The Gloaming – The Gloaming (2013)

The Gloaming es un grupo de música irlandesa que traza nuevos caminos al conectar la rica tradición folclórica de Irlanda con la escena musical contemporánea de Nueva York.
Formado por cinco músicos virtuosos, se reunieron por primera vez en los estudios West Grouse Lodge West Meath, Irlanda, a principios de 2011 con la intención de explorar nueva música. Cada uno procedía de la música irlandesa desde su propia perspectiva, trayendo una visión ligeramente diferente con respecto a la tradición musical irlandesa. La primeras creaciones eran sencillas pero preciosas, auténticas y llenas de melodía, de un matiz totalmente diferente.

Los fundamentos tradicionales los pusieron el violinista Martin Hayes junto con el guitarrista y compositor de Chicago Dennis Cahill. El dublinés Caoimhín Ó Raghallaigh interpreta el violín, la viola de cinco cuerdas, y el violín de Hardanger (instrumento nacional de Noruega). Ó Raghallaigh también experimenta con instrumentos exóticos como la pellegrina (una especie de viola con la que se obtiene mayor resonancia acústica y confort a la hora de tocarla). Iarla Ó Lionáird es un maestro del estilo de canción irlandesa sean-nós ("a la antigua usanza") muy conocido como cantante con Afro Celt Sound System. Por último, se une a la formación el pianista estadounidense Thomas Bartlett (conocido como Doveman), que también produce el álbum The Gloaming, con el sello Real World.
¿El resultado? Una exquisita forma de acercar la música irlandesa al público general, inyectar un toque contemporáneo a la música celta creando un sonido propio.

Página web oficial: The Gloaming

tracks list:
01. Song 44
02. Allistrum´s March
03. The Necklace of Wrens / An Muince Dreoilíní
04. The Girl Who Broke My Heart
05. Freedom / Saoirse
06. The Sailor´s Bonnet
07. The Old Bush
08. Opening Set
09. Hunting The Squirrel
10. Samhradh Samhradh





Alsarah & The Nubatones – Silt (2014)

Silt es el primer trabajo de la vocalista sudanesa Alsarah y su banda The Nubatones. Considerada como la "Nueva Estrella del Pop Nubio" por el diario británico The Guardian, la compositora y etnomusicóloga Alsarah describe el sonido de su grabación como East African Retro Pop, música que bebe de los sonidos de las décadas de los 60′s y 70′s de la música Nubia, perteneciente a la región situada en el sur de Egipto y el norte de Sudán.
Alsarah, sudanesa de nacimiento y asentada actualmente en Brooklyn, Nueva York, es la voz principal del grupo; forma parte del colectivo de artistas que promocionan la cultura del Nilo, Nile Project. Por otra parte, el proyecto de Los Nubatones se coció en medio de una conversación sobre música del norte de África entre Alsarah y el percusionista Rami El Aasser en la sala de la casa de este último. Posteriormente se unieron Haig Manoukian, un gran maestro del oud, y el bajista Mawuena Kodjovi.

Silt tiene sus raíces en la diáspora que sufrió la población Nubia cuando el gobierno egipcio construyó Aswan High Dam en 1970, un dique para controlar las inundaciones del rio Nilo, y que a su vez inundó grandes extensiones comprendidas entre el norte de Sudán del Norte y el sur de Egipto. Es la música olvidada del Sudán de los años 60 y 70, canciones que tienen como temática el exilio a la fuerza y el pasado nostálgico desaparecido. Especialmente conmovedor suena "Oud Solo" de Haig Manoukian, más si cabe tras conocer la noticia de su triste desaparición a principios de abril de 2014.
En definitiva, Silt es una propuesta que destaca como una muy acertada manera de revisar el pasado con respeto, incorporando la modernidad y encarando el futuro con originalidad.

Página web oficial: Alsarah & The Nubatones

tracks list:
01. Habibi Taal (Traditional)
02. Soukura (It's Late) (Alsarah)
03. Nuba Noutou (Traditional)
04. Oud Solo (Haig Manoukian)
05. Bilad Aldahb (Ahmed Mounib)
06. Fugu (Shams Alhurria) (Alsarah)
07. Rennat (Alsarah)
08. Wad Alnuba ft. Sounds of Taraab (Alsarah / Black Star Musical Club)
09. Yanas Baridou (Traditional)
10. Nuba Drums (Solo) (Rami El-Aasser)
11. Jibal Alnuba (Traditional)





Ana Moura – Leva-me aos fados (2009)

Ana Moura pertenece a esa generación brillante que ha ido ocupando el vacío dejado por Amália Rodrigues, y en la que figuran fadistas como Mariza, Mafalda Arnauth, Katia Guerreiro, Cristina Branco, Joana Amendoeira, Ana Sofía Varela, Raquel Tavares, Carminho... sin olvidar a la pionera Mísia. Como tantas de ellas, Ana Moura ha cantado muchas noches en casas de fado de Lisboa. "Todas tenemos una única cosa en común y es el deseo de renovar el fado".
Esta intérprete de fado, y personalidad femenina en Portugal, es otra de las nuevas embajadoras de esta música portuguesa, considerado por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Su voz tan especial, su visión amplia de la música portuguesa en general y del fado en particular la han convertido en una estrella internacional. Sus canciones susurran emociones con una elegancia exquisita que marcan toda una época.
Nacida en Santarém, Moura fue descubierta por la gran fadista Maria da Fé siendo una adolescente, en una de las reuniones familiares de Navidad, y le propuso integrarse en el elenco de su casa de fado, "Sr Vinho". Ella asegura que su vida cambió cuando empezó a frecuentar las casas de fado porque allí no hay micrófono, es una experiencia muy íntima, y los nuevos aprenden de los más veteranos. En Sr. Vinho, cantando todas las noches con su voz de contralto, Ana Moura conoció al guitarrista, compositor y productor Jorge Fernando (que trabajó como productor de Amália Rodrigues entre 1978 y 1986) que se convirtió en su productor musical y cómplice.
En 2003, con su primer disco Guarda-me a vida na mão, la crítica enalteció la nueva voz y enseguida llegaron las invitaciones para actuar en el extranjero. En 2005, con su ambicioso segundo trabajo, Aconteceu, las fronteras empezaron a desaparecer. Es nominada para un Edison. Es la primera artista portuguesa en pisar el mítico escenario del Carnegie Hall de Nueva York y es invitada por Tim Ries (saxofonista de Los Rolling Stones) a participar en el recopilatorio The Rolling Stones Project vol. 2 (grabando para el proyecto "Brown sugar" y "No expectations", adaptadas al fado por Jorge Fernando y Custódio Castelo), interpretaciones que cautivaron a los integrantes de la banda por la potencia y calidad vocal de Moura, que terminó por cantar a dúo con Mick Jagger en el concierto de los Stones en Alvalade, Lisboa, en 2007.
Con su tercer disco, Para Além da Saudade, recibe el Premio Amália a la Mejor Intérprete de 2007, otorgado por la Fundación Amália Rodrigues. En 2008 gana su primer Disco de Platino, y su cuarta producción discográfica Leva-me aos fados fue Disco de Oro el primer día y su segundo Disco de Platino en su natal Portugal. En 2010, Ana Moura actúa en el Festival Super Bock Super Rock con Prince y pone su voz a los temas "Dar de Beber à Dor" y "A Sós com a Noite".
Y en su último trabajo Desfado, de 2012, traspasa los límites del género, incluyendo nuevos y viejos compositores de fado, piezas cantadas en inglés, y cuenta con la producción musical del multipremiado productor norteamericano Larry Klein.
Con Leva-me aos fados (producido por Jorge Fernando) tenemos la oportunidad de comprobar lo que los críticos portugueses destacan principalmente de ella: sus "cualidades primitivas y su sensibilidad natural, que fluye con facilidad sin ser premeditada". A disfrutar.

Página web oficial: Ana Moura

tracks list:
01. Leva-me aos fados
02. Como uma nuvem no céu
03. Por minha conta
04. A Penumbra
05. Caso arrumado
06. Talvez depois
07. Rumo ao Sul
08. Fado das águas
09. Fado vestido de fado
10. Crítica da razão pura
11. De quando em vez
12. Fado das mágoas
13. Águas Passadas
14. Que dizer de nós
15. Não é um fado normal
16. Esta Noite
17. Na palma da mão





Salsa Céltica – The Tall Islands (2014)

The Tall Islands es el quinto álbum de estudio de este peculiar grupo que desde sus inicios explora y fusiona los ritmos latinoamericanos y caribeños con el sonido y los instrumentos de la música folclórica escocesa e irlandesa, convirtiéndose en muy poco tiempo en una de las bandas escocesas más populares de la actualidad.
Todo comenzó en 1996, en una sesión de un bar de Edimburgo con un pequeño grupo de artistas celtas y latinos que probaron a mezclar músicas celtas y caribeñas. El peculiar experimento dio lugar a Salsa Céltica. Poco después, la banda registraba su primer álbum, Monstruos y Demonios, Angels & Lovers (1997). Canciones del folklore sudamericano, son cubano, ritmos de salsa y rumba, improvisación, vivas melodías escocesas… todo en perfecta armonía musical estimulada por la cruda energía celta creando una ardiente atmósfera de baile en cada una de sus presentaciones en vivo. The Great Scottish Latin Adventure (2000) fue su segundo álbum, al que sucedieron El Agua De La Vida (2003, producción en la que se incluyo su tema mas sonado hoy por hoy, "Maestro"), El Camino (2006) y En Vivo En El Norte (2010).

En la actualidad, con varios cambios en su formación, la agrupación continúa fiel a su singular cóctel con voces salseras y celtas acompañadas por un divertido batallón de instrumentos: timbales, bongos, gaita escocesa, gaita irlandesa, birimbao (arpa judía), flauta celta, violín, banjo, trompeta, saxo, trombón, guitarra, piano, bajo… Sus múltiples presentaciones por las islas escocesas fueron su principal influencia para The Tall Islands. Así como otros discos de este conjunto abrían con "Salsa Céltica o "Rumba Escocia", temas que ya desde el título sintetizan la propuesta del grupo, éste lo hace con "Descarga Gaélica". A partir de aquí vemos que la banda tiene sus bazas más seguras en la voz del cubano Ricardo Fernández Pompa y en unos arreglos muy correctos, que más allá de las mixturas, son bastante fieles a la tradición. Su director y fundador, el guitarrista y percusionista Toby "El León" Shippey, coordina a las y los músicos procedentes de Cuba, Escocia, Irlanda, Argentina e Inglaterra, entre quienes participan (como invitados) el percusionista David Pattman (Charanga Del Norte) y la cantante y actriz Kathleen MacInnes.

Página web oficial: Salsa Céltica

tracks list
01. Descarga Gaélica
02. An Danns Elegua
03. Disfrútalo
04. Ven Guajira Ven
05. Fonn
06. Primavera
07. Canto Al Tiempo Pt. 2
08. He Mandhu (Aurel)
09. Rumba del Mar
10. Rolling Road
11. Canto Al Tiempo Pt. 1
12. Yo Me Voy II





Ellika Solo Rafael - Now (2013)

La violinista sueca Ellika Frisell y el cantante e intérprete de kora Solo Cissokho, un griot de Senegal, llevan tocando juntos desde hace más de quince años en una búsqueda de terrenos comunes entre el violín escandinavo y el sonido de la kora de África Occidental. Los dos publicaron dos álbumes como dúo, Tretkat Takissaba y Abaraka Tack (Xource, 2002 y 2005) y recibieron el BBC World Music Award. A Now se suma el célebre baterista y percusionista Rafael Sida, originario de México, un cercano colaborador Ale Möler, uno de los precursores de la escena de la world music sueca.
El trío entreteje melodías tradicionales del rico folk sueco con legados griot del oeste africano, aderezado con ritmos latinos de una manera tan armónica que las distancias geográficas y las diferencias culturales se disipan, sin dejar de destacar la fuerte individualidad de cada artista. Ellika, Solo y Rafael son narradores magistrales que pueden crear tramas detalladas y coloridas dentro de una canción. Un ejemplo es la encantadora "Sanka/Virrvals", una historia de agradecimiento a la sabiduría de una mujer hechicera africana, en el que se disfruta del hermoso escenario de la naturaleza sueca bailando al ritmo de bulerías, o la contagiosa "Dolo/Porque Se Fue", que cita a un gran éxito latinoamericano de 1964 de Leo Dan.

Ellika, Solo y Rafael vagan tranquilamente entre las tradiciones, yendo y viniendo, adornando y enriqueciéndose en un juego sin esfuerzo, de empatía y de apoyo, profundizando e innovando, sin prisas, en una extensa y emocional conversación. El popurrí "Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe" mezcla de forma natural y divertida canciones de los pueblos de montaña del oeste de Suecia, canto afrocubano y danza tradicional de África Occidental volviendo a desdibujar fronteras. "Djibril" está dedicada a Djibril, un gran intérprete del riti (violín de África Occidental) al que conocieron en Senegal, que suena como si estuviera dedicada a un héroe sueco. O "Saya/Vägen", que combina una conmovedora composición de Cissokho dedicada a la memoria de su hermana Fatoubintou con la delicada melodía del violín de Frissell, tema que despliega su secreto (es una celebración a la alegría de vivir) durante nueve minutos. Cierra el disco una hermosa canción tradicional de Guinea, "Wousse" (amor, "el amor es tan poderoso que no lo puedes comprar"), compartiendo la honesta y profunda conexión entre ésta y estos músicos únicos y extraordinarios. Una experiencia preciosa.

Personal:
Ellika Frisell: violin, viola.
Solo Cissokho: kora, voz.
Rafael Sida Hizar: percusión, voz.

facebook: Ellika Solo Rafael

tracks list:
01. Brudpolska efter Janissa Per Hansson
02. Sanka/Virrvals
03. Skänklåt från Bingsjö/Sahadougou/Kelefapolska/Kelefaba
04. Nanibaly
05. Dolo/Porque Se Fue
06. Brurleken Hennes Mor/Väder/Saragode/Sambembe
07. Casesolo
08. Djibril
09. Saya/Vägen
10. Wousse





Driss El Maloumi – Makan (2013)

En su anterior álbum en solitario, L'âme dansée (2005), Driss El Maloumi se destacó por ser uno de los intérpretes de oud más prometedores de su generación. Makan (2013) lo eleva a la categoría de virtuoso del instrumento. Desde los primeros compases del disco se nos muestra como un verdadero maestro, alguien que combina una técnica asombrosamente segura con una inventiva juguetona.
Driss El Maloumi es un artista que pretende que las músicas, incluso las tradiciones milenarias, evolucionen serenamente fuera de los discursos fundamentalistas de aquellos que prefieren encerrar estas expresiones tradicionales en armaduras. Ama la tradición, su estructura, su fuerza, su dignidad. Sabe que está hecho de esta herencia, pero también de permeabilidad. El resultado de estas ganas de saber cómo reaccionará el oud al contacto de un zarb iraní o de una percusión venida de Madagascar le ha llevado a aventuras llenas de riqueza en los caminos emprendidos (desde hace casi una década) con Jordi Savall (último Premio Nacional de Música) y Montserrat Figueras en Hespèrion XXI, con 3ma (Ballaké, Sissoko y Rajery), con el trompetista Paolo Fresu, el israelí Armand Amar…

Esta trayectoria le ha llevado a dirigir el Conservatorio de su ciudad natal, Agadir, y destacar como especialista en filosofía y literatura árabe. Recolecta todas estas magníficas experiencias y comprueba como el oud las difunde en trío con la ayuda de percusiones, siempre respetando la noción de espacios. Precisamente el álbum fue grabado en Agadir, crisol de culturas, en esta parte de Marruecos donde se siente en un cruce esencial entre culturas árabes, amazigh, occidental y subsahariana. Las composiciones de Makan varían en estilo y estados de ánimo, de la canción con influencia magregí tradicional "Ayour" al experimentalismo de "Intidar", el sentimentalismo de "Douceur pour deux «R»" (dedicada a su esposa y a su hija) o la fuerza y velocidad que esgrime en "Tawazoun" y "Safar". Se acompaña por la voz de su hermana Karima y las percusiones de su hermano Said y Lahoucine Baquir (daf, darbouka, cajón, castañuelas…).
El brillo y la coloridad es la característica de este arriesgado trabajo, una demostración de que es posible agrandar el campo de expresión de un instrumento sin llegar a caer en la exposición inútil.

Página web oficial: Driss El Maloumi

tracks list:
01. Imtidad
02. Moudaaba
03. Nassim
04. Safar
05. Douceur pour 2 «R»
06. Tawazoun
07. Imtinan
08. Awzan
09. Le coin «D»
10. Khamsa
11. Ayour
12. Comme une joie
13. Intidar





Angélique Kidjo – Eve (2014)

Eve es el título del nuevo trabajo de Angélique Kidjo, un maravilloso recopilatorio con una serie de canciones dedicadas a la cultura de las mujeres de África, un homenaje a su fuerza, su femineidad y a su constante lucha por la independencia y la libertad.
Producido por Patrick Dillett (colaborador de artistas del calibre de David Byrne), el nombre del disco es una clara dedicatoria a la madre de Angélique Kidjo y ha sido grabado incluyendo hasta diez coros de mujeres procedentes de Benín y Kenia, que acompañan a la "New Mama Africa" cantando en distintos dialectos e idiomas autóctonos, entre ellos el Fon, el Yoruba, el Goun y el Mina. La cantante lanza este nuevo trabajo en conjunción con la edición de "Spirit Rising: My Life, My Music", una autobiografía publicada por Harper Collins.
"Eve es un álbum de recuerdos de la mujer africana con la que crecí y un testimonio del orgullo y la fuerza que se esconde detrás de la sonrisa que oculta problemas cotidianos" dice Kidjo, cuyos premios incluyen una discografía de 20 años y miles de conciertos en todo el mundo. "Sus voces emanan positividad y gracia en momentos difíciles. En esta grabación dejo que las voces de las mujeres muestran su belleza al mundo", añade. "Eve muestra la positividad que aportan a sus pueblos, ciudades, la cultura y el mundo".

Para la realización de Eve, Angélique ha contado, también, con un impresionante plantel de artistas como el guitarrista Lionel Loueke, el batería Steve Jordan, el bajista Christian McBride y con la participación extraordinaria del original percusionista senegalés Magatte Sow. También podemos escuchar en el disco a Dr. John (piano), Rostam Batmaglij (guitarra de Vampire Weekend), Kronos Quartet y a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo.
Con la popular cantante nigeriana Asa canta "Eva", y para la tradicional canción congoleña "Bana" cuenta con la carismática voz de su madre Yvonne.
"Eve está dedicado a las mujeres de África, a su capacidad de recuperación y a su belleza", dice Kidjo. "Estas mujeres tienen muy poco en lo material, pero cuando sonríen es como si hubieran saltado a la luna y estuvieran colgando de ella. Siempre y cuando seamos fuertes, vamos a seguir adelante con dignidad". Definitivamente, Eve se coloca como una de las cumbres de la impresionante carrera de Kidjo, una demostración de su absoluto nivel técnico, un álbum perfecto para quienes amamos y admiramos las culturas africanas.

Página web oficial: Angélique Kidjo, Batonga Foundation For Girls Education

tracks list:
01. M´Baamba (Kenyan Song)
02. Shango Wa
03. Eva (con ASA)
04. Interlude: Agbade
05. Bomba (con Rostam Batmaglij)
06. Hello (von Trio Teriba)
07. Blewu
08. Kamoushou
09. Kulumbu (con Dr. John)
10. Interlude: Kletedjan
11. Ebile (con Kronos Quartet)
12. Awalole (con Orchestre Philharmonique du Luxembourg)
13. Bana (con Yvonne Kidjo)
14. Orisha
15. Interlude: Wayi
16. Coari







Aziza Brahim – Soutak (2014)

La cantante y poetisa saharaui Aziza Brahim ha reunido una colección de temas acústicos donde la palabra y su voz, luminosa y desafiante, es la protagonista del disco: Soutak, que se traduce como "mi voz". Su canto es el de un pueblo que tiene su voz "silenciada, censurada y amordazada". Son canciones de la resistencia.
Blues del desierto (un espacio inhóspito, duro y donde la vida es casi imposible) es la música que entrega Aziza Brahim. Nació en los campos de refugiados de Tinduf, a lo largo de la frontera entre Argelia y Sáhara Occidental, donde su madre huyó durante los primeros días de la ocupación marroquí. Su padre murío durante la guerra, y fue en esos campos donde comenzó a dar muestras de su talento para la música, "Desde que tengo uso de razón, he practicado la música porque en mi casa era algo habitual. No solo nos reuníamos los viernes para cantar El Medeh, el resto de la semana también estaba presente. Nos entreteníamos organizando juegos musicales, mi abuela proponía unos versos y teníamos que inventarles una melodía, ella decidía cuál era más bonita. Me pasaba el día imaginando melodías para ganar esos concursos familiares". Sus primeros instrumentos musicales fueron "Primero la voz y las palmas, después una alfombra, más adelante un bidón de agua para simular un tabal. Cualquier cosa me servía entonces para hacer ritmo".
Desde el año 2000 reside en Barcelona aunque, como dice la letra de "Lagi", "Desde que llegué a este mundo / yo vivo refugiada. / Aunque me vaya hacia el norte / sigo siendo refugiada". En 2007, Brahim inicia un proyecto musical llamado Gulili Mankoo, compuesto en su origen por artistas de diversa procedencia (España, Senegal, Colombia, Sáhara…) cuyo sonido se basa en la idea de desarrollar música saharaui sobre un soporte armónico generado por el collage de influencias culturales y estilos personales de sus miembros. Con el sello francés Reaktlon autopublican Mi Canto (2008) y Mabruk (2012), en cuyo resultado cristaliza una actitud reivindicativa que transmite un mensaje poético, a través de unos textos, que exige la liberación de la ocupación marroquí y la autodeterminación del pueblo saharaui.

Su tercer disco, Soutak (2014), ha sido grabado completamente de manera acústica en Barcelona, y producido por Chris Eckman (Tamikrest) para el sello alemán Glitterbeat. Busca así la sencillez que toda verdad encierra: a través del Haul, la tradicional música saharaui que se acompaña del tabal (el instrumento de percusión femenino saharaui por excelencia), marcar el ritmo del sentimiento y la esperanza de que todo cambie después de cuatro décadas de ocupación. En esta ocasión, ha sido la música de Malí la que le ha servido de inspiración. Como canta en "Ya Watani" (Mi Tierra), "Para la vida, la libertad y la dignidad / mira estos ojos inocentes mirando el cielo / desea alcanzar el horizonte del océano".
Un disco emocionante, cautivador, que clama por la dignidad, los derechos y la libertad. Bello y trascendental. (Fuente: entrevista en Músicas del Mundo)

Personal:
Aziza Brahim: voz, tabal
Guillem Aguilar: bajo
Ignasi Cussó: guitarra
Nico Roca: percusión
Kalilou Sangare: guitarra
Badra Abdallahe: coros

Página web oficial: Aziza Brahim

tracks list:
01. Gdeim Izik
02. Julud
03. Espejismos
04. Lagi
05. Aradana
06. Soutak
07. La Palabra
08. Manos Enemigas
09. Ya Watani





Kronos Quartet - A Thousand Thoughts (2014)

Cuatro décadas después de iniciar su andadura, Kronos Quartet ha logrado romper las barreras entre la música popular y la clásica, explorando las tradiciones folk de todo el mundo. Su nuevo recopilatorio por su 40 aniversario, A Thousand Thoughts, celebra esta victoria bien ganada al reunir una generosa ración de estas excursiones musicales trotamundos en un solo disco.
A Thousand Thoughts forma parte de esta celebración junto con la edición de un paquete retrospectivo (The Kronos Quartet Explorer Series) que incluye cinco de sus discos esenciales: Pieces of Africa (1992); Night Prayers (1994, música de Europa del Este y Asia Central); Caravan (2000, con el grupo romaní Taraf de Haïdouks), Nuevo (2002, música de compositores mexicanos) y Floodplain (2009, música de Oriente Medio).
Para la grabación de este disco, el director artístico de Kronos Quartet David Harrington ha invitado a tres cellistas que han grabado con el grupo a lo largo de su carrera: Joan Jeanrenaud (1978–1999), Jennifer Culp (1999–2005) y Jeffrey Zeigler (2005–2013).

Con canciones de catorce paises diferentes, vale la pena darse una vuelta por el álbum sólo por la espectacular lista de estrellas invitadas que el cuarteto, formado por David Harrington y John Sherba (violín), Hank Dutt (viola) y Sunny Yang (cello), ha llevado al estudio en los últimos años. Una de las grandes estrellas de la música bollywood, la exquisita Asha Bhosle, presta su asombrosa voz a una melodía compuesta por su marido, el legendario cantante y compositor Rahul Dev Burman (más conocido como Pancham), junto con el virtuoso de la pipa china Wu Man.
Las sorprendentes voces del Coro Femenino de la Radio y Televisión estatal Bulgara, también conocido como Le Mystère des Voix Bulgares, canta una pieza escrita por Kronos y el gran Terry Riley, compositor estadounidense asociado al minimalismo. El maestro argentino Astor Piazzolla toca el bandoneón en una grabación de un tango que compone expresamente para el cuarteto.
Pero tan impresionante como estos cameos estelares es el juego camaleónico del cuarteto, que logra fusionarse en músicas procedentes de paises como China, Afganistán, Vietnam y Siria, manteniendo el núcleo característico de su sonido: combinar un espíritu audaz de exploración con el compromiso de ampliar las sonoridades del cuarteto de cuerda.

Página web oficial: Kronos Quartet

tracks list:
01 Tusen Tankar
02 Dark Was the Night, Cold Was the Ground
03 La Sidounak Sayyada
04 Lưu Thủy Trường
05 Aha Gèdawo
06 An Buachaillín Bán
07 The Round Sun and Crescent Moon in the Sky
08 Eviç Taksim
09 Rangin Kaman (excerpt)
10 Smyrneiko Minore
11 Cry of a Lady
12 Sim Sholom
13 Mera Kuchh Saaman
14 Asleep from Five Tango Sensation
15 Danny Boy





Gotan Project – Best Of (2011)

Escuchar un bandoneón entre secuencias electrónicas es hoy casi un tópico en las ambientaciones, pero en décadas anteriores se consideraba impensable algo así antes de que surgiera Gotan Project. El "neotango" inventado y masificado por este trío multinacional asentado en París le hizo ganar en misterio y modernidad al género de baile, pasión y desamor surgido en Buenos Aires a fines del siglo XIX.
El tango tomó una nueva dimensión gracias a Gotan Project, un grupo multinacional compuesto por el suizo Christoph H. Müller, el DJ francés Philippe Cohen Solal y el argentino Eduardo Makaroff, sin olvidarnos de la voz de la barcelonesa Cristina Vilallonga. Esta mezcla tan "extraña", que se gestó en París en el año 2000, es la que ha creado la fusión de jazz, tango, música electrónica y mucho arte. Como particularidad, la palabra Gotan es Tango pasada por el tanguero mecanismo del revés.

En celebración por su primera década de vida (y éxito), en 2011 Gotan Project presentó casi en simultáneo dos nuevas e interesantes publicaciones a partir de su combinación de electrónica, jazz, tango y sampleos vocales. La revancha en cumbia, un proyecto atrevido que lleva aún más lejos la vocación del grupo por la fusión de géneros rara vez relacionados. Esta vez, el trío convoca a nueve DJs sudamericanos asociados a la llamada "cumbia digital" (Bomba Estéreo, Tremor, Chancha Via Circuito, King Coya, entre otros) para que graben en clave cumbiera nuevas versiones de todos los temas de su primer álbum, el famoso La revancha del tango (2001), abriendo el oido a un sonido verdaderamente novedoso y fresco.
Best Of es una primera antología de sus grabaciones, con espacio para trece títulos tomados de su discografía anterior y el regalo de dos composiciones nuevas. El disco resulta un estupendo modo para introducirse no sólo en la trayectoria de Gotan Project sino en el subgénero completo del "tango electrónico", donde hoy también brillan nombres como Bajofondo, Metrotango, Tango Crash y San Telmo Lounge.

Página web oficial: Gotan Project

tracks list:
01. Santa María (del Buen Ayre)
02. Época
03. La gloria
04. Diferente
05. Rayuela
06. Una música brutal
07. Mi confesión (feat. Koxmoz)
08. Peligro
09. Tríptico
10. Strength to love (feat. Tumi)
11. Panamericana
12. Amor porteño (feat. Calexico)
13. El norte
14. Checkmate / Jaque mate (feat. Christopher Ettridge)
15. Last Tango In Paris





Africando – Viva Africando (2013)

Africando es una famosa y legendaria agrupación nacida en Senegal, referencia ineludible de la llamada "salsa africana". Conformada por artistas de África, además de neoyorquinos y puertorriqueños, la banda fue creada como proyecto musical a inicios de la década de los noventa y celebra la tradición africana de la música salsa. Transcurridos siete años desde su última producción, Ketukuba (un trabajo que hace énfasis en los vínculos entre Cuba y África), Viva Africando es su octava producción, para el sello londinense Sterns Music.
La historia de este disco es toda una odisea. Mientras que los siete primeros álbumes de Africando fueron grabados en su mayoría o en su totalidad en Nueva York, para este octavo trabajo los neoyorquinos tuvieron que viajar a París. No era ese el plan inicial, pero la guerra en Malí intervino, por lo que era imposible para el arreglista y director musical, Boncana Maïga, renovar su visa para Estados Unidos. Afortunadamente, pudo ir a Francia, aunque las primeras pistas fueron grabadas en Bamako (Malí) y Dakar (Senegal). En París se vuelve a conectar con Ibrahima Sylla, productor y autor intelectual de Africando (que falleció al finalizar la producción), y en noviembre de 2012 se les unen los seis músicos de Nueva York, dirigidos por el pianista Oscar Hernández, quien ha sido una parte integral de Africando desde Gombo Salsa (1996)

Muchas voces familiares adornan Viva Africando. El veterano cantante senegalés Medoune Diallo, miembro fundador de la banda. Sékouba Bambino, una de las grandes estrellas de Guinea desde su juventud en Bembeya Jazz National, que se unió a Africando en 1996 y sigue siendo miembro permanente mientras continúa su carrera exitosa como solista. Roger Eugène, más conocido como Shoubou, un patriarca de la destacada banda haitiana Tabou Combo, que ha combinado con su participación en Africando durante diecisiete años. Un pionero de la música moderna en Burkina Faso, Amadou Ballaké, que aparece por cuarta vez en una producción de la banda.
Jos Spinto, que ha participado en Africando en la última década, dedica una de las canciones a Gnonnas Pedro, una estrella de la música en su país de origen, Benin, y que fue cantante principal de Africando entre 1995 y 2004, año de su fallecimiento. Pascal Dieng, de Super Cayor de Dakar, vuelve a repetir con un segundo álbum con Africando, al igual que su compatriota, el cantante senegalés Bassirou Sarr del grupo Dieuf-Dieul.
En este álbum se presentan cuatro artistas destacados que hacen sus primeras apariciones con Africando: René Cabral, en la escena musical de Cabo Verde desde hace tres décadas; Lokombe Nkalulu, miembro de uno de los mejores grupos congoleños de los años 70, Les Grands Maquisards; James Gadiaga, un notable de la Senegal´s Royal Band de Thiès, y Raymond Fernandes, nacido en Dakar y de origen caboverdiano, que grabó su tema pero que falleció antes del lanzamiento.
Africando siempre ha recibido a grandes artistas tanto en el escenario como en el estudio, no sólo cantantes sino, también, solistas instrumentales. Viva Africando tiene un trepidante final con un tema interpretado por una orquesta invitada: The Spanish Harlem Orchestra, bajo la dirección de Oscar Hernández y con el cantante Ray de la Paz. Los grandes de la salsa clásica de hoy, The Spanish Harlem Orchestra, rindiendo homenaje con "Africa Es" a su gran aliado en la causa, Africando.

tracks list:
01. Deni Sabali (Amadou Ballaké)
02. Xallas Xallas (Bassirou Sarr)
03. Doundari (Sékouba Bambino)
04. Xam Sa Bop (James Gadiaga)
05. Es Para Ti Gnonnas (Jos Spinto)
06. En Vacances (Shoubou)
07. Maria Mboka (Lokombe)
08. Ma Won Mio (Jos Spinto)
09. Yen Djiguengny (Pascal Dieng)
10. Noche con Santana (Rene Cabral & Eddie Zervigon)
11. Destino (Raymond Fernandes)
12. Bouré Yayé Diama (Medoune Diallo)
13. Africa Es "Tribute to Africando" (Ray De la Paz & The Spanish Harlem Orchestra)





Etran Finatawa – The Sahara Sessions (2013)

Etran Finatawa ("las estrellas de la tradición") es la única banda del mundo que combina las culturas de los Bororo (se distinguen por sus singulares pinturas en la cara) y los Tuaregs. La cultura Bororo o Wodaabe añade unas características especiales a la música: el canto polifónico y su percusión, que se une a los sonidos tradiciones tuaregs. El resultado es un tipo de blues del desierto que nos llega desde la sabana del Sahel (Níger).
Dados a conocer en 2004 durante el Festival au Désert, en Malí, Etran Finatawa pertenecen (como Bombino o Tinariwen) a esa saga de artistas que han hecho del blues del desierto algo sugestivo e inconfundible, un espectacular directo que se puede comprobar en su anterior trabajo Tarkat Tajje – Let´s Go! (2010), grabado en su gira europea de 2009. En él crean un sonido único y diferente, donde se dan a conocer sus ideas y preocupaciones con respecto a su modo de vida tradicional en peligro de extinción, en una sociedad inmersa en un cambio global contínuo. Su segundo álbum Desert Crossroads (2008) fue una exploración de las dificultades de ser un pueblo nómada.

Y en mayo de 2013 lanzaron su tercer álbum hasta la fecha, The Sahara Sessions. El título define perfectamente la esencia del trabajo del grupo, para lo que decidieron montar un estudio de grabación en pleno desierto a las afueras de la ciudad de Korey Gourou, en Níger.
El resultado es un disco que suena diferente. Los cortes que lo componen se sienten más puros y transmiten un sonido sugerente que transportan al árido desierto (sus noches estrelladas y su calma), con sus particulares riffs de guitarra y percusión que se entrelazan en cada tema creando una fusión perfecta entre el ritmo y la base melódica que los componen. A todo ello se suman las voces de Alhousseini Mohamed Anivolla y Bammo Agonla, que nos invitan a la reflexión sobre el conflicto de la supervivencia de la cultura de los pueblos tuareg.
La problemática política y las graves dificultades económicas representan una peligrosa amenaza para el modo de vida nómada y las ricas culturas de Níger. Esperanzados en una solución a estos problemas, Etran Finatawa celebra sus raíces culturales y hace un llamamiento para que la conservación de los pueblos nómadas sea una prioridad tanto para Níger como para las y los oyentes de todo el mundo.

tracks list:
01. Matinfa
02. Gonga Timouhar
03. Icheraid Azaman
04. Wa Oyan A Wa Imouss I Bastila
05. An Mataf Germanawen
06. Eldam
07. Ahewalan
08. Bakuba
09. Atherlak
10. Djojaréré
11. Issaud
12. Is Ler Is Salan
13. In De Hallad
14. Im Raharan
15. Taborilit
16. Toumast





Zaz – Recto Verso (2013)

La cantante francesa Zaz fue una de las artistas de mayor éxito en Francia durante 2011 y 2012, con su primer disco homónimo, gracias a una propuesta musical fresca pero nostálgica y a una increíble voz que logra fusionar, como pocas, la canción de autor francesa con el gypsy jazz (jazz manouche). Recto Verso es su tercer trabajo, una producción de registro y de ejecución impecables que supera las expectativas creadas.
Isabelle Geffroy, nacida en Tours e hija de una profesora de español, estudió solfeo, violín y piano en el Conservatorio de Tours y en la Escuela de música moderna de Burdeos. Antes de su primer disco en solitario, con tan sólo 30 años, Zaz ya había colaborado con varios grupos alternativos, de manera paralela: en 2001, es la cantante del grupo de blues Fifty Fingers y una de las cuatro cantantes de Izar Adatz (Estrella Fugaz), una orquestra vasca compuesta por 16 personas; en 2002, integra el grupo Don Diego, una banda de rock latino, con repertorios africanos, árabes, brasileños y latinos. En 2007 contesta a un anuncio, en Internet, del productor y autor compositor Kerredine Soltani, que busca tanto una voz diferente para una canción, que acaba de componer ("Je veux"), como un productor que acepte editarla. Mientras tanto, Zaz sigue colaborando con los grupos de rap, Le 4p, en 2007, y Miliaouech, en 2008. En 2009, gana su primer Premio (Le Tremplin Génération France Bleu) y encuentra un productor para "Je Veux", que se escuchará, por vez primera, en la radio francesa en 2010. El éxito es apabullante, una canción que es toda una declaración de principios suscribible por buena parte de la juventud consciente de hoy, atenazada por la realidad de la crisis económica.

Zaz construye su música con base en la herencia de la Chanson, pero (y gracias a su bagaje vital) sabe enriquecerla coqueteando con otros géneros. Es una artista natural, inquieta, comunicativa y creíble, que precisamente se siente a gusto en la variedad, tan pronto revisando un tema de Piaf o de Brel como interpretando jazz manouche, groove, canción latina... Su primer disco (Zaz, 2010) tiende al pop; el segundo (Sans Tsu Tsou, grabado en directo durante su gira de 2011) es prácticamente un disco de jazz vocal, y para el tercero ha conseguido una combinación equilibrada entre ambos.
Recto Verso se puede dividir en dos categorías identificables: canciones que hacen honor a su estirpe ("Comme ci, omme ça", "T´attends quoi", "La lessive", "J´ai tant escamoté", "Toujours", "Oublie Loulou", "La lune") y las que se tutean con el jazz, el rock y el pop ("On Ira", "Gamine", "Déterre", "Si je perds", "Si", "Cette journée", "Nous Debout"). Letras cuidadas, que hablan de valores de la vida, con una producción musical esquisita, donde los instrumentos de cuerda tienen una relevancia especial. Desde la guitarra, a la que no renuncia jamás, hasta el contrabajo, fundiéndose en sus raíces y su amor por el jazz.
Zaz es precisamente eso, una artista de amplios gustos y registros interpretativos. Un talento inclasificable.

Página web oficial: Zaz

tracks list:
01. On Ira
02. Comme ci, comme ça
03. Gamine
04. T'attends quoi
05. La lessive
06. J'ai tant escamoté
07. Déterre
08. Toujours
09. Si je perds
10. Si
11. Oublie Loulou
12. Cette journée
13. Nous debout
14. La lune





Tamikrest – Chatma (2013)

Chatma ("hermanas") es el tercer trabajo de Tamikrest, enfocado en su reconocida fusión conocida como "Blues del Sahara", con un componente político y social importante: dedicado al coraje de las mujeres Tuareg, y a su papel como sustentadoras de la supervivencia y la moral en sus familias, en los numerosos conflictos sufridos por el país en los últimos treinta años.
Tamikrest significa "Intersección" en el lenguaje de los Kel Tamashek, una tribu nómada del norte del Sahara, habitualmente conocidos como Tuaregs. El proyecto está encabezado por Ousmane Ag Mossa y Wonou Walet Sidati, esta última conocida por su participación en Tinariwen. Con ellos comparten situaciones, influencias y muchos de los sonidos de la cultura tuareg (como se puede comprobar en sus anteriores trabajos, Adagh, de 2010, y Toumastin, de 2011): al igual que Tinariwen, Tamikrest tiene que vivir en el exilio debido a la situación política de su país, condición que alimenta su música, en una mezcla del sonido tradicional del Sahara, rock y blues.

Grabado entre la República Checa y Eslovenia, el tema que abre el álbum, "Tisnant an Chatma" ("El sufrimiento de mis hermanas") es ese triste homenaje que le canta a la opresión vivida por las mujeres en en norte de Mali. El disco tiene momentos absolutamente hipnóticos, como en "Itous", y otros más pausados, como en "Achaka Achail Aynaian daghchilan", "Timtar" y "Adounia Tabarat", pero la tónica general está marcada por la intensidad de temas con una alta influencia del rock como "Imanin Bas Zihoun" o "Djanegh Etoumast".
Un trabajo poderoso, impecable, con una virtud compartida por otros grupos y artistas de la región: la de saber transmitir, como nadie, una actitud de lucha contra el dolor a través de la música.

Página web oficial: Tamikrest

tracks list:
01. Tisnant an Chatma (The suffering of my sisters)
02. Imanin bas zihoun (Nothing will make my soul joyful)
03. Itous (The Objective)
04. Achaka Achail Aynaian daghchilan (Tomorrow, Another Day)
05. DJanegh etoumast (I Say To The People)
06. Assikal (The Journey)
07. Toumast anlet (We Have A People)
08. Takma (Pain)
09. Adounia tabarat (Life)
10. Timtar (Memories)





Habib Koité – Soô (2014)

Soô es el último trabajo de Habib Koité, un disco con la motivación principal de mostrar, por un lado, la diversidad cultural de su rico país (cantando en cuatro lenguas diferentes: bambara, malinké, dogón y khassonké) y, por otro, su enorme deseo de que se superen los problemas que recientemente ha vivido Malí en relación a los radicales islamistas.

Habib Koité lleva más de dos décadas con su sexteto Bamada haciendo una preciosa música que bebe de la tradición, pero que se fusiona de manera contemporánea. Después del deslumbrante Afriki (2007) y su Brothers in Bamako (con el bluesman neoyorquino Eric Bibb), para este disco ha querido hacer algo diferente formando un segundo grupo y elaborando el trabajo desde casa, prácticamente acústico, con amistades e incluyendo una sorpresa: el banjo que le regaló Eric Bibb, que es interpretado por Abdoul Wahab Berthé (que ya participaba en Bamada, y que también se ocupa del kamale n´goni); el teclista Charly Coulibaly se encarga de la percusión y canta (junto a Mama Koné), y Ami Danté les acompaña en los coros. Todo con una finalidad: aprovechar la riqueza de la música mandinga y mostrar los diferentes ritmos de algunas de sus culturas (fulani, songhai, tamasheq, bambara…). Además, intentando acercar esas culturas no solo a través de sus músicas sino, también, de sus artistas, para que funcione como elemento de unión en su propio país.
Preciosas canciones de cadencias relajadas, animosas, con letras comprometidas (por ejemplo, "Need You" habla de los matrimonios forzados; "Djadjiry" –de Fanta Damba-, de los horrores de la guerra) y con más sorpresas en una de las joyas del disco: "Téréré", donde participan y brillan dos grandes maestros, Toumani Diabaté a la Kora y Bassekou Kouyaté con el n´goni.
En definitiva, un emocionante collage sonoro, una sonoridad próxima al blues y una personificación de lo que es Malí: un gran país con un impresionante yacimiento musical, que reune diferentes culturas y que anhela la paz y la comprensión.

Página web oficial: Habib Koité

tracks list:
01. Dêmê
02. Diarabi Niani
03. Bolo Mala
04. Drapeau
05. Téréré
06. L.A.
07. Khafole
08. Need You
09. Soô
10. Balon tan
11. Djadjiry





Gipsy Rhumba - The Original Rhythm of Gipsy Rhumba in Spain 1965-1974 (2014)

Gipsy Rhumba es el primer álbum publicado fuera de España que se centra, con rigor, en la historia de la rumba catalana, un estilo musical que se gestó en la Cataluña de los primeros años 60 del siglo XX, híbrido entre música latina, cubana, caribeña y, por supuesto, flamenca, con toques del emergente rock ´n´ roll de entonces que se expandía por todo el planeta.
Editado por el sello británico Soul Jazz, el recopilatorio ha tardado casi cinco años en ver la luz gracias a dos personas clave para la materialización de este trabajo: David "El Indio" (baterista de Vetusta Morla) y José Manuel Gómez (DJ Gufi, locutor del programa "Planeta Jondo", en Radio Gladys Palmera).

Editado digitalmente y en vinilo, en él se incluyen dos libretos de 60 páginas en el que se cuenta la historia de la rumba catalana, así como diversas fotografías de la época realizadas por el fotógrafo francés Jacques Léonard, el payo Chac, quien, casado con la gitana Rosario Amaya, pudo documentar en primera línea el surgimiento y desarrollo de este género musical. DJ Gufi, el autor de las prolíficas notas de Gipsy Rhumba, cuenta los primeros tiempos de la rumba catalana: "la rumba jamás hubiera existido sin la presencia de guiris… los extranjeros que iban a los tablaos difícilmente podían participar del flamenco serio y cabal. Así que los artistas echaron mano de las canciones que llegaban de Nueva York o del Caribe, y las simplificaban para que los turistas pudieran tirar un paso y arrancarse a bailar. Lo que no sabían es que estaban inventando un ritmo nuevo que ahora, medio siglo después, muestra su palpitante actualidad".
Aunque no están todas y todos los que son, este trabajo constituye una estupenda oportunidad para descubrir el gran tesoro oculto de la música española: la rumba pop, especialmente la sabrosa variedad denominada rumba catalana.

Para saber más: "Gipsy Rhumba: el origen de la rumba desvelado a los guiris"
"Léonard, el fotógrafo entre gitanos"

tracks list:
01. Rabbit Rumba — Nuestro Ayer
02. El Noi — Labios Morenos
03. Los Gitanos Polinais — En El Fondo Del Mar De Lima
04. Antonio González — Sarandonga
05. Peret y Sus Gitanos — La Fiesta No Es Para Feos
06. El Gitano Portugues — Fuí A Bahia
07. Maruja Garrido — Che Camino
08. Juncal y Sus Calistros — Tequila
09. Moncho y Su Wawanko Gitano — Orisa
10. Peret y Sus Gitanos — Voy Voy
11. Dolores Vargas — Anana Hip
12. Chango — El Guapo
13. Ramonet y Sus Rumberos — Bacalao Salao
14. Lola Flores y Antonio González — Meneito Men
15. Dolores Vargas — A-Chi-Li-Pu
16. El Noy — El Loco
17. El Noi — Si, Compay
18. Chacho y Sus Rumbas — El Pan Y Los Dientes
19. Maruja Garrido — Amanecí En Tus Brazos
20. Antonio González — Levántate





La Yegros – Viene de Mí (2013)

La Yegros combina ritmos tradicionales de su originaria selva del noreste de Argentina con un estilo urbano influenciada por su residencia en la cosmopolita Buenos Aires. Viene de Mí (2013) es su primer disco en solitario, canciones con un tratamiento electrónico bailable que van desde la cumbia hasta el chamamé.
La Yegros (que es como se conoce a Mariana Yegros) es cien por ciento power latino. Su voz grita el calor de la cumbia y el chamamé, y su espíritu transmite la fuerza femenina. Y no es precisamente una artista nueva. Ha tocado en escenarios importantes del mundo como parte de ZZK Club, incluyendo el Summerstage de Central Park y Roskilde Festival en Dinamarca (2009), habiendo hecho su debut profesional en 1998 con la producción argentina de De La Guarda frente a quince mil personas.
Su proyecto solista es producido por Gaby Kerpel, también conocido como King Coya, para ZZK Records. La Yegros y King Coya ya participaban en la banda Terraplén, que lanzaron Terraplén en 2010, producido por Gustavo Santaolalla, un cruce entre el folclore argentino y las nuevas tendencias de la música electrónica.

Viene de Mí es un disco que se empezó a gestar en 2008. Con referentes musicales que abarcan desde Björk a la colombiana Petrona y Café Tacvba, los temas son autoría de la propia artista, Daniel Martín y King Coya, contando con una versión de un tema boliviano del grupo Norte Postosí y la interpretación de una invitada especial (Miss Bolivia, el proyecto musical de Paz Ferreyra). "Viene de Mí habla mucho de las emociones y relaciones humanas, el amor, la soledad, la discriminación, la alegría, desolación, el pueblo y su cultura", comenta en Lifestyle Kiki.
Ritmos frenéticos y acordeón se mezclan con electrónica para caracterizar el nuevo sonido de la cumbia: nacida en Colombia pero infiltrada en algunos de los locales más importantes de Buenos Aires. Con tonos altos de cantos indígenas del amazonas y una onda relajada de una rapera chic, La Yegros sale a los conciertos como la reina de la escena celebrando su groove contagioso con el público.

facebook: La Yegros

tracks list:
01. Viene De Mí
02. Trocintro
03. Trocitos De Madera
04. Cariño
05. Iluminada (feat. El Gato Muñoz)
06. Vagar
07. El Bendito
08. Ya No Llores (feat. Miss Bolivia)
09. Solo
10. Que Me Hizo Mal





Niyaz – Sumud The Acoustic EP (2013)

Niyaz, que combina tradiciones de Oriente Medio y del este de Europa con una armadura electrónica, edita en 2013 una versión acústica de Sumud, publicado en 2012, intentando visibilizar la situación de la inmigración y de los grupos étnicos y religiosos minoritarios que luchan por mantener su identidad.
La música y el mensaje de Niyaz nos sumerje en una búsqueda filosófica en las profundidades humanas. Es un viaje lleno de esperanza contra la injusticia y la opresión, un homenaje universal a la belleza, la diversidad cultural y espiritual, la libertad y la dignidad para todas y todos.
Formado por la vocalista iraní Azam Ali (la mitad del dúo Vas), el multi-instrumentalista Loga Ramin Torkian (fundador de Axiom of Choice), y el también productor californiano Carmen Rizzo, el trío debutó con Niyaz (2005), insertando poesía sufí de místico aliento en estructuras rítmicas de reconocible actualidad. Sumergiéndose en el folk persa y turco, grabaron Nine Heavens (2008), como para ayudarnos a imaginar ese viaje celestial que nos espera (con base en las creencias de cada quien) y entender las dificultades del exilio que padecen muchas personas únicamente por su forma de pensar.

Sumud (2012), que significa (traducido del árabe) "firmeza", es una llamada simbólica y directa a la aceptación de las minorías étnicas y religiosas, sobre todo en países de Oriente Medio, como Azam Ali explica "todo ser humano debe heredar el derecho a vivir con dignidad y libertad en la tierra en la que nace". Para este trabajo, Niyaz construye su música basada en canciones tradicionales de Irán, Turquía y Afganistán, la música tradicional kurda e interpretaciones de obras de poetas Alevi-Bektashi del siglo XVII, y del místico y poeta del siglo XI Baba Taher.
El énfasis en la estructura y el funcionamiento de la canción es la fuerza impulsora detrás de la música de la banda, razón por la que Niyaz mantiene su compromiso de presentar al público versiones acústicas de los temas de sus álbumnes. Sumud The Acoustic EP (2013) está integrado por seis temas (tres del álbum electrónico y tres nuevos temas) que buscan aún más naturalidad en el resultado de este increible eclecticismo que nos hace más próximo el Oriente Medio.
Las tres nuevas canciones que aparecen en la versión acústica son temas compuestos por Niyaz. La pista "Sahar" es una pieza escrita para el santur (dulcimer martillado persa) y el cümbüş turco. "Nalona" es un viaje ambiental a través de paisajes sonoros creados por Loga en guitarra viola y Azam cantando en un idioma propio. Y "Naseem" es un dúo entre la voz de Azam Ali y el percusionista y flautista de Niyaz, Habib Meftah Boushehri. Junto con las otras tres versiones acústicas, Sumud The Acoustic EP constituye un trabajo que es todo un deleite para los oidos… y para el espíritu.

Página web oficial: Niyaz
facebook: Niyaz (Official Site)

tracks list:
01. Sahar
02. Nalona
03. Mazaar (acoustic, feat. A.R. Rahman)
04. Vafa (acoustic)
05. Parishaan (acoustic)
06. Naseem





Family Atlantica – Family Atlantica (2013)

Family Atlantica es la historia de un encuentro, cuando una mezcla impensable de energias, influencias y sonidos procedentes de tres continentes bañados por el Atlántico, decide conectarse para terminar grabando un disco tan genuino como arriesgado y sorprendente. Un álbum que evoca los legados del son cubano, el calipso y la más profunda tradición folclórica venezolana (la percusión afro y el canto campesino) junto con higlife ghanés, blues etiope, spiritual jazz y psicodelia.
La génesis de Family Atlantica sucedió cuatro años atrás, cuando el londinense Jack Yglesias, multiinstrumentista y productor que ya hizo historia con el proyecto de jazz The Heliocentrics, conoce a la poeta y cantante venezolana Luzmira Zerpa. Se convierten en pareja y cuando comienzan su colaboración musical aparece el percusionista africano Kwane "Natural Power" Crentsil (mitad nigeriano mitad ghaniano), un apasionado de la percusión sin fronteras. Al indiscutible talento de este trío, se suma el aporte de la leyenda del jazz etíope Mulatu Astatke (piano), tres generaciones de la familia Zerpa, el griot senegalés Nuru Kane (guembri) y el combo afro-cubano Yoruba Andabo. Cuatro temporadas de ensayos más tarde, finalmente ve la luz el que para la Crítica, Manu Chao incluido, será uno de los discos del año: su debut, titulado sencillamente Family Atlantica.

El encanto del álbum, grabado entre Londres y Venezuela (Barquisimeto, Sanare y Tacarigua), reside en su multiplicidad de sonidos, ritmos y frecuencias musicales: hay rumba cubana, tonada venezolana, highlife ghaniano, son, blues etíope y calipso. Pero no menos importante es su autenticidad, tradición en sintonía con la actualidad, gratas dosis de nostalgia y renovación sonora, de esas a las que nos acostumbran las grandes obras que han sabido reinventar las viejas escuelas.

Página web oficial: Family Atlantica

tracks list:
01. Fly Through The Lightning To Speak With The Sun
02. Incantation To The Ancestors
03. Arena
04. Cumbacutiri
05. Libation At The Gate Of No Return
06. Jaia
07. Manicero
08. Pranto Do Banzo
09. Escape To The Palenque
10. El Apamate
11. El Negrero (The Slave Ship)
12. Gaita Psychedelica
13. Myths And Proverbs
14. Clavelito Colorado
15. Eboka Ritual
16. Tamunangue Blues
17. The Griot's Blessing
18. Pescador Saharawi
19. La Familia
20. Speak To The Spirit Of The Sea





Buika – La noche más larga (2013)

La noche más larga es el sexto álbum de estudio de la mallorquina Concha Buika, que recoge temas clásicos de diferentes estilos pero que han marcado diversos momentos de su vida, reinventándolos y dotándoles de pasión y emoción a partes iguales.
La noche más larga es el primero que publica con material nuevo desde que lanzara el recopilatorio En mi piel en 2011. El último trago, grabado en 2009 junto a Chucho Valdés, le valió el Grammy Latino 2010 "Mejor Álbum tradicional tropical". Las canciones que escogió Pedro Almodovar para su película "La piel que habito" ("Por el amor de amar" y "Se me hizo fácil") terminaron de catapultarla internacionalmente. Y un artículo publicado online en 2010 en npr.com la definió como la «Voz de la libertad» agrupándola con otras 50 voces en una lista llamada 50 Great Voices.
Su nuevo disco contiene doce canciones. Buika firma cinco de ellas, entre las que se incluyen dos composiciones que ya grabó para En mi piel, y que reaparecen ahora en versiones radicalmente distintas, empapadas de la fuerza de una artista que desafía las dictaduras de los estilos. Así, "Cómo era" y "Sueño con ella" se convierten en parte de esa travesía que surca las aguas del jazz, el flamenco, las músicas africana y cubana, rumbo a un estilo propio, "muy Buika", con compañeros de viaje como el guitarrista Pat Metheny, que la acompaña en "No lo sé". La noche más larga cuenta, además, con siete versiones que también definen su universo sonoro. Temas de Roque Narvaja, Rodolfo Páez, Billie Holiday, Abbey Lincoln, Dino Ramos, Ernesto Lecuona y Jacques Brel, y standards del jazz en inglés como "Don´t explain" y "Throw it away", composiciones que la mallorquina se lleva a su territorio de pasión.

En compañía de "sus dos pilares, sus niños, dos grandes eminencias", como ella les llama, que son Iván "Melón" Lewis (piano, teclados, percusión, arreglos y dirección musical) y Ramón Porrina (percusión, coros, arreglos), Buika ha producido este álbum junto a Eli Wolf, registrado entre los BB&B Studios de Miami y en los Sear Sound Studios de Nueva York. También colaboran John Benítez (bajo), Juan José Suárez "El Paquete" y Carlos de Motril (guitarras flamencas), Carlos Sarduy (trompeta) y Dafnis Prieto, Israel Suárez "El Piraña" y Pedrito Martínez (percusión). Así es La noche más larga, una obra que su autora describe como un bonito adiós y un maravilloso saludo de bienvenida. "Yo soy de caminos, no de metas. Empezaba a tener sensación de querer llegar a una meta y no. A mí me gusta el riesgo".

Página web oficial: Buika

tracks list:
01. Sueño con ella (versión 2013)
02. Siboney
03. Ne me quitte pas
04. Yo vengo a ofrecer mi corazón
05. La nave del olvido
06. La noche más larga
07. Don't Explain
08. No lo sé (feat. Pat Metheny)
09. Santa Lucía
10. Los solos
11. Como era (versión 2013)
12. Throw it away





Temenik Electric – Ouesh Hada? (2013)

Desde el vibrante crisol multicultural de Marsella llega el álbum debut de Temenik Electric, una exquisita excursión por el rock árabe que se extiende a ambos lados del Mediterráneo. Las irregulares guitarras eléctricas y los ritmos de rock de canciones como "Hel El Bab" y "Arteni Boussa" suenan con la energía de Led Zeppelin o U2, evocando el espíritu de agitación de Rachid Taha o Cheikha Rimitti. Pero las contagiosas melodías pop y los golpes electro-rock no son más que un elemento de una espléndida hibridez que también recoge ritmos tradicionales gnawa, chaabi, raï e influencias procedentes de todo el Magreb con ouds hipnóticamente interpretados y otra instrumentación.
El rock árabe de Temenik Electric no es una copia de los formatos angloamericanos. El rock de Temenik Electric, liderado por el cantante y compositor Mehdi Haddjeri, procede de un lugar muy diferente, elaborando un sonido que está esencialmente enraizado en el espíritu del norte de África pero que toma el lenguaje de la música rock occidental y absorbe dinámicamente el linaje continuo de la cultura musical árabe. Es la "fusión" en su esplendor y, como Tinariwen, un emocionante ejemplo de la habilidad de las y los artistas para abrazar la guitarra rock occidental y, aún así, sonar rabiosamente original, robusta y sin adulterar.


Personal:
Mehdi Haddjeri (voz, guitarra, coros)
Jerôme Bernaudon (bajo, coros)
Hassan Tighidet (guitarra)
Djamel Taouacht (batería, percusión, coros)
Mathieu Hours (programación)

Página web oficial: Temenik Electric

tracks list:
01. Li Fèt Mèt (part 1)
02. Ness Jirènin
03. Dèouni
04. Hel El Bab
05. Arteni Boussa
06. Faïn Kount
07. Ouesh Hada
08. Rikha
09. Haïnik
10. Li Fèt Mèt (part 2)
11. Chibani





Catrin Finch & Seckou Keita - Clychau Dibon (2013)

La arpista más célebre de Gales, Catrin Finch, ha unido su maestría con el virtuosismo en la kora senegalesa de Seckou Keita para grabar Clychau Dibon (2013), un precioso disco instrumental en el que convergen la música mandinga de África occidental y las antiguas melodías del País de Gales. Finch y Keita han aceptado el difícil reto de conjugar dos culturas musicales creando un trabajo sublime, coherente, pertinente y totalmente novedoso.
Catrin Finch es una las arpistas más importantes de los últimos años y, seguramente, la artista que más ha hecho por elevar el aprecio de dicho instrumento entre el gran público. Fascinada por el arpa desde temprana edad (sobre todo, al conocer las interpretaciones de la española Marisa Robles), Catrin ha tocado por todo el mundo en solitario, junto a las mejores orquestas (The Royal Philharmonic, The New York Philharmonic y The Boston Pops) o con grandes artistas, y uno de sus grandes logros, hasta la fecha, ha sido su versión completa de las Variaciones Goldberg de Bach. Pero en los últimos tiempos, sin abandonar del todo la música clásica, Catrin ha comenzado a coquetear con otros estilos colaborando, por ejemplo, con el grupo colombiano Cimarrón o con el maestro de la kora Toumani Diabaté.

Seckou Keita es conocido como "el Jimi Hendrix de la kora". Nacido en Senegal en el seno de una familia de griots (los Cissokhos) y descendiente del rey mandinga Sundiata Keita, se distingue de otros músicos en sus sonidos inimitablemente propios, conviertiéndose en uno de los intérpretes actuales de kora más innovadores y creativos. De hecho en su currículum cuenta, entre otros trabajos, el delicioso The Silimbo Passage (2008, con su quinteto) y Miro (2012), un viaje lírico a través de los continentes con aportaciones de artistas de Senegal, Gambia, Burkina Faso, Cuba, Colombia, Madagascar, Guinea, Mali y España.
El arpa ocupa un lugar fundamental en las increíblemente ricas culturas de África Occidental y Gales, y las dos naciones comparten una tradición de siglos de antigüedad de historia oral expresada a través de la música, la canción y el verso. Las notables afinidades entre el arpa y la kora se fusionan en este álbum Clychau Dibon, editado por Astar Artes y producido por John Hollis, una auténtica maravilla en la que los ritmos africanos se funden con melodías celtas y viceversa, junto con composiciones originales escritas por Keita. Todo un gozo para los oidos y el espíritu que ha merecido el "Songlines Music Awards" de 2014.

Página web oficial: Catrin Finch, Seckou Keita

tracks list
01. Genedigaeth Koring-bato
02. Future Strings
03. Bamba
04. Les Bras de Mer
05. Robert Ap Huw meets Nialing Sonko
06. Ceffylau
07. Llongau Térou-bi





Dry Martina – momento perfecto (2012)

Dry Martina hace canciones pop en castellano que miran con descaro hacia el soul de la Motown, se contonean con los sonidos funk setenteros, respiran humo de los clubes de jazz y se agitan con el rock de los años 50 del siglo XX. Pero sobre todo, Laura Insausti y su banda tienen mucho swing. Un estilo inclasificable al que denominan Retropop.
Laura Insausti, su hermano Rafa, Gerard Mases "Lere", Jaime Fernández y Javier Forero sacaron en el mes de mayo de 2012 su primer disco, Momento Perfecto, un álbum con el que coronaban una carrera que bajo el nombre de Dry Martina iniciaron en 2003, no sin antes probar fortuna con otras bandas locales de Málaga con las que comenzaron a darse a conocer como Duty Free, Miss Moneypenny o la Free Soul Band.

La banda concentra en su propio estilo todo ese abanico de sonidos que durante estos años y muchos conciertos ha ido almacenando, abanderando lo que algunos se han atrevido a etiquetar como retropop.
Canciones para tararear en la ducha (2007) fue su primera demo con la que captaron la atención de discográficas y managers, y el comienzo de un proceso creativo que quedó reflejado en un Ep de cuatro temas editado por BMG, Musarañas, con el que consiguieron actuar en diversos festivales, salas y teatros del país y que logró que le abriesen las puertas en su esperado Momento Perfecto (2012).
Con Momento Perfecto el grupo toma las riendas de la autogestión con su propio sello, Contraproducciones, en el que controlan cada paso del proceso creativo y su forma de presentarse al mundo, desmarcándose así de una industria discográfica que impone sus criterios de masificación. Grabado en Estudios Reno (Madrid), DM Estudio (México) y la Escuela de Música de Alhaurín (Málaga), y producido por Sietepulgadasrecords, Martín García y el propio grupo, han vestido sus composiciones de elegantes trajes a medida, aunque luego flirtean además con el mambo, el rocksteady y hasta el folk, consiguiendo con esta mezcla el sonido Dry Martina, algo propio que la Crítica califica de original y fresco.
"En Momento Perfecto están todas la músicas que hemos escuchado durante todos estos años. Desde el rock al jazz, pasando por el ska e incluso el mambo", señala Laura Insausti sobre su primer trabajo, con el que han conseguido el "Premio al mejor álbum de jazz y músicas contemporáneas" de los V Premios de la Música Independiente de la UFI (Unión Fonográfica Independiente) de España.

Página web oficial: Dry Martina

tracks list:
01. Memoria de pez
02. Quién Sabe
03. He Perdido El Swing
04. Momento Perfecto
05. Pierdo Los Papeles
06. Algo Más
07. Saltarnos el guión
08. Musarañas
09. En busca del sonido
10. Se Dice
11. Woody





Chiwoniso – Rebel Woman (2008)

Chiwoniso Maraire, la cantante rebelde de Zimbawe, nos dejó el 24 de julio de 2013. Tenía 37 años. Maestra de la mbira, piano tradicional africano, no rehuyó en ningún momento el compromiso político frente a la tiranía de Robert Mugabe.
Chiwoniso no dudaba en cantar letras incendiarias con carga política y social criticando el régimen autárquico de Robert Mugabe. En su disco Rebel Woman, publicado en 2008 por el sello estadounidense Cumbancha, canta en shona y en ingles, y titula de esta manera su trabajo inspirada en un poema que recuerda el importante papel que jugaron las mujeres en la independencia de su país.
Decía que ella era como un espejo porque cantaba esencialmente sobre lo que veía que pasaba en el mundo. Su voz se parecía mucho a la de Angelique Kidjo, compartiendo con ella esa querencia por los metales, la polirritmia y esas figuras rítmicas de guitarra eléctrica tan propias del cono sur africano. Y en éste (y en muchos otros sentidos) el álbum es de una belleza intachable.
Chiwoniso Maraire, conocida en Zimbabwe como Chiwoniso o Chi, había nacido en 1976 en Estados Unidos, en la ciudad de Olympia, Washington, hija del maestro de la mbira y profesor de etnomusicología Dumisani Maraire, dos de cuyas obras fueron grabadas por Kronos Quartet en su disco Pieces of Africa. Creció oyendo música, ya que sus padres daban clases en casa. Su madre era cantante. Y recordaba en la banda sonora de su infancia y adolescencia a James Brown, Michael Jackson, Aretha Franklin, Roberta Flack, los Beatles y los Rolling Stones, pero también a Bach y Mozart. "Soy un cruce de culturas y de polinizaciones, igual que una flor", solía decir.
Se acompañaba con la mbira, el piano de pulgar también llamado sanza o kalimba, antiguo instrumento africano, tradicionalmente tocado por hombres, que consiste en una caja de madera sobre la cual están fijadas unas láminas metálicas que se pulsan con los pulgares. La tocaba en público desde los cuatro años. A los nueve ya había grabado un disco en compañía de sus progenitores y con once actuaba junto a su padre y sus hermanos.

En 1990, la familia de Chiwoniso regresa a Zimbabwe, comenzando a sonar su nombre como cantante del grupo de hip hop A Peace of Ebony. Ancient Voices, su primer disco en solitario, grabado en 1997, le valió el premio de Radio France Internationale al mejor artista novel. Entre 2001 y 2007 colaboró en un gran número de trabajos e interpretaciones junto con artistas y organizaciones a nivel internacional.
En 2005 el pianista y productor Keith Farquharson (que ya le produjo su primer disco) le propone grabar un nuevo álbum, al que Chiwoniso le dedica tres años: Rebel Woman. Grabado en Zimbabwe, Sudáfrica, Inglaterra y Vermont, el álbum cuenta con la participación de muchos de los músicos más respetados y admirados del sur de África. Louis Mhlanga (que ha grabado con Hugh Masekela) proporciona al álbum esos sabrosos toques de guitarra sudafricanos tan característicos. Sam Mataure (veterano de la banda de Oliver Mtukudzi) aporta sólidos ritmos rock, y Steve Dyer guía la sección de vientos.
El resultado es una colección de brillantes canciones que se pasean con soltura entre el soul y el afropop tomando como punto de partida el fascinante sonido de la mbira.
El álbum se abre con los riffs de guitarra eléctrica de "Vanorapa", una canción sobre el poder curativo de los ancianos (Chiwoniso cree firmemente en el poder de la espiritualidad tradicional shona y la capacidad de los ancianos para curar a la gente, incluso después de que han muerto y entrado en el reino de los espíritus), inspirada en un tema que su padre solía tocar con Mananzi III. En "Matsotsi" (La Tierra de los ladrones) canta las luchas económicas de la clase obrera. "Gomo" es un alegre tributo a las regiones de montaña de donde es originaria su familia.
En "Only One World", expresa su devoción por sus hijas y lo importante que es para las familias que tomen decisiones que tengan en cuenta a las generaciones futuras (Chiwoniso ha sido durante mucho tiempo una gran defensora de los derechos de la infancia, estando involucrada en la organización Mustle Africa que ayuda a la alfabetización de niñas y niños sin recursos). "Irobukairo" evoca la "chimurenga" del gran Thomas Mapfumo, uno de los grandes iconos de la música de Zimbabwe, apelando al cuidado de las relaciones de parejas y del hogar.
Y la pista que da título al álbum, "Rebel Woman", es un homenaje a las mujeres fuertes que sufren porque no siguen las restricciones que la sociedad trata de implantarles, "ésta es una canción sobre el cambio de esas normas". La canción sirve como un epílogo a un álbum magistral en el que Chiwoniso se pronuncia sobre el papel que las y los artistas tienen a nivel social: la responsabilidad de denunciar las injusticias sin temor a las amenazas del poder ni a la represión policial. "No importa. Tenemos esa responsabilidad".

Página web: Cumbancha

tracks list
01. Vanorapa
02. Matsotsi
03. Gomo
04. Nguva Ye Kufara
05. Kurima
06. Listen to the Breeze
07. Wakashinga
08. Irobukairo
09. Pamuromo
10. Nerudo
11. Only One World
12. Rebel Woman