Blick Bassy – 1958 (2019)

Blick Bassy canta en bassa, una de las 260 lenguas que se hablan en Camerún y que hoy se encuentra en peligro de extinción. Combina sus raíces africanas y reformula diferentes ritmos de su país, con influencias del blues y de otras fuentes, mezclando lo ancestral y lo contemporáneo. Su inconfundible voz, estilo, su atención al detalle y su combinación exquisita de banjo, guitarra, cello y trombón (ahora incluye efectos y teclados) producen un bellísimo resultado, original y muy personal, que cautivan a una audiencia transoceánica.
Su anterior trabajo Akö (2015) estaba inspirado en el gran guitarrista del Mississippi Skip James, y abordaba cuestiones sobre migración y educación. Ahora apuesta por rendir tributo a uno de sus héroes políticos: Ruben Um Nyobé, líder anticolonialista que se dirigió al Mundo desde Naciones Unidas reclamando la independencia de Camerún (una de las más sangrientas de África), y que fue asesinado por las fuerzas militares francesas en 1958. Un disco con temas tan universales como la esclavitud, la necesidad de héroes, la relevancia de la historia y la búsqueda de la verdadera identidad.

El álbum repasa en lengua bassa la historia de Nyobé, en paralelo a la de sus propios padres, que se tuvieron que esconder de las fuerzas francesas en la selva tropical. Bassy cuestiona, en este álbum, a la juventud camerunesa y a cómo se han olvidado de la historia y dejado seducir por las falsas promesas de Occidente, advirtiendo de problemas arraigados en el continente (como el alcohol) y acusando a las y los cameruneses modernos de sabotear a su propia patria. Se trata de un disco con un aviso claro, encendido y enfático pero cuyo poder reside en el contraste y el influjo de la belleza y la dulzura de la composición musical.
Blick Bassy destella luz sobre mensajes enojados en un álbum que pretende sacudir a la juventud africana, en un anhelo de retomar los temas pendientes y hacer justicia a los abuelos y abuelas que llevaron África a las emancipaciones nacionales.

Página web oficial: Blick Bassy

tracks list:
01. Ngwa
02. Nguiyi
03. Kundé
04. Woñi
05. Mpodol
06. Lipém
07. Sango Ngando
08. Maqui
09. Pochë
10. Bès Na Wé
11. Where We Go





Abdesselam Damoussi & Nour Eddine – Jedba. Spiritual Music from Morocco (2019)

Se dice que en los pueblos donde se practica el sufismo, los conflictos se resuelven a través de poetas, uno por cada persona involucrada en la disputa. Los argumentos se escuchan y luego se cantan como poesía mientras la gente de las aldeas baila hasta caer rendida. De esta manera, la música, el trance, la rendición extática y, en última instancia, la paz se entrelazan. Y es esta noción de paz universal lo que Jedba intenta conjurar en un álbum que lleva varios años en desarrollo, un lanzamiento que cubre bastante terreno musical a medida que avanza desde el sur sahariano de Marruecos hacia su norte más fértil. ARC, un sello que ha lanzado discos de música sufí de Bangladesh, Turquía, Egipto, Pakistán y otros lugares, continúa ofreciendo a este tipo de música devocional centenaria un lugar para reinventarse.
Jebda mezcla las voces y la música de seis cantantes y músicos profesionales con una variedad de músicos callejeros reunidos por el productor Abdesselam Damoussi, que los encontró en el camino a través de la plaza Jemaa el-Fna de Marrakech a su Riad y estudio del siglo XV, equipados con micrófonos Neumann, para registrar qué generaciones de músicos, magos, narradores y encantadores han actuado durante siglos en la plaza cercana, ejerciendo sus oficios extáticos. Con el multi-instrumentista y coproductor Nour Eddine, los instaló en el estudio, les sirvió té, los preparó para tocar y capturó una mejor parte de su alma.

Como resultado, lograron captar la esencia de la música marroquí, despojada de una producción brillante, pero con la lucidez profesional suficiente para que esta música antigua suene para siempre actual. Está "Adán", un solo a capela llamando a la oración (Saad Temsamani), un rabe bereber y un artista del banjo de las montañas del Atlas que aparece en "Tazalit" (Larbi Bakchich y Raiss Brahim), e incluso una guitarra eléctrica y una pista vocal en "Arrahmane", que cuenta con dos intérpretes del Sáhara más profundo del país (Hassan Haddad y Yemdeh Selem) y tiene un parentesco claro con el tipo de blues del desierto que se encuentra más al sur en el Sáhara Occidental y Mauritania.
En cuanto a la fidelidad del registro del trance, se puede sentir especialmente en la pista que da nombre a esta colección. Con Eddine en percusión y Abdelaziz Inouiti a la ghaita (un instrumento similar al oboe), la melodía es implacable, en una línea de percusión tensa y repetida donde, finalmente, entra la ghaita hasta desvanecerse de forma infinita.
La voz de Damoussi y la percusión de Eddine se encuentran entrelazadas en gran parte de los temas del disco, deslizándose desde los ritmos bereberes llenos de banjo con llamadas y respuestas hasta los tipos de ululaciones agudas que se encuentran en todo el continente africano. También hay una voz de niña de 8 años que da forma a una oración a capela del imán de Tánger Said Lachhab ("Spiritual Mawal"). Y en "Allah Hay", ghaita y tambores de mano abren el camino hacia el canto vocal más complicado y espectacular del álbum.
Jedba, en sus casi sesenta minutos, es un relato interno superlativo del éxtasis musical sufí de Marruecos, llevado a un Riad que desearíamos que fuera nuestro hogar.

Página web: Jedba - Spiritual Music from Morocco

tracks list:
01. Jedba (Trance)
02. Sabaato Rijal (Seven Stairs of Marrakech)
03. Spiritual Mawal (Light of the Star) (Traditional)
04. Allah Hay (God Is Alive)
05. Arrahmane (Spiritual Desert Voice From the Moroccan Sahara)
06. Ziyara (Traditional)
07. Assalat Al Machichiya (Traditional)
08. Tazalit (Spiritual Berber Voice From the Atlas Mountains)
09. Lailaha illa Allah (One God) (Traditional)
10. Adan (A Call to Prayer) (Traditional)





Carminho – Maria (2018)

Maria es el esperado quinto álbum de Carminho y, tal vez, el más personal, ya que la artista además de componer siete de los doce temas que lo forman, también ha participado en la producción del mismo junto a Diego Alves, Marta Pelágio y João Pedro Ruela (Ruela Music). Por eso tal vez haya decidido llamarlo con su primer nombre, ya que aunque todos la conocemos como Carminho, su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade.
El álbum comienza con un tema cantado a capella, "A Tecedeira" que además tiene música y letra de la propia Carminho y que es una carta de presentación bellísima de lo que vamos a encontrar en este disco: fado del bueno con la vibrante personalidad de la voz de Carminho a flor de piel en cada tema, como ya demostrara en su extraordinario debut Fado (2009, considerado como el mejor álbum revelación de fado de la última década).

Además de este primer fado, "Estrela", "A Mulher Vento" y "Poeta" tienen letra y música de la artista que también firma las letras de "Se Vieres" que canta con base del fado tradicional, "Fado Santa Luzia", de Armando Machado, y una maravilla que es "Desengano", que tiene como base el "Fado Latino", de Jaime Santos, y la música de "Quero Um Cavalo de Várias Cores", de Reinaldo Ferreira.
En Maria Carminho se acompaña de Bernardo Couto, José Manuel Neto y Luís Guerreiro a la guitarra portuguesa; a la viola de fado ha grabado Flávio César Cardoso; José Marino de Freitas, al bajo; João Paulo Esteves da Silva, al piano, y Filipe Cunha Monteiro al pedal steal y guitarra elétrica, que también es tocada por la propia Carminho en "Estrela".
Maria cuenta también con un temas de Joana Espadinha ("O Menino e a Cidade"); "Pop Fado" de César Oliveira y Fernando Carvalho, y "Sete Saias", con letra y música de Artur Ribeiro. Un disco verdaderamente emocionante en el que Carminho se confirma como la gran voz del fado y una de las artistas portuguesas con mayor proyección internacional de la historia.

Página web oficial: Carminho

tracks list:
01. A Tecedeira
02. O Começo (Fado Bizarro)
03. Desengano (Fado Latino)
04. O Menino E A Cidade
05. Estrela
06. Pop Fado
07. A Mulher Vento
08. Poeta
09. Se Vieres (Fado Sta. Luzia)
10. Quero Um Cavalo De Várias Cores
11. Sete Saias
12. As Rosas





Coladera – La Dôtu Lado (2019)

La Dôtu Lado es el segundo proyecto musical transatlántico de Coladera, un sonido exquisito y aventurero que agrega diversas capas sobre las ricas tradiciones de sus principales impulsores: los cantantes y guitarristas Vitor Santana, de Belo Horizonte (Brasil), y el portugués João Pires. Junto al músico caboverdiano Miroca Paris (que se dio a conocer como percusionista de Cesária Évora) y al percusionista Marcos Suzano, trazan nuevas rutas musicales uniendo los sonidos de batuque y funaná de Cabo Verde, y lundum de Angola, con profundos ritmos inspirados en el candomblé y el fado. Y al hacerlo, han abierto una fascinante narrativa sobre el comercio de esclavos, la espiritualidad y el amor.

El álbum reúne una serie de colaboraciones que incluyen a Aline Frazão, José Eduardo Agualusa, Dino Santiago, Bilan, Ana Sofia Paiva, Edu Mundo, Brisa Marques y Marcos Suzano: tres universos musicales (Brasil, Portugal y Cabo Verde) que honran los ritmos lusófonos.

facebook: Coladera

tracks list:
01. La Dôtu Lado
02. A Luz De Yayá
03. Primer Letra
04. Mandinga
05. Mantafro
06. Algum Lugar Em Nós
07. Funaná Do Moreré
08. Céu Azulino
09. D´Orixá
10. Deserto Do Sal
11. Gira





Orquesta Akokán – Orquesta Akokán (2018)

La ópera prima de la Orquesta Akokán es una obra maestra porque lo tiene todo: composiciones brillantes, finísimos arreglos, ejecuciones perfectas, grandes artistas, respeto por las raíces afrocubanas y visión de futuro.
La Orquesta Akokán constituye un selecto combo que reúne a veteranos y jóvenes talentos, incluyendo a César "Pupy" Pedroso (Los Van Van), una sección de saxos originaria del grupo de jazz cubano Irakere, y percusionistas procedentes de NG La Banda. Todos ellos liderados por José "Pepito" Gómez, prodigioso vocalista curtido en diversas formaciones cubanas y neoyorquinas que tiene la propiedad de recordar fuertemente al gran Beny Moré. Juntos se encerraron en los legendarios estudios Areito de La Habana en una electrizante sesión de tres días para dar forma final a la materia prima preparada con esmero por el mismo "Pepito" y los productores del disco, Jacob Plasse (fundador de Chulo Records, sello distribuidor de música latina) y Mike Eckroth, reputado pianista, compositor y conocedor de las raíces musicales cubanas.

Akokán es una palabra yoruba utilizada por las y los cubanos para significar "desde el corazón" o "alma". Rumba, chachachá, guaracha, pinceladas de jazz latino y mambo en un trabajo excepcional que constituye uno de los mejores discos del año. Maravillas como "Mambo rapidito", "La corbata barata" o "Un tabaco para Elegua" son solo tres ejemplos de una selección de nueve temas sin desperdicio que nos devuelven a los días gloriosos de Arsenio Rodríguez, Israel López "Cachao" o el ya mencionado Moré.

Página web oficial: Orquesta Akokán

tracks list:
01. Mambo rapidito
02. La corbata barata
03. Un tabaco para Elegua
04. Otro nivel
05. La cosa
06. Cuidado con el tumbador
07. Yo soy para ti
08. No te hagas
09. A gozar la vida





AKA Trio – Joy (2019)

La música contemporánea tiene mucho de fusión multicultural. Una fusión que se aplica con precisión para describir la música de AKA. En su debut en el estudio, Joy , Antonio Forcione (Italia), Seckou Keita (Senegal) y Adriano Adewale (Brasil) reúnen las tradiciones musicales de tres continentes con temas y ritmos contemporáneos en un álbum absolutamente cautivador.
Los comienzos de AKA Trio se remontan a casi 20 años, cuando el amor por la música de jazz del percusionista brasileño Adriano Adewale lo llevó por primera vez al Reino Unido. Adriano conoció al guitarrista italiano Antonio Forcione y así comenzó una colaboración musical que les hizo viajar por el mundo. En 2011, la pareja se unió a Seckou Keita para presentarse en el Edinburgh Festival (donde ofrecieron más de cinco conciertos con entradas agotadas) y surgió AKA Trio. Desde entonces, el Trío ha sido un encuentro ocasional y memorable de mentes musicales, y por fín tenemos un álbum de estudio completo para disfrutar.
Hay un equilibrio natural en la música de Joy, comenzando por una apertura excepcional compuesta por el trío en su conjunto, seguida por tres composiciones de cada miembro.
La eficacia con la que se logra esa unión musical se encapsula perfectamente en la canción de apertura del álbum, "Joy". Comenzando con la kora de Seckou Keita en una melodía suave pero precisa, las notas del bajo surgen suavemente junto con el tema principal y la guitarra de Antonio Forcione comienza a cantar tranquilamente su propio y suave acompañamiento. A medida que la melodía gana estatura, la percusión de Adriano Adewale agrega texturas más suaves, y el ritmo senegalés de la kora añade aún más color, junto con el toque delicado de Antonio, que suma tonos de jazz. "Joy", nos dicen, creció a partir de sesiones de improvisación en el Estudio, una combinación espontánea de habilidad y amistad en un hermoso arreglo, cálido, abrazador y completamente desprovisto de ego.

"Il Bambino E L'Aquilone", de Antonio Forcione celebra un recuerdo de su infancia en la costa adriática italiana. La pista se abre como una suave caída de la luz de la lluvia brillante que se ve a través del sol, un suave torrente de cuerdas que se consolida como un dúo de guitarra y kora en movimiento. La reputación de Antonio como guitarrista de jazz se plasma en el homenaje a Cuba de "Baracoa", un tema delicioso, donde la combinación de guitarra y kora está tan perfectamente arreglada que a veces puede ser difícil distinguir una de la otra, con juegos vocales de Seckou y plácidos ritmos de Antonio. La reflexiva "Empathy" está igualmente repleta de una deliciosa interacción entre las notas de bajos más oscuros de la guitarra de Antonio, la kora cristalina y la suave canción de Seckou.
"Saudade", de Adriano Adewale, transmite nostalgia agridulce (como plasma la palabra portuguesa), donde la voz de Seckou se muestra quejunbrosa y melancólica. "Midnight Blooming", también de Adewale, se inspira en el aroma de las flores que florecen de noche encontradas en los paseos nocturnos en su Brasil natal. La guitarra y la kora parecen buscar silenciosamente una melodía, tentándose, hasta que la voz les ayuda a unirse en una elegancia ensoñadora. "The Beautiful Game" es ligero, animado, y celebra exactamente lo que sugiere el título, el flujo natural y la gracia del fútbol de Pelé, Garrincha, Nelson o Socrates, antes de que el fútbol se convirtiera en un deporte más técnico.
Seckou Keita, maestro de la kora, se adentró en la tradición Griot de África Occidental desde su nacimiento. En "Uncle Solo" rinde homenaje a esa formación recibida de su tío Jali Solo Cissokho. Una hermosa voz de múltiples capas cuenta la historia de Seckou siguiendo a su tío a donde quiera que estuviera tocando, y la emoción que sentiría si su tío le pidiera que lo acompañara en el escenario. "Siempre hay personas que te abrirán una puerta, y es bueno recordar todo lo que te dieron. Solo es una de esas personas". Por otra parte, "Kanou" (Love) es una melodía senegalesa escrita por Seckou, donde la guitarra de Antonio armoniza con las texturas de su voz y la percusión de Adriano construye un puente de ritmos entre Brasil y Senegal.
"Choix De Joie", que cierra el álbum, es un encuentro de un encanto sublime, de delicadas armonías donde la interacción entre kora y guitarra muestra la maestría en cada instrumento unidas en una voz perfectamente unificada.
Joy es un trabajo que parece canalizar algún tipo de oficio telepático donde la música, el arte, las influencias y la experiencia de vida de tres músicos virtuosos forman una entidad única, perfectamente equilibrada y fascinante.

Página web oficial: AKA Trio

tracks list:
01. Joy
02. Kanou
03. Baracoa
04. Midnight Blooming
05. Il Bambino E L´Aquilone
06. Saudade
07. Empathy
08. Uncle Solo
09. The Beautiful Game
10. Choix De Joie





Youssou N´Dour – History (2019)

Youssou N'Dour es un artista con historia. Ahora, también es un artista con History: un nuevo álbum en el que N'Dour rinde homenaje a su pasado, reflexiona sobre el presente y mira al futuro en diez exuberantes canciones. En la transmisión vocal de N´Dour hay una dulzura que es natural, y canta con tanta gracia hoy como lo ha hecho durante las últimas tres décadas. El color instrumental y la suavidad que lo acompaña, en gran parte en forma de tambores de mano, guitarras y saxo, y gracias a la producción del estadounidense Matt Howe, complementan bien sus tonos suaves. Unos arreglos que se centran en resaltar la emoción de los temas líricos y su impresionante ejecución vocal, mostrando su dominio de estilos e idiomas.
N'Dour pasa gran parte de History mirando hacia atrás, como sugiere el título del álbum. La canción de apertura "Habib Faye" rinde homenaje al famoso bajista y director musical del mismo nombre, quien falleció inesperadamente en 2018 y que, junto con N'Dour, fue pionero en la música mbalax senegalesa de los años 80. Un sentimiento agridulce impregna este homenaje, la pasión en la entrega de la interpretación de N'Dour frente al sereno acompañamiento. También aborda dos temas del difunto percusionista nigeriano Babatunde Olatunji, "My Child" y "Takuta", manteniendo la voz desgastada de Olatunji en la mezcla, volando lado a lado con N'Dour.

Dos viejos temas son reelaborados contando con jóvenes artistas: "Birima" (que aparece en Joko, 2000), un tributo a África, con Seinabo Sey (cantante sueca de ascendencia gambiana), y "Hello", con el cantante congoleño Mohombi. "Salimata", un favorito de Set (1990), evoca las raíces del mbalax bendecido por un furtivo saxofón. N’Dour canta con la majestuosidad acostumbrada, una fuerza de la naturaleza siempre urgente.
History es un disco en el que fusiona tradición y modernidad, en el que cada canción prospera a medida que N'Dour se desliza junto con las conexiones entre su pasado y su presente, preparándolas para compartirlas con cualquier audiencia contemporánea.

facebook: Youssou N'Dour

tracks list:
01. Habib Faye
02. Birima (remix) feat. Seinabo Sey
03. Confession
04. Ay Coono La
05. My Child feat. Babatunde Olatunji
06. Macoumba
07. Salimata
08. Hello (remix) feat. Mohombi
09. Takuta feat. Babatune Olatunji
10. Tell Me





Mário Lúcio – Funanight (2018)

Mário Lúcio es una de las figuras más reconocidas de la escena cultural y musical de Cabo Verde, tanto a nivel local como a nivel internacional. Un poeta que ha llegado a ser Ministro de Cultura de su país y que marca el viraje de la nueva poesía caboverdiana con el libro Nascimento de Um Mundo, y pensador sobre el fenómeno de la criollización en el mundo con Manifesto a Crioulização.
Compositor en los principales estilos de la música de Cabo Verde (morna, funaná, batuque y coladeira), su música ha sido cantada por Cesária Évora, Mayra Andrade, Lura y Lucibela, y por artistas de Brasil, Portugal, Francia e Italia.
Si Badyo (2007) reconstruía los estilos musicales caboverdianos resultantes de la llegada de las poblaciones de África Occidental y Central a las islas, y Kreol (2010) homenajeaba al espíritu puro de lo criollo, Funanight busca sus raíces rítmicas en África Continental, pero también recuerda las canciones de la diáspora africana en el Caribe, desde el ska y el reggae a las sutilezas de la música cubana. Todo ello en alianza con la creación de ambientes sonoros de las islas y con voces a capella, en una prodigiosa "imitación" de la gaita y del bajo.
"Este disco es mi memoria del funaná, mi recorrido desde mi infancia en el Tarrafal hasta los barrios de Coqueiro, Castelão y Achada Mato, donde hoy vivo, auténticos laboratorios de nuevas canciones. Es mi homenaje. Salve a todos los que me precedieron".

Página web oficial: Mário Lúcio

tracks list:
01. Tema Di Minis (Onti)
02. Bu Juiz Bu Ordeja (feat. Wanda Baloy)
03. Confisson
04. Funanight (feat. Judith Sepuma)
05. Caoberdiano Barela
06. Tema Di Minis (Funaná)
07. Meu Coração Não Desiste
08. Homo Sabis
09. Cotxi Po
10. Vida
11. Nandinha (feat. Zeca Nha Renalda)
12. Pinton
13. Who The Cap Fit (Ken Ki Carapuça Sirbi)
14. Pomba (feat. Oliver Mtukudzi)
15. Cutelo Baixo
16. Tema Di Minis (Onti Remix)





Mayra Andrade – Manga (2019)

La cantante y compositora caboverdiana Mayra Andrade nos trae una música fresca y versátil, mezcla radiante de colores de su música materna con ritmos más tropicales. Canciones que evocan un verano eterno que dispersa nieblas y fríos. Cantadas en criollo caboverdiano, en inglés, en francés, en portugués, sus sonidos nos arrastran en su imprevisibilidad cálida y aventurera, entre el romanticismo occidental y la sensualidad del sur, el reggae y los ritmos africanos. Un pop tropical, actual y viajero.
Seis años después de dar un giro musical con Lovely Difficult (después de los estupendos Navega e Storia, Storia...) Mayra Andrade regresa en 2019 con un nuevo álbum y un nuevo sonido, Manga, un trabajo que traza una delgada línea que oscila entre lo urbano, el afrobeat y la música tradicional de su país de origen. Grabado entre París y Abiyán, Mayra Andrade explora un nuevo territorio musical con el productor Romain Bilharz, colaborando con su amigo y músico Kim Alves, famoso multiinstrumentista de Cabo Verde, Jean-Baptiste Gnakouri también en la producción y en la percusión, así como con una nueva generación de talentosos creadores de ritmos de África Occidental: el productor marfileño 2B y Akatché, procedente de la escena musical urbana de Dakar.
En definitiva, la música de Mayra Andrade evoca a Cabo Verde, a la costa brasileña y a las zonas desérticas africanas. Un trabajo que demuestra que se puede innovar manteniendo intactas las raíces.

Página web oficial: Mayra Andrade

tracks list:
01. Afeto
02. Manga
03. Pull Up
04. Vapor di Imigrason
05. Kodé
06. Limitason
07. Segredu
08. Plena
09. Tan Kalakatan
10. Terra Da Saudade
11. Guardar Mais
12. Badia
13. Festa Sto Santiago





Pink Martini – Je Dis Oui! (2016)

Pink Martini, la "pequeña orquesta de Portland", siempre se ha caracterizado por su diversidad cultural y por su fomento de la interculturalidad. Formada por artistas de distintas nacionalidades, "inevitablemente, nuestro repertorio es extremadamente variado. En un instante, es como si estuvieras en un desfile de samba en Río de Janeiro, y al momento siguiente estás en una sala de conciertos francesa de los años 30 o en un palacio napolitano. Es un poco como un documental de viajes" señala Thomas Lauderdale, miembro fundador de la banda junto con China Forbes.
Je Dis Oui! es el noveno álbum de estudio de Pink Martini, otra aventura alrededor del mundo, que incluye una lista de quince canciones -muchas de ellas originales- en francés, farsi, armenio, portugués, árabe, turco, xhosa e inglés, y vuelve a reafirmar el espíritu global que ha definido su sello desde hace 25 años. "Je dis oui" es el mantra optimista del coro de "Joli garçon", una de las tres canciones co-escritas por la banda para la película "Souvenir" (2016), protagonizada por la legendaria actriz francesa Isabelle Huppert. Además hay canciones cantadas por las dos cantantes del grupo, China Forbes y Storm Large.

Je Dis Oui! incluye voces invitadas, Ari Shapiro, corresponsal de la NPR (que canta una nueva versión en árabe de "La Soledad" del primer álbum de la banda, Sympathique), y Rufus Wainwright, quien canta una versión impresionante del clásico de Richard Rodgers & Lorenz Hart "Blue Moon". El álbum también marca el debut de dos viejas amistades de la banda: Ikram Goldman, gurú de la moda, y Kathleen Saadat, activista de derechos civiles.

Página web oficial: Pink Martini

tracks list:
01. Joli garçon
02. The Butterfly Song
03. Kaj Kolah Khan
04. Ov sirun sirun (feat. Ari Shapiro)
05. Love for Sale
06. Solidão
07. Al Bint Al Shalabiya (feat Ikram Goldman)
08. Souvenir
09. Aşkim bahardı
10. Finnisma Di (feat. Ari Shapiro)
11. Segundo
12. Blue Moon (feat. Rufus Wainwright)
13. Fini la musique
14. Pata Pata
15. Serenade





Souad Asla & les femmes de la Saoura – Lemma (2018)

La cantante Souad Asla creció en la región de Béchar, en Saoura (el Sáhara argelino). Establecida en Francia, regresa allí regularmente, yendo principalmente a la pequeña aldea de Taghit, donde, cada viernes por la tarde, durante siglos, las mujeres se reúnen. Cantan, bailan, se acompañan de instrumentos ancestrales, discuten y se ayudan. Un verdadero espacio de libertad donde la música se convierte en una lucha social, cultural y educativa. Tras observar que cada año, a su regreso, una de las ancianas ha desaparecido y la nueva generación ya no se siente preocupada, Souad Asla comenzó hace unos años una obra titánica de recopilar el patrimonio musical del Sáhara en peligro de extinción. También logra convencer a tres generaciones de mujeres para que abandonen la intimidad de su círculo para actuar en el escenario con ella y la complicidad de Hasna el Becharia, su maestra absoluta.
Lemma se puede traducir como una reunión, encuentro, asamblea. También puede significar cosechar o recoger. Tantos significados para este proyecto con estas mujeres del Sáhara Occidental, convencidas de que no se debe permitir que desaparezca su tradición oral, y que deben preservar una cultura llena de influencias nómadas, lo que significa recopilar canciones ancestrales que se han cantado y bailado a lo largo de los siglos.

En Lemma, las mujeres de la Saoura se reúnen y comparten esas canciones que dan ritmo a sus vidas en su tierra. De la diwan al malhûn, zaffânî, gnâwi, hadra, al-ferda, hidûss (haydous)… estos bailes y géneros musicales encuentran su fuerza en canciones y ritmos heredados tanto de esclavos del Imperio sudanés como de las tribus bereberes y beduinas. Esas mujeres son la voz que habla con valentía de una cultura abierta y compleja, con sus muchas influencias. El espectáculo, compuesto de cuadros sucesivos, les permite expresar su felicidad de estar juntas en un escenario, y describe una lucha por la vida que debe ser afrontada con alegría.
En el cuadernillo que acompaña la edición del disco (escrito por el antropólogo Abderrahmane Moussaoui) se describen los distintos géneros que se abordan en Lemman. Al-farda es un género con canciones religiosas pero también con largas odas dedicadas al amor, cercano al sufismo, con un ritmo bastante lento. Aziza Tahri es la especialista. El Zaffânî se canta tradicionalmente entre familiares y amigos en fiestas privadas y celebraciones, acompañadas por el bendir (tambor bereber), también canciones sobre el exilio y la bienvenida... El Malhûn ("poema melódico") es un estilo poético y espiritual, que toma sus modos de la música andalusí. El Hidûss (Heydous o Ahidous) es un baile bereber muy popular que se realiza a menudo durante las celebraciones. Los hombres y las mujeres se colocan codo con codo y forman círculos, y los cuerpos se balancean en un movimiento muy sensual. Ha sido uno de los rituales tradicionales de las bodas, para ayudar a las personas a encontrarse unas a otras. El Gnâwi originalmente describe la música del pueblo gnawa, oscilando entre el lamento y la celebración, similar al blues de las y los esclavos en las plantaciones negras. En el disco está representado por Hasna El Becharia, quien también toca el guembri (un instrumento ancestral del Gnâwi), el banjo y la guitarra eléctrica. Fatima Abbi presta su voz a las canciones gnawa de esclavos negros, lentas y complejas. Y el Hadra es un trance colectivo practicado durante los rituales sufíes, que sigue las canciones de grandes celebraciones místicas.
Como señala Asla, "hay muchas influencias, increíbles variaciones rítmicas, una gran variedad de temas y tradiciones transportados por estas canciones. Lemma, el espectáculo, descrito a través de diferentes cuadros de vida en nuestra región, desde la suavidad de una canción de amor hasta el trance espiritual nacido de la repetición. La única canción que escribí, ´Lemti´, es una canción que rinde homenaje al grupo, de gratitud a las once mujeres que forman parte de esta ´unión´ musical. Todo mi agradecimiento por acompañarme en esta aventura para preservar esta música".

facebook: Souad Asla

Personal:
Souad Asla – voz, percusión
Hasna El Bécharia – voz, guembri, banjo
Brik Mebrouka – voz, percusión
Fatima Abbi - voz, percusión
Anebi Khedidja - voz, percusión
Rabia Boughazi - voz, percusión
Sabrina Cheddad - voz, percusión
Aziza Tahri - voz, percusión
Zohra Kharabi - voz, percusión
Zahoua Boulali – voz, percusión
Ismahane Cheddad – voz, percusión

tracks list:
01. Lemti
Al-farda
02. Sidi Moulanaa
03. Maachouk NBI
Zaffânî
04. Slamet Lahbab
05. A lala y´a lalla
06. El-Hadjadj
Malhûn
07. Slat El Fedjer
08. Zine Lemma
09. Baba Mimoune
Hidûss
10. Rabhou Bslat Nabi
11. Kheirli Ana
Gnâwi
12. Ali Ya Ali
13. Sidi Mimoune Gnawi
Hadra
14. La illah ila Allah
15. Allah Moulana
16. Yallah Moulana





Mehdi Rostami & Adib Rostami - Melodic Circles. Urban Classical Music from Iran (2018)

Melodic Circles es el nuevo álbum escrito y producido por dos músicos iraníes de formación clásica, los primos Mehdi Rostami y Adib Rostami. Ambos son maestros de sus instrumentos: Mehdi es un experto del setār (variación persa del laúd), mientras que Adib acompaña con el tombak (tambor de copa). Melodic Circles tiene sus raíces en la música tradicional kurda de la provincia de Fars, considerada la capital cultural de Irán.
A medida que aprenden su oficio, las y los músicos clásicos iraníes despliegan su habilidad a partir de la doble tarea que tienen que desarrollar. Por un lado, aprender las viejas melodías transmitidas de generación en generación, llamadas "radifs". Posteriormente, transformarlas en algo nuevo a través de un proceso de hábiles improvisaciones. La música clásica iraní se basa en radifs y cientos de dastgāh (equivalentes a escalas) para crear círculos melódicos de emoción, interés y mística. En propias palabras, Adib describe la creación de Melodic Circles como "un viaje en un círculo de melodías iraníes con un enfoque contemporáneo de la música tradicional... Todas las melodías iraníes están unidas en sistemas modales, por lo que el disco es un círculo melódico y una colección de melodías".
Melodic Circles está construido alrededor de dos dastgāh musicales urbanos, el primero es "Bayāt-e Tork" que comprende 3 piezas: "Nostalgia", "Journey" y "Delight". El segundo "Bayāt-e Esfahān" incluye "Lonely", "Life", "Past" y "Mystic Dance". Un trabajo que nos viene a mostrar la fuerza técnica y creativa de dos jóvenes músicos que han alcanzado un alto nivel de virtuosismo, quienes son capaces de convertir cada actuación en un nuevo descubrimiento musical. Como describe Adib en una entrevista en la Asia House de Londres, "La improvisación es la esencia central de la música iraní. Se llama improvisación porque el día de la actuación siempre hay nuevas adiciones que vienen a la mente. Es un proceso muy largo para ser un improvisador; tienes que practicar en casa e interpretar materiales tradicionales, así como crear tus propias piezas. Cuando se trata del concierto, el 70 por ciento de lo que toca un improvisador es lo que ya ha practicado en casa, pero según el día y la atmósfera, cambiará... La improvisación es el núcleo de la música persa y del jazz".
Adib Rostami se mudó al Reino Unido hace unos años para estudiar Music Industry Management en la University of East London y ahora interpreta música iraní en todo Londres. El proyecto Reflections of Silence de Adib Rostami, con la arpista kurda Tara Jaff y el maestro de tabla Sirishkumar Manji, fue seleccionado como uno de los 10 grandes eventos del Reino Unido por la revista Songlines después de su debut en Londres en 2014.
Melodic Circles es el lanzamiento, a nivel internacional, de Mehdi y Adib Rostami bajo la producción de ARC Music. Enraizadas en la antigua tradición musical iraní, sus temas presentan una perspectiva fresca y contemporánea de esta música que nos sumergen en una atemporalidad evocadora y exótica.

tracks list:
Circle One: Bayāt-e Tork:
01. Nostalgia
02. Journey
03. Delight
Circle Two: Bayāt-e Esfahān:
04. Lonely
05. Life
06. Past
07. Mystic Dance



Catrin Finch & Seckou Keita – SOAR (2018)

Aquí tenemos, por fin, el tan esperado nuevo álbum de este notable dúo formado por la gran arpista galesa Catrin Finch y el griot y virtuoso de la kora Seckou Keita. Han hallado lugares mágicos en los que encontrarse explorando la convergencia musical entre Gales y Senegal y, cinco años después de Clychau Dibon, SOAR celebra, de nuevo, esta conexión.
Osprey (el águila pescadora) es una magnífica ave que pasa el invierno en África occidental, y migra cada año a Gales traspasando fronteras artificiales en un épico viaje de resistencia. Y ha comenzado a reproducirse en el País de Gales por primera vez desde principios del siglo XVII. La primera águila pescadora nacida en esta tierra en los últimos años, que viajó a África y regresó para reproducirse en el Reino Unido, fue bautizada como "Clarach". "Saben dónde encontrarán paz y felicidad", "He estado en el mismo viaje, pero de una manera diferente", dice Keita.
Inspirado en su historia, SOAR explora temas de migración y viaje, emocional y físico, descubriendo y celebrando los paralelos y las diferencias cuturales entre el arpa galesa y la kora africana.

Precisamente "Clarach" da nombre a la pista de inicio del disco, una pieza tranquila y suavemente flotante que se convierte en un dúo en alza. A partir de aquí, tanto Finch como Keita comienzan a mostrar su excelencia. "Bach to Baïsso" incluye un extracto de las "Goldberg Variationem", nunca antes interpretada en la kora, junto con una antigua melodía senegambiana. "1677" es una pieza meditativa y atmosférica inspirada en los recuerdos de la infame estación esclava de Gorée en África, mientras que "Cofiwch Dryweryn" es otro lamento, por otro valle galés que se inundó para crear un embalse. Es un disco exquisito. Incluso las notas del libreto, por Andy Morgan, resultan fascinantes, escritas desde el punto de vista de Clarach el águila.
En definitiva, la creación de Catrin Finch y Seckou Keita vuelve a ser un testimonio mágico, hipnótico y etéreo, que perdurará durante años como uno de los encuentros que han producido más y bueno por y para la integración de las culturas.

Página web oficial: Catrin Finch & Seckou Keita

tracks list:
01. Clarach
02. Téranga-Bah
03. Yama Ba
04. Bach to Baïso
05. 1677
06. Listen to the Grass Grow
07. Hinna-Djulo
08. Cofiwch Dryweryn





Rachid Taha - Made in Medina (2000)

Rachid Taha, el hombre que construyó esa pequeña choza en la carretera donde el rock'n'roll conoció la música del norte de África y se enamoró, falleció el pasado 12 de septiembre. Era un lugar salvaje y solitario, lleno de controversia y transgresión cultural, no apto para débiles de corazón o espíritu. Solo un músico de su coraje intelectual y originalidad sin concesiones pudo haberlo habitado durante tanto tiempo.
Taha, icono cultural dentro y fuera de Francia, fue uno de los principales responsables de la popularización, fuera de África, de la música chaâbi argelina, mezclándola con el räi, rock, punk, techno y otros estilos, un eclecticismo cultivado sin ningún tipo de complejo.
Denunció a lo largo de su carrera las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia. "Ya Rayah", en su magnífico Diwân (1998), es una versión de Dahmane El-Harrachi que se convertiría en himno para las y los migrantes de Argelia.

En Made in Medina, grabado en 2000 en Londres, New Orleans y París, Taha lleva la combinación entre rock y los sonidos norteafricanos a su punto más alto. Producido también por Steve Hillage (al igual que hiciera con Diwân y Diwân 2), el plantel de artistas que hicieron su aporte al álbum es tan cosmopolita como los tres destinos elegidos para realizar la grabación, lo que deja su impronta a lo largo del disco.
Guitarras distorsionadas que parecen provenir de las alturas de los kasbah (barrios fortificados en las alturas de las colinas) de su Orán natal; cuerdas y percusión orientales, cadencias hipnóticas en letras y ritmos; un bilingüismo típico de lxs magrebíes migradxs a Francia, y ningún tipo de prejuicios en cuanto a estilos o nacionalidades, hacen de Made in Medina un disco obligatorio para todas aquellas personas buscadoras de nuevas expresiones en la música mundial.
Con variedad estilística y lingüística, excelentes composiciones y mejor aún ejecución instrumental (la tríada guitarra eléctrica+cuerdas+percusión es sublime), Made in Medina es otro de sus ejemplos de que desde Argelia se podía hacer rock sin perder las raíces.
Taha descansa en paz bajo su natal Argelia, pero su alma se amotina entre las nubes. Innovador incomparable, un valiente transgresor de las normas culturales y el pensamiento perezoso, un tipo de persona a la que, probablemente, no volveremos a ver durante mucho, mucho tiempo.

facebook: Rachid Taha officiel

tracks list:
01. Barra Barra
02. Foqt
03. Medina
04. Ala Jalkoum
05. Aïe Aïe Aïe
06. Hey Anta
07. Qalantiqa
08. En Retard
09. Verité
10. Ho Cherie Cherie
11. Garab





-M- – Lamomali (2017)

Matthieu Chédid, conocido también como –M-, es un compositor, cantante, productor, fotógrafo y guitarrista francés de raíces egipcias y libanesas. Nieto de la poetisa Andrée Chédid y destacado en el ámbito del rock alternativo francés, Matthieu ha desarrollado una trayectoria artística admirable, que lo ha encumbrado como uno de los músicos más importantes, respetados y admirados en los países de habla francesa.
Chédid descubrió Malí gracias a su amistad con la pareja de cantantes malienses Amadou & Mariam y, con los años, el país africano se volvió su musa. Su sexto album, puente musical con África, nació de otra amistad. Mathieu Chedid creó y grabó este proyecto titulado Lamomali (contracción de "l´âme au Mali", el alma de Mali) con dos leyendas malienses de la kora: Toumani Diabaté y su hijo Sidiki Diabaté. Además, cuenta con la participación de un auténtico quién es quién de cantantes e instrumentistas venidos de todo el continente africano (por ejemplo, Youssou N´Dour, Amadou & Mariam o Fatoumata Diawara) y también con grandes nombres internacionales como Santigold, Jain, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Phillipe Jaroussky y el rapero y poeta francés Oxmo Puccino.

El resultado son once temas que transitan muy diferentes texturas sonoras, todas con raíces en el continente africano. Un disco afropop con rock y electrónica, donde el sonido cristalino y delicado de la kora juega con la guitarra electrónica, oscilando entre momentos contemplativos y ritmos explosivos. La canción "Une âme" (Un alma) "habla del hecho de que, incluso el más pobre, cuando escucha la kora, sonríe, cree en el mismo y en el futuro", explicó a la prensa Fatoumata Diawara, la voz femenina en este disco y que denuncia la situación de prohibición de la música en el norte del país, "No nos pueden robar la música, la música es el alma de mi país".
Lamomali es también una invitación a bailar y a celebrar el estar juntxs ("Bal de Bamako"), a celebrar el mestizaje ("Solidarité"), y una generosa invitación a descubrir la energía y la luz de Malí (por ejemplo, la bellísima "Mama"). Un trabajo caleidoscópico, cosmopolita y ajeno a cualquier etiqueta genérica que se le pueda poner.

Página web oficial: Matthieu Chédid

tracks list:
01. Manitoumani - M, Sidiki Diabaté, Fatoumata Diawara
02. Bal De Bamako – M, Fatoumata Diawara, Oxmo Puccino
03. Cet Air – M, Fatoumata Diawara
04. Interlude
05. Une Âme – M, Fatoumata Diawara
06. Le Bonheur – Philippe Jaroussky, Kerfala Kanté
07. Solidarité – Santigold, -M-, Hiba Tawaji, Ibrahim Maalouf, Seu Jorge, Nekfeu, Youssou N´Dour, Sanjay Khan, Chacha
08. Toi Moi – M, Fatoumata Diawara, Louis Chédid
09. L´Âme Au Mali – M, Amadou & Mariam, Jain
10. Mama – Mamani Keita, Moriba Diabaté
11. Koman Le Héros





Alexandra Stréliski – Inscape (2018)

Inscape es el último trabajo de Alexandra Stréliski, pianista y compositora que trae aires nuevos al mundo de la música neoclásica, cuyas composiciones de su primer trabajo Pianoscope (2010) han servido de fondos sonoros de series tan aclamadas como "Big Little Lies" (2017) y "Sharp Objects" ("Heridas Abiertas", 2018).
Grabado en otoño de 2017 en el Studio PM en Montreal (y editado por Secret City Records), Inscape es el trabajo de una artista que no se preocupa por las convenciones, cuyo enfoque del neoclasicismo es resueltamente actual. Producida por la misma Alexandra Stréliski y Maxime Navert (quien también coprodujo Pianoscope), su composición resulta de una época de vacío emocional, "Para mí", dice Stréliski, "Inscape fue una crisis existencial. Un año en el que todo se volcó y tuve que atravesar varios paisajes interiores: ajetreado, hermoso y doloroso al mismo tiempo". En su travesía por estas vivencias, sigue un impulso creativo que se compromete a devolver a la persona oyente a una forma de sinceridad perdida. "Un piano, por sí solo, es algo muy vulnerable, y quiero compartir este momento con el oyente".
Si Pianoscope miraba hacia el exterior con sus ricas y brillantes pistas de piano, Inscape vuelve su mirada hacia el interior, cambiando la luminosidad por un toque de melancolía y anhelo. El título del álbum es una combinación de "interior", "paisaje" y "escape": la música de la pianista y compositora es frágil y vulnerable y, en ella, el optimismo de la superficie actúa como una máscara de su profunda introspección. A la vez, Inscape transmite una profunda sensación de calma.
La nostalgia que desprende este álbum emerge de sus colores difuminados y del sonido melancólico del piano con sordina que domina muchos de sus temas. La inicial "Plus tôt" es un plácido vals y "The Quiet Voice", una cadenciosa miniatura. Stréliski vuelve al sonido imponente del piano de cola en la bella "Burnout Fugue", una fascinante tocata, antes de explorar la exquisita melodía de la balada "Revient Le Jour".
El hecho de que Stréliski sea tan capaz de evocar tal complejidad emocional a partir de un solo instrumento, anuncia mucho por venir a medida que continúa acercándose a la altura de sus poderes compositivos. En definitiva, Inscape es una mirada poderosa hacia un nuevo paisaje neoclásico.

Página web oficial: Alexandra Stréliski

tracks list:
01. Plus tôt
02. The Quiet Voice
03. Par la fenêtre de Théo
04. Ellipse
05. Changing Winds
06. Interlude
07. Blind Vision
08. Burnout Fugue
09. Overturn
10. Revient le jour
11. Le Nouveau Départ





Alexandra Stréliski – Pianoscope (2010)

Alexandra Stréliski es una pianista y compositora afincada en Montreal, de origen polaco, cuya música se distingue por su sensibilidad y suavidad, que a veces evoca a Erik Satie, Philip Glass y Michael Nyman. Concertista y valor excepcional en el mundo de la música neoclásica, Stréliski crea música que cautiva a las y los oyentes, de calidad cinematográfica, afinada por años trabajando en publicidad como compositora.
Educada entre París y Montreal, hizo su debut en solitario con Pianoscope en 2010, siendo sus temas descubiertos por el gran público a través de las películas "Dallas Buyers Club" (2013) y "Demolition" (2015), al trailer de la Temporada 2 de la aclamada serie de HBO "Big Little Lies" (2017) y, más recientemente, en el desenlace final de la también serie de HBO "Sharp Objects" ("Heridas Abiertas", 2018), trabajos en los que el director y productor Jean-Marc Vallée colocó canciones del disco. Animada por la gran acogida hacia su música, en 2018 acaba de editar su segundo disco Inscape (de nuevo producido por ella y Maxime Navert).

En Pianoscope, las formas rítmicas son muy simples: arpegios o patrones básicos de acompañamiento de piano. Las armonías son frescas, combinando lo esperado con lo inesperado, y bellamente adornadas con líneas melódicas simples. Las melodías y las estructuras de los acordes suenan a clásico, pero se presentan como un producto nuevo y fresco porque Strélinski compone desde lo que siente, no desde lo que piensa.
Si se considera, también, el hecho de que el piano es un instrumento asombrosamente emocional, capaz de expresar multitudes de sentimientos, entonces no resulta extraño suponer que un álbum que contiene solo el piano tenga el potencial de ser la música más expresiva. Y aquí reside el éxito de este trabajo, un álbum emotivo, intensamente personal pero con el que es fácil trazar paralelismos entre sus pasiones y las nuestras, un disco que transmite con precisión y fragilidad el mundo que nos rodea. Un hito.

Página web oficial: Alexandra Stréliski

tracks list:
01. Prélude
02. Automne
03. Sous l´eau
04. Le sablier
05. La leçon
06. New York
07. Valse pour maman
08. Bourrasques
09. Le vieillard
10. Comptine
11. Lé départ
12. Berceuse





Fatoumata Diawara – Fenfo (2018)

Fatoumata Diawara estableció su reputación como una de las cantantes y compositoras más creativas de Malí gracias a su notable álbum de debut, Fatou, editado en 2011. Desde entonces, ha estado involucrada en una variedad de proyectos, que incluyen colaboraciones con el pianista cubano Roberto Fonseca, con sus colegas malienses Amadou & Mariam y Oumou Sangaré, brillando con luz propia en el proyecto Lamomali (2017) del artista francés Matthieu Chédid (alias –M-). Precisamente él produce este magnífico Fenfo, que se traduce como "algo que decir", un trabajo de clase que demuestra su impresionante rango musical.
Sus canciones son melódicas, suaves y ricas en cuerdas: kora, n´goni, guitarra eléctrica, chelo y, por encima de todo, una voz que suena más conmovedora y expresiva que en su álbum debut, rodeada por una destacada banda. En su primer álbum participó Toumani Diabaté; en este segundo, el elenco incluye a su hijo Sidiki Diabaté, junto con el mismo Matthieu Chédid y el extraordinario chelista Vincent Ségal.

Las letras, en su mayoría en bambara, con ocasionales incursiones en inglés, abordan preocupaciones especialmente sentidas en el continente africano (incluyendo las demandas para poner fin a la prohibición de matrimonios entre personas de distintas etnias). En la emocionante "Nterini" canta sobre el drama de la emigración. En la bluesera "Kokoro" alienta a las y los africanos a abrazar su color y su cultura. Las canciones abarcan toda una variedad de estilos, desde el fresco y melódico afropop hasta el gentil blues de "Mama", r&b a la africana como "Kanou Dan Ye", y funk y toques de rock en "Negue Negue" y "Bonya". El álbum cierra con un encantador dueto de guitarra acústica y violonchelo de "Don Do".
En definitiva, un extraordinario trabajo que ejerce de majestuoso puente entre el pop y las músicas africanas.

Página web oficial: Fatoumata Diawara

tracks list:
01. Nterini
02. Kokoro
03. Ou Y' An Ye
04. Kanou Dan Yen
05. Fenfo
06. Negue Negue
07. Mama
08. Takamba
09. Bonya
10. Dibi Bo
11. Don Do





Agnes Obel – Aventine (Deluxe Edition, 2014)

Influenciada tanto por Joni Mitchell como Debussy y Satie, la danesa afincada en Berlín Agnes Obel cautivó al público tanto de su país como del extranjero con su hermosísimo Philharmonics, melancólico álbum debut de 2010 en el que descubríamos a una de las pianistas y compositoras europeas con más potencial de los últimos años. Este debut se corona por completo en 2013 con la llegada de Aventine, un trabajo mucho más maduro que continúa en la misma línea de composiciones clásicas y contemporáneas, reforzado por las magistrales cuerdas de Mika Posen y Anne Müller.
Los temas instrumentales, incluyendo el oscuro y nostálgico tema de apertura "Chord Left" y la breve melancolía de "Tokka", son una muestra de su reposada excelencia instrumental, que se destaca en el colosal "September Song" (incluido en la edición Deluxe de 2014, y que ha sido popularizado al ser utilizado como coronación del desenlace de la serie de HBO "Big Little Lies"). Es en "Fuel To The Fire" donde Obel muestra su fina voz, enarbolando gran confianza y seguridad. Ese mismo tono, en un formato más cavernoso, es el que se describe posteriormente en "Dorian", donde las notas instrumentales sirven como base del controlado estallido vocal de la danesa. En "Aventine" el sentido melódico da un giro notable, pasando la voz de Agnes a un ligero segundo plano y otorgando el protagonismo a una inquietante melodía generada por un dinámico violonchelo; "The Curse" es uno de los temas con vocación de single de este delicioso disco.

"Pass Them By" es un tema colorista, que haya su contrapunto en la siguiente canción "Words Are Dead" que suena como un corte lúgubre e invernal. Y para cerrar el disco, Obel nos despide con una sensible joya, "Smoke & Mirrors".
Sin duda alguna, Aventine es un maravilloso álbum de otoño, donde se exculpen cuerdas y piano en ondulaciones bellamente melancólicas que se prolongan en la edición Deluxe que compartimos que, además de los once cortes originales, incluye tres nuevos temas de estudio, seis de los temas del disco en directo y dos versiones: una del productor y compositor Daniel Matz, y una remezcla del director de cine David Linch.

Página web oficial: Agnes Obel

tracks list:
01. Chord Left
02. Fuel To Fire
03. Dorian
04. Aventine
05. Run Cried The Crawling
06. Tokka
07. The Curse
08. Pass Them By
09. Words Are Dead
10. Fivefold
11. Smoke & Mirrors
12. Under Giant Trees
13. Arches
14. September Song
15. Run Cried The Crawling (live)
16. Chord Left (live)
17. Fuel To Fire (live)
18. Aventine (live)
19. Words Are Dead (live)
20. The Curse (live)
21. Dorian (Daniel Matz Rework)
22. Fuel To Fire (David Lynch Remix)







La Mambanegra – El Callegüeso y su Malamaña (2017)

La Mambanegra es una orquesta de once miembros de Santiago de Cali que desarrolla un sonido que ellos mismos llaman "colombian break salsa" y que está inspirado en las orquestas de salsa que triunfaron en el Nueva York de los años 70 del siglo XX, al que incorporan influencias del r&b, el hip hop y el reggae.
Inspirada en la historia de un héroe anónimo y mítico del Barrio Obrero, quien tuvo una serie de aventuras fantásticas en Cali, La Habana y Nueva York, esta orquesta trae un nuevo concepto de la salsa y la música latina para el Mundo: "Dice la leyenda que alguna vez existió un personaje llamado Tomas Rentería -hijo de la nigeriana Belarmina Rentería- que se embarcó como polizón en un buque que zarpo del puerto de Buenaventura hacia New York. Rentería fue capturado en el barco y, sin misericordia, arrojado a las aguas cálidas de Cuba. Dice, además la leyenda, que Rentería tenía tan buena suerte que un babalao lo salvó de ahogarse y lo cuidó por un buen tiempo, lo bautizo además con el nombre de El Callegüeso. En la Habana conoció al legendario conguero Chano Pozo, el cual le regaló una flauta proveniente de África a la que le decían La Mambanegra. De nuevo como polizón, el recién bautizado Callegüeso logró completar su viaje hasta New York y en los años 40 del siglo pasado fundo su orquesta Mambanegra".

Como esta historia suena El Callegüeso y su Malamaña, la opera prima de La Mambanegra. Creada y dirigida por el compositor, arreglista, saxofonista y vocalista colombiano Jacobo Vélez, La Mambanegra propone un discurso musical con elementos urbanos como el hip hop, el funk y la música antillana. Jacobo -quien a su vez fundó La Mojarra Eléctrica- logra crear todo un universo visual y sonoro a partir de historias urbanas que entrelazan el Barrio Obrero de Cali con el malecón de La Habana. Acontecimientos surrealistas, vivencias de esquina, y la picardía propia de un músico con horizontes infinitos, logran que esta grabación (realizada en su mayoría en Cali por Bombo Records) difícilmente pueda ser etiquetada, como precisamente pretende el experimentado saxofonista.
Además de los once músicos base de La Mambanegra, otros/as artistas invitados/as hicieron parte de la grabación: la holandesa Maite Hontelé se destaca en el solo de trompeta de "Puro Potenkem". Eddy Martínez, pianista colombiano, participa en la bella melodía "Cantare Para Vos", una pieza inspirada en la nueva trova cubana. "La Compostura" destaca al trombonista Edgardo Manuel; el trompetista cubano Yasek Manzano despliega su virtuosismo en "El Blues de Yemaya", mientras que Andrés "Chinito" Escobar ejecuta la batería en "Me Parece Perfecto", una explosiva descarga en homenaje al timbalero Wilson Viveros.

Página web oficial: La Mambanegra

Personal:
Jacobo Vélez "El Callegüeso": vocales y saxofón
Carolina Mosquera Arrechea: canto
Julia Díaz: canto
Fabio Martínez "Mifa Lucumi": trombón
Sergio "Checho" Orobio: coros y güiro
Harold Orozco: batería y timbal
Juan Carlos Arrechea: congas
Jefferson Arango: congas
Daniel Gutiérrez: teclado
Roger Torres: trompeta
Jeffry Obando: bajo
Jorge Andrés Caicedo: bajo
Carlos Peralta: guitarra
Brayan Parker: saxofón barítono
Víctor González: teclado
Frank Alexis: saxofón barítono
Diego "Cachorro" Giraldo: trompeta

tracks list:
01. Puro Potenkem (feat. Maite Hontelé & Denilson Ibargüen)
02. El Sabor De La Guayaba (feat. Santiago Jiménez)
03. Cantare para Vos (feat. Eddy Martínez)
04. La Compostura (feat. Edgardo Manuel)
05. La Fokin Bomba (feat. Santiago Jiménez)
06. El Blues De Yemaya (feat. Yasek Manzano)
07. Kool And The Mamba
08. Me Parece Perfecto (feat. Chinito Escobar)
09. El Malembe (feat. Wilson Viveros)
10. Barrio Caliente (feat. Jorge Huertas)