Çiğdem Aslan – A Thousand Cranes (2016)

Çiğdem Aslan es una artista con una trayectoria apasionante. Canta en diversos idiomas, incluyendo kurdo, turco, griego, bosnio, búlgaro, romaní y ladino. Su viaje musical comenzó dentro de la familia. Procedente del trasfondo kurdo aleví, en el que la música es uno de los elementos fundamentales de la comunidad, creció con los ricos sonidos de su cultura y luego, mientras estudiaba literatura inglesa en la Universidad de Estambul, solía interpretar rebetiko, sefardí y otras músicas del crisol de Turquía.
Cuando se estableció en Londres para estudiar música, se unió a la banda de klezmer She'Koyokh, proyecto que simultaneó con su carrera como solista, ganando diversos premios por su álbum debut Mortissa (2013).
De la Esmirna y el Estambul de la década de 1920 de Mortissa, A Thousand Cranes (2016) se expande a Atenas, los Balcanes y el sureste de Anatolia. Este segundo álbum toma su nombre en honor a tourna/ούρνα (grulla), un ave migratoria con fuerte simbolismo en muchas culturas y mitologías. Retratadas como mensajeras en canciones, poemas e historias, las grullas son portadoras de enseñanzas, cultura y tradición; su longevidad como símbolo de familia, buena fortuna y juventud eterna; su baile, una celebración de amor y alegría. Las grullas también simbolizan el exilio. Las grullas son amantes de la libertad y, sobre todo, son un símbolo de paz.
Una banda musical de un nivel extraordinario y la coproducción de Nicolas Baimpas acompañan su viaje con un sonido moderno que embellece las melodías profundamente arraigadas con influencias jazzistas e inspiradas improvisaciones. Para ello, A Thousand Cranes fue grabado en uno de los históricos estudios AntArt de Atenas, donde Mános Hatzidákis y Mikis Theodorakis grabaron sus composiciones más famosas.
Como grullas, la música viaja, llevando sonidos e historias a diferentes tierras; evoluciona, cambia y, sin embargo, sigue siendo la misma. A Thousand Cranes es un esfuerzo para contar algunas de estas historias.

Página web oficial: Çiğdem Aslan

tracks list:
01. Kardiokleftra (Heart thief)
02. I Mortissa tis Kokkinias (Mortissa from Kokkinia)
03. Ithela n´rtho to Vradi (I wanted to come by tonight)
04. Çile Bülbülüm (Sing my nightingale)
05. Evlerinin Önü Handır (In front of her house is an inn)
06. Toruna (Crane)
07. Destmala Min (My handkerchief)
08. Zaira (Zaira)
09. Gennithika gia na Pono (Born to suffer)
10. I Lili Skandaliara (Cheeky Lili)
11. Lingo Lingo Şişeler - Ana Mori (Clinking bottles – Oh mother)
12. Feraye – Apopse Sto Diko Sou Mahala (Feraye – Tonight at your neighbourhood)
13. To Minore tis Avgis (Minor song of dawn)





Oum – Zarabi (2015)

Nacida en Casablanca, de origen saharaui, y afincada en Marrakech, Oum El Ghaït Benessahraoui es una cantautora marroquí cuyas composiciones exploran la diversidad de la música marroquí, teñidas con elementos de jazz y soul de la música bereber norteafricana, música andalusí, hassani (del Sáhara), así como ritmos gnawa, cubanos o etíopes.
En sus comienzos a principios de la década de 2000, sus canciones estaban influenciadas por el pop y el hip-hop con letras en inglés y darija, el dialecto árabe maghrebí ampliamente hablado en el norte de Africa. De sonidos más urbanos, sus dos primeros álbumes (lanzados solo en Marruecos) Lik'Oum (2009) y Sweerty (2012) la elevan al rango de estrella en su país.
Su lanzamiento internacional se produce con el álbum Soul of Morocco (2013) en el que reversiona gran parte de sus anteriores trabajos, y que marca un cambio significativo hacia un sonido más acústico y soul-jazz con un cuarteto de músicos (contrabajo, flauta/saxofón, guitarra y batería) y oud/oboe/percusiones invitadas. Siguiendo en la misma línea, Zarabi fue lanzado en septiembre de 2015 en Lof Music/MDC/Harmonia Mundi.
Adoptando un enfoque similar a muchas formaciones de jazz contemporáneo, Oum también graba sus sesiones en vivo, y más recientemente en un estudio improvisado al aire libre en el desierto del sur de Marruecos. Más que una elección estética, esta es también la manera en la que la cantante refleja la práctica musical de lugareños y nómadas en la región del Sahel, que a menudo improvisaban versos, tocaban música y bebían té durante las largas sesiones de la tarde.
Con los cubanos Damian Nueva al contrabajo y Yelfris Valdés a la trompeta, Yacir Rami al oud, y Rhani Krija en percusiones, Zarabi fue grabado en vivo en dos lugares atípicos: el Domaine de la Gérardie en Normandía, y en M'hamid El Ghizlane (provincia de Zagora, sur de Marruecos), una comunidad rural que bordea el desierto saharaui y un lugar de encuentro tradicional para las caravanas comerciales transsaharianas. Aquí es también donde el Festival Taragalte (antiguo nombre de M'hamid El Ghizlane) tiene lugar desde 2009. Impulsado por la propia Oum, el festival celebra el antiguo patrimonio artístico y cultural de la región a través de una serie de conciertos anuales, debates y talleres.
El nombre del álbum en sí ("Zarabi" significa "Alfombras" en darija) es una referencia al trabajo de las tejedoras locales: "Zarabi" funciona como un homenaje a las mujeres que hacen alfombras con prendas antiguas y las reciclan en bellas piezas donde se unen diversas texturas y colores. "Estas alfombras también simbolizan nuestro trabajo como músicxs mezclando diferentes colores e influencias en un solo disco" señala Oum.
Inspirándose en las tradiciones orales colectivas de su país, Oum y sus músicos crean en Zarabi un tapiz maravillosamente elegante, auténtico y vibrante de la música marroquí contemporánea con una canción tradicional ("Ah Wah"), una versión en darija de "Veinte años" de la cantante cubana María Teresa Vera, y ocho nuevas composiciones de su autoría.

Página web oficial: Oum

tracks list:
01. Nia
02. Lila
03. Hna
04. Jini
05. Ah Wah
06. Wali
07. Mansit
08. N´Nay
09. Saadi
10. Veinte años





Témé Tan – Témé Tan (2017)

El álbum debut de título homónimo del artista Témé Tan, el multiinstrumentista y productor Tanguy Haesevoets, es una curiosa e imprecisa mezcla de estilos siempre impulsados por la música electrónica. Nacido en la República del Congo y criado entre Kinshasa y Bruselas, Témé Tan pertenece a esa generación de innovadores músicos que producen una síntesis radical de sonidos y culturas de todos los continentes, y lo hace con un entusiasmo contagioso.
Inspirándose en sus viajes y cogiendo sus influencias del Congo, Brasil, Japón y Guinea, artistas como Jai Paul y MC Solaar u otros como Papa Wemba y Jorge Ben son una referencia para él. Témé Tan destila así sus variadas melodías en el estudio que tiene en su hogar, en Bruselas, para crear una colección de composiciones libres de toda clasificación.
Tanguy Haesevoets creció rodeado del zouk y la rumba de sus parientes congoleños, pero fue en Bruselas cuando comenzó a hacer música. Sus canciones mezclan grooves minimales, ritmos electrónicos y melodías seductoras que reflejan sin esfuerzo el espíritu viajero de alguien que se siente en casa en cuatro continentes y se sumerge con profundo respeto en tradiciones e identidades ancestrales.
A raíz de su estancia en Japón, prosiguiendo sus estudios de Literatura, descubriría su identidad musical profundizando en el sofisticado pop electrónico japonés de artistas como Cornelius y Tujiko Noriko. A aquellos sonidos se le unió el descubrimiento del álbum del grupo congoleño Konono Nº 1, Congotronics (2004), siendo este punto de inflexión donde se cerró su círculo, y actualmente todas estas influencias viajan conectadas a su recuerdos musicales más tempranos. Precisamente fue bautizado por sus amistades japonesas con el nombre de Témé Tan. Un músico que cuenta historias íntimas dibujadas por un ambiente de pop moderno mezclado con soul, hiphop y elementos afro.
Témé Tan fue producido por él mismo, contando con el trabajo de Justin Gerrish (Wampire Weekend) en las mezclas, todo un experto en mezclar neoafricanismo con indietrónica. "Ça va pas la Tête" cuenta ademas con un vídeo creado por Nene Oury Barry y Tanguy Azévu, que fue filmado Guinea, queriendo mostrar que el país no era solamente el virus del Ébola allá por 2014.
Conmovedor por su simplicidad y su música intimista, Témé Tan es un diamante en bruto. Un crisol de sonoridades que se ponen de acuerdo dentro de una armonía seductora y una energía positiva.

Página web oficial: Témé Tan

tracks list:
01. Améthys
02. Ça Va Pas La Tête?
03. Champion
04. Menteur
05. Coups De Griffe
06. Ouvrir La Cage
07. Le Ciel
08. Matiti
09. Olivia
10. Sè Zwa Zo
11. Tatou Kité
12. Hospital





Anoushka Shankar – Love Letters (2020)

El nuevo disco de Anoushka Shankar, Love Letters, aborda "el proceso del enamoramiento, el deseo, que le rompan a una el corazón, el sentimiento de pérdida y la sanación a través de esa pérdida". Un disco extraordinariamente hermoso como lo es Traces of you, grabado en 2013 junto a su hermana Norah Jones, donde el tema principal era también la pérdida: la muerte de su padre, Ravi Shankar.
En distintas entrevistas ha explicado que se trata de un proceso personal que la llevó a situaciones muy vulnerables, pero el álbum "en realidad, trata del proceso de emerger desde el dolor, incluso la enfermedad física por somatizar ese dolor, en un movimiento hacia arriba, en lugar del desplome".
Escribir y grabar Love Letters ha sido catártico para Anoushka Shankar, un proceso que la llevó a colaborar casi exclusivamente con compañeras artistas. Durante el tiempo más difícil de su duelo durante el período de 2019, Shankar encontró que el apoyo práctico y emocional que le ofrecían sus amistades se naturalizó en forma artística.
El apoyo de ese elenco rotativo de vocalistas, músicas y productoras evolucionaron en sesiones de composición de canciones. "Realmente experimenté la forma en que las mujeres se muestran unas a otras cuando ocurre una crisis. Había esta dulzura. Me sentí muy cautivada durante todo este proceso, y de ahí es de donde vino la música: la experiencia compartida de las mujeres, tomar mi mano y ayudarme a encontrar un lugar seguro para expresar algunos de mis sentimientos".
La cantante turco-alemana Alev Lenz, colaboradora principal en el disco, comienza con el primer tema cantando "¿es ella más bella que yo?, ¿está en este momento en tu cama?, ¿es más joven que yo? Y la pregunta más importante: ¿también le dices, como a mí, Ojos Brillantes?". Enseguida, el dúo Ibeyi (formado por las gemelas cubanas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz) cantan en "Lovable" "soy hermosa aunque no me veas, soy hermosa aunque ya no me necesites, soy adorable, soy aún más digna de amar".
Y, así, avanza el disco en la sublimación de las emociones, en el relato de la recuperación que atraviesa Anoushka Shankar. Un ejercicio de sororidad y transculturización al que llegan más amigas: la cantante india Shilpa Rao canta "Those Words", hermosa pieza en sánscrito junto a la violonchelista y cantante Ayanna Witter-Johnson; Nina Harries presta su talento al contrabajo en "Wallet". La ingeniera egipcia de sonido Heba Kadry graba el disco, junto a otra ingeniera de masterización, la británica Mandy Parnell. Y la artista persa Azeema Nur participa con las ilustraciones, desde la portada a las páginas interiores del libreto del disco.
A través de su interpretación y composición, Shankar expresa la tristeza, la confusión y la esperanza que viene con un corazón roto. Love Letters es un hematoma que se convierte en algo musicalmente hermoso.

Página web oficial: Anoushka Shankar

tracks list:
01. Bright Eyes (feat. Alev Lenz)
02. Those Words (feat. Shilpa Rao & Ayanna Witter-Johnson)
03. Lovable (feat. Ibeyi)
04. Space (feat. Alev Lenz)
05. Wallet (feat. Alev Lenz & Nina Harries)
06. In This Mouth (feat. Alev Lenz)





Habib Koité – Kharifa (2019)

Kharifa es el sexto álbum de estudio de Habib Koité, considerado el "Eric Clapton" de su país natal, Malí, un disco en el que el guitarrista ha madurado y evolucionado, manteniendo una vez más un pie firmemente arraigado en su tradición musical. Grabado y mezclado en Bamako, el sonido del país, sus ricas y diversas tradiciones e instrumentos musicales (ngoni, flauta, kora, dun dun ...) impregnan las doce pistas que componen este magnífico proyecto.
Podríamos decir que en Kharifa, Habib Koité suena más "maliense" que nunca. Para ello, ha seleccionado cuidadosamente a las y los artistas que le acompañan tanto en el escenario como en la grabación: Toumani Diabaté, su sobrino M'Bouillé Koité (ganador del Prix Découvertes RFI 2017), su hijo Cheick Tidiane Koité, Amy Sacko (cantante principal del grupo de Bassekou Kouyaté, Ngoni Ba), y el gran guitarrista guineano Sékou Bembeya Diabaté.

Las composiciones que conforman la columna vertebral de este nuevo álbum reflejan el espíritu abierto del griot, su voluntad de viajar a través de la rica herencia maliense mientras construye las bases de una música decididamente moderna, también influenciada por el rock y el folk occidental.
Sin negar nunca los problemas que afectan a su ciudad y país (contaminación, pobreza, ociosidad, insalubridad, enfermedad, "La vida es una lucha diaria" canta en "Wara"), Habib se mantiene decididamente optimista, esperanzado, luchando contra la intolerancia, la ignorancia y el oscurantismo ("Djiguiya"). Mientras "Mandé" habla sobre la riqueza de culturas y pueblos de Malí, "Kharifa" hace un llamado a la responsabilidad de cada persona sobre los cuidados. "Ntolognon" es la preciosa historia del niño Bwa, "que siempre sonríe y juega a la camaradería", y "La ignorancia es una fuente de intolerancia, la apertura a los demás es una fuente de tolerancia" afirma convencido en "Yaffa".
Seis álbumes, sin contar las grabaciones "en vivo" y el dúo con Eric Bibb (Brothers in Bamako, 2012), más de 1500 conciertos en todo el mundo, reconocido por los mejores nombres de la música y un repertorio imparable: Habib Koité se toma su tiempo y construye, paso a paso, una carrera ejemplar enraizado en su cultura.

Página web oficial: Habib Koité

tracks list:
01. Wara
02. iVazi
03. Kharifa
04. Hakilina
05. Forever
06. Mandé
07. Djiguiya
08. Ntolognon
09. Yaffa
10. Symbo
11. Tanatê
12. Fanta Damba





Sophia Charaï – Blue Nomada (2016)

Blue Nomada (2016) es el último disco de estudio de Sophia Charaï, una nueva y estimulante gira por la música llevada por su voz radiante y sensual. Su aclamado Pichu (2011) distorsiona el mundo, las identidades y las costumbres, un álbum que desvela la alquimia de una música-encuentro que se parece a su vida: bohemia, viajera parisina, artista en varias disciplinas, experimentadora de tradiciones y marroquí. Pero como si Marruecos fuera fronterizo de Harlem y Bombay, como si el flamenco fuera hermano de la bossa nova, como si Rajastán y Cabo Verde mezclaran sus cantos.
Cantadas en árabe y francés, sus canciones pasean por los recuerdos del piano de Chopin que aprendió a tocar durante su infancia, el jazz de las noches parisinas, Brasil y su experiencia con el flamenco y las músicas árabes y de la India, sonidos que incorpora de sus incesantes viajes por el planeta con Mathias Duplessy en busca de nuevos sonidos.

Charaï da un seguimiento inspirado al álbum Pichu con Blue Nomada, una obra sobre la confluencia de idiomas y ritmos, y continúa cantando la vida y la tolerancia bajo una preciosa alianza de sonidos con ricas influencias, inspirada en las músicas del mundo. En él, Mathias Duplessy vuelve a desplegar su virtuosismo tocando la mayoría de instrumentos, e incorpora al contrabajista cubano Felipe Cabrera, al pianista brasileño Philippe Baden Powell, al percusionista argentino Minimo Garay, y el piano y el órgano interpretados por Nicolas Tescari, gran director italiano que firma música para películas.
Sophia Charaï canta el mundo y la vida. En esta estimulante obra, inventa un blues sin fronteras, en árabe, español, francés, portugués e inglés, a partir de una mezcla aprendida de la cual ella tiene el secreto.

facebook: Sophia Charaï

01. Shouff Shouff
02. Mertaha
03. Canción de la Luna
04. Enta, toi
05. La Caminante
06. Nouveau train
07. Ma Andi Man Dir
08. Aquí
09. I Am a Woman
10. Pajarillo del Alba





Mukhtiyar Ali & Mathias Duplessy – Jeena Jeena (2012)

Cuando Mukhtiyar Ali se encontró con Mathias Duplessy, Ali no sabía ni una palabra en inglés o francés, y el hindi de Duplessy se limitaba a "chalo". El mundo de Ali es Pugal, un pequeño pueblo fronterizo en Bikaner con un rico legado de música sufí, mientras que Duplessy es un compositor parisino cuya música se extiende desde Mongolia a África. El arte de Ali se remonta a más de 700 años, y el de Duplessy es contemporáneo. Pero si se escucha a Ali cantar cualquier tema de Duplessy, se puede pensar que es un dúo musical hecho el uno para el otro.
Los dos se conocieron hace más de una decada en Bombay, improvisando una canción que combinaba sonidos de África, India y Francia. "Inmediatamente me enamoré de su voz. Sé que hay grandes cantantes rajastaníes, poderosos en técnica, pero la música que emitía Mukhtiyar era tremendamente humana", señalaba Duplessy.
Mathias Duplessy es un impresionante músico y compositor francés, intérprete de unos 40 instrumentos musicales y realizador de más de 30 bandas sonoras en Francia, India y Marruecos, entre documentales, programas de televisión y películas. Duplessy pertenece a esa generación de músicos a los que no le gustan las fronteras y se acerca a las músicas del mundo sin ningún tipo de complejo, sabiendo transmitir con su música los grandes espacios y el paso del tiempo, desde la India contemporánea al gran desierto de Mongolia, desde Andalucía a París, donde vive.
Productor y multiinstrumentista de los trabajos de Sophia Charaï, con quien forma un delicioso tándem, también cuenta con estupendos álbumnes propios fruto de sus encuentros musicales, como Marco Polo (2010), Crazy Horse (2016) y Brothers Of Strings (2020), estos tres con The Violins of the World, talentoso trío en el que participan Guo Gan (erhu chino), Dandarvaachig Enkhjargal (morin khuur de Mongolia) y Aliocha Regnard (nyckelharpa sueco).

Mir Mukhtiyar Ali procede de una comunidad seminómada llamada Mirasi del desierto de Thar (India). Vive en Pugal, en una aldea en la frontera con Pakistán y Rajastán. Pertenece a la 26ª generación de esta comunidad que ha mantenido con éxito la tradición oral Sufiana Qalam. Posee una voz exquisita, cautivadora, con la que transmite la filosofía de la música sufí, en la forma que aborda tanto sus poéticos textos como sus hipnóticas melodías. En la actualidad, es conocido en India por cantar poesía sufí y por participar regularmente en partituras musicales de películas producidas en Bombay.
Las colaboraciones entre el este y el oeste, como John McLaughlin, Shankar Mahadevan & Zakir Hussain, o Ravi Shankar y Yehudi Menuhin, han dado como resultado la mejor música de las últimas décadas. Mir Mukhtiar Ali comenzó a trabajar con Mathias Duplessy cuando descubrieron que tenían un idioma común en la música. Desarrollaron un estilo propio, inspirado en la música folk de Rajastán, flamenco, blues, reggae, africana, japonesa y mongol. Fruto de estos encuentros es el disco Jeena Jeena (2012), en el que cuentan con la participación al sarangi del artista hindú Sabir Khan.

Página web oficial: Mathias Duplessy, Mukhtiyar Ali

tracks list:
01. Jeena Jeena
02. Tere ishq nachaya
03. Udja re
04. Charkha
05. Sanu yaar
06. Kabir dohé
07. Bombay Summer Intro
08. Bombay Summer
09. HirNi
10. Ramta jogi
11. Piya





Aynur – Hedûr – Solace Of Time (2019)

Aynur Doğan se ha convertido en una de las máximas exponentes de la música y la cultura kurda. Con una voz impresionante y una narración musical extraordinaria, representa la herencia musical kurda de más de tres siglos como género global, dotándola de una sensibilidad contemporánea influenciada por la música occidental. Y esta conmovedora voz nos vuelve a llegar a través de su nuevo trabajo Hedûr - Solace of Time, después de sus extraordinarios Hawniyaz (2016) y Hevra (2013, de la mano de Javier Limón).
Las letras de sus canciones abordan la vida y el sufrimiento del pueblo kurdo, en especial el de sus mujeres. Hedûr significa "consolarse", "consuelo del tiempo" en su lengua materna kurda. En las propias palabras de Aynur, el viaje que propone enfatiza que el momento musical y espiritual del presente es la forma de encontrar equilibrio y paz interior; el resultado de la escasez, el aislamiento o, incluso, de la existencia misma. Es una de las bases subyacentes a los temas del álbum, hallar el consuelo a las dificultades, las injusticias y las miserias que experimentan en su tierra natal.
Aynur Doğan ha sido reconocida, en 2017, con el Master of Mediterranean Music Award del Berklee Mediterranean Music Institute, en la categoría "Mediterranean Women in Action". La perseverancia y fidelidad de Aynur a la música tradicional kurda, superando grandes desafíos para proseguir en su camino artístico, es un importante ejemplo para otras mujeres artistas que buscan encontrar su propia voz creativa en la escena musical mediterránea.

Página web oficial: Aynur Doğan

tracks list:
01. Rave Hîv e (The Moon Is Up)
02. Hedûr (Solace)
03. Berfek Barî – Lure Lure (Snow Falls – Lullaby)
04. Govend E (It´s A Dance)
05. Ezim Ezim Eziliyor (My Heart Sinks)
06. Şilî Dibare (It Rains)
07. Xelîl Qurban (My Beloved Halîl)
08. Kal Î Kal Î (You´re Old)





Idir – Identités (1999)

El cantante Idir, un pilar de la cultura kabila y amazigh (bereber), que internacionalizó la música de la Kabilia, se nos fue el sábado 2 de mayo. Idir fue un feminista, un hombre capaz de inspirarse en la poesía y los cuentos de la cultura kabila, aceptando la modernidad, una modernidad que habla de su capacidad para hacer colaboraciones inéditas con artistas de horizontes diversos en álbumes con títulos evocadores como Les Chasseurs de lumière (1993), Identités (1999), La France des couleurs (2007) e Ici et ailleurs (2017). Idir era un contrabandista de la lengua kabila, una lengua amenazada por la austera política de arabización del gobierno argelino. Fue él quien dispersó pequeños pedazos de la Kabilia a través del mundo.
En principio, Hamid Cheriet, nombre real de Idir ("vivirá", en bereber) no tendría que haberse dedicado a la música. "La canción me eligió", dijo en alguna ocasión. Nacido en 1949 en Aït Lahcène, a 35 kilómetros de Tizi Uzu, la capital de la Gran Kabilia, este hijo de un pastor de ovejas estudió Geología. Mas en su camino se interpuso la música bereber que había escuchado durante toda su infancia y juventud y que acabó decidiendo su destino bien pronto, aunque fuera casi de carambola: en 1973, la cantante Nouara, que debía interpretar en Radio Alger su composición "A Vava Inouva", en lengua bereber, idioma e identidad que siempre defendió, enferma y Cheriet tiene que reemplazarla. Después, parte a cumplir el servicio militar argelino. Mientras él está en el servicio, su canción empieza a ser más y más famosa, hasta el punto de convertirse en un éxito internacional. El tema llegó a ser difundido en 77 países y traducido a 15 idiomas.

En 1976, ya instalado en Francia, publica su primer álbum, del mismo título que su hit y que se convierte en el primer superventas internacional procedente de África del Norte. La canción homónima "A Vava Inouva", que evoca las noches en aldeas kabilas, dio rápidamente la vuelta al mundo; "Ssendu" era la nana que cantaban las familias argelinas en el exilio francés, y "Zwit Rwit" el número 1 de las bodas kabilas, que luego fue versionado en árabe por Cheb Khaled.
A pesar de que no tiene una cuantiosa discografía (solo publicó, además de A Vava Inouva, otros siete discos de estudio), hay consenso en considerarle el embajador de la música bereber y de la región de la Kabilia y un artista de una popularidad e influencias inéditas. De hecho, llegó a desaparecer durante una década, entre 1981 y 1991. Aun así, en otoño de 1999, aprovechando el impulso dado por sus compatriotas Cheb Mami y Khaled, firmó su regreso discográfico con el álbum Identités. En él se mezcla la Argelia popular con ritmos tomados de géneros occidentales. Su deseo de mezclar culturas le llevó a cantar con músicos de diferentes horizontes culturales, musicales o geográficos, como Karen Matheson, Manu Chao, Dan Ar Braz, Zebda, Maxime Le Forestier o Gnawa Diffusion, Thierry Titi Robin, Gilles Servat, Frédéric Galliano, Geoffrey Oryema y la Orchestre National de Barbès.
En 2018, 38 años después de abandonar su país natal, regresó a Argelia para celebrar el año nuevo bereber, "Yennayer", y en 2019 apoyó públicamente las protestas que acabaron forzando la caída del presidente Abdelaziz Buteflika.
En Francia se suceden los homenajes, desde el ministro de Cultura que afirmó que "en la voz del poeta sonaba el alma de la Kabilia", a la alcaldesa de París, Anne Hidalgo, quien también resaltó "Su compromiso humanista, su compromiso con la cultura Kabyle permanecerá en nuestros corazones. Su magnífica voz resonará durante mucho tiempo en el ayuntamiento, donde tantas veces hemos celebrado el Año Nuevo bereber".

Página web oficial: Idir

tracks list:
01. A Vava Inouva 2 – feat. Karen Matheson
02. A Tulawin (Une algérienne debout) – feat. Manu Chao & Khalida Messaouadi
03. Un homme qui n'a pas de frère – feat. Zebda
04. Exil (Daγrib) – feat. Geoffrey Oryema
05. Tizi Ouzou – feat. Brahim Izri & Maxime Le Forestier
06. Révolution (Tagrawla 2) – feat. Gnawa Diffusion
07. Fable (Tamaçahuts 2) – feat. Thierry Titi Robin
08. Illusions (Awah Awah 2) – feat. Gilles Servat & Dan Ar Braz
09. Le Jour du don (Tiwizi 2) feat. l´Orchestre National de Barbès
10. Mémoires (Cfiγ 2) – feat. Frédéric Galliano & Ramata Doussou Bagayoko





Richard Bona & Mandekan Cubano – Heritage (2016)

El noveno álbum de estudio de Richard Bona, Heritage (2016), está dedicado a la tradición afro-cubana, aquellas músicas que viajaron junto con esclavxs desde la costa oeste del contiene africano hasta el Caribe. Una cantidad dolorosamente ingente de africanas y africanos que fueron arrancados de sus aldeas, despojados de los poco que tenían y llevados forzosamente a plantaciones en América para ser explotados. La música fue todo lo que pudieron llevar y conservar en las nuevas tierras.
Heritage es una suerte de ritmos cubanos tan deliciosos como rítmicos, cadenciosos, envolventes, bailables y festivos que se suceden. El virtuoso multiinstrumentista se acompaña de Mandekan Cubano para producir un álbum memorable: Osmany Paredes (piano y teclados, Cuba), Luisito Quintero (percusión, Venezuela), Rey Alejandre (trombón, México), Dennis Hernández (trompeta, Cuba) y Roberto Quintero (percusión, Venezuela). Un ensamble en el que el montuno dialoga con el jazz y el folclore de África Oriental. De ahí el nombre de Mandekan, ritual de ancestros bajo influjos de las lenguas douala, bambara y mandinga.

"Aka Lingala Te" es el arranque del disco, vocalizado en lengua douala, una suerte de salmo coral complementado con percusiones y bajo que da paso a "Bilongo", la emblemática pieza del cubano Guillermo Rodríguez Fiffe (conocida en México como "La negra Tomasa"), en arreglo de Osmany Paredes. "Matanga", "Essèwè Ya Monique", "Ngul Mekon" y "Eva" exploran elementos melódicos y rítmicos de Camerún que Mandekan Cubano ejecuta en complicidad con las vocalizaciones de Bona y superposiciones de percusiones, guitarra y coro.
El álbum alcanza sus mejores momentos en los temas afrocubanos: "Jokoh Jokoh" (songo con reflujos timberos), "Cubaneando" (sonoridades del mambo/timba) y "Santa Clara con Montuno" (variación de changüí con incitante tumbao de piano que remata en estribillo de son montuno). "Muntula Moto" es un chachachá con elegantes solos de trompeta y trombón. "Kivu" se refugia también en el chachachá desde el alegato de piano que mambea con la sección brass. Cierra el álbum "Kwa Singa", un insinuante tema de hip hop que remata con sandunga.
Un trabajo sobresaliente, que vuelve a confirmar la capacidad de Richard Bona de ensamblar culturas e influencias sin perder un ápice de su elegancia y sofisticación.

Página web oficial: Richard Bona

tracks list:
01. Aka Lingala Tè
02. Bilongo
03. Matanga
04. Jokoh Jokoh
05. Cubaneando
06. Essèwè Ya Monique
07. Santa Clara con Montuno
08. Ngul Mekon
09. Muntula Moto
10. Eva
11. Kivu
12. Kwa Singa





Roberto Fonseca - Yesun (2019)

Roberto Fonseca nos presenta su nuevo disco Yesun, un trabajo en el que combina desde jazz a música clásica, rap, funk, reggae y electrónica.
El artista, santero y nieto de santera, explica que "Yesun" es el resultado de sumar los nombres de Yemanya (diosa del mar) y Oshun (dios del río), y él es "hijo de las dos aguas", sus protectoras, aunque no sepa cómo "flotar".
Para los trece temas del disco, todos compuestos por él junto con dos coautorías, cuenta con su banda, el baterista Raúl Herrera y el contrabajista Yandy Martínez. Además, participan artistas como el saxofonista estadounidense Joe Lovano, el trompetista franco-libanés Ibrahim Maalouf, el rapero cubano Danay Suarez, la diva del bolero Mercedes Cortés y el cuarteto vocal cubano Gema 4.

Todos los temas del disco, describe el músico, que ha trabajado con Carlinhos Brown e Ibrahim Ferrer, entre otros, son "como pequeñas películas, historias completas, sin que sea el virtuosismo el fin". Por ejemplo, detalla que "La llamada" es un homenaje a la amistad, mientras que "No soy de esos" está compuesta a partir de una situación en la que "alguien esperaba que fuera de una manera y él se salió del cliché”.
En el disco tiene en cuenta a sus referentes: la melodía de "Romeo y Julieta", que su madre (la cantante Mercedes Castro) cantaba cuando él era pequeño, además de boleros, jazz y la música yoruba, la de los ritos religiosos que aprendió con su abuela, a los que luego se sumarían Bill Evans o Herbie Hancock.
Y en su "acuática" música también tienen sitio los ritmos urbanos, del funk al hip hop pasando el breackdance, y el rock, "soy fruto de todo ello", asegura este ex componente de Buena Vista Social Club, con quienes actuó en más de 400 ocasiones al lado de artistas como Omara Portuondo y Orlando "Cachaíto" López.

Página web oficial: Roberto Fonseca

tracks list:
01. La llamada (feat. Gema 4)
02. Kachucha (feat. Ibrahim Maalouf)
03. Cadenas
04. Por ti
05. Aggua
06. Motown
07. Stone Of Hope
08. Vivo (feat. Joe Lovano)
09. OO
10. Mambo pa la niña
11. Ocha
12. No soy de esos
13. Clave





Tiganá Santana - Vida-Código (2020)

Tiganá Santana es compositor, cantante, instrumentista, poeta, productor musical, director artístico, investigador, profesor y traductor. Su cuarto álbum de estudio, Vida-Código, es un trabajo de una dulzura desarmante, un verdadero elogio a la lentitud y el arte de susurrar.
Graduado en Filosofía, Santana ha estudiado las estructuras lingüísticas de los idiomas kimbundu y kikongo, que se hablan en Angola y el Congo. Su pasión por la africanidad hace que sea el primer artista brasileño en componer en dialectos del continente: además del kikongo y el kimbundu, el wolof y el mandinka están presentes en todo su trabajo.
Su primer álbum Maçalê ("eres uno con tu esencia", en arcaico yoruba) fué lanzado en 2010. En 2012 vino The Invention of Colour. Una subvención del Departamento de Cultura de Suecia, el país en el que se grabó, permitió el proyecto. En el mismo año, recibió una beca UNESCO-Aschberg (programa de becas para artistas y profesionales culturales), para una residencia artística en Senegal (en Espace Sobo Badé, en la ciudad de Toubab Dialaw). Después de una estancia de 5 meses, grabó, junto con músicos de África occidental (Senegal, Guinea-Conakry y Mali), el álbum doble Tempo & Magma (2015). En el álbum aparecen la cantante CéU y Maria Stella de Azevedo Santos (conocida como Mãe Stella de Oxossi), aclamada escritora, pensadora y sacerdotisa de la religión africana de Ilê Axé Opô Afonjá, la primera practicante de Candomblé en formar parte de la Academia de Letras da Bahia.

En este tiempo, Tiganá Santana también ha dirigido la producción artístico-musical de otros proyectos, incluido el último álbum de la cantante Virgínia Rodrigues (Mama Kalunga, con el que ganó el premio a la mejor cantante en los Premios de la Música Brasileña en 2016).
Grabado en Salvador de Bahía, Vida-Código es un regreso al trabajo de Tiganá como compositor. Su textura de sonido difiere bastante de los álbumes anteriores del artista, con una presencia ligeramente más significativa de instrumentos electrónicos junto con los acústicos. Presenta los sonidos del piano y el acordeón interpretados por Aline Falcão, las guitarras y ukulele de Leonardo Mendes y Jorge Solovera, y el bajo de Ldson Galter, cómplice del escenario durante más de 10 años.
Producido junto a su compañero musical Sebastian Notini, el álbum ha sido lanzado por el sello sueco ajabu!. Las nueve canciones del álbum están en portugués, francés, kikongo y español, e incluyen tres asociaciones: una con Alzira E ("Palavra de Honra") y dos con Leonardo Mendes ("Flor Destinada" y "Vida-Código"). Se ha incluido la canción "Ilê, Se Eu Não Gostasse de Você" del bloco afro Ilê Aiyê, compuesta por Heron, con la participación especial de Arany Santana, su madre (quien le enseñó la canción en la década de 1980). Y, también, nos encontramos con una nueva version de "Do Fundo", originalmente lanzado en Maçalê.

Página web oficial: Tiganá Santana

tracks list:
01. Flor Destinada (Effleurer le destin)
02. Palabra de Honra
03. Disu ye Mvula
04. Ilê, Se eu não gostasse de você
05. Meios
06. Vida-Código
07. Aclarate
08. Do Fundo
09. Não vás, Preta





Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou – Oulad Lghaba (2019)

Asmâa Hamzaoui junto con su banda Bnat Timbouktou (Las hijas de Tombuctú) son el primer grupo de música gnawa tocada únicamente por mujeres, poniendo en jaque un estilo dominado exclusivamente por hombres hasta la fecha, y siguiendo la estela de la gran Hasna el Becharia, artista del sur de Argelia que, desde muy joven, sintió la necesidad de ir contracorriente y defender, con su música y su actitud valiente, los derechos de las mujeres de Argelia y del Sahara.
A Asmâa Hamzaoui le propusieron dos veces matrimonio pero con una condición: que dejara de tocar el guembri, el instrumento sagrado de tres cuerdas característico de la música gnawa reservado solo para hombres. "Jamás", les contestó. Aprendió a tocar el guembri desde niña, cuando acompañaba a su padre a las lila, ceremonias privadas donde se combinan poesía, música y danza. Pero pronto se dio cuenta de que en la música gnawa, originaria de los antiguos esclavos de origen subsahariano traídos al Magreb, las mujeres eran relegadas a un segundo plano. Hasta que un día su madre le planteó: "¿Por qué no creas un grupo de mujeres?".
Esta es la otra parte de la historia que hace de Asmâa una maâlema: su padre, Mâalem Rachid Hamzaoui, un maâlem (maestro), la llevó a tocar con él a un festival, cuando ella tenía 12 años, y tras ese concierto bautismal decidió legarle su propio guembri y, con él, su título.

Así que Asmâa le tomó la palabra a su madre. En 2012, con apenas 16 años, creó el primer grupo de música gnawa tocado únicamente por mujeres. Se llaman Asmaa Hamzaoui & Bnat Timbouktou y, juntas, han decidido romper el tabú. "Es solo un mensaje", explica Hamzaoui. "Las mujeres pueden hacer lo que quieren. Pueden ser pilotos, pueden ser músicas y, desde luego, pueden tocar el guembri", afirma.
Sobre el escenario, Asmâa lidera el ritmo. Empieza a tocar las cuerdas de su guembri y entona los primeros versos de una canción. Le contestan las otras integrantes del grupo, acompañadas por el sonido metálico de los qraqeb (crótalos, las tradicionales castañuelas metálicas). Las letras de la música gnawa hablan del sufrimiento de los esclavos africanos traídos a Marruecos. Son la memoria de un pasado remoto en el cual cantaban su miseria y sus preocupaciones diarias.
En el álbum Oulad Lghaba la banda se ha mantenido fiel a la tradición estilísticamente, pero ha introducido su propia elección de temas. La separación, el sufrimiento y la memoria de África son los contenidos predominantes, dando buena muestra de por qué Asmâa y Bnat Timbouktou están causando tanto revuelo, tanto en el mundo árabe del Norte de África como en Occidente.

facebook: Asmâa Hamzaoui & Bnat Timbouktou

Personal:
Asmâa Hamzaoui (guembri, voz, qraqeb)
Aicha Hamzaoui (voz, qraqeb)
Soukaina Elmelyjy (voz, qraqeb)
Lamgammah Hind (vocal, qraqeb)
Meriem Ouillane (voz, qraqeb)
Meriem Garrami (voz, qraqeb)

tracks list:
01. Bala Yourki
02. Rebi Ya Moulay
03. Lando
04. Beryandou
05. Soudani Mama
06. Mamariyou
07. Foulani
08. Allal
09. Sandia
10. Interlude
11. Sidi Lafquih (bonus track)





Souad Massi – Oumniya (2019)

La cantautora argelina Souad Massi, trovadora norteafricana por excelencia (y una de sus mejores de todos los tiempos) lanza su sexto trabajo, Oumniya, un tributo a la mujer a través de las emociones, desde las propias hasta las universales, producido junto a Mehdi Dalil.
Nacida en Argelia, Souad Massi se mudó a París cuando los mensajes políticos de su banda Atakor recibieron amenazas de muerte. Allí grabó su maravilloso debut en solitario, Raoui (2001), que significa narradora de historias. "Si supiera contar historias", cantaba, "contaría tantas historias / incluso Scheherazade quedaría deslumbrada". En sus álbumes posteriores, ha usado su melancólica mezcla de sonidos bereberes, folk francés y una pizca de todo, desde reggae a fado, para explorar la traición, tanto personal como política, el exilio y la pérdida.
Después de su último álbum, El Mutakallimûn (2015), donde revive una selección de textos de grandes poetas árabes, en este nuevo álbum Souad se focaliza de nuevo en temas basados en eventos actuales, la traición, el amor a Argelia, la política, el amor, la libertad y la emancipación, temáticas que alimenta a este artista sensible.

Oumniya es un álbum intensamente personal. Varias de las canciones seleccionadas evidencian momentos y emociones de su propia vida. Pero también reflejan su compromiso y esfuerzo por rescatar unos valores con los que siempre ha estado comprometida a lo largo de su carrera y en su vida personal como mujer, alzando la voz para combatir las violencias que han experimentado las mujeres. Y, también, siendo parte de aquellas y aquellos que buscan un nuevo camino: un sendero hacia la independencia y el derecho a la dignidad, llena de calidez e integridad humana, lo que la convierte en una artísta tan única.
Desde su profundo anhelo de conectar, sus elecciones musicales son puras, intentando crear un puente entre el chaâbi y la música folk. Souad nos invita a experimentar con ella la fuente de su crecimiento musical, teñida por su auténtica alianza con la diversidad. También busca, con este nuevo proyecto, encontrar un retorno a sus interpretaciones musicales: instintivas y libres de cualquier conjunto de metas. En Oumniya encontraremos canciones con vida propia, por encima de categorías y géneros impuestos.

facebook: Souad Massi

tracks list:
01. Oumniya
02. Yadra
03. Ban Koulchi
04. Enta Wena
05. Salam
06. Pays Natal
07. Je Veux Apprende
08. Fi Bali
09. Wakfa
10. Je Chante





Constantinople & Ablaye Cissoko - Traversées (2019)

"Música serena que contempla la belleza profusa y atemporal que engendra". La voz suave y los sonidos fluidos de la kora del griot senegalés Ablaye Cissoko, combinados con el setar, la percusión y la viola da gamba de Constantinople, nos sumerjen en un maravilloso viaje interior, pintando un fresco contemporáneo en la encrucijada de las tradiciones musicales persas y mandinga.
En la confluencia de géneros y épocas se sitúa el trío Constantinople. Por supuesto, la antigua capital turca, que abarca Oriente y Occidente, es una inspiración para el grupo con sede en Montreal. Pero la idea misma de fusión e interculturalidad es lo que el grupo encarna a la perfección.
Después de 20 años en el camino y casi tantos álbumes, el grupo, formado en 1998, continúa sus exploraciones musicales. El fundador, de origen iraní, Kiya Tabassian se acompaña con el setar persa. Su voz se mezcla elegantemente con las percusiones de su hermano, Ziya Tabassian (reemplazado más recientemente por el percusionista de Montreal Patrick Graham) y la viola da gamba de Pierre-Yves Martel.
Los hermanos Tabassian llegaron a Québec cuando eran adolescentes, pero nunca olvidaron su formación en música persa. Su fraseo oriental se entrelaza con la kora de Ablaye Cissoko, con quien han participado en más de 100 conciertos y grabado dos álbumes, Jardins Migrateurs (2015) y Traversées (2019).

La fusión entre el misticismo del desierto africano y los poetas de los antiguos imperios persas resulta casi natural. Con sede en Saint-Louis, una bonita ciudad colonial ubicada a orillas del río Senegal, Ablaye Cissoko es heredero directo de los griots Mandinga. Desde 1986 ha sido un buscador en el mundo experimentando en diversas colaboraciones (un botón de muestra, el delicioso Mabrouk con Majid Bekkas y Khalid Kouhen) y, en particular, con el trompetista alemán afincado en Nueva York Volker Goetze, creando su propia escuela de kora, "Kordaba".
Desde "Rêveries" hasta "Traversées", Ablaye Cissoko y Kiya Tabassian señalan todos los movimientos, todas las salidas ("Départs") hacia Isfahán, Irán ("Vers Isfahan"). En ese viaje, visitan la poesía del místico sufí Amir Khusrau, pasando por perlas de la España renacentista en "Recercada Quinta", una pieza majestuosa decorada con acentos barrocos donde la viola da gamba marca el adorno más encantador.
La suavidad de su timbre, la delicadeza de sus líneas melódicas y la fluidez de su digitación son la base del virtuosismo de Cissoko. El simple encuentro de cuerdas y voces entre Constantinople y Ablaye recuerdan a las fuentes de la belleza del ser. A continuación, el cruce conjunto de los lugares comunes de la imaginación suenan como un largo suspiro frente a la marcha inexorable de la vida y del tiempo. Sublimes.

Página web oficial: Constantinople, Ablaye Cissoko

tracks list:
01. Traversées
02. Denkilo
03. Rêveries
04. Maryama
05. Départs
06. Kailen
07. Recercada Quinta
08. Djotna
09. Serigne-Bi Signare
10. Tamalà
11. Alkalo
12. Vers Isfahan





Aziz Sahmaoui & University of Gnawa - Poetic Trance (2019)

Cuando Aziz Sahmaoui desembarcó en París en los años 90 del siglo XX, descubrió un verdadero continente de ritmos, ofreciendo el suyo a L´Orchestre National de Barbès, el buque insignia de una revolución musical que fusionó el patrimonio del Marrakech de su infancia con el resplandor del jazz, el reggae, el funk, el rock, raï y chaâbi. Llevando sus exploraciones experimentales al límite con Joe Zawinul y su Syndicate de Zawinul, Aziz Sahmaoui regresó a lo que él llama "sus instintos" en 2010 al fundar University of Gnawa, en la que inscribió de inmediato a los músicos senegaleses Alune Wade (bajo), Hervé Samb (guitarra) y Cheick Diallo (kora y teclados) como ingenieros de un sonido universal.
Sahmaoui es un hombre que induce a Claude Nougaro, Nass El Ghiwane y los proverbios bereberes, sin discriminar entre ellos, al panteón de sus inspiraciones. "La poesía tiene el poder de la elevación, es la escritura del cielo en la Tierra. Cuando una palabra suena, cuando suena sin arrugar, sin estirar o sin aplastar, entonces encuentra su lugar en una arquitectura poderosa. Pero el poeta también debe cantar sobre las injusticias: denunciar las fracturas entre los pueblos, a lo largo de las fronteras o en el lenguaje de imposición".

Producido por Martin Meissonnier (que ya lo hizo con University of Gnawa, 2011) y grabado en vivo en un sentido de riesgo y aventura, Poetic Trance revela un lenguaje musical maduro, brillante y de peso. "Musicalmente, queríamos encontrar un equilibrio entre África, Europa y el resto del mundo. Con Poetic Trance, creo que hemos tenido éxito: es pop, es rock y reggae y, de repente, los sonidos de kora, n´goni, guembri y karkabous se entrelazan... ¡Qué felicidad! Hoy, los grandes maestros del Gnawa, los maâlems, mis amigos, estarán orgullosos de nosotros: hemos podido renovar el género sin distorsionarlo, y muchos han seguido el ejemplo".
Gracias a un brillante dominio vocal, Aziz Sahmaoui y University of Gnawa pueden cantar en Tamazight, Wólof o Mina (Togo) sobre la resistencia de las víctimas de la guerra ("Coquelicots", Amapolas), el amor ("Nouria"), la fraternidad ("Entre Voisins", Entre vecinos). El grupo declara un profundo apego a su cultura africana en "Janna ifrikia" (Paraiso africano). "Con mi música, quiero ayudar a suavizar la amargura, construir puentes entre África y Europa. Es una forma de ampliar nuestro círculo, que nunca está cerrado: ¡ven y únete!", señala Sahmaoui. De hecho, como se declara en el clásico de Gnawa "Gang Sound of Mbirika", "La gente ha venido en masa, de todas partes, para estas festividades y para esta celebración, para vivir la experiencia como una terapia liberadora de cuerpos y mentes".

Página web oficial: Aziz Sahmaoui

tracks list:
01. Hanna ifrikia (African Paradise)
02. La peur – Nogcha (Fear)
03. Nouria (Luminous)
04. Entre voisins (Among Neighbours)
05. Ganga Sound of Mbirika
06. Coquelicots (Poppies)
07. Soudani ya yémma
08. Absence
09. Sotanbi





Blick Bassy – 1958 (2019)

Blick Bassy canta en bassa, una de las 260 lenguas que se hablan en Camerún y que hoy se encuentra en peligro de extinción. Combina sus raíces africanas y reformula diferentes ritmos de su país, con influencias del blues y de otras fuentes, mezclando lo ancestral y lo contemporáneo. Su inconfundible voz, estilo, su atención al detalle y su combinación exquisita de banjo, guitarra, cello y trombón (ahora incluye efectos y teclados) producen un bellísimo resultado, original y muy personal, que cautivan a una audiencia transoceánica.
Su anterior trabajo Akö (2015) estaba inspirado en el gran guitarrista del Mississippi Skip James, y abordaba cuestiones sobre migración y educación. Ahora apuesta por rendir tributo a uno de sus héroes políticos: Ruben Um Nyobé, líder anticolonialista que se dirigió al Mundo desde Naciones Unidas reclamando la independencia de Camerún (una de las más sangrientas de África), y que fue asesinado por las fuerzas militares francesas en 1958. Un disco con temas tan universales como la esclavitud, la necesidad de héroes, la relevancia de la historia y la búsqueda de la verdadera identidad.

El álbum repasa en lengua bassa la historia de Nyobé, en paralelo a la de sus propios padres, que tuvieron que esconderse de las fuerzas francesas en la selva tropical. Bassy cuestiona, en este álbum, a la juventud camerunesa y a cómo se han olvidado de la historia y dejado seducir por las falsas promesas de Occidente, advirtiendo de problemas arraigados en el continente (como el alcohol) y acusando a las y los cameruneses modernos de sabotear a su propia patria. Se trata de un disco con un aviso claro, encendido y enfático pero cuyo poder reside en el contraste y el influjo de la belleza y la dulzura de la composición musical.
Blick Bassy destella luz sobre mensajes enojados en un álbum que pretende sacudir a la juventud africana, en un anhelo de retomar los temas pendientes y hacer justicia a los abuelos y abuelas que llevaron África a las emancipaciones nacionales.

Página web oficial: Blick Bassy

tracks list:
01. Ngwa
02. Nguiyi
03. Kundé
04. Woñi
05. Mpodol
06. Lipém
07. Sango Ngando
08. Maqui
09. Pochë
10. Bès Na Wé
11. Where We Go





Abdesselam Damoussi & Nour Eddine – Jedba. Spiritual Music from Morocco (2019)

Se dice que en los pueblos donde se practica el sufismo, los conflictos se resuelven a través de poetas, uno por cada persona involucrada en la disputa. Los argumentos se escuchan y luego se cantan como poesía mientras la gente de las aldeas baila hasta caer rendida. De esta manera, la música, el trance, la rendición extática y, en última instancia, la paz se entrelazan. Y es esta noción de paz universal lo que Jedba intenta conjurar en un álbum que lleva varios años en desarrollo, un lanzamiento que cubre bastante terreno musical a medida que avanza desde el sur sahariano de Marruecos hacia su norte más fértil. ARC, un sello que ha lanzado discos de música sufí de Bangladesh, Turquía, Egipto, Pakistán y otros lugares, continúa ofreciendo a este tipo de música devocional centenaria un lugar para reinventarse.
Jebda mezcla las voces y la música de seis cantantes y músicos profesionales con una variedad de músicos callejeros reunidos por el productor Abdesselam Damoussi, que los encontró en el camino a través de la plaza Jemaa el-Fna de Marrakech a su Riad y estudio del siglo XV, equipados con micrófonos Neumann, para registrar qué generaciones de músicos, magos, narradores y encantadores han actuado durante siglos en la plaza cercana, ejerciendo sus oficios extáticos. Con el multi-instrumentista y coproductor Nour Eddine, los instaló en el estudio, les sirvió té, los preparó para tocar y capturó una mejor parte de su alma.

Como resultado, lograron captar la esencia de la música marroquí, despojada de una producción brillante, pero con la lucidez profesional suficiente para que esta música antigua suene para siempre actual. Está "Adán", un solo a capela llamando a la oración (Saad Temsamani), un rabe bereber y un artista del banjo de las montañas del Atlas que aparece en "Tazalit" (Larbi Bakchich y Raiss Brahim), e incluso una guitarra eléctrica y una pista vocal en "Arrahmane", que cuenta con dos intérpretes del Sáhara más profundo del país (Hassan Haddad y Yemdeh Selem) y tiene un parentesco claro con el tipo de blues del desierto que se encuentra más al sur en el Sáhara Occidental y Mauritania.
En cuanto a la fidelidad del registro del trance, se puede sentir especialmente en la pista que da nombre a esta colección. Con Eddine en percusión y Abdelaziz Inouiti a la ghaita (un instrumento similar al oboe), la melodía es implacable, en una línea de percusión tensa y repetida donde, finalmente, entra la ghaita hasta desvanecerse de forma infinita.
La voz de Damoussi y la percusión de Eddine se encuentran entrelazadas en gran parte de los temas del disco, deslizándose desde los ritmos bereberes llenos de banjo con llamadas y respuestas hasta los tipos de ululaciones agudas que se encuentran en todo el continente africano. También hay una voz de niña de 8 años que da forma a una oración a capela del imán de Tánger Said Lachhab ("Spiritual Mawal"). Y en "Allah Hay", ghaita y tambores de mano abren el camino hacia el canto vocal más complicado y espectacular del álbum.
Jedba, en sus casi sesenta minutos, es un relato interno superlativo del éxtasis musical sufí de Marruecos, llevado a un Riad que desearíamos que fuera nuestro hogar.

Página web: Jedba - Spiritual Music from Morocco

tracks list:
01. Jedba (Trance)
02. Sabaato Rijal (Seven Stairs of Marrakech)
03. Spiritual Mawal (Light of the Star) (Traditional)
04. Allah Hay (God Is Alive)
05. Arrahmane (Spiritual Desert Voice From the Moroccan Sahara)
06. Ziyara (Traditional)
07. Assalat Al Machichiya (Traditional)
08. Tazalit (Spiritual Berber Voice From the Atlas Mountains)
09. Lailaha illa Allah (One God) (Traditional)
10. Adan (A Call to Prayer) (Traditional)





Carminho – Maria (2018)

Maria es el esperado quinto álbum de Carminho y, tal vez, el más personal, ya que la artista además de componer siete de los doce temas que lo forman, también ha participado en la producción del mismo junto a Diego Alves, Marta Pelágio y João Pedro Ruela (Ruela Music). Por eso tal vez haya decidido llamarlo con su primer nombre, ya que aunque todos la conocemos como Carminho, su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade.
El álbum comienza con un tema cantado a capella, "A Tecedeira" que además tiene música y letra de la propia Carminho y que es una carta de presentación bellísima de lo que vamos a encontrar en este disco: fado del bueno con la vibrante personalidad de la voz de Carminho a flor de piel en cada tema, como ya demostrara en su extraordinario debut Fado (2009, considerado como el mejor álbum revelación de fado de la última década).

Además de este primer fado, "Estrela", "A Mulher Vento" y "Poeta" tienen letra y música de la artista que también firma las letras de "Se Vieres" que canta con base del fado tradicional, "Fado Santa Luzia", de Armando Machado, y una maravilla que es "Desengano", que tiene como base el "Fado Latino", de Jaime Santos, y la música de "Quero Um Cavalo de Várias Cores", de Reinaldo Ferreira.
En Maria Carminho se acompaña de Bernardo Couto, José Manuel Neto y Luís Guerreiro a la guitarra portuguesa; a la viola de fado ha grabado Flávio César Cardoso; José Marino de Freitas, al bajo; João Paulo Esteves da Silva, al piano, y Filipe Cunha Monteiro al pedal steal y guitarra elétrica, que también es tocada por la propia Carminho en "Estrela".
Maria cuenta también con un temas de Joana Espadinha ("O Menino e a Cidade"); "Pop Fado" de César Oliveira y Fernando Carvalho, y "Sete Saias", con letra y música de Artur Ribeiro. Un disco verdaderamente emocionante en el que Carminho se confirma como la gran voz del fado y una de las artistas portuguesas con mayor proyección internacional de la historia.

Página web oficial: Carminho

tracks list:
01. A Tecedeira
02. O Começo (Fado Bizarro)
03. Desengano (Fado Latino)
04. O Menino E A Cidade
05. Estrela
06. Pop Fado
07. A Mulher Vento
08. Poeta
09. Se Vieres (Fado Sta. Luzia)
10. Quero Um Cavalo De Várias Cores
11. Sete Saias
12. As Rosas





Coladera – La Dôtu Lado (2019)

La Dôtu Lado es el segundo proyecto musical transatlántico de Coladera, un sonido exquisito y aventurero que agrega diversas capas sobre las ricas tradiciones de sus principales impulsores: los cantantes y guitarristas Vitor Santana, de Belo Horizonte (Brasil), y el portugués João Pires. Junto al músico caboverdiano Miroca Paris (que se dio a conocer como percusionista de Cesária Évora) y al percusionista Marcos Suzano, trazan nuevas rutas musicales uniendo los sonidos de batuque y funaná de Cabo Verde, y lundum de Angola, con profundos ritmos inspirados en el candomblé y el fado. Y al hacerlo, han abierto una fascinante narrativa sobre el comercio de esclavos, la espiritualidad y el amor.

El álbum reúne una serie de colaboraciones que incluyen a Aline Frazão, José Eduardo Agualusa, Dino Santiago, Bilan, Ana Sofia Paiva, Edu Mundo, Brisa Marques y Marcos Suzano: tres universos musicales (Brasil, Portugal y Cabo Verde) que honran los ritmos lusófonos.

facebook: Coladera

tracks list:
01. La Dôtu Lado
02. A Luz De Yayá
03. Primer Letra
04. Mandinga
05. Mantafro
06. Algum Lugar Em Nós
07. Funaná Do Moreré
08. Céu Azulino
09. D´Orixá
10. Deserto Do Sal
11. Gira