Maya Youssef – Syrian Dreams (2017)

Desde la desolada Siria suena con especial emoción el nuevo trabajo de Maya Youssef, virtuosa del qānūn: "Desde que empezó la guerra en mi tierra en 2011 hacer música dejó de ser una opción. Era una manera crucial de expresar mis intensos sentimientos de pérdida y tristeza al ver a mi gente sufrir y mi patria destruida". Por suerte, Youssef está afincada en Londres y desde allí pudo realizar este disco enteramente dedicado a la tragedia siria y que se escucha, lógicamente, con una intensa emoción. A ratos cerca de la vanguardia o del jazz, Syrians Dreams es un disco tan triste como necesario.
El virtuosismo y enfoque único e innovador de Maya Youssef para tocar el qānūn, originalmente un instrumento tradicional, consiste en combinar sus extraordinarios dones musicales con una generosidad de perspectivas, calidez, humor y optimismo.
El qānūn es un instrumento de cuerda pulsada de Siria, de 78 cuerdas, perteneciente a la familia de las cítaras. También existe en el resto del mundo árabe, Turquía, Grecia, Armenia y Azerbaiyán, pero en formas ligeramente diferentes. La palabra árabe "qanun" se traduce como "la ley": el qanun establece y dirige el tono en conjuntos tradicionales de música.
Maya Youssef ha actuado en todo el mundo y es ganadora del premio Exceptional Talent, que le permitió migrar al Reino Unido en 2012. Además de su música, lleva a cabo su proyecto de doctorado "Music Healing for Syrian Refugee Children" en la SOAS University of London, donde también enseña el qānūn y dirige el SOAS Middle Eastern Ensemble, además de ser una habitual en la BBC.

Maya procede de una familia de escritores y artistas progresistas e intelectuales de Damasco. Educada en la gran colección de música que poseía su padre (árabe clásica, jazz, fusión, world music, tibetana, clásica occidental...), comenzó su formación musical a los 7 años en el Instituto de la Música Sulhi al-Wadi en Damasco. Cuando tenía 12 años ganó el Premio al Mejor Músico en el Concurso Nacional de Música para Jóvenes. Continuó en el Instituto Superior de Música y Arte Dramático de Damasco para obtener una licenciatura en Música especializada en qānūn, graduándose en 2007 antes de mudarse a Dubái y, posteriormente, establecerse en Omán en 2009 para enseñar y actuar.
Producido por Jerry Boys para Harmonia Mundi, Syrian Dreams cuenta con la participación de Sebastian Flaig (percusión), Barney Morse-Brown (cello) y Attab Haddad (oud). Como señala Youssef en el disco, "Este álbum es mi viaje personal a través de los 6 años de guerra en Siria. Es una traducción de mis recuerdos del hogar y mis sentimientos hacia la música. Veo el acto de tocar música como lo opuesto a la muerte; es un acto de vida y de afirmación de esperanza. Para mí, la música es sanadora y un antídoto contra lo que está sucediendo, no solo en Siria, sino en todo el mundo. Me gusta pensar que mi música devuelve a la gente a la humanidad y al centro de sus corazones, donde no se puede dañar a ninguna forma de vida y donde todas y todos pueden existir juntos en paz". Este viaje personal y su propuesta musical ha supuesto para Maya resultar finalista en los Songlines Music Awards de 2018.

Página web oficial: Maya Youssef

tracks list:
01. Horizon
02. Bombs Turn Into Roses
03. Hi-Jazz
04. Touta
05. Queen Of The Night
06. Syrian Dreams
07. The Seven Gates Of Damascus
08. Breakthrough
09. The Sea
10. Awatef (bonus track)





The Calais Sessions (2016)

El 24 de octubre de 2016 empezó el desmantelamiento de la "Jungla de Calais", el mayor campo improvisado de migrantes de Europa, con más de 7000 personas refugiadas que se habían visto obligadas a huir de sus casas, la mayoría de ellas deseando cruzar al Reino Unido por el Eurotúnel. Un año antes, un grupo de artistas hicieron el camino inverso, queriendo hacer algo para luchar contra la crisis humanitaria que se desarrollaba a unos pocos kilómetros de sus casas. El resultado fué The Calais Sessions, un disco grabado por los y las habitantes de "La Jungla", cuyo objetivo fué implicar a las personas que vivían en el campo en un proyecto que aumentase su autoestima, canalizando su talento a través de la música.
Todo empezó con la foto del cadáver de Aylan, de tres años, en una playa turca. Vanessa Lucas-Smith, violoncelista británica, reaccionó con algo más que compasión. El fin de semana siguiente desembarcó en Calais con un grupo de artistas. "Nuestra primera intención era personal: entender qué pasaba, quiénes eran esas personas. Pero estábamos convencidos de que habría música, y músicos, entre los refugiados. Una hora después de llegar –cuenta la chelista– ya un par de músicos sirios de Londres habían formado un grupo con dos compatriotas del campo. Y dos días después grababan el primer corte". Lucas-Smith es chelista del Allegri Quartet de Londres (y una de las principales impulsoras del proyecto) y a través del álbum ha comprendido que cuando "le das instrumentos a la gente, se convierten en algo como el pan, el agua o el carbón, es algo que realmente necesitan", cuenta en The New York Times.
El disco se abre con "The Lost Singer". Para Moheddin, autor del tema y cantante de extraordinaria voz, aquello sirvió de pasaporte: hoy vive en Londres de su oficio, sastre. "Khandahar" es una coproducción afgano-kurda, escrita en farsi por dos hermanas afganas, una de nueve y la otra de doce años. La melodía la compusieron con ayuda de dos refugiados kurdos, bateristas.

Kasper es un refugiado iraquí de 25 años. Rapea sobre el amor en "University Story", pero en Bagdag se dedicaba a hacer joyas. Tuvo que huir de su casa y después de un agotador viaje de tres semanas llegó a Calais. Mohammed Ismail (que interpreta "Ismail") es afgano y le gusta tocar la dambora, un instrumento de cuerda. Pero su afición no le gustó a los talibanes ya que "un día me oyeron tocar en casa, metieron mi brazo derecho en agua hirviendo y me dijeron que lo hacían porque era el brazo con el que toco". Ahora Ismail toca un instrumento parecido al chelo que han creado con piezas que encontraban en el campo y ha logrado vencer los malos recuerdos.
Durante la grabación del disco el equipo se encontró con muchas dificultades ya que en febrero las autoridades francesas comenzaron a desmantelar el campo, lo que afectó a muchas de las personas implicadas. Un grupo de mujeres eritreas, al principio un poco reticentes, se decidieron a grabar una canción religiosa llamada "Yezus". Al acabar estaban tan ilusionadas con el proyecto que quisieron grabar otra canción, pero a la mañana siguiente se levantaron y no pudieron ir a su iglesia para rezar, ensayar o inspirarse, la habían derruido.

México está presente en este planeta-disco gracias a Carolina Ferrer y Jesús Bellosta Flores, dos voluntarios que trabajaban en el campo y que grabaron "La llorona". Laura, del colectivo The Calais Sessions, recuerda en La Vanguardia que "pronto descubrimos que los refugiados tenían un enorme talento; sus historias personales nos impresionaron tanto como las culturas musicales que viajaban con ellos. Decidimos que era imprescindible que aquella gente se integrara en nuestro colectivo para transcribir sus historias en música. Y que aquello fuera otro viaje, pero distinto, en el que todos –sirios, afganos, sudaneses, eritreos– compartieran ese mundo de convivencia y armonía que la música propone".
El proyecto, cuyas fotos corren a cargo de Sarah Hickson, se grabó en un estudio casero que se alimentaba de energía solar, cerca de la biblioteca del campo. Los aspectos técnicos también fueron una odisea, pero Damien Barrière-Constantin, un ingeniero de sonido de 24 años y cofundador de la iniciativa, logró un sonido profesional. Para él lo más importante no es que "la gente nos escuche", sino que "los refugiados puedan escuchar lo que ellos mismos han hecho", cuenta.

El álbum, que también cuenta con la participación de Natalia Tena (Molotov Jukebox) y Çiğdem Aslan, se puede comprar a través de su web, cuyos beneficios se destinan a las y los propios refugiados y a una organización benéfica británica llamada Citizen UK.

Página web oficial: The Calais Sessions

tracks list:
01. Moheddin Aljabi – The Lost Singer
02. Kasper King – University Story
03. Bogdan Vacarescu – Deskovo Oro
04. Danny Rowe – Sounds of the Jungle
05. Carolina Ferrer – La Llorona
06. Abdullah Kathin – Ya Rab´oun
07. Andy Kyte – Khandahar
08. The Evangelist Church Singers – Yesus
09. The Evangelist Church Singers – Halleluyah
10. Carl Burgess – Long Road
11. Mohammed Ismail – Ismail
12. Laurens Price-Nowak – Nothing
13. Natalia Tena – Every Heart That Loves







Criolo – Espiral de Ilusão (2017)

Espiral de Ilusão es el último álbum de Criolo (nombre artístico de Kleber Cavalcante Gomes), en el que trabaja por primera vez con una banda de samba, transponiendo sus historias de desigualdad, esperanza y realidades para muchas y muchos brasileños que viven en las periferias, a una banda cohesionada de percusión, guitarra, cavaquinho y vientos.
Un disco que sorprenderá a muchos/as de sus fans. El popular rapero y cantante brasileño es más conocido por ser un virtuoso del hip-hop, mezclándolo con cualquier cosa (desde reggae y funk hasta samba), pero en este lanzamiento cambia exclusivamente a samba con un conjunto relajado dominado por su voz simple, no con respaldo proporcionado por teclados y programación, sino por el pequeño cavaquinho (interpretado por un miembro de Pagode da 27, un proyecto de samba vecinal en São Paulo), junto con la guitarra de siete cuerdas.
Espiral de Ilusão es un álbum esencial de uno de los talentos destacados de Brasil en los últimos años, un cantante y rapero que ha logrado sintetizar los sentimientos de tantas y tantos brasileños que sienten que los que están en el poder les ignoran. Al trabajar con una banda de samba, Criolo rememora su juventud (su familia solía escuchar samba en casa) y una de sus mayores pasiones.

Muchas de sus nuevas canciones suenan como viejos clásicos melodiosos, pero con un toque ácido y contemporáneo, sin abandonar la crítica social. Por ejemplo, el reflexivo y lánguido "Menino Mimado" es una queja ("los niños mimados no deberían gobernar"), mientras que la optimista "Cria de Favela" es una colorida advertencia sobre la criminalidad.
Para la portada del disco cuenta con Elifas Andreato, diseñador gráfico e ilustrador que ha desarrollado algunas de las portadas de discos más conocidos de la música popular brasileña (Chico Buarque, Elis Regina, Paulinho Da Viola…). Su obra mezcla la poesía multicolor de sus inspiraciones con un fuerte comentario de cuño social. Para la producción, con dos de los mejores productores y compositores actuales de la música brasileña (Gabriel Ganjaman y Marcelo Cabral), dando como resultado un disco de samba bailable y divertida, clásica y contemporánea.
Al igual que los anteriores trabajos de Criolo, Espiral de Ilusão está disponible de forma gratuita en su sitio oficial.

Página web oficial: Criolo

tracks list:
01. Lá Vem Você
02. Dilúvio de Solidão
03. Menino Mimado
04. Nas Águas
05. A Filha do Maneco
06. Espiral de Ilusão
07. Calçada
08. Boca Fofa
09. Hora da Decisão
10. Cria de Favela





Trio Da Kali & Kronos Quartet – Ladilikan (2017)

Ladilikan es una combinación deliciosa de canciones mandingas y aires musicales contemporáneos de muy altos vuelos. Una fusión audaz de las tradiciones musicales de Occidente y las de África: de la tradición griot de Malí, representada por el Trio Da Kali, y de la tradición clásica moderna, representada por el venerable Kronos Quartet, que no es ajeno al aventurismo musical.
El Trio Da Kali, con Lassana Diabaté (balafón), Mamadou Kouyaté (ngoni), y la espléndida cantante Hawa Kassé Mady Diabaté (de voz tan brillante como la de su padre, el legendario Kassé Mady Diabaté) no precisa apoyos externos para atrapar con sus vibraciones mandingas; y el muy singular Kronos Quartet ha experimentado tanto, sonidos africanos incluidos, que no necesita agrandar su currículum con trabajos de conveniencia. El encuentro de las dos formaciones en el excelente disco Ladilikan (prometer o comprometerse), gracias a la etnomusicóloga británica Lucy Duran, es una aventura no impuesta y, al parecer, largo tiempo acariciada. El resultado es igual de libre y, además, hermoso. Trío y cuarteto dialogan en claves diferentes pero con emociones similares, armando un universo realmente en expansión.
Las colaboraciones como Ladilikan a menudo se quedan cortas, ya que las dificultades de mezclar con gracia tradiciones musicales muy diferentes pueden desbordar las mejores intenciones. Pero este no es el caso aquí. Ambas tradiciones están representadas por igual, a través de fronteras culturales y lingüísticas los instrumentos occidentales de escala temperada se mezclan a la perfección con los instrumentos africanos tradicionales, creando un maravilloso híbrido musical que es atractivo, fascinante e irresistible.

Si es verdad que la música traspasa los límites y nos conecta a con nuestra humanidad común, entonces Ladilikan brilla como un maravilloso ejemplo de poner esa idea en práctica. Vivimos en tiempos desafiantes, cuando los viejos demonios del racismo, la xenofobia y la intolerancia vuelven a levantar su fea cabeza, precisamente en un momento en que la humanidad en su conjunto se enfrenta a un desastre ecológico que amenaza nuestra propia supervivencia como especie. Quizás colaboraciones como esta puedan, a su manera, mostrarnos el camino a seguir para todas y todos nosotros.
Una vez más Kronos Quartet no parece tener límite en su creatividad a la hora de reinventar y adaptar repertorio de cualquier procedencia y género. El más hermoso trabajo del cuarteto según su fundador y director artístico, David Harrington.

Página web oficial: Kronos Quartet, Trio Da Kali

tracks list:
01. Tita
02. Kanimba
03. Eh Ya Ye
04. Garaba Mama
05. God Shall Wipe All Tears Away
06. Samuel
07. Lila Bambo
08. Kene Bo
09. Ladilikan
10. Sunjata





Alsarah & The Nubatones – Manara (2016)

El concepto y la cuestión de la identidad alimenta la música de la cantautora sudanesa Alsarah. De ascendencia nubia, y afincada en Nueva York, Alsarah es una ferviente etnomusicóloga: su mirada introspectiva, que comprende la compleja historia artística y política de la región africana a la que ella denomina hogar, define tanto a la artista como a su nuevo álbum Manara ("El Faro").
Alternativamente cantado en lenguas nubia y árabe, Manara habla enérgicamente del desplazamiento, de la desconexión diaspórica, del sentimiento sociopolítico y de las individualidades. A través de letras poéticamente abstractas, Alsarah y su banda, The Nubatones, logran transmitir multitud de emociones, folclore y pasiones autóctonas. Para ello se valen de instrumentos occidentales y africanos, incorporando discretos elementos electrónicos. "Retropop de África del Este" es como denominan su música, aunque Manara suena más contemporáneo y global.

En cualquier caso, en tiempos de crecientes restricciones migratorias, no está de más que la música nos recuerde uno de los muchos aspectos positivos de unir a gente de múltiple procedencia: el enriquecimiento que aporta la diversidad.

Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

tracks list:
01. Salam Nubia
02. Asilah Interlude
03. Alforag
04. Albahr
05. Fulani Interlude 1
06. 3yan T3ban
07. Fulani Interlude 2
08. Ya Watan
09. Nar
10. Manara
11. 3roos Elneel
12. Asilah
13. Fulani
14. Safr Minni





Jojo Effect - Not With Me (2007)

El grupo Jojo Effect surgió del proyecto que Anne Schnell, cantante y compositora alemana, y los productores Kitty the Bill, Maxim Illion (Club des Belugas) y Juergen Kausemann (de Chinchin Records) fundaron en 2005. Los temas de Jojo Effect han sido vendidos más de 2 millones de veces, licenciados más de 300 veces hasta ahora en compilaciones como Café del Mar, Klassik Lounge, Brazilectro, Bar Lounge Classics… (por nombrar algunas) y para series de TV y anuncios en todo el mundo.
La música de Jojo Effect se puede clasificar como nujazz, una mezcla de electrojazz, jazzdance, bossa, latin, jazzfunk y souljazz, recordando en muchos momentos a Pink Martini. La banda que acompaña a Anne Schnell la conforman magníficos artistas procedentes del mundo del jazz: Dirk Pätzold (batería), Florian Beer (percusión), Franz Schnell (saxo, flauta y teclados), Thomas Basy (piano), Christian Kraus (bajo) y Manfred Koller (guitarras).

Desde que, en 2007, lanzaran su primer álbum Not With Me, sus posteriores trabajos han sido recibidos con una gran acogida: Ordinary Madness (2009), Marble Tunes (2011) y Smarter (2014). La clave de su éxito radica en la extraordinaria habilidad para manejar un amplio abanico de ritmos junto a sus letras llenas de vida, irónicas, divertidas, sensuales y conmovedoras que describen situaciones de nuestras rutinas diarias, el amor y la vida, a veces con un toque descarado.
Como señalan en su web, Jojo Effect "son un paquete de spa musical que todo buen médico y farmacéutico debería recomendar para iluminar el estado de ánimo".

Página web oficial: Jojo Effect

tracks list:
01 Stay Away from My Man
02 Not With Me
03 The Beat Goes On
04 Sing a Little Bit
05 Moods
06 Higher
07 Same Old Song
08 So What
09 Bado Baijo
10 La Fin Est Nulle
11 Mystery
12 Il Ne Reste Rien
13 Music Lifts Me Up
14 Mister Mista





Roberto Fonseca – ABUC (2016)

Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC, que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.
Nacido en La Habana en 1975, Roberto Fonseca ha compartido escenario con leyendas de la música cubana como Cachaíto López, Manuel "Guajiro" Mirabal y Manuel Galbán, tocando en diversos países del mundo en más de 400 conciertos. Ha vivido con la música desde siempre; de hecho, su madre Mercedes Cortés Alfaro es una es una cantante que fue bailarina en Tropicana Club de La Habana (canta en el álbum Zamazu, 2007), y su padre Roberto Fonseca Durades, baterista. El pianista tiene en su haber un máster en composición obtenido en el Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), y ha sido profesor de música. Con solo 15 años grabó su primer CD, En el Comienzo, junto a Javier Zalba y el grupo Temperamento, el cual fue nombrado Mejor Álbum de Jazz de Cuba en 1999.
Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.
ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.

Página web oficial: ABUC – Roberto Fonseca

tracks list:
01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)





Oumou Sangaré – Mogoya (2017)

La gran diva de la música de Malí, Oumou Sangaré, que llevaba 8 años sin grabar, nos entrega una obra magistral, Mogoya, bajo nuevo sello (No Format!), con sonidos más modernos y bailables, con la dosis justa de electrónica para crear unas atmósferas donde se mantienen las esencias de la música de la región de Wassoulou, de la que Oumou Sangaré es una de sus grandes embajadoras.
Al igual que en sus trabajos anteriores, Sangaré compone todas las canciones, que continúan abordando lo que sus oyentes esperan de ella, teniendo en cuenta que la cantante de Malí es el modelo para una generación de mujeres africanas: feminista, empresaria, arraigada en la tradición y abierta a nuevas influencias. Mogoya se basa en el poder crudo de la voz Oumou, combinando instrumentos tradicionales africanos –n´goni (arpa), karignan (raspador de metal) y percusión de calabaza– con guitarra eléctrica, bajo, teclados, sintetizadores y el legendario Tony Allen en la batería.
El primer tema, "Bena Bena", trata de la ingratitud o de la falta de aprecio de la gente de hoy en día. El baterista nigeriano Tony Allen es artista invitado en el anti-suicidio "Yere Faga" y el electrificante "Fadjamou", que enfatiza la importancia de honrar el apellido y la ascendencia.
"Mali Niale" confía en la música acústica folclórica que Sangaré representa tan bien, y es un llamamiento para que la diáspora maliense regrese a casa para marcar una diferencia en el futuro del país. Benogo Diaketé interpreta el n´goni en "Kamelemba", junto a Guimba Koyaté, quien toca la guitarra eléctrica con un estilo y técnica particularísima, en una canción que tiene un ángulo de orientación parental, ya que es una advertencia severa para que las jóvenes desconfíen de determinados tipos de hombres.
Hay un sabor popular de baile afro-pop en "Djoukourou" que elogia la amistad y el sistema de apoyo familiar, mientras que "Kounkoun" predica sobre la impropiedad de la calumnia y el chisme. La madre de Sangaré, Aminata Diaknite, es reconocida y alabada por "Minata Waraba", interpretada con un arreglo maliense reconocible.
Oumou Sangaré es conocida como el "pájaro cantor de Wassoulou", que es su hogar ancestral y espiritual y cuya herencia musical defiende. Sangaré ha construido su reputación no en la cantidad de discos que ha producido sino en la calidad y significado de su mensaje. Como un modelo querido y emulado, ella representa a las mujeres africanas con dignidad y elegancia, exigiendo el respeto que merecen.

facebook: Oumou Sangaré

tracks list:
01. Bena Bena
02. Yere Faga (feat. Tony Allen)
03. Fadjamou
04. Mali Niale
05. Kamelemba
06. Djoukourou
07. Kounkoun
08. Minata Warabe
09. Mogoya





Tanbou Toujou Lou: Meringue, Kompa Kreyol, Voudou Jazz & Electric Folklore From Haiti 1960-1981 (2016)

El estudioso musical Vik Sohonie, veterano investigador, escritor y editor musical, ha editado Tanbou Toujou Lou como primer trabajo para su propio sello, Ostinato. Una recopilación de 19 temas de lo que él considera los 20 años de la época dorada de la música haitiana.
Seleccionados de colecciones privadas y archivos de radio en Brooklyn, Nueva York, y en múltiples viajes de investigación a Puerto Príncipe, Jacmel, Gonaïves y Saint Marc (Haití), los temas representan la diversidad de estilos que abarcaron los años fundamentales de innovación musical en Haití. Desde las legendarias y elegantes fiestas de Big Bands en las icónicas discotecas de Puerto Príncipe hasta los ritmos del campo; desde sonidos africanos como kompa y meringue impulsado por acordeón y los patrones de tambores del voodoo jazz, a hipnóticos arreglos de saxo tenor e interpretaciones psicodélicas del folclore. Ejemplos sorprendentes de sus respectivos géneros que tienen una dinámica particularmente haitiana y fresca.
Bellamente empaquetado y con un libreto que proporciona una prolífica información sobre una escena musical que ha recibido poca atención, en comparación con sus vecinos del Caribe, este es un trabajo hecho con devoción. Tanbou Toujou Lou puede ser la compilación más sorprendente de 2016 hasta el momento.

tracks list:
01. Zotobré - Lagen
02. Les Gypsies de Pétionville - Francine
03. Les Loups Noirs - Bebe Showman
04. Tabou Combo - Gislene
05. Coupé Cloue et Trio Select - La Vie Vieux Negre
06. Rodrigue Milien et Son Groupe Combite Creole - Rapadou
07. Les Loups Noirs - Pele Rien
08. Super Jazz de Jeunes - Erzulie Oh!
09. Nemours Jean Baptiste - Haiti Cumbia
10. Ensemble Webert Sicot - Prend Courage
11. Super Jazz de Jeunes - Lonin
12. Ensemble Etoile du Soir - Tripotage
13. Zotobre - Ochan
14. Chanel 10 - Lola
15. Super Choucoune 70 - Madeleine
16. Les Pachas du Canape Vert - Samba Pachas No. 2
17. Ibo Combo - Souffrance
18. Shupa Shupa - Epoque Chaleur
19. L´Orchestre Radio Nationale D´Haiti - Meci Bon Dieu





Les Amazones d´Afrique - République Amazone (2017)

Les Amazones d´Afrique es un proyecto colectivo femenino de cantantes y artistas de diferentes países africanos (Malí, Benin, Gabón, Nigeria), que se han unido con un objetivo común: la lucha por la igualdad de género, fuertemente sustentado en la creencia de que la música puede apoyar el progreso social. Lo conforman algunas de las voces más importantes de todo el continente africano, artistas como Angelique Kidjo, Nneka, Mariam Doumbia (de Amadou & Mariam), Mamani Keita, Mouneissa Tandina o la griot Kandia Kouyaté, junto a jóvenes y prometedoras cantantes como Rokia Koné, Massan Coulibaly, Madiaré Dramé, Madina N’Diaye, Inna Modja y Pamela Badjogo. Las letras denuncian, también, temas de violencia de género, como la violencia doméstica, los matrimonios forzados y, por supuesto, la infame ablación del clítoris (mutilación sexual).
En los temas se van dando diferentes duetos o momentos individuales remarcables, muy diverso musicalmente, ya que está cantado en diferentes lenguas y mezcla diferentes generaciones y tradiciones. Así, nos encontraremos desde "Dombolo", el tema que abre el disco con Angelique Kidjo al estilo Congotronics, pasando por "Doona", de aires electro-funky-jazz con Mamani Keita o el afro-dub hip hop de Nneka en "La Dame et Ses Valises". A destacar también dos mujeres quizás menos conocidas pero importantes. Por un lado, Rokia Koné, de voz intensa y que aparece hasta en seis canciones. Notable es su dueto en la evocadora "Anisokoma" junto a la gran Kandia Kouyaté, o con Mamani Keita en "Full Moon" con vibrante final y ecos de afrobeat. Y por otro lado la baterista Mouneïssa Tandina que lleva más de tres décadas tocando y aquí aporta su profundo y versátil sello.

Todas juntas bordan el single "I Play The Kora", un tema titulado con ironía ya que la kora es un instrumento tradicional que durante muchos años solo pudo ser tocado por los hombres. Se trata de una relajada y preciosa canción de bases electrónicas, con gran variedad de timbres vocales, donde ellas cantan "Mujer despierta, nosotras las mujeres, todas las mujeres, queremos ser respetadas". Los beneficios de este tema van a ir a parar a The Panzi Foundation que trabaja con mujeres víctimas de violencia sexual en la República Democrática del Congo. También es fascinante la despedida con "Desert Storm" con Kandia y Rokia de nuevo acercándose al trance del Sahara.
A pesar de la gran diversidad, la producción de Liam Farrel (Doctor L) supone el punto de unión a esa gran complejidad, que ha pasado todas las canciones por un tamiz urbano y electrónico que refleja el sonido de una África femenina y contemporánea.

Para saber más: Les Amazones d´Afrique

tracks list:
01. Dombolo (feat. Angélique Kidjo)
02. Mansa Soyari (feat. Rokia Koné)
03. Doona (feat. Mamani Keita)
04. La Dame et Ses Valises (feat. Nneka)
05. Nebao (feat. Mamani Keita)
06. Deep In Love (feat. Rokia Koné, Massan Coulibaly)
07. Anisokoma (feat. Rokia Koné, Kandia Kouyaté)
08. Wedding (feat. Madiaré Dramé)
09. Kounani (feat. Madina N'Diaye)
10. Full Moon (feat. Rokia Koné, Mamani Keita)
11. I Play The Kora (feat. Rokia Koné, Mamani Keita, Nneka, Kandia Kouyaté, Mariam Doumbia)
12. Desert Storm (feat. Kandia Kouyaté, Rokia Koné)





Derek Gripper – Libraries on Fire (2016)

El guitarrista y compositor Derek Gripper ha forjado una impresionante carrera fusionando la música clásica con las tradiciones populares africanas. Libraries on Fire (2016) es el segundo trabajo que dedica a versionear temas de los grandes maestros africanos de la kora.
El músico, afincado en Ciudad del Cabo, empezó a destacarse en 2001 con el conjunto Sagtevlei, una colaboración con el acordeonista y trompetista de jazz Alex van Heerden y un cuarteto de cuerdas. Las deconstrucciones del grupo sobre la música sudafricana empezaron a conocerse, estilísticamente, como "New Cape", un estilo que Gripper siguió en su primer lanzamiento como solista de guitarra un año después. Durante la siguiente década, Gripper continuó explorando con los límites de la guitarra clásica tanto para sí mismo como para otros trabajos de Sagtevlei. También realizó una inspiradora colaboración con el maestro indio de tabla Udai Mazumdar, siendo una de sus piezas adaptada por el aclamado conjunto de cuerdas Kronos Quartet.
El disco One Night on Earth (2012) significó una nueva etapa de su carrera al adaptar la compleja música de la kora (arpa africana de 21 cuerdas) para guitarra clásica solista. Sus transposiciones de obras de Toumani Diabaté, Ali Farka Touré y otros maestros han tenido una acogida espectacular. Incluso la leyenda de la música John Williams dijo que pensaba que era "absolutamente imposible… hasta que escuché a Derek Gripper hacerlo", y el propio Toumani quedó tan impresionado que invitó al guitarrista a colaborar con él en Malí.

Este segundo álbum, Libraries on Fire, toma su título de un famoso dicho de África Occidental que dice que "cuando muere un griot, es como si una biblioteca ardiera". Grabado en una tarde por Simon Ratcliff en el Sound and Motion Studios de Ciudad del Cabo, Derek Gripper interpreta otras nueve piezas de kora, seis de ellas del repertorio de Toumani Diabaté.
Los resultados son, una vez más, espectaculares, tanto en términos de brillantez técnica y como en musicalidad. También agrega composiciones de Ballaké Sissoko (de At Peace, 2012) y Amadou Bansang Jobarteh (miembro de la gran dinastía de la kora de Gambia) a su proyecto, para crear un repertorio africano para la guitarra clásica, siendo tremendamente instructivo deleitarse en sus tomas junto con las versiones originales de kora. "Lampedusa", por ejemplo, se escuchó por primera vez en el álbum de 2014 Toumani & Sidiki, y suena de manera como si Gripper no se perdiera ni una sola nota, a pesar de las seis cuerdas de su guitarra con las que juega frente a las 42 que resultan de las dos koras de Toumani & Sidiki Diabaté. Impresionantemente maravilloso.

Página web oficial: Derek Gripper

01. Duga (Sekou Batourou Koukaté)
02. Lampedusa (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
03. Miniyamba (Toumani Diabaté / Sidiki Diabaté)
04. Salama (Toumani Diabaté)
05. Bafoulabe (Toumani Diabaté)
06. Si Naani (Toumani Diabaté)
07. Maimouna (Ballaké Sissoko)
08. Korobali (Toumani Diabaté)
09. Alfa Yaya / Anna Magdalena ( Amadu Bansang Jobarteh / Derek Gripper)





Baaba Maal – The Traveller (2016)

El cantante, compositor y guitarrista senegalés Baaba Maal está a la cabeza de la música africana más vanguardista, combativa y electrizante. Lo vuelve a demostrar en su nuevo trabajo, The Traveller (el undécimo de su carrera) grabado a caballo entre Senegal y Londres, un trabajo de un artista de raíces profundas y mirada puesta en los horizontes musicales más creativos.
Baaba Maal llevaba seis años sin grabar un álbum, pero durante este tiempo no ha permanecido ocioso. Embajador cultural de la ONU, ha dirigido un festival de música anual, Blues du Fleuve, en su ciudad natal de Podor en el norte de Senegal desde 2006, y ha estado participando en el proyecto internacional "Playing for Change", un proyecto musical multimedia y también una Fundación con el objetivo de reunir, grabar y filmar artistas musicales de diferentes culturas.
Maal comenzó su carrera musical con su amigo Mansour Seck, guitarrista ciego y griot de su familia, cuando fundó el grupo Lasli Fouta. En París graban el disco Djaam Leeli en 1984, y a su regreso a Senegal funda un nuevo grupo, Dande Lenol. Sus primeras influencias vienen del R&B norteamericano y del soul, aunque pronto encontró su propio estilo fusionando la música tradicional de su pueblo con pop y reggae. En 1988 publicó su primer disco en solitario, Wango, el primero de una serie de álbumes de gran éxito que también incluye a Baayo de 1991, Lam Toro de 1992, Firin'in Fouta de 1994, y Nomad Soul (1998). Jombaajo apareció en 2000, seguido por Missing You (2001) y Television en 2009.
Depués de una larga trayectoria, era casi inevitable que Baaba Maal titulara alguno de sus discos The Traveller (El viajero). Para él, viaje y música son inseparables ya que salió por primera vez de su pueblo natal hace casi 40 años y no ha parado desde entonces. Su nuevo trabajo es un diario de viaje, "una celebración hermosa y emocionante, conociendo nuevos lugares, encontrando personas desconocidas hasta entonces y haciendo buena música con ellas", según ha reconocido. En este sentido, The Traveller evoca los placeres del viaje y la satisfacción de volver a casa, "No importa cuánto tiempo puedo estar fuera, donde esté, y qué esté haciendo, siempre volveré a Fouta para alimentar mi alma".

Maal ha confiado las labores de producción a Johan Hugo (The Very Best), experto a la hora de traducir sonoridades africanas a las tendencias actuales. Eso quiere decir que los polirrítmos cobran peso entre tribal y bailable, y que los instrumentos tradicionales conviven con fieras guitarras eléctricas (por ejemplo, la potentísima "Fulani Rock", impactante comienzo de disco donde los haya) y con sedosos teclados ("One day").
Otros temas como "Kalaajo" propician un hermoso encuentro entre las acústicas arpegiadas y unas guitarras eléctricas que bien podrían salir de un disco de Tinariwen. La canción que da título al disco nos remonta al afropop ochentero que tanto triunfo proporcionó a Maal, con la curiosidad añadida del banjo de Winston Marshall (Mumford & Sons).
El dúo de canciones finales, simbólicamente tituladas "War" y "Peace", son dominadas por los recitados del poeta Lemn Sissay. La primera de las piezas es abrupta, tanto en la interpretación de Sissay como en la instrumentación que la rodea, en claro contraste con las delicadas atmósferas que suavizan el mensaje en la subsecuente "Peace". El mensaje es pertinente y queda claro, primando Maal su labor social sobre la de músico, la de celebrar y preservar su pueblo, su cultura y la lengua Fulani.

Página web oficial: Baaba Maal

01. Fulani Rock
02. Gilli Men
03. One Day
04. Kalaajo
05. Lampenda
06. Traveller
07. Jam Jam
08. War
09. Peace





Virgínia Rodrigues – Mama Kalunga (2015)

Mama Kalunga es el quinto disco de Virgínia Rodrigues, una narrativa mitológica y terrenal sobre la presencia negra en Brasil y en el Mundo y que le ha supuesto el premio "Mejor Cantante de MPB" en los 27 Prêmio da Música Brasileira.
Tiganá Santana, productor del disco junto a Sebastian Notini, escribe en el texto de presentación del disco: "sujo de barro e espírito". Es la síntesis del álbum, lanzado siete años después del anterior Recomeço (2009). En sus dilatados 56 minutos, del primero al último corte, se presenta como una narrativa mitológica y terrena, filosófica y afectiva, de los caminos negros por la Tierra y de su rastro de barro y espíritu.
Su apertura, a capela, lo anuncia. En "Ao senhor do fogo azul" (Gilson Nascimento), dirigida a Nkosi/Ogum (la entidad guerrera y forjadora a quien ella dedica el álbum) Virgínia evoca la "Esencia de Todo" con "Para o mundo ser/Para eu ser no mundo". Un tono ritualista que se prolonga en el segundo tema, "Mama Kalunga" (Tiganá Santana), esta vez una oración a la "madre de agua", a quien ella se presenta diciendo: "Eis-me aqui/Serei eu a voz que nunca seja". La sonoridad es camerística, con atabaque, cellos y violão-tambor (instrumento modificado por Tiganá) que condensa esa propuesta del disco, afinada en diferentes niveles con las guitarras de Dorival Caymmi y de João Gilberto.
Después de pedir permiso al Señor del Fuego y a la Señora del Agua, Virgínia profundiza su ritual (en el barro y en el espíritu) alejándolo del ritualismo, saliendo de la referencia directa a los orixás y cayendo en la lectura del cosmos propuesta por Paulinho da Viola en "Nos horizontes do mundo", que vincula los movimientos del universo al pensamiento solitario de cada persona "de vencer la soledad". Una vez más, la guitarra y el cello (con una inserción de "Choro negro", también de Paulinho) tratan la negritud con delicadeza.

El álbum sigue alternando temas declaradamente religiosos (la santería de "Cântico tradicional afrocubano/Belen Cochambre", con la voz de Susana Baca) o de matiz afro (hay canciones de Tiganá en las lenguas africanas kikongo y kimbundo) con temas que amplían de forma indirecta esa mirada sobre lo sagrado. "Teus olhos em mim", de Roberto Mendes y Nizaldo Costa, es una cántica romántica que aproxima los ojos de la persona amada (y los otros ojos que pueden llevar en sí) y los ojos de agua del arroyo. En "Sou eu", de Moacir Santos y Nei Lopes, el amante se pone como "destello lila" y "teu Ogum Megê". "Luandê" (de Ederaldo Gentil) hace referencia a África, y une percusión a la guitarra de Bernardo Bosisio (fundamental su participación en el disco), con versos como "Neste mundo, todo mundo/Tem um nego na famia".
Como el afoxé "Luandê", "Vá cuidar de sua vida" (de Geraldo Filme, ya regrabada de forma significativa por Itamar Assumpção) aborda otro asunto transversal del álbum en arreglos y letras: la dicotomia blanco/negro. Tratado aquí con humor ácido y samba de roda, se traduce en imágenes como el negro que va a la misa mientras el blanco va al macumba, un retrato leve e incisivo sobre una dinámica cultural profunda, forjada, nuevamente, en barro y en espíritu, en la voz especial de Virgínia. (Fuente: O Globo)

facebook: Virgínia Rodrigues

tracks list:
01. Ao senhor do fogo azul
02. Mama Kalunga
03. Nos horizontes do mundo
04. Vá cuidar de sua vida
05. Babalaô/amor de escravo
06. Mukongo
07. Teus olhos em mim
08. Cântico tradicional afrocubano/Belén Cochambre (feat. Susana Baca)
09. Mon´ami
10. Luandê
11. Yaya zumba (feat. Ruth de Souza)
12. Sou eu (feat. Tiganá Santana)
13. Dembwa (10 de agosto)





The Nile Project – Jinja (2017)

The Nile Project es una loable iniciativa hacia el panafricanismo: artistas de once países por los que pasa el río y sus afluentes se reúnen anualmente para impartir cursos y concienciar sobre la necesidad de cuidarlo. Una idea redonda y una maravilla musical, porque alcanza momentos de una intensidad y compenetración absolutamente asombrosas.
El proyecto, auspiciado por el etnomusicólogo egipcio Mina Girgis y la cantante etíope y activista cultural Meklit Hadero, comenzó en enero de 2013 cuando 18 artistas procedentes de Egipto, Uganda, Etiopía, Sudán del Sur y Sudán, se reunieron para desarrollar un proceso creativo colaborativo que duró 10 días. El resultado fue Aswan (2013) donde ya se preveía la trayectoria exitosa que tendrían estas y estos embajadores y diplomáticos de la música. El colectivo de intérpretes se va de gira por el mundo para difundir el mensaje ecológico y de interculturalidad, acontecimiento que en 2016 aprovechan para grabar Jinja (2017) en Uganda, lugar donde se encuentran las fuentes de El Nilo.

Más allá del sentimiento de hermandad que promueve, la música de la banda resulta atractiva justamente cuando reproducen sus valores de unión, cuando las tradiciones de Egipto, Etiopía, Sudán, Uganda… (y sus respectivos instrumentos) se van integrando o alternando a lo largo de una misma pieza. Una armonía que suena sorprendentemente accesible incluso para la o el oyente occidental, a pesar de la diversidad de instrumentos musicales, estética, estilos y lenguas. Los temas están compuestos por los y las artistas intérpretes en seis idiomas. Las voces de la egipcia Dina El Wedidi, la etíope Selamnesh Zemene (componente de Ethiocolor), o de la sudanesa Alsarah protagonizan de forma espectacular este mega-proyecto musical, destacando también la versatilidad, energía y gran voz del burundés Steven Sogo.
Como señalaban en un principio Girgis y Hadero, The Nile Project es más que panafricanismo, es "pan-niloísta". En este proyecto las conexiones entre los países del Nilo son, de tan evidentes, casi una denuncia: siendo tan claros los parentescos entre instrumentos, sonidos y ritmos, siendo tan claros los lazos que unen todos estos países, ¿por qué han vivido de espaldas unos a otros? Además, The Nile Project es un proyecto medioambiental, de sensibilización para remarcar la necesidad de proteger y valorar los ecosistemas de la cuenca del Nilo. Para quitarse el sombrero.

Página web oficial: The Nile Project

Personal:
Dawit Seyoum (Etiopía) – krar, bass krar
Dina El Wedidi (Egipto) - vocal
Hany Bedair (Egipto) – duff, tabla, riqq
Jorga Mesfin (Etiopía) - saxofón
Kasiva Mutua (Kenia) – ohangla, djembe
Meklit Hadero (Etiopía) - vocal
Micheal Bazibu (Uganda) – adungu, entongoli, engoma, engalabi
Mohamed Abozekry (Egipto) - oud
Nader Elshaer (Egipto) - kawala
Sarah Abunama-Elgadi (Alsarah) (Sudán) - vocal
Selamnesh Zemene (Etiopía) - vocal
Sophie Nzayisenga (Ruanda) – vocal, enanga
Steven Sogo (Burundi) – vocal, bajo, ikembe

tracks list:
01. Inganji - feat. Sophie Nzayisenga and Selamnesh Zemene
02. Allah Baqy - feat. Dina El Wedidi and Sarah Abunama-Elgadi
03. Ya Abai Wuha - feat. Selamnesh Zemene
04. Omwiga - feat. Micheal Bazibu
05. Uruzi Nil - feat. Steven Sogo
06. Dil Mahbuby - feat. Dina El Wedidi and Mohamed Abozekry
07. Tenseo - feat. Jorga Mesfin, Mohamed Abozekry and Selamnesh Zemene
08. Marigarita - feat. Sophie Nzayisenga, Hany Bedair, and Selamnesh Zemene
09. Biwelewele - feat. Steven Sogo
10. Mulungi Munange - feat. Micheal Bazibu, Sophie Nzayisenga and Steven Sogo





Tinariwen – Elwan (2017)

Elwan es el séptimo álbum de estudio de los míticos Tinariwen, grupo emblemático del llamado blues del desierto que lleva más de tres décadas en activo y que bandas, como Terakaft, Tamikrest o Bombino, les reconocen como su mayor influencia. Fiel a su idiosincrasia, pero también obligados por la a menudo sangrienta agitación imperante en su hogar sahariano, la referencial banda tuareg actúa, compone y graba de forma cambiante, según las circunstancias, pero siempre marcadas por la sensación de la tierra perdida. En esta ocasión registraron este disco en California (curiosamente en un lugar de connotaciones familiares para la afición roquera como es el parque nacional de Joshua Tree) y lo han completado en M’Hamid El Ghizlane, un oasis al sur de Marruecos. Apropiada dicotomía que refleja el contenido del álbum.

"Elwan" significa "los elefantes" y es una metáfora para describir a esas bestias que pisotean todo lo que les rodea. Se trata de un disco vital con canciones de lucha, cantos de esperanza y con ese sonido limpio y característico de la guitarra Stratocaster, además de las voces profundas de sus dos cantantes y compositores principales Ibrahim Ag Alhabib y Abdallah Ag Alhoussenyi. Las once composiciones del disco ofrecen su mayor virtud en el contraste entre temas vigorosos y relajantes: se abre con "Tiwàyyen", un blues con su marejada de punzadas guitarreras que acaba con esas aceleraciones típicas de los ritmos gnawa (que lleva la memoria a los inicios del grupo); en "Sastanàqqàm" las guitarras cíclicas e hipnóticas parecen cantar junto a los coros de la banda, y el choque con la realidad del grupo y su entorno queda patente en "Ténéré Tàqqàl", triste y espiritual lamento por el saqueo de su tierra. "Imidiwàn n-akàll-in" nos remite a la soledad del desierto para, de nuevo, volver con guitarras acústicas y vibrantes percusiones en la envolvente "Assàwt". Cierra el disco un emotivo blues, "Nànnuflày", un abrasivo tema sobre la inmensidad y el vacío del desierto.
Con las notables colaboraciones, además, de influyentes músicos norteamericanos como Kurt Vile, Mark Lanegan y Matt Sweeny, en Elwan la banda ha conseguido, de nuevo, recoger en el estudio el fascinante trance de sus directos.

Página web oficial: Tinariwen

tracks list:
01. Tiwàyyen
02. Sastanàqqàm
03. Nizzagh Ijbal
04. Hayati
05. Ittus
06. Ténéré Tàqqàl
07. Imidiwàn n-àkall-in
08. Talyat
09. Assàwt
10. Arhegh ad annàgh
11. Nànnuflày





Afro Celt Sound System – The Source (2016)

Sonido global con artistas procedentes de Europa y África han sido el alimento del proyecto Afro Celt Sound System, grupo afro-irlandés formado por Simon Emmerson (guitarrista y productor), N'Faly Kouyate (kora y balafón), Johnny Kalsi (percusión), Moussa Sissokho (percusión) y Griogair Labhruidh (flautas, voces y guitarras), siendo partícipes del grupo, también, James McNally (multiinstrumentista), Iarla Ó Lionáird (voz), Emer Mayoc (gaitas) y Martin Russell (teclados y programación), verdadero artífice de su sonido.
Aunque Simon Emmerson había formado la banda en 1991, no fue hasta el año 1996 cuando se dieron a conocer en el festival Womad, donde tuvieron un éxito extraordinario. A partir de esa fecha su nivel de calidad e innovación subió en la misma medida que editaban sus seis álbumes de estudio, Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) y The Source (2016), que celebra su 20 aniversario y que les ha supuesto el premio al Mejor Grupo en los Songlines Music Awards de 2017.
En estos trabajos, además, han disfrutado de las colaboraciones de artistas de la talla de Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn y Peter Gabriel, entre otras y otros. Este último, fundador del festival Womad y propietario de la discográfica Real World, sello que ha publicado los cinco primeros álbumes del grupo. Han participado asimismo en películas tales como "Hotel Rwanda", "Stigmata", "Gangs of New York" y "Nikita".
Afro Celt Sound System fusiona la música dance y electrónica en general, con ritmos celtas y africanos, sintetizando la ideología del Womad: mezclar culturas, utilizar tecnologías contemporáneas -trabajan con ordenadores- y cuidar el aspecto visual, especialmente la danza. Su repertorio incluye partituras de hace 600 años y piezas actuales como el jungle y el house. Esta mezcla perfecta de sonidos antiguos y contemporáneos, eso que ellos llaman global dance, los ha situado en la vanguardia indiscutible de la World Music.

Página web oficial: Afro Celt Sound System

tracks list:
01. Calling in the Horses
02. Beware Soul Brother
03. The Magnificent Seven (ACSS meets TDF)
04. Cascade
05. A Higher Love (tune "Monkswell Road")
06. Honey Bee
07. Where Two Rivers Meet
08. Mansani Cissé/Tàladh
09. Child of Wonder
10. Desert Billy (tune "The Balcony")
11. The Communicator
12. The Soul of a Sister
13. Kalsi Breakbet





Deolinda – Outras Histórias (2016)

Desde que comenzaran su andadura en 2006, Deolinda se ha convertido en uno de los grupos de más éxito de Portugal con su fórmula de crear una interesante mezcla de géneros, con base de música popular portuguesa y fado fusionados con sonidos de jazz, samba y pop. De hecho, es imposible hacer la banda sonora de los últimos nueve años en Portugal sin el importante papel que ocupa Deolinda.
Outras Histórias es su cuarto álbum de estudio, tras Mundo Pequenino, publicado en 2013. Presentado en febrero de 2016, en él se atreven con nuevos sonidos y géneros sin perder por ello su inconfundible estilo que hace únicos a Deolinda. En el disco hay interesantes colaboraciones como las de Manel Cruz (de la desaparecida Ornatos Violeta), que aparece en dueto con Ana Bacalhau en el precioso tema "Desavindos", la de Dj Riot (Buraka Som Sistema) en "A Velha E O Dj", y el de la Orquesta Sinfónica de Lisboa dirigida por el Maestro Vasco Pearce de Azevedo, con los arreglos de cuerda escritos por Filipe Melo.

Coproducido por João Bessa, además de contar con la voz e interpretación sin igual de Ana Bacalhau, la banda portuguesa tiene entre sus miembros al gran compositor Pedro Da Silva Martins, uno de los autores más prolíficos y solicitados del panorama portugués que firma composiciones para grandes artistas como Ana Moura, Cristina Branco, António Zambujo y Mariza entre otros. En definitiva, Outras Histórias vuelve a ser un ejemplo del eclecticismo musical, conexión emocional con el público y el buen hacer de los Deolinda.

Página web oficial: Deolinda

tracks list:
01. Bons Dias
02. Manta Para Dois
03. Mau Acordar
04. Corzinha De Verão
05. Bote Furado
06. Desavindos (feat. Manel Cruz)
07. Canção Aranha
08. Avó Da Maria
09. Nunca É Tarde
10. A Velha E O Dj (feat. Dj Riot)
11. Pontos No Mundo
12. Berbicacho
13. Bom Partido
14. Canções Que Tu Farias
15. Dançar De Olhos Fechados





Quantic & Nidia Góngora – Curao (2017)

Curao significa la culminación de una asociación creativa que ha estado chispeando durante una década, la unión entre el melómano, explorador y nómada sonoro William "Quantic" Holland y la sublime Nidia Góngora, un álbum mágico, tan visceral como espiritual. Una nueva y muy original interpretación de las tradiciones musicales únicas, ricas y místicas de la Región del Pacífico colombiano.
Curao es el lugar en el que se encuentra el sonido ancestral del folclor Pacífico mezclado con sutiles tintes de arreglos electrónicos. Un espacio sonoro donde la marimba de chonta (piano de la selva) se hermana con el downtempo, donde el currulao convive con el dub, donde la chirimía y los aires de drum&bass se cruzan, se mezclan.
"Nidia tiene una historia muy especial, y como cantante encarna el espíritu y los tesoros ancestrales de su origen", dice Quantic de la cantante, que ha prestado su energía y talento únicos a algunos de sus lanzamientos más populares (como, por ejemplo, Ondatrópica). Nidia Góngora, considerada una de las principales artistas de la música típica de la marimba de la región del Pacífico Sur y guardiana de la tradición oral, lidera los principales conjuntos regionales, como Grupo Canalon, y juega un papel clave como mentora de grupos más jóvenes. Actualmente afincada en la ciudad de Cali, Góngora nació en una familia musical en el remoto pueblo fluvial de Timbiquí, una comunidad afrocolombiana cuya ubicación y contrastes culturales proporcionan una inspiración sin fin.

En esta creación de 18 canciones está la selva, el río bravo, la lluvia; el arroz con coco, el borojó, los cangrejos, los camarones, el viche; la religión, los arrullos, la redención; la marimba de chonta, los redoblantes, los vientos metálicos. Todo en una descripción que es puro realismo mágico donde se pintan los paisajes del Pacífico profundo.
El disco arranca con una intro de sonidos de lluvia, tambores y rituales, que lo sitúan a uno en aquellos paisajes propios de la Costa Pacífica colombiana, al igual que todos los interludios que hacen parte del disco. En su primera parte canciones como "E Ye Ye" y "Dub del Pacífico" reflejan los sabores y los sonidos de esta zona del país. Mientras "Que me duele?", "Se lo ví" y "Muévelo negro", revelan historias vivenciales de la cotidianidad, desde los dolores que aquejan el cuerpo, hasta el baile y la jodedera.
El disco continúa con "Amor en Francia", "Ojos vicheros" y "Ñanguita", canciones en las que el folclor Pacífico y detalles de la electrónica se hacen más fuertes. Más adelante canciones como "Dios promete", "María no me llevó" y "Maldito muchacho", son los lugares en los que la tradición religiosa se convierte en arrullo redentor y súplica, mientras "No soy del Valle" y "Un canto a mi tierra", son la apropiación de la tierra y el empoderamiento de las raíces.
Este es, en últimas, un viaje a lo ancestral con un sonido moderno en el que queda claro que la unión Quantic-Góngora siempre nos va a traer magia sonora para abstraernos en selvas profundas y místicas. (Fuente: Noisey)

Página web oficial: Quantic

tracks list:
01. Intro
02. E Ye Ye
03. Que me duele?
04. Dub del Pacifico
05. Interludio I
06. Se lo ví
07. Muévelo Negro
08. Amor en Francia
09. Ojos Vicheros
10. Ñanguita
11. Dios promete
12. Interludio II
13. María no me llevo
14. Interlucio III
15. Un canto a mi tierra
16. No soy del Valle
17. Interludio IV
18. Maldito muchacho





Amadou & Mariam – Dimanche à Bamako (2004)

Malí ha sido, de siempre, un sitio de encuentro intercultural entre árabes y bereberes del norte y gente de la África Occidental del Sur. Es por ello que posee una vida cultural rica y variada. Su yacimiento musical es impresionante: Salif Keita, Ali Farka Touré, Toumani Diabaté, Oumou Sangaré, Ballaké Sissoko, Tinariwen, Bako Dagnon… forman parte de su elenco de leyendas vivas. Y, desde hace algunos años, Amadou & Mariam. Dimanche à Bamako (2004), disco producido por Manu Chao, supuso su salto a la fama internacional. Para entonces ya llevaban treinta años cantando juntos y cosechando éxitos en África Occidental con su blues hipnótico y luminoso, el "afro-blues".
Mariam Doumbia y Amadou Bagayoko nacieron en Bamako, capital del país. Ambos perdieron la vista en la infancia, y se volcaron en la música desde su más temprana edad y fue la música la que les unió, en 1975, en el Instituto para Jóvenes Ciegos de Bamako en 1975. Desde entonces nunca se han separado, ni cuando emigraron a Abiyán (Costa de Marfil), ni cuando se fueron a Francia, ni cuando llegó la fama y el reconocimiento internacional.
Entre 1974 y 1980, Amadou fue parte del grupo Les Ambassadeurs du Hotel. Mezclando influencias africanas, cubanas, de la India, el jazz, el reggae, el blues y el pop, Amadou & Mariam se abrieron paso en el gigantesco panorama de artistas africanos/as. Durante los años 90 viven una primera temporada en París. Graban un primer disco, Sou Ni Tilé, cuyo single "Je Pense A Toi" vende más de 100.000 ejemplares en 1998 en el país vecino. Sigue un segundo álbum y una serie de giras por Europa y USA. En 2003, Manu Chao, ya separado de Mano Negra, se enamora de su música y colabora con ellos en la composición de un nuevo disco, Dimanche à Bamako, que sale en 2004. El álbum, una pequeña joya de música maliense para oídos occidentales, recibe muchos premios, en Reino Unido y Francia entre otros, donde se venden más de 300.000 copias.

El disco se abre a ritmo cadencioso con "M´Bifé", una de las seis canciones que Manu Chao coescribe con la pareja africana. Pero no es hasta "Coulibaly" y "La Réalité" cuando Dimanche à Bamako levanta el vuelo con una mezcla de ritmos africanos con los instrumentos eléctricos más modernos (guitarra, teclados, programación) y tradicionales (djembé, flauta y percusión).
Registrado entre septiembre de 2003 y abril de 2004 en estudios de grabación de Bamako y París, además de algunas sesiones en un hotel campamento de Mopti, las quince canciones de Dimanche à Bamako supusieron un salto de calidad en el sonido contagioso de Amadou & Mariam, que hasta la fecha habían publicado tres discos grandes, Sou Ni Tilé (1998), Tjé Ni Mousso (1999) y Wati (2002), así como varias cassetes para el mercado regional africano.
La acogida del disco fue inmejorable: logró los primeros puestos de las listas europeas de músicas del mundo, y la gente, además del renovado sonido africano de la pareja malí, sigue descubriendo en "Sénégal Fast Food" una de las mejores canciones que Manu Chao compuso en francés desde Mano Negra. Un disco hermoso. Una historia para repetir.

Página web oficial: Amadou & Mariam

tracks list:
01. M´Bifé
02. M´Bifé Balafon
03. Coulibaby
04. La Réalité
05. Sénégal Fast Food
06. Artistiya
07. La Fête au Village
08. Camions Sauvages
09. Beaux Dimanches
10. La Paix
11. Djanfa
12. Taxi Bamako
13. Politic Amagni
14. Gnidjougouya
15. M´Bifé Blues





Taraf de Haïdouks – Dumbala Dumba (1998)

Taraf de Haïdouks es, probablemente, la agrupación musical rumana más exitosa en la era moderna o, quizás, de todos los tiempos. Desde su primera visita a Europa Occidental en 1991, han sido considerados como el epítome de la fabulosa vitalidad de la música zíngara, y cuentan con siete álbumes de estudio (el último de 2015, Of Lovers, Gamblers & Parachute Skirts) y diversas colaboraciones (especialmente, con Kočani Orkestar).
Durante siglos, en muchas regiones de Rumania, la música tradicional y los bailes han acompañado los momentos más importantes de cada vida. En ningún nacimiento, en ningún bautismo, en ningún casamiento ha faltado la presencia de una banda de músicos que interpretara las canciones que sus antepasados les fueron transmitiendo generación tras generación. Una de estas agrupaciones traspasó las fronteras de su país y llevó esta música a distintas partes del mundo. Taraf de Haïdouks son una docena de músicos gitanos que proceden de un pueblo de Rumania llamado Clejani. Los integrantes de esta banda, cuyas edades van desde los 20 hasta los 80, nunca habían tenido la oportunidad de salir de su lugar de origen hasta que dos músicos extranjeros (Stéphane Karo y Michel Winter) los conocieron y se entusiasmaron con la idea de dar a conocer esta música al resto del mundo.
Stéphane Karo fue a Rumania con la intención de conocer a fondo la música que había escuchado alguna vez en una tienda de discos en Bruselas. En Clejani conoció a Nicolae Neacșu, una enciclopedia viva del folklore rumano que vivía solo en un cuarto de caballeriza. Éste, sorprendido por el interés demostrado por el recién llegado, grabó, de manera precaria, algo de la música tradicional junto a algunos músicos jóvenes. Sin embargo, justo en ese momento comenzó la revolución, que luego terminaría con la caída de Ceaucescu, y por tal razón se vieron impedidos de concretar una grabación profesional.
En 1990, cuando la situación política se tranquilizó, Karo y Winter viajaron a Clejani y, tras conocer a otros músicos de la región, decidieron organizar una gira por Europa con la nueva banda a la cual llamaron Taraf de Haïdouks (taraf es una palabra turca que designa a un grupo de músicos y los haïdouks fueron unos legendarios bandidos al estilo Robin Hood, héroes en las baladas medievales). Los productores eligieron a seis músicos para la gira, incluyendo a Neacșu y a Ion Manole, un cantante que sorprende por la forma de modular su voz. Pero la presión del resto de los pobladores hizo que se aumentara el número de integrantes hasta alcanzar la docena.
Esta gira les supuso el primer contrato de grabación con el sello belga Crammed Discs. El álbum debut de la banda, Musique des Tziganes de Roumanie, rápidamente escaló a las primeras posiciones de las listas europeas de world music. Este disco les permitió introducir en el mundo occidental la riqueza y el ritmo de la música gitana rumana, deslumbrando y sorprendiendo en cada presentación en festivales, salas de conciertos y clubs de toda Europa, incluyendo su actuación en el Womad de Montreaux.
Dos años después grabaron en Rumania su segundo disco, Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye, muy bien recibido por la crítica y resultando elegido en Alemania como mejor álbum de world music.

Dumbala Dumba, considerado su trabajo más emblemático, se registró en el ambiente familiar de Clejani y en Bucarest a finales de 1997. Al igual que sus predecesores, fue producido por Stéphane Karo, Michel Winter y el productor e ingeniero de CramWorld Vincent Kenis. En esta ocasión los Taraf contaron con una serie de invitados/as muy especiales: los músicos de Mîrsa con su característico estilo vocal de llamada y respuesta, los ursari (que descienden de la cofradía de los domadores de osos), Rosioru (trovador de los gitanos de Valachian), así como Viorica, una notable vocalista femenina. Las grandes actuaciones de estos musafirii (invitados) y de todo el estilo de fondo de los Taraf contribuyen a hacer de Dumbala Dumba un álbum fresco, cálido, íntimo y poético.

tracks list:
01. Introduction
02. Dumbala dumba
03. Săbărelu (cît e Argeşul de Mare)
04. Rustem
05. Foii de prun şi foii de praz
06. Cuculeţu
07. Terno Chelipé
08. Catar o birto mai opre
09. Pe deasupra casei mele
10. Meşteru Manole
11. Cîntece de jale
12. Pe drumul mînastiresc
13. Padure verde, padure
14. Tambal solo
15. Tot taraful
16. Hora ca la ursari