She´Koyokh – Wild Goats & Unmarried Women (2014)

El grupo She’Koyokh se ha convertido en uno de los tesoros musicales de Londres. Con artistas procedentes de Reino Unido, Turquía, Serbia y Suecia, está considerado como uno de los mejores en el territorio sonoro del klezmer, la música turca y los sonidos balcánicos.
She'Koyokh es una palabra yidis que significa "bien hecho!". Comenzaron en el East End londinense en 2001 como una banda popular de calle, estableciéndose gracias al apoyo del Millennium Award del Jewish Music Institute e iniciando su carrera internacional con compromisos en el Amsterdam’s Concertgebouw, el Festival de Cultura Judía de Munich y en la televisión y la radio de la BBC.
En 2008 la banda fue galardonada con el primer premio del Festival Internacional de Música Judía de los Paises Bajos, publicando Sandanski’s Chicken, que será el último proyecto en el que participe uno de sus miembros fundadores, el acordeonista Jim Marcovitch, que fallece meses después. Ese mismo año, la vocalista kurdo-turca Çiğdem Aslan se incorpora al grupo, lo que permite expandir su repertorio para incluir temas de los Balcanes, el Mediterráneo y el folclore turco. En 2011 editan su segundo disco, Buskers Ballroom, y en marzo de 2014 sale su tercer trabajo Wild Goats & Unmarried Women, siendo todos sus discos aclamados de forma unánime por la crítica y el público.

Wild Goats & Unmarried Women sorprende por la variedad de temas. Si hacemos un repaso de la composición de la banda nos podemos hacer una idea de lo que nos encontramos en este trabajo:
  • Çiğdem Aslan como vocalista. Nacida en Estambul, puede cantar en turco, kurdo, griego, búlgaro y ladino, siendo muy demandada para colaborar en otros proyectos, además del suyo propio (Mortissa, editado en 2013, es su primer disco en solitario).
  • Susi Evans es la clarinetista del conjunto. Es miembro fundadora de She'Koyokh. Graduada en Londres, estudió posteriormente en Turquía y Bulgaria, consiguiendo un dominio del instrumento que la ha llevado a colaborar con diferentes grupos y orquestas y a ejercer, con mucho éxito, como profesora.
  • Meg-Rosaleen Hamilton toca el violín. Su repertorio abarca desde la música griega, búlgara, turca, y árabe, hasta el flamenco, como lo corroboran la cantidad de proyectos en los que interviene.
  • Živorad Nikolić estudió acordeón en Kragujevac, Serbia, antes de llegar a Londres, donde se graduó. Por su origen, siempre ha estado ligado a la música tradicional balcánica.
  • Matt Bacon toca la guitarra, aunque por su perfil de multiinstrumentista, a veces lo vemos aparecer en otras facetas musicales. Proveniente del jazz y el pop, su giro hacia la música acústica le llevo a incorporarse al grupo en 2002. Su curiosidad le ha llevado a recorrer gran cantidad de países para investigar sobre las características musicales de los mismos.
  • Paul Tkachenko interviene con su contrabajo y su voz. Fue en Alemania donde se interesó por la música turca y, posteriormente, por la de Europa del Este. Además del contrabajo, también toca la tuba y se dedica también a la música desde el punto de vista teórico, con algunas publicaciones en su haber.
  • Ben Samuels toca la mandolina. Originario de San Francisco, estudió en Londres. Autodidacta, con raíces en la comunidad irlandesa-judía, ahora trabaja como artista, escritor y director en el Reino Unido y Europa.
  • Vasilis Sarikis es el multipercusionista del grupo, un artista griego especializado en percusión del Mediterráneo y los Balcanes, formado ampliamente en la bateria, el jazz, música de Brasil y del sur de India.
  • Así, pues, el repertorio del disco se compone de quince temas de un estilo amplio: temas de origen sefardí, versiones judías de danza populares húngaras y klezmer y una canción judía-ucraniana ("Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'", "Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov", "Der Filosof / Flatbush Waltz y "Limonchiki"); canciones tradicionales kurdas y turcas ("Esmera Min (Mi Morena)" y "Teke Zortlatması"); melodías rumanas y búlgaras ("Hora De La Munte", "Ţigăneasca De La Pogoanele" y "Kopano Horo"); melodías y canciones griegas ("Argitikos Kalamatianos", "Selanik Türküsü" y "Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'"); una canción popular búlgara de origen zíngaro, "Kopano Horo"; una canción de amor de tradición bosnia ("Moj Dilbere"), una danza en círculo muy popular en las bodas en Serbia ("Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo"), y un popurrí con una danza de boda bulgara y una canción compartida entre sefardíes y turcos ("Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana").
    En definitiva, un delicioso eclecticismo, un conjunto de canciones desde realidades y tradiciones muy distintas que She´Koyokh consigue agrupar de forma coherente y con una altísima calidad, tanto en las voces como en las interpretaciones musicales. Como señalan en B!ritmos, "Un grupo de referencia en el mundo de la música balcánica pero que va mucho más allá, abriéndose a todo un mundo de tradiciones colaterales". (Fuente: B!ritmos)

    Página web oficial: She´koyokh

    tracks list:
    01. Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov
    02. Esmera Min (Mi Morena)
    03. Hora De La Munte
    04. Ţigăneasca De La Pogoanele
    05. Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'
    06. Argitikos Kalamatianos
    07. Selanik Türküsü
    08. Kopano Horo
    09. Moj Dilbere
    10. Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo
    11. Teke Zortlatması
    12. Der Filosof / Flatbush Waltz
    13. Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana
    14. Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'
    15. Limonchiki





    Souad Massi – El Mutakallimûn (2015)

    Souad Massi es una de las voces más populares del Magreb, una artista que desarrolla una música próxima al folk-pop, un delicado folk-pop argelino rico en suaves armonías, que refuerza con unas letras humanas y sensibles. El Mutakallimûn (Masters Of The Word) está dedicado a grandes poetas árabes (desde Al Andalus hasta el siglo XX), diez canciones que son diez poemas que, pese a la belleza de sus versos, pocas veces han sido traducidos. Poemas que hablan de la libertad, el amor, la rebelión y la vida.
    El presente trabajo es el resultado de un proceso de descubrimiento personal de Souad que le llevó a conocer la Córdoba de Al Andalus y su legado, la ciudad más poblada y sofisticada de la Europa Medieval. Pero no fue el legado de matemáticos, astrónomos, juristas, teólogos, filósofos y poetas lo que le asombró, ni sus suntuosos palacios, mezquitas, sinagogas, iglesias y baños públicos, ni su biblioteca de medio millón de libros -la más grande de Europa en aquel momento-. Fue el hecho de que durante siglos, las religiones judía, cristiana e islámica convivieron en relativa paz y armonía bajo el dominio musulmán.
    Los frutos intelectuales de Andalucía jugaron un papel crucial en el desarrollo de la civilización europea en la Edad Media y posterior. Eruditos islámicos y traductores construyeron el puente que unía el mundo medieval a la filosofía de los antiguos griegos. Sabios cordobeses como el musulmán Ibn Rushd (Averroes) o el judío Moshé ben Maimón (Maimónides) encabezan el intento generalizado de conciliar el racionalismo de Aristóteles con los principios fundamentales del judaísmo y el Islam. En Al Andalus, la aplicación de la razón y la lógica para la mayoría de los temas básicos de la vida –la libertad, la naturaleza de la existencia, la naturaleza de Dios y de la fe- era el propósito de los estudiosos de la "kalam" o "el discurso" ("mutakallimûn" en plural). Científicos, filósofos, geógrafos, historiadores, matemáticos y poetas, todos podrían ser considerados mutakallimûn o "maestros de la palabra". Celebraban asambleas donde el conocimiento, el pensamiento y la habilidad verbal eran altamente apreciadas. En estos crisoles del discurso y de la interacción confiada se forjó la riqueza intelectual de Al-Andalus.

    Esta revelación se traduce para Massi, por una parte, en la formación Les Chouers de Cordoue, junto con el guitarrista Eric Fernández y otras y otros artistas de Andalucía y el Norte de África. Por otra parte, da a luz a otro impulso: "Estaba harta de todas las imágenes asociadas con el mundo árabe en general", dice Souad. "Quería rendir homenaje a estos mutakallimûn porque nos dejaron muchas cosas hermosas. Quería compartir todo esto con la gente que realmente no conoce la cultura árabe", celebrar la gran literatura árabe clásica y recordar al pueblo árabe de hoy sus orígenes, su historia, su cultura antigua, la lucha contra la tiranía y la opresión.
    Así que eligió sus medios: la música, la caligrafía y la poesía. Para componer y traducir las diez canciones (que también se explican por diez grafías), Massi ha necesitado la ayuda de algunos expertos en poesía árabe clásica, ya que su origen es bereber y su formación es principalmente bereber y árabe Chaabi, y con este proyecto "Quería compartir la belleza de la lengua árabe y su tamaño y la apertura de espíritu". En la traducción de los poemas ha contado con Mustapha Kharmoudi. Para ilustrar los poemas, con las hermosas grafías de Mohamed Bourafai y su hijo Aymen Bourafai.
    Para Souad Massi, la Poesía es fundamental, ya que es acción, es el poder de la palabra que da fuerza a las acciones de los hombres y de las mujeres. Y la poesía árabe, que siempre ha jugado un papel de liderazgo en toda la producción literaria árabe, desde antes de la llegada del Islam (hoy en este momento de dolor, confusión y desinformación que rodea el mundo árabe) puede continuar desempeñando un papel esclarecedor. Un retrato de la filosofía del amor, la paz y la tolerancia del Islam.

    facebook: Souad Massi

    tracks list:
    01. Bima El´Taaloul – What Is There To Feel Happy About? (El Moutanabi, siglo IX)
    02. Lastou Adri – I Do Not Know (Ilya Abou Madi, Líbano, 1889-1957)
    03. Ayna – The Visit (Ahmed Matar, Irak, 1954)
    04. Hadari – A Message To The Tyrants Of The World (Abou El Kacem El Chabbi, Túnez, 1909-1934)
    05. Sa´imtou Takalifa Al Hayati – I Am Tired (Zouhaïr Ibn Abi Salma, siglo VI)
    06. El Houriya – Freedom (Ahmed Matar)
    07. Faya Layla – I Remember (Nizami Ganjavi, Irán, siglos XII-XIII)
    08. El Khaylou Wa El Laylou – The Horse And The Night (El Moutanabi)
    09. El Boulbouli – The Sound Of The Whistling Nightingale (Al Asmaï, siglos VIII-IX)
    10. Saàïche – The Song Of The Powerful (Abou El Kacem El Chabbi)





    Aynur – Hevra (2013)

    Diez años después de su debut internacional con Keçe Kurdan (que la convirtió en una de las máximas exponentes de la cultura y la música kurda), Aynur Doğan presenta Hevra (“Juntos” en kurdo), en una línea similar a la de sus trabajos anteriores: una equilibrada conjugación de canciones tradicionales actualizadas y nuevas composiciones con influencias diversas.
    Seyir (2002), Keçe Kurdan (2004), Nûpel (2006) y Rewend (2010) son sus trabajos anteriores. En Hevra (2013) Aynur añade nuevos colores a su propuesta mostrando, al mismo tiempo, un innegable respeto por su cultura originaria y una intención por llevarla un paso más allá. Para ello cuenta con la brillante producción de Javier Limón, que enriquece el bagaje de la cantante kurda desde un sobrio y elegante trabajo en los arreglos llenos de acentos mediterráneos y orientales. Javier Limón consigue entrecruzar a la perfección instrumentos tradicionales como tembur, kaval y nay con ráfagas de guitarra, clarinete, piano y percusión (e, incluso, el cante) con la voz poderosa y expresiva de Aynur, que sobrevuela hasta límites insospechados.

    Hevra combina composiciones propias con tradicionales y de otros autores, y cuenta con un plantel de artistas al servicio de la intención del disco. Por ejemplo, Saúl Quirós pone su cante en “Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam”; Cermil Qoçgirî acompaña sólo con el tembur en el precioso “Sîsilê”, al igual que el piano de Ariadna Castellanos en el impresionante “Xerîw”. La percusión corre, en la mayoría de las veces, a cargo de José Ruíz “Bandolero”. Y la guinda, el zapateado de Belén López en “Yar Melek e”, otra de las muestras de la genialidad en la realización de Javier Limón. Hevra es, sencillamente… un disco espléndido.

    Página web oficial: Aynur Doğan

    tracks list:
    01. Peş Nare (It Makes No Headway)
    02. Ûrmiye (Urmia)
    03. Sîsilê
    04. Tobedar im (I Repent)
    05. Derya Kenarında Bir Ev Yapmışam (I Have Built a House by the Sea)
    06. Min Digo Melê (Remembering My Little Angel)
    07. Diyarbekir
    08. Xerîw (Poor Fellow)
    09. Reng Esmerê (Come, Come You with the nut coloured skin)
    10. Dil Ji Min Bir (She Stole My Heart Away)
    11. Yar Melek e (My Lover is an Angel)





    Ferran Savall – Impro (2014)

    Ser autónomo, sentirse libre del dictado de la moda, de las reglas de la industria discográfica y de las etiquetas es el objetivo de Ferran Savall. El músico acaba de presentar su nuevo disco, Impro (en Alia Vox), un trabajo muy diferente a su primer álbum en solitario publicado en 2008. Un disco precioso.
    "Ferran Savall bebe de la música antigua y especialmente de la cultura mediterránea para crear un lenguaje artístico propio, fresco y actualizado" (tv3, 2009). Hijo de la soprano Montserrat Figueras y del violagambista y musicólogo Jordi Savall (fundador del proyecto de música barroca Hespèrion XXI), y hermano de Arianna Savall (soprano y harpista), desde sus primeros años ha estado en contacto cotidiano con el ambiente musical de estudio, de ensayos y de conciertos con los miembros de su familia, que tienen lugar en su casa. A los siete años empieza su formación musical, estudia violín y piano y los completa con estudios de canto, guitarra y, más tarde, de laúd, tiorba y guitarra barroca.
    En la adolescencia inicia sus estudios de guitarra en la Escuela Luthier con Xavier Coll. Paralelamente, con la idea de formarse en la interpretación de instrumentos antiguos y en el bajo continuo, sigue clases particulares con Rolf Lislevand, del que todavía es discípulo en la actualidad. Desde el año 2000 trabaja el canto moderno y prosigue sus estudios con Dolors Aldea y Petter Johansen. Durante los años 2001-2003, estudia los instrumentos antiguos en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) con Xavier Díaz-Latorre. Y también trabaja en diversas ocasiones con Andrew Lawrence-King en el marco de los "Cursos de Música Antigua de Cataluña" en Sant Feliu de Guíxols.
    En 2004 inició la aventura de tocar profesionalmente con su familia, seguida de la publicación del disco Du temps & de l’instant que los llevó a realizar conciertos por todo el mundo.
    Desde 2005 colabora con la bailarina y coreógrafa india Shantala Shivalingappa en distintos proyectos, el último de los cuales titulado Impro Sharana fue presentado en diciembre de 2014 en Barcelona y Girona. En 2008 inició su carrera musical en solitario con el disco Mireu el nostre mar con la ayuda de Mario Mas y la participación de Jordi Gaspar, Javier Mas y Dimitris Psonis, entre otros.

    Y también en 2014 ha presentado su última propuesta, Impro, que incluye piezas grabadas entre 2003 y 2011. Señala el propio artista que este trabajo "es una reconciliación conmigo mismo. Cuando empecé a cantar a los 20 años lo que más me gustaba era coger la guitarra e improvisar con mi voz". En aquella época no tenía ninguna necesidad de componer. En cambio disfrutaba "jugando, imitando la manera de cantar del pop, del gospel o de los árabes sin utilizar palabras, inventándome un lenguaje que puede recordar a algo pero no lo es". Y solía tocar en la calle, "que para mí ha sido la mejor escuela", apunta, sin miedo a experimentar y buscando esa comunión que permite aflorar los sentimientos en estado puro, dejando que fluyan ecos de sus influencias más diversas. Hasta ha creado su propio lenguaje creando un vocabulario que, sin palabras, evoca emociones: "Invento palabras que no existen. Las improvisaciones no cuentan historias, surgen de la música y de la melodía", explica.
    En Impro, la versátil y dulce voz de Savall se acompaña de su guitarra española o de su tiorba. A veces se unen también músicos que conoce bien: su padre, Jordi Savall, y su famosa viola de gamba, y el percusionista Pedro Estevan (darbuca, maracas, tambor ganga). El disco transmite vibraciones diferentes, empapadas de frescura y belleza, en gran parte inspiradas en su experiencia con la música antigua. "Comiat d'una mare" es un tributo de amor a su madre (fallecida en noviembre de 2011), y "Wonder" un guiño a uno de los artistas que admira, Steve Wonder.
    Con Impro Ferran Savall ha encontrado su camino, la improvisación, dejar que la música fluya fruto del momento y de la emoción justa, de su forma de ser y de los recursos con los que cuente en el preciso instante. Por ello, le gusta actuar en espacios abiertos e improvisados, en círculos íntimos donde también el público participa en la creación de la atmósfera de donde emergerá su voz en canto. Sus interpretaciones son siempre únicas e irrepetibles. Y cada concierto es diferente. Por eso Impro es difícil de etiquetar. Como todo lo bello. (Fuente: "Ferran Savall, emociones sin palabras")

    Página web oficial: Ferran Savall

    tracks list:
    01 somni
    02 plaça del sol
    03 fills de l’abundància
    04 de gira
    05 cardona blues
    06 el joc etern
    07 nous horitzons
    08 veus humanes
    09 jaroslaw
    10 amb el pedro i els canaris
    11 sense fer soroll
    12 wonder
    13 comiat d’una mare
    14 somewhere over the rainbow





    Kassé Mady Diabaté – Kiriké (2014)

    Kassé Mady Diabaté tiene una de las voces más hermosas del oeste africano. Descendiente de una distinguida familia griot (hermano de Abdoulaye Diabaté), su nombre pertenece a esa "realeza musical" de la que forman parte otros griots como Toumani Diabaté o Bassekou Kouyaté. Más conocidos por su labor de "guardianes de la tradición", los griots son también considerados como mediadores en casos de rivalidades o discusiones en sus comunidades. Su función es la de canalizar todas las emociones e impulsos de estos desencuentros y convertirlos en canciones. Es por esto que, en este mundo dominado por la tradición oral, solo poetas como Kassé Mady Diabaté, que traduce las preocupaciones del alma humana en historias musicales, pueden alcanzar tal nivel de excelencia y convertirse en un tesoro nacional en Malí.
    Nacido en la cuna de la civilización Mandinga, Kassé Mady se formó desde muy pequeño con su tía Sira Mory Diabaté, la cantante mandinga más conocida de su época y todavía referente en la escena artística de Malí. Su reputación fue creciendo en los primeros años de independencia y en 1970 se convirtió en vocalista de la Orchestre Régional Super Mandé de Kangaba, con quien ganó la Bienal de Música de Bamako (una iniciativa estatal para promocionar artistas que fomentan el patrimonio cultural), llamando la atención de Las Maravillas de Malí (un grupo que estudia en Cuba y que regresa para realizar sus interpretaciones de clásicos cubanos). Con Kassé Mady como vocalista, Las Maravillas (más tarde conocido como Badema National) logra un gran éxito en toda África Occidental, con canciones de estilo cubano pero con un nuevo toque mandinga.
    En 1988 deja Badema National y se establece en Paris, donde graba su primer disco en solitario con el productor senegalés Ibrahima Sylla. En los diez años que vive en Paris toca con Toumani Diabaté y forma parte de su Symmetric Orchestra primero, colabora con Ketama en su Shongai 2, graba varios discos como solista, y a su regreso a Mali participa en el proyecto Koulandjan con Taj Mahal, y en Afrocubism, producido por Nick Gold.
    Su último disco Kiriké (en No Format!) es una celebración de sus cincuenta años en la música. Es un trabajo con el que vuelve a sus raíces y en el que se apoya en una banda acústica de ngoni, balafón y kora (interpretada por Ballaké Sissoko), con un delicado trabajo de cello del productor Vincent Segal, donde se pone de manifiesto la belleza de su voz que conmueve con las historias de sufrimiento y de alegrías que transmite.

    Página web oficial: Kasse Mady Diabaté

    tracks list:
    01. Simbo
    02. Sori
    03. Ko Kuma Magni
    04. Sadjo
    05. Toumarou
    06. Kiriké
    07. Douba Diabira
    08. Hera





    Los Míticos del Ritmo (feat. Quantic) – Los Míticos del Ritmo (2012)

    Will "Quantic" Holland es una de las grandes estrellas del soul, del funk y del nü jazz de la década pasada. En 2006 un viaje a Colombia le cambió la vida, quedó tan fascinado por sus sonidos, aromas y colores que se instaló en la nación cafetera y se sumergió en su cultura musical. The Original Sound of Cumbia, una compilación de 55 pistas de la cumbia colombiana y porro publicado por Soundway en 2011, fue el resultado de cinco años de investigación de campo de Holland.
    Pero encontrar y compilar registros antiguos no es lo único que ha hecho en este tiempo. Ha estado aprendiendo a interpretar el acordeón, tomando lecciones de maestros de Colombia y Panamá (Anibal Velásquez y Papi Brandao). Y ha llevado adelante sus proyectos Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica, este último junto al bogotano Mario Galeano (Frente Cumbiero).

    Los Míticos del Ritmo es un proyecto dedicado a la cumbia y el vallenato de la década de los 60 de Colombia y de otros países del Caribe. Un disco grabado en analógico y para el que se han utilizado sólo cuatro pistas sobre las que se han ido superponiendo todos los instrumentos, como se hacía en aquella época. En el grupo participan Ancer Barrios Rada (percusión), nieto del gran acordeonista colombiano Francisco Pacho Rada (que participa en los directos con su voz y acordeón). El proyecto también se ve enriquecido con la participación de Combo Bárbaro (el bajo de Fernando Silva y la percusión de Freddy Colorado), y Humberto Pernett, uno de los músicos fundamentales en la historia de la fusión de ritmos costeños de Colombia con elementos electrónicos.
    El resultado no puede ser más interesante: cumbia instrumental bailable y poderosas versiones, entre las que destaca "Another One Bites The Dust", de Queen ("Otro Muerde El Polvo").

    Página web: Quantic

    tracks list:
    01. Introduction
    02. Cumbia Comejen
    03. Otro Muerde El Polvo (Another One Bites The Dust)
    04. La Libanesa
    05. Samaria
    06. Willy’s Merengue
    07. Cumbia de Mochilla
    08. Satta Massa Cumbia
    09. No Pares Hasta Tener Lo Suficiente (Don’t Stop Till You Get Enough)
    10. Noche de Tamborito
    11. Fabiola





    Amparo Sánchez – Espíritu del Sol (2014)

    Espíritu del Sol es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
    Representante del movimiento mestizo barcelonés, después de liderar durante doce años el proyecto Amparanoïa, a este tercer álbum como solista de Amparo Sánchez se han sumado dos de sus músicos inseparables: Jordi Mestres (guitarras) y Willy Fuego. Vuelve a Tucson a grabar con sus compañeros Joey Burns y John Convertino (de Calexico) los doce temas que lo componen, contando además con las colaboraciones de otras y otros destacados artistas de Arizona como Brian López, Sergio Mendoza (teclados), Mona Chambers (cello) y Vicky Brown (violín). Desde Argentina también participan Carlos Jiménez "La Mona", Raly Barrionuevo y Malena D’Alessio (de Actitud María Marta), mientras que México deja su huella con el Tapacamino Colectivo Musiquero de Oaxaca.

    Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago) con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.

    Página web oficial: Amparo Sánchez

    tracks list:
    01. Plegaria
    02. Mi gitana
    03. Luces en el mar
    04. De este amor
    05. Hermosa
    06. El último trago
    07. De lluvia y barro
    08. Rio turbio
    09. Cuarteto en Paris
    10. No pudo ser
    11. Sin nombre
    12. Long long nite





    DEM Ensemble - Erguvan (2013)

    DEM Ensemble es la formación extendida de DEM Trio, un proyecto que, desde sus inicios, ha reivindicado los sonidos del bağlama y el tambur, instrumentos de referencia de la música folk de la península de Anatolia. En DEM Ensemble participan Murat Salim Tokaç (tambur y ney), Emre Erdal (kemençe ó kamanché clásico), Cenk Güray (divan saz y cura), Atilla Akıntürk (kanun) y Erdem Simsek (bağlama).
    El segundo disco de la formación instrumental turca avanza en su viaje musical, el álbum está dedicado a la historia musical de Estambul como un interesante crisol cultural de los días del Imperio Bizantino, la herencia otomana y los diversos períodos de la república turca. En total han registrado una veintena de piezas de belleza sublime (grabadas entre 2008 y 2013 en Turín, Estambul y Ankara), melodías que se pierden en el tiempo, que abarcan el Egeo y toda la península de Anatolia (Esmirna, Rodas, Lesbos, Burdur…) y que se unifican como una representación de todas estas culturas regionales en la estructura cosmopolita de la capital.
    DEM Ensemble ha elegido como título para este maravilloso disco a la flor rosa que simboliza a Estambul, Erguvan, que brota cada primavera por un breve período de tiempo, el símbolo de una ciudad en la que se han cruzado, mezclado y enfrentado diversas culturas. De esos encuentros y desencuentros surge la urbe actual, donde la tradición y las nuevas formas musicales son abrazadas como una sola. Música pensada, soñada y escenificada de forma magistral.

    tracks list:
    01. Hantuman Zeybeği
    02. Ağır Al Yazma Zeybeği
    03. Jandarma Zeybeği
    04. Hüseyni Taksim
    05. Eskişehir Zeybeği
    06. Baylan Cemile
    07. Nihavend Taksim
    08. Kutsavakiko
    09. Mazomenos
    10. Koca Ümmet Zeybeği
    11. Rodos
    12. Kostak Ali Zeybeği
    13. Kasnak Zeybeği
    14. Eviç Taksim
    15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar
    16. Karanlıkdere Zeybeği
    17. Abdurrahman Halayı
    18. Hüseyni Taksim
    19. Tevekte Üzüm Kara
    20. Hasapikos Politiko





    Toumani & Sidiki Diabaté - Toumani & Sidiki (2014)

    La kora es un instrumento tradicional africano, mezcla entre arpa y laud, que se construye con una calabaza gigante. Su máximo exponente es la familia Diabaté, quienes generación tras generación han aprendido todos los entresijos de este mágico instrumento. La tradición en el uso de la kora está vinculada a la tradición de los griots, cuentahistorias y poetas propios de la cultura mandinga, cuya antigüedad se remonta al siglo XII. Los griots gozan aun en la actualidad, si bien quedan pocos, de una gran consideración social, y son la referencia de la tradición, de la memoria cultural y la genealogía de su entorno, así como un elemento casi indispensable en cualquier reunión social.
    Toumani Diabaté ha cumplido 50 años de edad, de los cuales ha pasado más de cuarenta buscando en los rincones de su kora el aliento esencial del blues africano y los puntos de encuentro con otros países del imperio Mandinga. Afirma, por ejemplo, que su Symmetric Orchestra "escenifica a la perfección la reconstrucción de este antiguo imperio compuesto por Malí, Senegal, Costa de Marfil, Burkina Faso, Níger y Mauritania. Por el contrario, en lo que hacemos Sidiki y yo las canciones pueden provenir del mismo periodo -siglos XII y XIII-, pero, en los arreglos finales, ponemos al día el mensaje, modernizándolo".

    Considerado como uno de los músicos más influyentes de África, es conocido no sólo por interpretar música tradicional, sino por mezclar la kora con otros estilos como el flamenco o el jazz y por colaborar con artistas de la talla de Ali Farka Touré, Taj Mahal, Ketama o Björk, entre otros. Su hijo, Sidiki, además de ser otro virtuoso de este instrumento (como era de esperar en la familia) es uno de los más reputados productores de hip hop en África.
    Padre e hijo se han unido y han grabado en 2014 Toumani & Sidiki, un disco que la crítica de música ya ha clasificado como clásico y que dispone de antecedentes evidentes en Cordes Anciennes y New Ancient Strings, editados en 1970 y 1999 respectivamente. El álbum, un mano a mano entre Toumani y Sidiki, el maestro de la kora y su mejor alumno, los dos músicos africanos que mejor dominan este instrumento, transmite emoción, alegría y rebosa elegancia. El disco funde pasado y presente del instrumento, diez temas en la que ambos artistas viajan por diferentes culturas musicales de Malí, contribuyendo a actualizar los mejores ingredientes del acervo popular mandinga. Toda una declaración de amor infinito por la propia tierra, un deleite para los sentidos, un trabajo distinguido en los Songlines Music Awards 2015 en la categoría de "Best Group".

    Página web oficial: Toumani & Sidiki

    tracks list:
    01. Hamadoun Toure
    02. Claudia & Salma
    03. Rachid Ouiguini
    04. Toguna Industries
    05. Lampedusa
    06. Bagadaji Sirifoula
    07. Tijaniya
    08. Dr Cheikh Modibo Diarra
    09. A.C.I. 2000 Diaby
    10. Bansang





    Raghu Dixit – Jag Changa (2013)

    Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
    La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

    Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.
    Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.

    Página web oficial: Raghu Dixit

    tracks list:
    01. Parasiva
    02. Rain Song
    03. Jag Changa
    04. Yaadon Ki Kyari
    05. Amma
    06. Lokada Kalaji
    07. Sajna
    08. Kodagana Koli Nungita





    Susheela Raman – Queen Between (2014)

    Queen Between es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.
    Susheela Raman nació en Londres, hija de emigrantes indios tamil. Se trasladaron a Australia donde Susheela se inició en la música clásica del sur de India y comenzó a cantar a temprana edad, posteriormente adquiriendo un gran interés por el blues y el funk que se hacía en aquella época en Sydney. Así, la fuerza de Susheela como intérprete esta enraizada en estas dos escuelas.
    De regreso a Inglaterra en 1997, Susheela trajo consigo la idea de unir estas dos corrientes musicales. Irrumpió en la escena musical con su álbum de debut Salt Rain que vio la luz en 2001. Susheela Raman se ha dedicado desde entonces a investigar el crisol de culturas que es la música de la India para renovarla y presentarla acompañada de una gran voz y de su energía en el escenario.

    Queen Between es su sexto disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India. En Queen Between, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Este disco es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.
    En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

    Página web oficial: Susheela Raman

    tracks list:
    01. Sharabi
    02. Corn Maiden
    03. Riverside
    04. Sajana
    05. North Star
    06. Queen Between
    07. Karunei
    08. Taboo





    Aurelio – Lándini (2014)

    Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
    Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.
    Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.
    "Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.

    Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.
    En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.
    En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.
    (fuente: Aurelio – RealWord)

    Página web oficial: Aurelio

    tracks list:
    01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
    02. Nando (Leonardo)
    03. Milaguru (Miracle)
    04. Nafagua (I Will Try)
    05. Nari Golu (My Golden Tooth)
    06. Lándini (Landing)
    07. Lirun Weyu (Sad Day)
    08. Durugubei Mani (Evil People)
    09. Irawini (Midnight)
    10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
    11. Nitu (Older Sister)
    12. Chichanbara (Ginger)





    Boulpik – Konpa Lakay (2014)

    Boulpik es un grupo que se formó en Puerto Príncipe hace una decena de años que, desde sus inicios, han dado continuidad a una tradición musical surgida en las calles, como animadores de plazas y de eventos privados, rememorando tiempos en los que las orquestas callejeras interpretaban multitud de piezas, pero también unos años donde el turismo llegaba a la isla y que hoy es raro de encontrar. Boulpik principalmente interpreta konpa, un sonido bailable que aparece en los años cincuenta del pasado siglo XX, ritmos de textura artesanal que rápidamente se extenderían por todas las calles y que llegará a ser el alma sonora de toda la isla, el konpa lakay.
    "Chèche lavi", "busca vida". Una expresión en creole haitiano que resume la frase "buscar la manera de ganarse la vida", y sugiere que la vida no es algo que viene con facilidad, pero que es un objetivo a buscarse (como si estuvieras en una búsqueda de un premio perdido o tesoro enterrado). Así, Franckel Sifranc y sus compañeros músicos de Boulpik son busca vidas. Nada particularmente extraordinario ha sucedido en sus carreras. De hecho, su pasado es muy parecido la de otros millones de haitianos. Excepto que tienen un don para la música.
    La historia de Boulpik es la historia de Franckel Sifranc (fundador del grupo), que comenzó hace alrededor de cincuenta años, en La Grand Anse, una remota región de la República de Haití, hacia el oeste. Pensando en su infancia en el pueblo costero de Dame-Marie, recuerda los sonidos de la "ti djaz" (little jazz): bandas acústicas de músicos aficionados que se llamaban así para ser distinguidos de la más prestigiosas "gwo djaz" (big jazz, bandas con sus modernos instrumentos y amplificadores). El ti djaz tocaba en las reuniones locales utilizando rudimentarios instrumentos locales: la guitarra de seis cuerdas Matamò (su nombre es un recordatorio de la fuerte influencia del Trío Matamoros en el género), la trè (una guitarra de origen cubano con tres cuerdas dobles) o incluso un banjo. La formación instrumental era completada por las cuerdas de un contrabajo o un maniboula (un idiófono desplumado basado en la marímbula cubana) y percusión: tambor, maracas y tabla de raspar o kaskayèt (claves) para acompañar al coro vocal que respondía al cantante principal.
    Como un niño que crece en una familia dedicada al trabajo agrícola, Franckel no tenía idea de que un día utilizaría esos instrumentos para "buscar la vida". Unos años más tarde, al igual que miles de otros habitantes de zonas rurales, se vio obligado a moverse del campo a la capital, Puerto Príncipe, cuya población ha aumentado de quinientos mil a casi 3 millones en los últimos cincuenta años. Adolescente, Franckel llegó a la ciudad a finales de los años 70, invitado por un hermano mayor. Instalado en un modesto barrio en la parte baja de la ciudad, encontró trabajo como "manitas" y comenzó a explorar la capital, encontrándose con los muchos músicos que suministraban la banda sonora de la noche de la ciudad y el entretenimiento del turismo que en aquella época llenaba la isla caribeña. Franckel se convirtió en miembro de la banda Ti Okap. Hoy en día, todo lo que queda de la carrera del grupo son el nombre de su líder, los recuerdos de sus populares actuaciones en los diferentes hoteles, y el que fue la banda con la que Franckel aprendió a cantar y tocar maracas y kaskayèt.

    Posteriormente, en 1980, decidió formar su propio grupo: Frère Desjeunes. Continuó interpretando con ellos durante más de veinticuatro años, pese a las frecuentes interrupciones causadas por los interminables trastornos sociopolíticos que sacudieron el país. Fue en 2004 cuando Franckel plantea un nuevo enfoque a la banda, transformándose en Boulpik e incorporando a cinco músicos jóvenes que él consideraba con más talento y compromiso que sus predecesores.
    Desde Franckel comenzó, la situación en Haití ha cambiado radicalmente. De la época en que los músicos solían interpretar para ganar un poco de dinero extra, en la actualidad la música es su medio de trabajo. A diferencia de muchos otros, los músicos de Boulpik se han negado a emigrar (siempre es una tentación para los "busca vidas"). Siguen creyendo en su buena estrella y no muestran signos de derrota o autocompasión, sino más bien una determinación inquebrantable a confiar en la felicidad y en el buen rollo. Son otros tiempos y Boulpik no renuncian a cantar a la paz, al amor y a su país, la dignidad ante la adversidad.

    Para saber más: "Vecinos: Boulpik – Nèg Dafrik"

    tracks list:
    01. Alakanpay
    02. Boulpik Twoubadou
    03. Si Lavi Te Fasil
    04. Nèg Dafrik
    05. Karol
    06. Lakay
    07. Rele
    08. Jeremie
    09. Twa Zan
    10. Je Reviens Chez Nous
    11. Souvenir d'Afrique
    12. Lavi a Di





    Çiğdem Aslan – Mortissa (2013)

    Çiğdem Aslan es una prometedora estrella en el renacer del rebetiko, música de los exiliados y de los bajos fondos interpretada en los Café Amans de Atenas, Pireo y Estambul desde 1920. Con raíces profundas en el puerto de Smyrna/Izmir, el "Blues del Egeo" -como tambien es conocido el rebetiko- es compartido por griegos y turcos, se desarrolló en la parte continental de Grecia (debido a forzados intercambios poblacionales) y desde un principio estuvo proscrito por su marginalidad y su "orientalidad".
    Çiğdem Aslan nació en la encrucijada cultural de Estambul: de familia kurda procedente de la comunidad aleví turca, desde siempre ha comprendido el mosaico étnico que compone la moderna Turquía. Trasladada a Londres para avanzar en sus estudios musicales, es en esta ciudad donde desarrolla su proyecto Songs of Smyrna, que celebra el rebetiko y la música sefardí de Turquía, y se une a la She'Koyokh Klezmer Ensemble y al grupo de música balcánica Dunav. Esta experiencia se cristaliza en Mortissa (mujer fuerte e independiente) su debut en solitario.

    Mortissa es un álbum con canciones rebetiko en griego y turco, con raices musicales en Anatolia, con aires klezmer y con diversos matices en cuanto a sus textos. Junto a canciones de amor, nos encontramos con temas como "Çakıcı", que celebra la figura de Mehmet Efe (una especie de Robin Hood turco), mientras que “Ferece” es el grito de una mujer desesperada por escapar del velo que cubre su rostro, y "Pane Gia To Praso", que es un juego de palabras en torno al hachís y sus efectos. Aslan grabó la mayoría del disco con artistas de la comunidad musical griega y turca del norte de Londres, incluyendo al maestro del kanun Nikolaos Baimpas y a She'Koyokh.
    Mortissa es más que música: es una ventana abierta a diferentes culturas e historias, "Lo que estoy haciendo es añadir detalles y destacar las similitudes entre las culturas", "esto demuestra que no hay fronteras culturales en la música". Çiğdem Aslan aborda el rebetiko con una naturalidad impresionante, evocando tiempos pasados con una interpretación fresca y de sencillez exquisita.

    Página web oficial: Çiğdem Aslan

    tracks list:
    01. Aman Katerina Mou (Oh My Katarina)
    02. Vale Me Stin Agalia Sou (Take Me In Your Arms)
    03. To Dervisaki (Little Dervish)
    04. Bir Allah (One God)
    05. Pane Gia To Praso (Out For Leek)
    06. Trava Vre Manga Kai Alani (Away With You, Manga)
    07. Ferece (Veil)
    08. Nenni (Lullaby)
    09. Çakıcı
    10. Sto Kafe Aman (At The Café Aman)
    11. Uşaklı Kız (Girl from Uşak)
    12. Kanarini (Canary)
    13. S’agapo (I Love You)





    The Gloaming – The Gloaming (2013)

    The Gloaming es un grupo de música irlandesa que traza nuevos caminos al conectar la rica tradición folclórica de Irlanda con la escena musical contemporánea de Nueva York.
    Formado por cinco músicos virtuosos, se reunieron por primera vez en los estudios West Grouse Lodge West Meath, Irlanda, a principios de 2011 con la intención de explorar nueva música. Cada uno procedía de la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente con respecto a la tradición musical irlandesa. La primeras creaciones eran sencillas pero preciosas, auténticas y llenas de melodía, de un matiz totalmente diferente.

    Los fundamentos tradicionales los pusieron el violinista Martin Hayes junto con el guitarrista y compositor de Chicago Dennis Cahill. El dublinés Caoimhín Ó Raghallaigh interpreta el violín, la viola de cinco cuerdas, y el violín de Hardanger (instrumento nacional de Noruega). Ó Raghallaigh también experimenta con instrumentos exóticos como la pellegrina (una especie de viola con la que se obtiene mayor resonancia acústica y confort a la hora de tocarla). Iarla Ó Lionáird es un maestro del estilo de canción irlandesa sean-nós ("a la antigua usanza") muy conocido como cantante con Afro Celt Sound System. Por último, se une a la formación el pianista estadounidense Thomas Bartlett (conocido como Doveman), que también produce el álbum The Gloaming, con el sello Real World.
    ¿El resultado? Una exquisita forma de acercar la música irlandesa al público general, inyectar un toque contemporáneo a la música celta creando un sonido propio.

    Página web oficial: The Gloaming

    tracks list:
    01. Song 44
    02. Allistrum´s March
    03. The Necklace of Wrens / An Muince Dreoilíní
    04. The Girl Who Broke My Heart
    05. Freedom / Saoirse
    06. The Sailor´s Bonnet
    07. The Old Bush
    08. Opening Set
    09. Hunting The Squirrel
    10. Samhradh Samhradh





    Alsarah & The Nubatones – Silt (2014)

    Silt es el primer trabajo de la vocalista sudanesa Alsarah y su banda The Nubatones. Considerada como la "Nueva Estrella del Pop Nubio" por el diario británico The Guardian, la compositora y etnomusicóloga Alsarah describe el sonido de su grabación como East African Retro Pop, música que bebe de los sonidos de las décadas de los 60′s y 70′s de la música Nubia, perteneciente a la región situada en el sur de Egipto y el norte de Sudán.
    Alsarah, sudanesa de nacimiento y asentada actualmente en Brooklyn, Nueva York, es la voz principal del grupo; forma parte del colectivo de artistas que promocionan la cultura del Nilo, Nile Project. Por otra parte, el proyecto de Los Nubatones se coció en medio de una conversación sobre música del norte de África entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser en la sala de la casa de este último. Posteriormente se unieron Haig Manoukian, un gran maestro del oud, y el bajista Mawuena Kodjovi.

    Silt tiene sus raíces en la diáspora que sufrió la población Nubia cuando el gobierno egipcio construyó Aswan High Dam en 1970, un dique para controlar las inundaciones del rio Nilo, y que a su vez inundó grandes extensiones comprendidas entre el norte de Sudán del Norte y el sur de Egipto. Es la música olvidada del Sudán de los años 60 y 70, canciones que tienen como temática el exilio a la fuerza y el pasado nostálgico desaparecido. Especialmente conmovedor suena "Oud Solo" de Haig Manoukian, más si cabe tras conocer la noticia de su triste desaparición a principios de abril de 2014.
    En definitiva, Silt es una propuesta que destaca como una muy acertada manera de revisar el pasado con respeto, incorporando la modernidad y encarando el futuro con originalidad.

    Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

    tracks list:
    01. Habibi Taal (Traditional)
    02. Soukura (It's Late) (Alsarah)
    03. Nuba Noutou (Traditional)
    04. Oud Solo (Haig Manoukian)
    05. Bilad Aldahb (Ahmed Mounib)
    06. Fugu (Shams Alhurria) (Alsarah)
    07. Rennat (Alsarah)
    08. Wad Alnuba ft. Sounds of Taraab (Alsarah / Black Star Musical Club)
    09. Yanas Baridou (Traditional)
    10. Nuba Drums (Solo) (Rami El-Aasser)
    11. Jibal Alnuba (Traditional)





    Ana Moura – Leva-me aos fados (2009)

    Ana Moura pertenece a esa generación brillante que ha ido ocupando el vacío dejado por Amália Rodrigues, y en la que figuran fadistas como Mariza, Mafalda Arnauth, Katia Guerreiro, Cristina Branco, Joana Amendoeira, Ana Sofía Varela, Raquel Tavares, Carminho... sin olvidar a la pionera Mísia. Como tantas de ellas, Ana Moura ha cantado muchas noches en casas de fado de Lisboa. "Todas tenemos una única cosa en común y es el deseo de renovar el fado".
    Esta intérprete de fado, y personalidad femenina en Portugal, es otra de las nuevas embajadoras de esta música portuguesa, considerado por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Su voz tan especial, su visión amplia de la música portuguesa en general y del fado en particular la han convertido en una estrella internacional. Sus canciones susurran emociones con una elegancia exquisita que marcan toda una época.
    Nacida en Santarém, Moura fue descubierta por la gran fadista Maria da Fé siendo una adolescente, en una de las reuniones familiares de Navidad, y le propuso integrarse en el elenco de su casa de fado, "Sr Vinho". Ella asegura que su vida cambió cuando empezó a frecuentar las casas de fado porque allí no hay micrófono, es una experiencia muy íntima, y los nuevos aprenden de los más veteranos. En Sr. Vinho, cantando todas las noches con su voz de contralto, Ana Moura conoció al guitarrista, compositor y productor Jorge Fernando (que trabajó como productor de Amália Rodrigues entre 1978 y 1986) que se convirtió en su productor musical y cómplice.
    En 2003, con su primer disco Guarda-me a vida na mão, la crítica enalteció la nueva voz y enseguida llegaron las invitaciones para actuar en el extranjero. En 2005, con su ambicioso segundo trabajo, Aconteceu, las fronteras empezaron a desaparecer. Es nominada para un Edison. Es la primera artista portuguesa en pisar el mítico escenario del Carnegie Hall de Nueva York y es invitada por Tim Ries (saxofonista de Los Rolling Stones) a participar en el recopilatorio The Rolling Stones Project vol. 2 (grabando para el proyecto "Brown sugar" y "No expectations", adaptadas al fado por Jorge Fernando y Custódio Castelo), interpretaciones que cautivaron a los integrantes de la banda por la potencia y calidad vocal de Moura, que terminó por cantar a dúo con Mick Jagger en el concierto de los Stones en Alvalade, Lisboa, en 2007.
    Con su tercer disco, Para Além da Saudade, recibe el Premio Amália a la Mejor Intérprete de 2007, otorgado por la Fundación Amália Rodrigues. En 2008 gana su primer Disco de Platino, y su cuarta producción discográfica Leva-me aos fados fue Disco de Oro el primer día y su segundo Disco de Platino en su natal Portugal. En 2010, Ana Moura actúa en el Festival Super Bock Super Rock con Prince y pone su voz a los temas "Dar de Beber à Dor" y "A Sós com a Noite".
    Y en su último trabajo Desfado, de 2012, traspasa los límites del género, incluyendo nuevos y viejos compositores de fado, piezas cantadas en inglés, y cuenta con la producción musical del multipremiado productor norteamericano Larry Klein.
    Con Leva-me aos fados (producido por Jorge Fernando) tenemos la oportunidad de comprobar lo que los críticos portugueses destacan principalmente de ella: sus "cualidades primitivas y su sensibilidad natural, que fluye con facilidad sin ser premeditada". A disfrutar.

    Página web oficial: Ana Moura

    tracks list:
    01. Leva-me aos fados
    02. Como uma nuvem no céu
    03. Por minha conta
    04. A Penumbra
    05. Caso arrumado
    06. Talvez depois
    07. Rumo ao Sul
    08. Fado das águas
    09. Fado vestido de fado
    10. Crítica da razão pura
    11. De quando em vez
    12. Fado das mágoas
    13. Águas Passadas
    14. Que dizer de nós
    15. Não é um fado normal
    16. Esta Noite
    17. Na palma da mão





    Salsa Céltica – The Tall Islands (2014)

    The Tall Islands es el quinto álbum de estudio de este peculiar grupo que desde sus inicios explora y fusiona los ritmos latinoamericanos y caribeños con el sonido y los instrumentos de la música folclórica escocesa e irlandesa, convirtiéndose en muy poco tiempo en una de las bandas escocesas más populares de la actualidad.
    Todo comenzó en 1996, en una sesión de un bar de Edimburgo con un pequeño grupo de artistas celtas y latinos que probaron a mezclar músicas celtas y caribeñas. El peculiar experimento dio lugar a Salsa Céltica. Poco después, la banda registraba su primer álbum, Monstruos y Demonios, Angels & Lovers (1997). Canciones del folklore sudamericano, son cubano, ritmos de salsa y rumba, improvisación, vivas melodías escocesas… todo en perfecta armonía musical estimulada por la cruda energía celta creando una ardiente atmósfera de baile en cada una de sus presentaciones en vivo. The Great Scottish Latin Adventure (2000) fue su segundo álbum, al que sucedieron El Agua De La Vida (2003, producción en la que se incluyo su tema mas sonado hoy por hoy, "Maestro"), El Camino (2006) y En Vivo En El Norte (2010).

    En la actualidad, con varios cambios en su formación, la agrupación continúa fiel a su singular cóctel con voces salseras y celtas acompañadas por un divertido batallón de instrumentos: timbales, bongos, gaita escocesa, gaita irlandesa, birimbao (arpa judía), flauta celta, violín, banjo, trompeta, saxo, trombón, guitarra, piano, bajo… Sus múltiples presentaciones por las islas escocesas fueron su principal influencia para The Tall Islands. Así como otros discos de este conjunto abrían con "Salsa Céltica o "Rumba Escocia", temas que ya desde el título sintetizan la propuesta del grupo, éste lo hace con "Descarga Gaélica". A partir de aquí vemos que la banda tiene sus bazas más seguras en la voz del cubano Ricardo Fernández Pompa y en unos arreglos muy correctos, que más allá de las mixturas, son bastante fieles a la tradición. Su director y fundador, el guitarrista y percusionista Toby "El León" Shippey, coordina a las y los músicos procedentes de Cuba, Escocia, Irlanda, Argentina e Inglaterra, entre quienes participan (como invitados) el percusionista David Pattman (Charanga Del Norte) y la cantante y actriz Kathleen MacInnes.

    Página web oficial: Salsa Céltica

    tracks list
    01. Descarga Gaélica
    02. An Danns Elegua
    03. Disfrútalo
    04. Ven Guajira Ven
    05. Fonn
    06. Primavera
    07. Canto Al Tiempo Pt. 2
    08. He Mandhu (Aurel)
    09. Rumba del Mar
    10. Rolling Road
    11. Canto Al Tiempo Pt. 1
    12. Yo Me Voy II





    Dub Colossus – Addis to Omega (2014)

    Dub Colossus es el proyecto resultante de la particular visión musical de Nick Page (también conocido como Dubulah), productor, compositor, multiinstrumentista y programador, que en los últimos veinticinco años ha trabajado con una larga lista de notables artistas de propuestas musicales alternativas.
    En 1990 fundó, junto a Tim Whelan y Hammid Man-Tu (Hamilton Lee) la pionera y fecunda banda Transglobal Underground, con quienes editó seis discos antes de dejarles y crear Temple Of Sound. Pero en 2006 se encontró con músicos y artistas de Addis Abeba, se enamoró de su música y nació Dub Colossus, combinando dub y reggae de los años 70 junto a ethio-jazz de raíz azmari, y editaron su primer disco A Town Called Addis (2008), firmando con Real World para éste y los dos siguientes discos. En 2011 lanzaron su segundo álbum, Addis Through the Looking Glass, que también fue un éxito, pero aquí ya incluyeron algunos cambios de dirección musical con las colaboraciones del cantante reggae Mykael S. Riley, el batería Nick Van Gelder (ex Jamiroquai), el bajista Dr. Das (Asian Dub Foundation) y la imponente sección de vientos Horns of Negus.
    Su siguiente paso fue la grabación de Dub Me Tender Vol. 1&2 en 2012, en el que reelaboraron algunas pistas anteriores junto con temas nuevos, con la consiguiente gira de presentación con una banda estable que incluía a la dúctil y calida vocalista PJ Higgins y al mencionado Mykael S. Riley. Este disco les supuso el reconocimiento del Songlines Music Awards 2013 en la categoría "Cross-cultural Collaboration".

    Y después llega su último trabajo hasta la fecha, Addis to Omega, donde el enfoque musical ha girado totalmente. Han pasado de colaborar principalmente con artistas etíopes a hacerlo con cantantes y músicos de Jamaica y Reino Unido. Así que nos encontramos con reggae y dub de base, pero también ska, funk, soul, latin y jazz, "Dubadelica" lo han llamado, y es que hay de todo en estas quince nuevas composiciones, destacando sus letras, que son más sociales y críticas. Además, las sesiones de grabación tuvieron lugar en ciudades como Londres, Barcelona, Málaga, París y Tuva, lo que les facilitó incluir una amplia y variada colección de artistas invitados/as, entre quienes destacan Justin Adams, Winston Blissett, Natacha Atlas, el veterano jamaicano Joseph Cotton, el cantante de Tuva Albert Kuvezin, el violinista británico-egipcio Samy Bishai y su antiguo compañero Tim Whelan al piano. De nuevo sobresalen los arreglos de vientos de Horns of Negus, presentes e importantes en casi todos los temas y señalar, además, que en "Madmen" (el tema que más recuerda al antiguo Dub Colossus) participan Dani "K-Tna Fàbregas (Che Sudaka, Mendetz, Shuarma) a la batería y Sebastián Martínez Cevallos "El Córdoba" (Che Sudaka) al bajo.
    En definitiva, Addis to Omega vuelve a situar a Dub Colossus como uno de los proyectos de fusión más excitantes de los últimos tiempos, un disco que funciona como si fuera un excelente recopilatorio de reggae-dub.

    Página web oficial: Dub Colossus

    tracks list:
    01. Boom Ka Boom (And The Dub Diciples)
    02. Family Man
    03. Casino Burning Down
    04. We Are The Playthings Of The Rich And Famous
    05. Fight Back
    06. Addis To Omega
    07. Keep On Rocking
    08. Soft Power
    09. Madmen
    10. Mi Dad
    11. Tale Of 2 Cities
    12. The Shape Of Things To Come
    13. Happy Face
    14. A Voice Has Power
    15. Orpheus Underground





    Ellika Solo Rafael - Now (2013)

    La violinista sueca Ellika Frisell y el cantante e intérprete de kora Solo Cissokho, un griot de Senegal, llevan tocando juntos desde hace más de quince años en una búsqueda de terrenos comunes entre el violín escandinavo y el sonido de la kora de África Occidental. Los dos publicaron dos álbumes como dúo, Tretkat Takissaba y Abaraka Tack (Xource, 2002 y 2005) y recibieron el BBC World Music Award. A Now se suma el célebre baterista y percusionista Rafael Sida, originario de México, un cercano colaborador Ale Möler, uno de los precursores de la escena de la world music sueca.
    El trío entreteje melodías tradicionales del rico folk sueco con legados griot del oeste africano, aderezado con ritmos latinos de una manera tan armónica que las distancias geográficas y las diferencias culturales se disipan, sin dejar de destacar la fuerte individualidad de cada artista. Ellika, Solo y Rafael son narradores magistrales que pueden crear tramas detalladas y coloridas dentro de una canción. Un ejemplo es la encantadora "Sanka/Virrvals", una historia de agradecimiento a la sabiduría de una mujer hechicera africana, en el que se disfruta del hermoso escenario de la naturaleza sueca bailando al ritmo de bulerías, o la contagiosa "Dolo/Porque Se Fue", que cita a un gran éxito latinoamericano de 1964 de Leo Dan.

    Ellika, Solo y Rafael vagan tranquilamente entre las tradiciones, yendo y viniendo, adornando y enriqueciéndose en un juego sin esfuerzo, de empatía y de apoyo, profundizando e innovando, sin prisas, en una extensa y emocional conversación. El popurrí "Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe" mezcla de forma natural y divertida canciones de los pueblos de montaña del oeste de Suecia, canto afrocubano y danza tradicional de África Occidental volviendo a desdibujar fronteras. "Djibril" está dedicada a Djibril, un gran intérprete del riti (violín de África Occidental) al que conocieron en Senegal, que suena como si estuviera dedicada a un héroe sueco. O "Saya/Vägen", que combina una conmovedora composición de Cissokho dedicada a la memoria de su hermana Fatoubintou con la delicada melodía del violín de Frissell, tema que despliega su secreto (es una celebración a la alegría de vivir) durante nueve minutos. Cierra el disco una hermosa canción tradicional de Guinea, "Wousse" (amor, "el amor es tan poderoso que no lo puedes comprar"), compartiendo la honesta y profunda conexión entre ésta y estos músicos únicos y extraordinarios. Una experiencia preciosa.

    Personal:
    Ellika Frisell: violin, viola.
    Solo Cissokho: kora, voz.
    Rafael Sida Hizar: percusión, voz.

    facebook: Ellika Solo Rafael

    tracks list:
    01. Brudpolska efter Janissa Per Hansson
    02. Sanka/Virrvals
    03. Skänklåt från Bingsjö/Sahadougou/Kelefapolska/Kelefaba
    04. Nanibaly
    05. Dolo/Porque Se Fue
    06. Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe
    07. Casesolo
    08. Djibril
    09. Saya/Vägen
    10. Wousse