historias / incluso Scheherazade quedaría deslumbrada". En sus álbumes posteriores, ha usado su melancólica mezcla de sonidos bereberes, folk francés y una pizca de todo, desde reggae a fado, para explorar la traición, tanto personal como política, el exilio y la pérdida.
Después de su último álbum, El Mutakallimûn (2015), donde revive una selección de textos de grandes poetas árabes, en este nuevo álbum Souad se focaliza de nuevo en temas basados en eventos actuales, la traición, el amor a Argelia, la política, el amor, la libertad y la emancipación, temáticas que alimenta a este artista sensible.

Oumniya es un álbum intensamente personal. Varias de las canciones seleccionadas evidencian momentos y emociones de su propia vida. Pero también reflejan su compromiso y esfuerzo por rescatar unos valores con los que siempre ha estado comprometida a lo largo de su carrera y en su vida personal como mujer, alzando la voz para combatir las violencias que han experimentado las mujeres. Y, también, siendo parte de aquellas y aquellos que buscan un nuevo camino: un sendero hacia la independencia y el derecho a la dignidad, llena de calidez e integridad humana, lo que la convierte en una artísta tan única.
Desde su profundo anhelo de conectar, sus elecciones musicales son puras, intentando crear un puente entre el chaâbi y la música folk. Souad nos invita a experimentar con ella la fuente de su crecimiento musical, teñida por su auténtica alianza con la diversidad. También busca, con este nuevo proyecto, encontrar un retorno a sus interpretaciones musicales: instintivas y libres de cualquier conjunto de metas. En Oumniya encontraremos canciones con vida propia, por encima de categorías y géneros impuestos.

facebook: Souad Massi

tracks list:
01. Oumniya
02. Yadra
03. Ban Koulchi
04. Enta Wena
05. Salam
06. Pays Natal
07. Je Veux Apprende
08. Fi Bali
09. Wakfa
10. Je Chante





Constantinople & Ablaye Cissoko - Traversées (2019)

"Música serena que contempla la belleza profusa y atemporal que engendra". La voz suave y los sonidos fluidos de la kora del griot senegalés Ablaye Cissoko, combinados con el setar, la percusión y la viola da gamba de Constantinople, nos sumerjen en un maravilloso viaje interior, pintando un fresco contemporáneo en la encrucijada de las tradiciones musicales persas y mandinga.
En la confluencia de géneros y épocas se sitúa el trío Constantinople. Por supuesto, la antigua capital turca, que abarca Oriente y Occidente, es una inspiración para el grupo con sede en Montreal. Pero la idea misma de fusión e interculturalidad es lo que el grupo encarna a la perfección.
Después de 20 años en el camino y casi tantos álbumes, el grupo, formado en 1998, continúa sus exploraciones musicales. El fundador, de origen iraní, Kiya Tabassian se acompaña con el setar persa. Su voz se mezcla elegantemente con las percusiones de su hermano, Ziya Tabassian (reemplazado más recientemente por el percusionista de Montreal Patrick Graham) y la viola da gamba de Pierre-Yves Martel.
Los hermanos Tabassian llegaron a Québec cuando eran adolescentes, pero nunca olvidaron su formación en música persa. Su fraseo oriental se entrelaza con la kora de Ablaye Cissoko, con quien han participado en más de 100 conciertos y grabado dos álbumes, Jardins Migrateurs (2015) y Traversées (2019).

La fusión entre el misticismo del desierto africano y los poetas de los antiguos imperios persas resulta casi natural. Con sede en Saint-Louis, una bonita ciudad colonial ubicada a orillas del río Senegal, Ablaye Cissoko es heredero directo de los griots Mandinga. Desde 1986 ha sido un buscador en el mundo experimentando en diversas colaboraciones (un botón de muestra, el delicioso Mabrouk con Majid Bekkas y Khalid Kouhen) y, en particular, con el trompetista alemán afincado en Nueva York Volker Goetze, creando su propia escuela de kora, "Kordaba".
Desde "Rêveries" hasta "Traversées", Ablaye Cissoko y Kiya Tabassian señalan todos los movimientos, todas las salidas ("Départs") hacia Isfahán, Irán ("Vers Isfahan"). En ese viaje, visitan la poesía del místico sufí Amir Khusrau, pasando por perlas de la España renacentista en "Recercada Quinta", una pieza majestuosa decorada con acentos barrocos donde la viola da gamba marca el adorno más encantador.
La suavidad de su timbre, la delicadeza de sus líneas melódicas y la fluidez de su digitación son la base del virtuosismo de Cissoko. El simple encuentro de cuerdas y voces entre Constantinople y Ablaye recuerdan a las fuentes de la belleza del ser. A continuación, el cruce conjunto de los lugares comunes de la imaginación suenan como un largo suspiro frente a la marcha inexorable de la vida y del tiempo. Sublimes.

Página web oficial: Constantinople, Ablaye Cissoko

tracks list:
01. Traversées
02. Denkilo
03. Rêveries
04. Maryama
05. Départs
06. Kailen
07. Recercada Quinta
08. Djotna
09. Serigne-Bi Signare
10. Tamalà
11. Alkalo
12. Vers Isfahan





Aziz Sahmaoui & University of Gnawa - Poetic Trance (2019)

Cuando Aziz Sahmaoui desembarcó en París en los años 90 del siglo XX, descubrió un verdadero continente de ritmos, ofreciendo el suyo a L´Orchestre National de Barbès, el buque insignia de una revolución musical que fusionó el patrimonio del Marrakech de su infancia con el resplandor del jazz, el reggae, el funk, el rock, raï y chaâbi. Llevando sus exploraciones experimentales al límite con Joe Zawinul y su Syndicate de Zawinul, Aziz Sahmaoui regresó a lo que él llama "sus instintos" en 2010 al fundar University of Gnawa, en la que inscribió de inmediato a los músicos senegaleses Alune Wade (bajo), Hervé Samb (guitarra) y Cheick Diallo (kora y teclados) como ingenieros de un sonido universal.
Sahmaoui es un hombre que induce a Claude Nougaro, Nass El Ghiwane y los proverbios bereberes, sin discriminar entre ellos, al panteón de sus inspiraciones. "La poesía tiene el poder de la elevación, es la escritura del cielo en la Tierra. Cuando una palabra suena, cuando suena sin arrugar, sin estirar o sin aplastar, entonces encuentra su lugar en una arquitectura poderosa. Pero el poeta también debe cantar sobre las injusticias: denunciar las fracturas entre los pueblos, a lo largo de las fronteras o en el lenguaje de imposición".

Producido por Martin Meissonnier (que ya lo hizo con University of Gnawa, 2011) y grabado en vivo en un sentido de riesgo y aventura, Poetic Trance revela un lenguaje musical maduro, brillante y de peso. "Musicalmente, queríamos encontrar un equilibrio entre África, Europa y el resto del mundo. Con Poetic Trance, creo que hemos tenido éxito: es pop, es rock y reggae y, de repente, los sonidos de kora, n´goni, guembri y karkabous se entrelazan... ¡Qué felicidad! Hoy, los grandes maestros del Gnawa, los maâlems, mis amigos, estarán orgullosos de nosotros: hemos podido renovar el género sin distorsionarlo, y muchos han seguido el ejemplo".
Gracias a un brillante dominio vocal, Aziz Sahmaoui y University of Gnawa pueden cantar en Tamazight, Wólof o Mina (Togo) sobre la resistencia de las víctimas de la guerra ("Coquelicots", Amapolas), el amor ("Nouria"), la fraternidad ("Entre Voisins", Entre vecinos). El grupo declara un profundo apego a su cultura africana en "Janna ifrikia" (Paraiso africano). "Con mi música, quiero ayudar a suavizar la amargura, construir puentes entre África y Europa. Es una forma de ampliar nuestro círculo, que nunca está cerrado: ¡ven y únete!", señala Sahmaoui. De hecho, como se declara en el clásico de Gnawa "Gang Sound of Mbirika", "La gente ha venido en masa, de todas partes, para estas festividades y para esta celebración, para vivir la experiencia como una terapia liberadora de cuerpos y mentes".

Página web oficial: Aziz Sahmaoui

tracks list:
01. Hanna ifrikia (African Paradise)
02. La peur – Nogcha (Fear)
03. Nouria (Luminous)
04. Entre voisins (Among Neighbours)
05. Ganga Sound of Mbirika
06. Coquelicots (Poppies)
07. Soudani ya yémma
08. Absence
09. Sotanbi





Blick Bassy – 1958 (2019)

Blick Bassy canta en bassa, una de las 260 lenguas que se hablan en Camerún y que hoy se encuentra en peligro de extinción. Combina sus raíces africanas y reformula diferentes ritmos de su país, con influencias del blues y de otras fuentes, mezclando lo ancestral y lo contemporáneo. Su inconfundible voz, estilo, su atención al detalle y su combinación exquisita de banjo, guitarra, cello y trombón (ahora incluye efectos y teclados) producen un bellísimo resultado, original y muy personal, que cautivan a una audiencia transoceánica.
Su anterior trabajo Akö (2015) estaba inspirado en el gran guitarrista del Mississippi Skip James, y abordaba cuestiones sobre migración y educación. Ahora apuesta por rendir tributo a uno de sus héroes políticos: Ruben Um Nyobé, líder anticolonialista que se dirigió al Mundo desde Naciones Unidas reclamando la independencia de Camerún (una de las más sangrientas de África), y que fue asesinado por las fuerzas militares francesas en 1958. Un disco con temas tan universales como la esclavitud, la necesidad de héroes, la relevancia de la historia y la búsqueda de la verdadera identidad.

El álbum repasa en lengua bassa la historia de Nyobé, en paralelo a la de sus propios padres, que se tuvieron que esconder de las fuerzas francesas en la selva tropical. Bassy cuestiona, en este álbum, a la juventud camerunesa y a cómo se han olvidado de la historia y dejado seducir por las falsas promesas de Occidente, advirtiendo de problemas arraigados en el continente (como el alcohol) y acusando a las y los cameruneses modernos de sabotear a su propia patria. Se trata de un disco con un aviso claro, encendido y enfático pero cuyo poder reside en el contraste y el influjo de la belleza y la dulzura de la composición musical.
Blick Bassy destella luz sobre mensajes enojados en un álbum que pretende sacudir a la juventud africana, en un anhelo de retomar los temas pendientes y hacer justicia a los abuelos y abuelas que llevaron África a las emancipaciones nacionales.

Página web oficial: Blick Bassy

tracks list:
01. Ngwa
02. Nguiyi
03. Kundé
04. Woñi
05. Mpodol
06. Lipém
07. Sango Ngando
08. Maqui
09. Pochë
10. Bès Na Wé
11. Where We Go





Abdesselam Damoussi & Nour Eddine – Jedba. Spiritual Music from Morocco (2019)

Se dice que en los pueblos donde se practica el sufismo, los conflictos se resuelven a través de poetas, uno por cada persona involucrada en la disputa. Los argumentos se escuchan y luego se cantan como poesía mientras la gente de las aldeas baila hasta caer rendida. De esta manera, la música, el trance, la rendición extática y, en última instancia, la paz se entrelazan. Y es esta noción de paz universal lo que Jedba intenta conjurar en un álbum que lleva varios años en desarrollo, un lanzamiento que cubre bastante terreno musical a medida que avanza desde el sur sahariano de Marruecos hacia su norte más fértil. ARC, un sello que ha lanzado discos de música sufí de Bangladesh, Turquía, Egipto, Pakistán y otros lugares, continúa ofreciendo a este tipo de música devocional centenaria un lugar para reinventarse.
Jebda mezcla las voces y la música de seis cantantes y músicos profesionales con una variedad de músicos callejeros reunidos por el productor Abdesselam Damoussi, que los encontró en el camino a través de la plaza Jemaa el-Fna de Marrakech a su Riad y estudio del siglo XV, equipados con micrófonos Neumann, para registrar qué generaciones de músicos, magos, narradores y encantadores han actuado durante siglos en la plaza cercana, ejerciendo sus oficios extáticos. Con el multi-instrumentista y coproductor Nour Eddine, los instaló en el estudio, les sirvió té, los preparó para tocar y capturó una mejor parte de su alma.

Como resultado, lograron captar la esencia de la música marroquí, despojada de una producción brillante, pero con la lucidez profesional suficiente para que esta música antigua suene para siempre actual. Está "Adán", un solo a capela llamando a la oración (Saad Temsamani), un rabe bereber y un artista del banjo de las montañas del Atlas que aparece en "Tazalit" (Larbi Bakchich y Raiss Brahim), e incluso una guitarra eléctrica y una pista vocal en "Arrahmane", que cuenta con dos intérpretes del Sáhara más profundo del país (Hassan Haddad y Yemdeh Selem) y tiene un parentesco claro con el tipo de blues del desierto que se encuentra más al sur en el Sáhara Occidental y Mauritania.
En cuanto a la fidelidad del registro del trance, se puede sentir especialmente en la pista que da nombre a esta colección. Con Eddine en percusión y Abdelaziz Inouiti a la ghaita (un instrumento similar al oboe), la melodía es implacable, en una línea de percusión tensa y repetida donde, finalmente, entra la ghaita hasta desvanecerse de forma infinita.
La voz de Damoussi y la percusión de Eddine se encuentran entrelazadas en gran parte de los temas del disco, deslizándose desde los ritmos bereberes llenos de banjo con llamadas y respuestas hasta los tipos de ululaciones agudas que se encuentran en todo el continente africano. También hay una voz de niña de 8 años que da forma a una oración a capela del imán de Tánger Said Lachhab ("Spiritual Mawal"). Y en "Allah Hay", ghaita y tambores de mano abren el camino hacia el canto vocal más complicado y espectacular del álbum.
Jedba, en sus casi sesenta minutos, es un relato interno superlativo del éxtasis musical sufí de Marruecos, llevado a un Riad que desearíamos que fuera nuestro hogar.

Página web: Jedba - Spiritual Music from Morocco

tracks list:
01. Jedba (Trance)
02. Sabaato Rijal (Seven Stairs of Marrakech)
03. Spiritual Mawal (Light of the Star) (Traditional)
04. Allah Hay (God Is Alive)
05. Arrahmane (Spiritual Desert Voice From the Moroccan Sahara)
06. Ziyara (Traditional)
07. Assalat Al Machichiya (Traditional)
08. Tazalit (Spiritual Berber Voice From the Atlas Mountains)
09. Lailaha illa Allah (One God) (Traditional)
10. Adan (A Call to Prayer) (Traditional)





Carminho – Maria (2018)

Maria es el esperado quinto álbum de Carminho y, tal vez, el más personal, ya que la artista además de componer siete de los doce temas que lo forman, también ha participado en la producción del mismo junto a Diego Alves, Marta Pelágio y João Pedro Ruela (Ruela Music). Por eso tal vez haya decidido llamarlo con su primer nombre, ya que aunque todos la conocemos como Carminho, su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade.
El álbum comienza con un tema cantado a capella, "A Tecedeira" que además tiene música y letra de la propia Carminho y que es una carta de presentación bellísima de lo que vamos a encontrar en este disco: fado del bueno con la vibrante personalidad de la voz de Carminho a flor de piel en cada tema, como ya demostrara en su extraordinario debut Fado (2009, considerado como el mejor álbum revelación de fado de la última década).

Además de este primer fado, "Estrela", "A Mulher Vento" y "Poeta" tienen letra y música de la artista que también firma las letras de "Se Vieres" que canta con base del fado tradicional, "Fado Santa Luzia", de Armando Machado, y una maravilla que es "Desengano", que tiene como base el "Fado Latino", de Jaime Santos, y la música de "Quero Um Cavalo de Várias Cores", de Reinaldo Ferreira.
En Maria Carminho se acompaña de Bernardo Couto, José Manuel Neto y Luís Guerreiro a la guitarra portuguesa; a la viola de fado ha grabado Flávio César Cardoso; José Marino de Freitas, al bajo; João Paulo Esteves da Silva, al piano, y Filipe Cunha Monteiro al pedal steal y guitarra elétrica, que también es tocada por la propia Carminho en "Estrela".
Maria cuenta también con un temas de Joana Espadinha ("O Menino e a Cidade"); "Pop Fado" de César Oliveira y Fernando Carvalho, y "Sete Saias", con letra y música de Artur Ribeiro. Un disco verdaderamente emocionante en el que Carminho se confirma como la gran voz del fado y una de las artistas portuguesas con mayor proyección internacional de la historia.

Página web oficial: Carminho

tracks list:
01. A Tecedeira
02. O Começo (Fado Bizarro)
03. Desengano (Fado Latino)
04. O Menino E A Cidade
05. Estrela
06. Pop Fado
07. A Mulher Vento
08. Poeta
09. Se Vieres (Fado Sta. Luzia)
10. Quero Um Cavalo De Várias Cores
11. Sete Saias
12. As Rosas





Coladera – La Dôtu Lado (2019)

La Dôtu Lado es el segundo proyecto musical transatlántico de Coladera, un sonido exquisito y aventurero que agrega diversas capas sobre las ricas tradiciones de sus principales impulsores: los cantantes y guitarristas Vitor Santana, de Belo Horizonte (Brasil), y el portugués João Pires. Junto al músico caboverdiano Miroca Paris (que se dio a conocer como percusionista de Cesária Évora) y al percusionista Marcos Suzano, trazan nuevas rutas musicales uniendo los sonidos de batuque y funaná de Cabo Verde, y lundum de Angola, con profundos ritmos inspirados en el candomblé y el fado. Y al hacerlo, han abierto una fascinante narrativa sobre el comercio de esclavos, la espiritualidad y el amor.

El álbum reúne una serie de colaboraciones que incluyen a Aline Frazão, José Eduardo Agualusa, Dino Santiago, Bilan, Ana Sofia Paiva, Edu Mundo, Brisa Marques y Marcos Suzano: tres universos musicales (Brasil, Portugal y Cabo Verde) que honran los ritmos lusófonos.

facebook: Coladera

tracks list:
01. La Dôtu Lado
02. A Luz De Yayá
03. Primer Letra
04. Mandinga
05. Mantafro
06. Algum Lugar Em Nós
07. Funaná Do Moreré
08. Céu Azulino
09. D´Orixá
10. Deserto Do Sal
11. Gira





Orquesta Akokán – Orquesta Akokán (2018)

La ópera prima de la Orquesta Akokán es una obra maestra porque lo tiene todo: composiciones brillantes, finísimos arreglos, ejecuciones perfectas, grandes artistas, respeto por las raíces afrocubanas y visión de futuro.
La Orquesta Akokán constituye un selecto combo que reúne a veteranos y jóvenes talentos, incluyendo a César "Pupy" Pedroso (Los Van Van), una sección de saxos originaria del grupo de jazz cubano Irakere, y percusionistas procedentes de NG La Banda. Todos ellos liderados por José "Pepito" Gómez, prodigioso vocalista curtido en diversas formaciones cubanas y neoyorquinas que tiene la propiedad de recordar fuertemente al gran Beny Moré. Juntos se encerraron en los legendarios estudios Areito de La Habana en una electrizante sesión de tres días para dar forma final a la materia prima preparada con esmero por el mismo "Pepito" y los productores del disco, Jacob Plasse (fundador de Chulo Records, sello distribuidor de música latina) y Mike Eckroth, reputado pianista, compositor y conocedor de las raíces musicales cubanas.

Akokán es una palabra yoruba utilizada por las y los cubanos para significar "desde el corazón" o "alma". Rumba, chachachá, guaracha, pinceladas de jazz latino y mambo en un trabajo excepcional que constituye uno de los mejores discos del año. Maravillas como "Mambo rapidito", "La corbata barata" o "Un tabaco para Elegua" son solo tres ejemplos de una selección de nueve temas sin desperdicio que nos devuelven a los días gloriosos de Arsenio Rodríguez, Israel López "Cachao" o el ya mencionado Moré.

Página web oficial: Orquesta Akokán

tracks list:
01. Mambo rapidito
02. La corbata barata
03. Un tabaco para Elegua
04. Otro nivel
05. La cosa
06. Cuidado con el tumbador
07. Yo soy para ti
08. No te hagas
09. A gozar la vida





AKA Trio – Joy (2019)

La música contemporánea tiene mucho de fusión multicultural. Una fusión que se aplica con precisión para describir la música de AKA. En su debut en el estudio, Joy , Antonio Forcione (Italia), Seckou Keita (Senegal) y Adriano Adewale (Brasil) reúnen las tradiciones musicales de tres continentes con temas y ritmos contemporáneos en un álbum absolutamente cautivador.
Los comienzos de AKA Trio se remontan a casi 20 años, cuando el amor por la música de jazz del percusionista brasileño Adriano Adewale lo llevó por primera vez al Reino Unido. Adriano conoció al guitarrista italiano Antonio Forcione y así comenzó una colaboración musical que les hizo viajar por el mundo. En 2011, la pareja se unió a Seckou Keita para presentarse en el Edinburgh Festival (donde ofrecieron más de cinco conciertos con entradas agotadas) y surgió AKA Trio. Desde entonces, el Trío ha sido un encuentro ocasional y memorable de mentes musicales, y por fín tenemos un álbum de estudio completo para disfrutar.
Hay un equilibrio natural en la música de Joy, comenzando por una apertura excepcional compuesta por el trío en su conjunto, seguida por tres composiciones de cada miembro.
La eficacia con la que se logra esa unión musical se encapsula perfectamente en la canción de apertura del álbum, "Joy". Comenzando con la kora de Seckou Keita en una melodía suave pero precisa, las notas del bajo surgen suavemente junto con el tema principal y la guitarra de Antonio Forcione comienza a cantar tranquilamente su propio y suave acompañamiento. A medida que la melodía gana estatura, la percusión de Adriano Adewale agrega texturas más suaves, y el ritmo senegalés de la kora añade aún más color, junto con el toque delicado de Antonio, que suma tonos de jazz. "Joy", nos dicen, creció a partir de sesiones de improvisación en el Estudio, una combinación espontánea de habilidad y amistad en un hermoso arreglo, cálido, abrazador y completamente desprovisto de ego.

"Il Bambino E L'Aquilone", de Antonio Forcione celebra un recuerdo de su infancia en la costa adriática italiana. La pista se abre como una suave caída de la luz de la lluvia brillante que se ve a través del sol, un suave torrente de cuerdas que se consolida como un dúo de guitarra y kora en movimiento. La reputación de Antonio como guitarrista de jazz se plasma en el homenaje a Cuba de "Baracoa", un tema delicioso, donde la combinación de guitarra y kora está tan perfectamente arreglada que a veces puede ser difícil distinguir una de la otra, con juegos vocales de Seckou y plácidos ritmos de Antonio. La reflexiva "Empathy" está igualmente repleta de una deliciosa interacción entre las notas de bajos más oscuros de la guitarra de Antonio, la kora cristalina y la suave canción de Seckou.
"Saudade", de Adriano Adewale, transmite nostalgia agridulce (como plasma la palabra portuguesa), donde la voz de Seckou se muestra quejunbrosa y melancólica. "Midnight Blooming", también de Adewale, se inspira en el aroma de las flores que florecen de noche encontradas en los paseos nocturnos en su Brasil natal. La guitarra y la kora parecen buscar silenciosamente una melodía, tentándose, hasta que la voz les ayuda a unirse en una elegancia ensoñadora. "The Beautiful Game" es ligero, animado, y celebra exactamente lo que sugiere el título, el flujo natural y la gracia del fútbol de Pelé, Garrincha, Nelson o Socrates, antes de que el fútbol se convirtiera en un deporte más técnico.
Seckou Keita, maestro de la kora, se adentró en la tradición Griot de África Occidental desde su nacimiento. En "Uncle Solo" rinde homenaje a esa formación recibida de su tío Jali Solo Cissokho. Una hermosa voz de múltiples capas cuenta la historia de Seckou siguiendo a su tío a donde quiera que estuviera tocando, y la emoción que sentiría si su tío le pidiera que lo acompañara en el escenario. "Siempre hay personas que te abrirán una puerta, y es bueno recordar todo lo que te dieron. Solo es una de esas personas". Por otra parte, "Kanou" (Love) es una melodía senegalesa escrita por Seckou, donde la guitarra de Antonio armoniza con las texturas de su voz y la percusión de Adriano construye un puente de ritmos entre Brasil y Senegal.
"Choix De Joie", que cierra el álbum, es un encuentro de un encanto sublime, de delicadas armonías donde la interacción entre kora y guitarra muestra la maestría en cada instrumento unidas en una voz perfectamente unificada.
Joy es un trabajo que parece canalizar algún tipo de oficio telepático donde la música, el arte, las influencias y la experiencia de vida de tres músicos virtuosos forman una entidad única, perfectamente equilibrada y fascinante.

Página web oficial: AKA Trio

tracks list:
01. Joy
02. Kanou
03. Baracoa
04. Midnight Blooming
05. Il Bambino E L´Aquilone
06. Saudade
07. Empathy
08. Uncle Solo
09. The Beautiful Game
10. Choix De Joie





Youssou N´Dour – History (2019)

Youssou N'Dour es un artista con historia. Ahora, también es un artista con History: un nuevo álbum en el que N'Dour rinde homenaje a su pasado, reflexiona sobre el presente y mira al futuro en diez exuberantes canciones. En la transmisión vocal de N´Dour hay una dulzura que es natural, y canta con tanta gracia hoy como lo ha hecho durante las últimas tres décadas. El color instrumental y la suavidad que lo acompaña, en gran parte en forma de tambores de mano, guitarras y saxo, y gracias a la producción del estadounidense Matt Howe, complementan bien sus tonos suaves. Unos arreglos que se centran en resaltar la emoción de los temas líricos y su impresionante ejecución vocal, mostrando su dominio de estilos e idiomas.
N'Dour pasa gran parte de History mirando hacia atrás, como sugiere el título del álbum. La canción de apertura "Habib Faye" rinde homenaje al famoso bajista y director musical del mismo nombre, quien falleció inesperadamente en 2018 y que, junto con N'Dour, fue pionero en la música mbalax senegalesa de los años 80. Un sentimiento agridulce impregna este homenaje, la pasión en la entrega de la interpretación de N'Dour frente al sereno acompañamiento. También aborda dos temas del difunto percusionista nigeriano Babatunde Olatunji, "My Child" y "Takuta", manteniendo la voz desgastada de Olatunji en la mezcla, volando lado a lado con N'Dour.

Dos viejos temas son reelaborados contando con jóvenes artistas: "Birima" (que aparece en Joko, 2000), un tributo a África, con Seinabo Sey (cantante sueca de ascendencia gambiana), y "Hello", con el cantante congoleño Mohombi. "Salimata", un favorito de Set (1990), evoca las raíces del mbalax bendecido por un furtivo saxofón. N’Dour canta con la majestuosidad acostumbrada, una fuerza de la naturaleza siempre urgente.
History es un disco en el que fusiona tradición y modernidad, en el que cada canción prospera a medida que N'Dour se desliza junto con las conexiones entre su pasado y su presente, preparándolas para compartirlas con cualquier audiencia contemporánea.

facebook: Youssou N'Dour

tracks list:
01. Habib Faye
02. Birima (remix) feat. Seinabo Sey
03. Confession
04. Ay Coono La
05. My Child feat. Babatunde Olatunji
06. Macoumba
07. Salimata
08. Hello (remix) feat. Mohombi
09. Takuta feat. Babatune Olatunji
10. Tell Me





Mário Lúcio – Funanight (2018)

Mário Lúcio es una de las figuras más reconocidas de la escena cultural y musical de Cabo Verde, tanto a nivel local como a nivel internacional. Un poeta que ha llegado a ser Ministro de Cultura de su país y que marca el viraje de la nueva poesía caboverdiana con el libro Nascimento de Um Mundo, y pensador sobre el fenómeno de la criollización en el mundo con Manifesto a Crioulização.
Compositor en los principales estilos de la música de Cabo Verde (morna, funaná, batuque y coladeira), su música ha sido cantada por Cesária Évora, Mayra Andrade, Lura y Lucibela, y por artistas de Brasil, Portugal, Francia e Italia.
Si Badyo (2007) reconstruía los estilos musicales caboverdianos resultantes de la llegada de las poblaciones de África Occidental y Central a las islas, y Kreol (2010) homenajeaba al espíritu puro de lo criollo, Funanight busca sus raíces rítmicas en África Continental, pero también recuerda las canciones de la diáspora africana en el Caribe, desde el ska y el reggae a las sutilezas de la música cubana. Todo ello en alianza con la creación de ambientes sonoros de las islas y con voces a capella, en una prodigiosa "imitación" de la gaita y del bajo.
"Este disco es mi memoria del funaná, mi recorrido desde mi infancia en el Tarrafal hasta los barrios de Coqueiro, Castelão y Achada Mato, donde hoy vivo, auténticos laboratorios de nuevas canciones. Es mi homenaje. Salve a todos los que me precedieron".

Página web oficial: Mário Lúcio

tracks list:
01. Tema Di Minis (Onti)
02. Bu Juiz Bu Ordeja (feat. Wanda Baloy)
03. Confisson
04. Funanight (feat. Judith Sepuma)
05. Caoberdiano Barela
06. Tema Di Minis (Funaná)
07. Meu Coração Não Desiste
08. Homo Sabis
09. Cotxi Po
10. Vida
11. Nandinha (feat. Zeca Nha Renalda)
12. Pinton
13. Who The Cap Fit (Ken Ki Carapuça Sirbi)
14. Pomba (feat. Oliver Mtukudzi)
15. Cutelo Baixo
16. Tema Di Minis (Onti Remix)





Mayra Andrade – Manga (2019)

La cantante y compositora caboverdiana Mayra Andrade nos trae una música fresca y versátil, mezcla radiante de colores de su música materna con ritmos más tropicales. Canciones que evocan un verano eterno que dispersa nieblas y fríos. Cantadas en criollo caboverdiano, en inglés, en francés, en portugués, sus sonidos nos arrastran en su imprevisibilidad cálida y aventurera, entre el romanticismo occidental y la sensualidad del sur, el reggae y los ritmos africanos. Un pop tropical, actual y viajero.
Seis años después de dar un giro musical con Lovely Difficult (después de los estupendos Navega e Storia, Storia...) Mayra Andrade regresa en 2019 con un nuevo álbum y un nuevo sonido, Manga, un trabajo que traza una delgada línea que oscila entre lo urbano, el afrobeat y la música tradicional de su país de origen. Grabado entre París y Abiyán, Mayra Andrade explora un nuevo territorio musical con el productor Romain Bilharz, colaborando con su amigo y músico Kim Alves, famoso multiinstrumentista de Cabo Verde, Jean-Baptiste Gnakouri también en la producción y en la percusión, así como con una nueva generación de talentosos creadores de ritmos de África Occidental: el productor marfileño 2B y Akatché, procedente de la escena musical urbana de Dakar.
En definitiva, la música de Mayra Andrade evoca a Cabo Verde, a la costa brasileña y a las zonas desérticas africanas. Un trabajo que demuestra que se puede innovar manteniendo intactas las raíces.

Página web oficial: Mayra Andrade

tracks list:
01. Afeto
02. Manga
03. Pull Up
04. Vapor di Imigrason
05. Kodé
06. Limitason
07. Segredu
08. Plena
09. Tan Kalakatan
10. Terra Da Saudade
11. Guardar Mais
12. Badia
13. Festa Sto Santiago





Pink Martini – Je Dis Oui! (2016)

Pink Martini, la "pequeña orquesta de Portland", siempre se ha caracterizado por su diversidad cultural y por su fomento de la interculturalidad. Formada por artistas de distintas nacionalidades, "inevitablemente, nuestro repertorio es extremadamente variado. En un instante, es como si estuvieras en un desfile de samba en Río de Janeiro, y al momento siguiente estás en una sala de conciertos francesa de los años 30 o en un palacio napolitano. Es un poco como un documental de viajes" señala Thomas Lauderdale, miembro fundador de la banda junto con China Forbes.
Je Dis Oui! es el noveno álbum de estudio de Pink Martini, otra aventura alrededor del mundo, que incluye una lista de quince canciones -muchas de ellas originales- en francés, farsi, armenio, portugués, árabe, turco, xhosa e inglés, y vuelve a reafirmar el espíritu global que ha definido su sello desde hace 25 años. "Je dis oui" es el mantra optimista del coro de "Joli garçon", una de las tres canciones co-escritas por la banda para la película "Souvenir" (2016), protagonizada por la legendaria actriz francesa Isabelle Huppert. Además hay canciones cantadas por las dos cantantes del grupo, China Forbes y Storm Large.

Je Dis Oui! incluye voces invitadas, Ari Shapiro, corresponsal de la NPR (que canta una nueva versión en árabe de "La Soledad" del primer álbum de la banda, Sympathique), y Rufus Wainwright, quien canta una versión impresionante del clásico de Richard Rodgers & Lorenz Hart "Blue Moon". El álbum también marca el debut de dos viejas amistades de la banda: Ikram Goldman, gurú de la moda, y Kathleen Saadat, activista de derechos civiles.

Página web oficial: Pink Martini

tracks list:
01. Joli garçon
02. The Butterfly Song
03. Kaj Kolah Khan
04. Ov sirun sirun (feat. Ari Shapiro)
05. Love for Sale
06. Solidão
07. Al Bint Al Shalabiya (feat Ikram Goldman)
08. Souvenir
09. Aşkim bahardı
10. Finnisma Di (feat. Ari Shapiro)
11. Segundo
12. Blue Moon (feat. Rufus Wainwright)
13. Fini la musique
14. Pata Pata
15. Serenade





Souad Asla & les femmes de la Saoura – Lemma (2018)

La cantante Souad Asla creció en la región de Béchar, en Saoura (el Sáhara argelino). Establecida en Francia, regresa allí regularmente, yendo principalmente a la pequeña aldea de Taghit, donde, cada viernes por la tarde, durante siglos, las mujeres se reúnen. Cantan, bailan, se acompañan de instrumentos ancestrales, discuten y se ayudan. Un verdadero espacio de libertad donde la música se convierte en una lucha social, cultural y educativa. Tras observar que cada año, a su regreso, una de las ancianas ha desaparecido y la nueva generación ya no se siente preocupada, Souad Asla comenzó hace unos años una obra titánica de recopilar el patrimonio musical del Sáhara en peligro de extinción. También logra convencer a tres generaciones de mujeres para que abandonen la intimidad de su círculo para actuar en el escenario con ella y la complicidad de Hasna el Becharia, su maestra absoluta.
Lemma se puede traducir como una reunión, encuentro, asamblea. También puede significar cosechar o recoger. Tantos significados para este proyecto con estas mujeres del Sáhara Occidental, convencidas de que no se debe permitir que desaparezca su tradición oral, y que deben preservar una cultura llena de influencias nómadas, lo que significa recopilar canciones ancestrales que se han cantado y bailado a lo largo de los siglos.

En Lemma, las mujeres de la Saoura se reúnen y comparten esas canciones que dan ritmo a sus vidas en su tierra. De la diwan al malhûn, zaffânî, gnâwi, hadra, al-ferda, hidûss (haydous)… estos bailes y géneros musicales encuentran su fuerza en canciones y ritmos heredados tanto de esclavos del Imperio sudanés como de las tribus bereberes y beduinas. Esas mujeres son la voz que habla con valentía de una cultura abierta y compleja, con sus muchas influencias. El espectáculo, compuesto de cuadros sucesivos, les permite expresar su felicidad de estar juntas en un escenario, y describe una lucha por la vida que debe ser afrontada con alegría.
En el cuadernillo que acompaña la edición del disco (escrito por el antropólogo Abderrahmane Moussaoui) se describen los distintos géneros que se abordan en Lemman. Al-farda es un género con canciones religiosas pero también con largas odas dedicadas al amor, cercano al sufismo, con un ritmo bastante lento. Aziza Tahri es la especialista. El Zaffânî se canta tradicionalmente entre familiares y amigos en fiestas privadas y celebraciones, acompañadas por el bendir (tambor bereber), también canciones sobre el exilio y la bienvenida... El Malhûn ("poema melódico") es un estilo poético y espiritual, que toma sus modos de la música andalusí. El Hidûss (Heydous o Ahidous) es un baile bereber muy popular que se realiza a menudo durante las celebraciones. Los hombres y las mujeres se colocan codo con codo y forman círculos, y los cuerpos se balancean en un movimiento muy sensual. Ha sido uno de los rituales tradicionales de las bodas, para ayudar a las personas a encontrarse unas a otras. El Gnâwi originalmente describe la música del pueblo gnawa, oscilando entre el lamento y la celebración, similar al blues de las y los esclavos en las plantaciones negras. En el disco está representado por Hasna El Becharia, quien también toca el guembri (un instrumento ancestral del Gnâwi), el banjo y la guitarra eléctrica. Fatima Abbi presta su voz a las canciones gnawa de esclavos negros, lentas y complejas. Y el Hadra es un trance colectivo practicado durante los rituales sufíes, que sigue las canciones de grandes celebraciones místicas.
Como señala Asla, "hay muchas influencias, increíbles variaciones rítmicas, una gran variedad de temas y tradiciones transportados por estas canciones. Lemma, el espectáculo, descrito a través de diferentes cuadros de vida en nuestra región, desde la suavidad de una canción de amor hasta el trance espiritual nacido de la repetición. La única canción que escribí, ´Lemti´, es una canción que rinde homenaje al grupo, de gratitud a las once mujeres que forman parte de esta ´unión´ musical. Todo mi agradecimiento por acompañarme en esta aventura para preservar esta música".

facebook: Souad Asla

Personal:
Souad Asla – voz, percusión
Hasna El Bécharia – voz, guembri, banjo
Brik Mebrouka – voz, percusión
Fatima Abbi - voz, percusión
Anebi Khedidja - voz, percusión
Rabia Boughazi - voz, percusión
Sabrina Cheddad - voz, percusión
Aziza Tahri - voz, percusión
Zohra Kharabi - voz, percusión
Zahoua Boulali – voz, percusión
Ismahane Cheddad – voz, percusión

tracks list:
01. Lemti
Al-farda
02. Sidi Moulanaa
03. Maachouk NBI
Zaffânî
04. Slamet Lahbab
05. A lala y´a lalla
06. El-Hadjadj
Malhûn
07. Slat El Fedjer
08. Zine Lemma
09. Baba Mimoune
Hidûss
10. Rabhou Bslat Nabi
11. Kheirli Ana
Gnâwi
12. Ali Ya Ali
13. Sidi Mimoune Gnawi
Hadra
14. La illah ila Allah
15. Allah Moulana
16. Yallah Moulana





Mehdi Rostami & Adib Rostami - Melodic Circles. Urban Classical Music from Iran (2018)

Melodic Circles es el nuevo álbum escrito y producido por dos músicos iraníes de formación clásica, los primos Mehdi Rostami y Adib Rostami. Ambos son maestros de sus instrumentos: Mehdi es un experto del setār (variación persa del laúd), mientras que Adib acompaña con el tombak (tambor de copa). Melodic Circles tiene sus raíces en la música tradicional kurda de la provincia de Fars, considerada la capital cultural de Irán.
A medida que aprenden su oficio, las y los músicos clásicos iraníes despliegan su habilidad a partir de la doble tarea que tienen que desarrollar. Por un lado, aprender las viejas melodías transmitidas de generación en generación, llamadas "radifs". Posteriormente, transformarlas en algo nuevo a través de un proceso de hábiles improvisaciones. La música clásica iraní se basa en radifs y cientos de dastgāh (equivalentes a escalas) para crear círculos melódicos de emoción, interés y mística. En propias palabras, Adib describe la creación de Melodic Circles como "un viaje en un círculo de melodías iraníes con un enfoque contemporáneo de la música tradicional... Todas las melodías iraníes están unidas en sistemas modales, por lo que el disco es un círculo melódico y una colección de melodías".
Melodic Circles está construido alrededor de dos dastgāh musicales urbanos, el primero es "Bayāt-e Tork" que comprende 3 piezas: "Nostalgia", "Journey" y "Delight". El segundo "Bayāt-e Esfahān" incluye "Lonely", "Life", "Past" y "Mystic Dance". Un trabajo que nos viene a mostrar la fuerza técnica y creativa de dos jóvenes músicos que han alcanzado un alto nivel de virtuosismo, quienes son capaces de convertir cada actuación en un nuevo descubrimiento musical. Como describe Adib en una entrevista en la Asia House de Londres, "La improvisación es la esencia central de la música iraní. Se llama improvisación porque el día de la actuación siempre hay nuevas adiciones que vienen a la mente. Es un proceso muy largo para ser un improvisador; tienes que practicar en casa e interpretar materiales tradicionales, así como crear tus propias piezas. Cuando se trata del concierto, el 70 por ciento de lo que toca un improvisador es lo que ya ha practicado en casa, pero según el día y la atmósfera, cambiará... La improvisación es el núcleo de la música persa y del jazz".
Adib Rostami se mudó al Reino Unido hace unos años para estudiar Music Industry Management en la University of East London y ahora interpreta música iraní en todo Londres. El proyecto Reflections of Silence de Adib Rostami, con la arpista kurda Tara Jaff y el maestro de tabla Sirishkumar Manji, fue seleccionado como uno de los 10 grandes eventos del Reino Unido por la revista Songlines después de su debut en Londres en 2014.
Melodic Circles es el lanzamiento, a nivel internacional, de Mehdi y Adib Rostami bajo la producción de ARC Music. Enraizadas en la antigua tradición musical iraní, sus temas presentan una perspectiva fresca y contemporánea de esta música que nos sumergen en una atemporalidad evocadora y exótica.

tracks list:
Circle One: Bayāt-e Tork:
01. Nostalgia
02. Journey
03. Delight
Circle Two: Bayāt-e Esfahān:
04. Lonely
05. Life
06. Past
07. Mystic Dance



Catrin Finch & Seckou Keita – SOAR (2018)

Aquí tenemos, por fin, el tan esperado nuevo álbum de este notable dúo formado por la gran arpista galesa Catrin Finch y el griot y virtuoso de la kora Seckou Keita. Han hallado lugares mágicos en los que encontrarse explorando la convergencia musical entre Gales y Senegal y, cinco años después de Clychau Dibon, SOAR celebra, de nuevo, esta conexión.
Osprey (el águila pescadora) es una magnífica ave que pasa el invierno en África occidental, y migra cada año a Gales traspasando fronteras artificiales en un épico viaje de resistencia. Y ha comenzado a reproducirse en el País de Gales por primera vez desde principios del siglo XVII. La primera águila pescadora nacida en esta tierra en los últimos años, que viajó a África y regresó para reproducirse en el Reino Unido, fue bautizada como "Clarach". "Saben dónde encontrarán paz y felicidad", "He estado en el mismo viaje, pero de una manera diferente", dice Keita.
Inspirado en su historia, SOAR explora temas de migración y viaje, emocional y físico, descubriendo y celebrando los paralelos y las diferencias cuturales entre el arpa galesa y la kora africana.

Precisamente "Clarach" da nombre a la pista de inicio del disco, una pieza tranquila y suavemente flotante que se convierte en un dúo en alza. A partir de aquí, tanto Finch como Keita comienzan a mostrar su excelencia. "Bach to Baïsso" incluye un extracto de las "Goldberg Variationem", nunca antes interpretada en la kora, junto con una antigua melodía senegambiana. "1677" es una pieza meditativa y atmosférica inspirada en los recuerdos de la infame estación esclava de Gorée en África, mientras que "Cofiwch Dryweryn" es otro lamento, por otro valle galés que se inundó para crear un embalse. Es un disco exquisito. Incluso las notas del libreto, por Andy Morgan, resultan fascinantes, escritas desde el punto de vista de Clarach el águila.
En definitiva, la creación de Catrin Finch y Seckou Keita vuelve a ser un testimonio mágico, hipnótico y etéreo, que perdurará durante años como uno de los encuentros que han producido más y bueno por y para la integración de las culturas.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Clarach
02. Téranga-Bah
03. Yama Ba
04. Bach to Baïso
05. 1677
06. Listen to the Grass Grow
07. Hinna-Djulo
08. Cofiwch Dryweryn





Rachid Taha - Made in Medina (2000)

Rachid Taha, el hombre que construyó esa pequeña choza en la carretera donde el rock'n'roll conoció la música del norte de África y se enamoró, falleció el pasado 12 de septiembre. Era un lugar salvaje y solitario, lleno de controversia y transgresión cultural, no apto para débiles de corazón o espíritu. Solo un músico de su coraje intelectual y originalidad sin concesiones pudo haberlo habitado durante tanto tiempo.
Taha, icono cultural dentro y fuera de Francia, fue uno de los principales responsables de la popularización, fuera de África, de la música chaâbi argelina, mezclándola con el räi, rock, punk, techno y otros estilos, un eclecticismo cultivado sin ningún tipo de complejo.
Denunció a lo largo de su carrera las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia. "Ya Rayah", en su magnífico Diwân (1998), es una versión de Dahmane El-Harrachi que se convertiría en himno para las y los migrantes de Argelia.

En Made in Medina, grabado en 2000 en Londres, New Orleans y París, Taha lleva la combinación entre rock y los sonidos norteafricanos a su punto más alto. Producido también por Steve Hillage (al igual que hiciera con Diwân y Diwân 2), el plantel de artistas que hicieron su aporte al álbum es tan cosmopolita como los tres destinos elegidos para realizar la grabación, lo que deja su impronta a lo largo del disco.
Guitarras distorsionadas que parecen provenir de las alturas de los kasbah (barrios fortificados en las alturas de las colinas) de su Orán natal; cuerdas y percusión orientales, cadencias hipnóticas en letras y ritmos; un bilingüismo típico de lxs magrebíes migradxs a Francia, y ningún tipo de prejuicios en cuanto a estilos o nacionalidades, hacen de Made in Medina un disco obligatorio para todas aquellas personas buscadoras de nuevas expresiones en la música mundial.
Con variedad estilística y lingüística, excelentes composiciones y mejor aún ejecución instrumental (la tríada guitarra eléctrica+cuerdas+percusión es sublime), Made in Medina es otro de sus ejemplos de que desde Argelia se podía hacer rock sin perder las raíces.
Taha descansa en paz bajo su natal Argelia, pero su alma se amotina entre las nubes. Innovador incomparable, un valiente transgresor de las normas culturales y el pensamiento perezoso, un tipo de persona a la que, probablemente, no volveremos a ver durante mucho, mucho tiempo.

facebook: Rachid Taha officiel

tracks list:
01. Barra Barra
02. Foqt
03. Medina
04. Ala Jalkoum
05. Aïe Aïe Aïe
06. Hey Anta
07. Qalantiqa
08. En Retard
09. Verité
10. Ho Cherie Cherie
11. Garab





-M- – Lamomali (2017)

Matthieu Chédid, conocido también como –M-, es un compositor, cantante, productor, fotógrafo y guitarrista francés de raíces egipcias y libanesas. Nieto de la poetisa Andrée Chédid y destacado en el ámbito del rock alternativo francés, Matthieu ha desarrollado una trayectoria artística admirable, que lo ha encumbrado como uno de los músicos más importantes, respetados y admirados en los países de habla francesa.
Chédid descubrió Malí gracias a su amistad con la pareja de cantantes malienses Amadou & Mariam y, con los años, el país africano se volvió su musa. Su sexto album, puente musical con África, nació de otra amistad. Mathieu Chedid creó y grabó este proyecto titulado Lamomali (contracción de "l´âme au Mali", el alma de Mali) con dos leyendas malienses de la kora: Toumani Diabaté y su hijo Sidiki Diabaté. Además, cuenta con la participación de un auténtico quién es quién de cantantes e instrumentistas venidos de todo el continente africano (por ejemplo, Youssou N´Dour, Amadou & Mariam o Fatoumata Diawara) y también con grandes nombres internacionales como Santigold, Jain, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Phillipe Jaroussky y el rapero y poeta francés Oxmo Puccino.

El resultado son once temas que transitan muy diferentes texturas sonoras, todas con raíces en el continente africano. Un disco afropop con rock y electrónica, donde el sonido cristalino y delicado de la kora juega con la guitarra electrónica, oscilando entre momentos contemplativos y ritmos explosivos. La canción "Une âme" (Un alma) "habla del hecho de que, incluso el más pobre, cuando escucha la kora, sonríe, cree en el mismo y en el futuro", explicó a la prensa Fatoumata Diawara, la voz femenina en este disco y que denuncia la situación de prohibición de la música en el norte del país, "No nos pueden robar la música, la música es el alma de mi país".
Lamomali es también una invitación a bailar y a celebrar el estar juntxs ("Bal de Bamako"), a celebrar el mestizaje ("Solidarité"), y una generosa invitación a descubrir la energía y la luz de Malí (por ejemplo, la bellísima "Mama"). Un trabajo caleidoscópico, cosmopolita y ajeno a cualquier etiqueta genérica que se le pueda poner.

Página web oficial: Matthieu Chédid

tracks list:
01. Manitoumani - M, Sidiki Diabaté, Fatoumata Diawara
02. Bal De Bamako – M, Fatoumata Diawara, Oxmo Puccino
03. Cet Air – M, Fatoumata Diawara
04. Interlude
05. Une Âme – M, Fatoumata Diawara
06. Le Bonheur – Philippe Jaroussky, Kerfala Kanté
07. Solidarité – Santigold, -M-, Hiba Tawaji, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Nekfeu, Youssou N´Dour, Sanjay Khan, Chacha
08. Toi Moi – M, Fatoumata Diawara, Louis Chédid
09. L´Âme Au Mali – M, Amadou & Mariam, Jain
10. Mama – Mamani Keita, Moriba Diabaté
11. Koman Le Héros