la uva y la parra

Desorden Público – Los Contrarios (2011)

2012-02-17T16:38:00.003Z

Desorden Público, la banda ska más importante de Latinoamérica, vuelve a la carga tras veinticinco años de carrera con Los Contrarios, su muy esperado nuevo disco: una producción arriesgada, innovadora, repleta de fuerza, arreglos impecables, letras agudas, controvertidas, mucha crítica y buen humor.
También conocida como DP, Desorden Público es de Venezuela, fundada en 1985 por Horacio Blanco "Dok" (guitarra y voz) y José Luis Chacín "Caplis" (bajo) en Caracas, cuentan con un sonido propio construido de la fusión de elementos caribeños con un sonido urbano caraqueño. Desde sus inicios la banda se ha caracterizado por expresar abiertamente su postura ante las contradicciones sociopoliticas del planeta, el racismo y las desigualdades. Sus canciones reseñan el proceso de descomposición de la sociedad caraqueña en que la banda se desarrollara a mediados de la década de los 80. Desde una visión de corte anarquista, las letras (en su mayoría compuestas por Horacio Blanco, vocalista del grupo) sirven para reconstruir la visión de la juventud que crecía en una década con muy pocas oportunidades y en una ciudad que poco a poco se convertía en un pandemonium en medio de crisis políticas y económicas que se sucedían unas tras otras. Esta actitud hizo que en 1988, una de sus canciones titulada "Políticos Paralíticos" fuese prohibida en la radio por el gobierno venezolano de entonces.
Prácticamente unos supervivientes del mundo underground y de la voracidad de las discográficas, al mismo tiempo que unos pioneros de la movida independiente venezolana, Desorden Público tiene seguidores de tres generaciones distintas (decadas de 80, 90 y siglo XXI). Tiene, igualmente, fans en México, USA, Sudamérica, Asia y Europa, y sus grabaciones han sido incluidas en numerosas recopilaciones editadas en diversos países. Desorden Público es considerada una banda de culto en el mundo independientes del ska, así como unos cronistas de la juventud caraqueña de los años 80.

Transcurridos cinco años desde su último trabajo, Estrellas del Caos (2006), Desorden Público vuelve a la acción en abril 2011 con Los Contrarios, una producción arriesgada y, como ellos mismos señalan, con "mucho mucho Ska, gustoso y latinoamericano, honesto, sin complejos y desbordante de influencias y referentes. Música y líricas hechas para sentir, pensar, bailar, bailar y seguir bailando".
Los "desordenados" Caplís, Oscarello, Danel "DanPa", Horacio, Magú, Noel, Julio, Terry y Coco (este último productor musical del disco) están muy contentos con Los Contrarios, un álbum donde el más bailable ska se entremezcla con rumba, cumbia, merengue, reggae y sonidos balcánicos, paseándose sin traumas entre sonidos distorsionados, callejeros, electrónicos y cabareteros. Así, con música contagiosa, Desorden pone una vez más su ojo crítico, sarcástico y fiestero sobre un mundo alegre y loco, que goza pero que también sufre a causa de males como la intolerancia y el abuso de poder.
Los Contrarios cuentan, además, con invitados de alto calibre. Rubén Albarrán, cantante de Café Tacvba de México; Andreas Frege "Campino", cantante del quinteto punk-rock alemán Die Toten Hosen; Kanikazu Tanaka, reconocido saxofonista de la movida ska de Tokyo; y Nereida y Betsayda Machado, voces de la agrupación venezolana Vasallos del Sol.

Página web oficial: Desorden Público

tracks list:
01. Sale El Sol
02. Música De Fiesta
03. Ciudad De Los Locos
04. El Poder Emborracha
05. Los Caimanes
06. Preludio A Los Contrarios
07. Los Contrarios
08. Tierra De Gigantes
09. City Of The Dead
10. Llora Por Un Dólar
11. Cristo Navaja
12. Dispersos
13. Los Dados De La Muerte
14. Dios i El Diablo Dijeron Que Eres Mía
15. It Must Be Love (bonus track)

Oumou Sangaré – Seya (2009)

2012-02-10T09:33:00.003Z

Seya (Alegría) es el quinto disco de la extraordinaria cantante maliense Oumou Sangaré, artista y empresaria que lleva más de veinte años celebrando a la mujer negra, un canto a la libertad de su continente: "Despertad, mujeres, bailemos".
Ouomou Sangaré es la cantante femenina más popular en Malí, el corazón musical de África Occidental, un país cuya cultura ha generado gigantes de la talla de Salif Keita, Toumani Diabaté, Rokia Traoré y Ali Farka Touré.
Seis años llevaba sin grabar un disco. Esta característica tan africana de hacer las cosas pausadamente es una garantía de que el resultado final sea de una calidad excepcional. Seya, publicado por World Circuit, es una obra magnífica, como confirma la escucha de estas once canciones basadas en la tradición de la música wassoulou, con instrumentos como el ngoni y las guitarras eléctricas, y con muchas influencias de las culturas de las etnias vecinas. Valga como ejemplo el sorprendente uso de los tambores sabar usados por los wolof en el tema "Koroko" o las maravillosas cuerdas que aparecen en "Donso", recordando esa unión de la música negra con la gnawa árabe. Alrededor de cincuenta músicos, el trabajo en los estudios de Bamako y la producción de Cheick Tidiane Seck, leyenda viva de la música maliense.

Tenía 21 años, en 1990, cuando salió su primer disco, Moussoulou, del que la gente de Malí conocen hasta el último estribillo, y en el que exhortaba a las mujeres a rebelarse. Desafiaba Oumou el tabú de la sensualidad femenina con una poética (y muy explícita) canción. Ya entonces denunciaba (y había que atreverse en aquel contexto social y político) los matrimonios pactados por las familias. Cuenta que lo hizo porque su madre sufrió mucho y ella, como primogénita, compartió ese sufrimiento. Un homenaje a su madre con el que se identificaron las mujeres malienses. También en su último disco arremete contra los matrimonios impuestos a las jóvenes y contra la poligamia. Con alegría canta su deseo de que la mujer africana sea libre para elegir.
Hoy Oumou Sangaré es un ejemplo para las mujeres malienses: propietaria de un pequeño hotel, dueña de una empresa de importación de coches chinos todoterreno y de un campo de diez hectáreas ("para animar a las que quieren ser como Oumou y no tienen dinero para construir un hotel pero sí tierra para cultivar"). Como señalaba en un estupendo reportaje en El País, "Hace veinte años que le canto a la mujer negra, a la mujer africana, demostremos a nuestros hombres que estamos capacitadas. La mujer africana siempre ha trabajado duro. Ahora quiere que se le reconozca. Y contribuir al desarrollo de su país. Con los ánimos musicales, con los microcréditos, las mujeres emprenden muchas actividades. Hoy las cosas en Malí han cambiado mucho a mejor. Los hombres pensaban que yo iba a revolucionar a las mujeres, que era la guerra. Y no. Es una guerra incruenta, que estoy haciendo también para ellos".

Página web oficial: Oumou Sangaré

tracks list
01. Soun Soumba
02. Sukinyali
03. Kounadya
04. Donso
05. Wele Wele Wintou
06. Senkele Te Sira
07. Djigui
08. Seya
09. Iyo Djeli
10. Mogokele
11. Koroko

Chico & Rita BSO (2010)

2012-01-28T12:52:00.003Z

"Chico & Rita" es la última película animada de Fernando Trueba y Javier Mariscal que narra una historia de amor a ritmo de bolero. Como telón de fondo, un homenaje al cine clásico, a los músicos cubanos, a la vida en La Habana de los años cuarenta y cincuenta y, sobre todo, la música de Bebo Valdés como excepcional banda sonora que recorre el filme en su totalidad.
En la Cuba de finales de los cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche en que el destino los junta en un baile de La Habana, la vida va uniéndolos y separándolos como si de la letra de un bolero se tratara, esta es la trama de "Chico & Rita".
La película exhala música y comienza con hip-hop en La Habana para enlazar con un "Sabor a mí" ambientado en 1948. A partir de ahí, "Chico & Rita" es un viaje sentimental personal y musical que nos lleva al Tropicana en La Habana, a la Sala Pleyel en París, al Radio City Music Hall en Nueva York, al Village Vanguard, al Palladium… Escenarios míticos en los que aparecen la Orquesta de Woody Herman, Charlie Parker, Chano Pozo, Dizzie Gillespie, Tito Puente, Nat King Cole… Todo esto mezclado con la historia sentimental de Chico y Rita rodeada por mil historias más, desde el asesinato de Chano Pozo a unas deliciosas imágenes que parecen sacadas de Historias de la radio, pasando por la deportación.

Y todo bañado en música grabada única y exclusivamente para la película. "Chico & Rita" se ha grabado con Bebo Valdés, siempre sentado al piano, liderando algunas de las diferentes agrupaciones de músicos que han tocado en el álbum, con canciones y temas instrumentales interpretadas por Bebo Valdés (como Chico), Idania Valdés (Rita), Freddy Cole (Nat King Cole), Jimmy Heath (Ben Webster), Michael P. Mossman (Dizzie Gillespie), Amadito Valdés (Tito Puente), Germán Velazco (Charlie Parker), Yaroldi Abreu (Chano Pozo), Pedrito Martínez (Miguelito Valdés)… y Estrella Morente que canta "Lily", el tema central de la película con Bebo Valdés al piano, Andy González al bajo y Steve Berrios a la batería. Una Estrella Morente de dibujos animados que marca uno de los momentos cumbre de la película, como guiño definitivo y homenaje al gran Bebo Valdés.

Más información: Chico & Rita. Amor, color y música

tracks list
01. Cachao creador del mambo
02. Blues For Andre (Bebo's Blues)
03. Bésame mucho
04. Con poco coco
05. Ebony Concerto (Allegro Moderato)
06. Persecución
07. Celia
08. Paran pan pan
09. Sabor a mí
10. Ay que mala e
11. Sabor a mí (instrumental)
12. A Mayra (desamor and coda)
13. A Mayra (descarga)
14. A Mayra (sad walk)
15. Chico's Dream -Medley
16. Ecuación
17. Tin tin deo
18. Chano Pozo
19. Nocturno en Batanga
20. Nocturno en Batanga (suite cubana)
21. Love For Sale
22. Love For Sale Reprise
23. A Mayra (Lily)
24. Stardust
25. A Mayra (Lily instrumental)
26. Vanguard Strings
27. Mambo Herd
28. Deportación
29. Lily - con Estrella Morente
30. La bella cubana

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Trio Chemirani – Invite (2011)

2012-01-17T18:27:00.001Z

The Trio Chemirani lo componen, desde 1988, tres miembros de la familia iraní Chemirani (originariamente Chemirani Ensemble), intérpretes de música tradicional persa. Formado por Djamchid, Keyvan y Bijan (padre e hijos), han conseguido gracias a su virtuosismo inigualable instaurar el zarb como uno de los grandes instrumentos de percusión en todo el mundo.
Establecidos en Francia, para este álbum han invitado a participar a seis grandes músicos internacionales y el resultado es un estupendo trabajo de interculturalidad. Los artistas son el maliense Ballaké Sissoko a la kora, el pianista cubano Omar Sosa, Ross Daly con la lyra cretense y el rebab afgano y, de Francia, el estupendo Titi Robin al bouzouki, Sylvain Luc con la guitarra acústica y Renaud Garcia-Fons al contrabajo. El resultado: piezas, bajo la copa de la hospitalidad, con sonoridades del Mediterráneo, Oriente Medio, África y el jazz. Una idea simple brillantemente lograda gracias a la habilidad y la sensibilidad de los músicos que participan.

tracks list:
01. Dar bâzé
02. Alou soroma (with Ballaké Sissoko)
03. Flamenco mar (with Omar Sosa)
04. Dordaneh (with Sylvain Luc)
05. Azadeh (with Omar Sosa & Ballaké Sissoko)
06. Synkathistos (with Ross Daly)
07. Oryssa (with Renaud Garcia-Fons)
08. Bâd-é-Saba
09. Saadi (with Sylvain Luc)
10. La marelle (with Omar Sosa)
11. Taama (with Ballaké Sissoko)
12. Âtash
13. Yar Marâ (with Titi Robin)
14. Nokay (with Ross Daly)
15. Sarv

Cheikha Rimitti - Sidi Mansour (1994)

2012-01-11T17:58:00.000Z

La legendaria Cheikha Rimitti, conocida como la Abuela del raï, ha sido una de las mujeres más transgresoras de la música argelina. A su desaparición, hace cinco años, llevaba cantando desde hacía más de medio siglo el placer sexual femenino y llegó a grabar con músicos de grupos como Red Hot Chili Peppers y Dead Kennedys.
Era la abuela sabia del raï, esa música vindicativa con letras de doble sentido, "producto del éxodo del campo a las ciudades, que es un estado de ánimo semejante al del fado o el blues", decía de ella Juan Goytisolo. También era una cheija, una de aquellas mujeres de la Argelia colonial, cantantes en circuncisiones y bodas y a la vez cortesanas, que hablaban sin tapujos de los placeres carnales.
Nacida en Tessala, un pequeño pueblo al oeste de Argelia, bajo el nombre de Saâdia, que significa alegre, comenzó a cantar en tabernas para poder pagarse la comida y, ya por ese entonces, criticaba en sus canciones los matrimonios "arreglados" por las familias. Se volvió famosa en Argelia a través del boca a boca durante la Segunda Guerra Mundial hasta que fue apadrinada por un popular músico argelino, Cheikh Mohammed Ould Ennems, quien la llevó a Argel donde realizó su primera transmisión radial. Poco después, cambió su nombre por Cheikha Rimitti.
Con el tiempo, Rimitti se convirtió en una figura legendaria a la cual jóvenes cantantes de raï le deben tanto su libertad de expresión como su rebeldía lingüística y moral, sin dejar de mencionar una parte significativa de su repertorio.
Desde que en 1952 comenzó su carrera discográfica, Cheikha Rimitti ha estado entre las y los artistas más importantes e influyentes de la cultura norafricana, siendo tal vez la cantante más popular entre la ciudadanía de menores recursos. Sus canciones hablan sobre los problemas de la vida diaria, los placeres carnales, el alcohol, la amistad y la guerra, todas ellas cantadas en el lenguaje cotidiano de las calles.

En los años 70 del siglo XX, Rimitti interpretaba principalmente para inmigrantes de Argelia en Francia. En 1994, ya septuagenaria y pensando en retirarse, Rimitti grabó en Estados Unidos el álbum Sidi Mansour junto a reconocidos músicos de rock como Robert Fripp (King Drimson, David Bowie, Eno), Flea (Red Hot Chili Peppers), East Ray Bay (Dead Kennedys) y músicos de Frank Zappa. Todos participaron con mucha humildad y respeto hacia la gran artista y además de aportar su esfuerzo artístico quisieron manifestar su solidaridad y compromiso con los músicos y las mujeres de Argelia que en los años noventa pasaron por serias dificultades. El resultado fue un disco sorprendente y fresco, alegre y abierto, que colocó a Rimitti en las listas de éxitos de todo el mundo devolviéndola a la actualidad y a sus conciertos en directo.

tracks list:
01. Nghani Ki Ma Nabghi
02. Sidi Mansour
03. Ha Raï Ha Raï
04. Rah Jey
05. Rouked el Achra
06. Maheyni Maheyni
07. Rah Yabki
08. Serrer a Driote et Stationner

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Cheikha Rimitti - Nouar (1999)

2012-01-11T17:50:00.003Z

Tras varios años de silencio discográfico después de su aclamado Sidi Mansour, Cheikha Rimitti publicó Nouar, trabajo por el que recibió uno de los premios discográficos más importantes de Francia, el Charles Cros.
Disco lleno de energía, con flautas de caña y tambores tradicionales, en el que acompañada por una potente banda eléctrica ofrece una nueva lección de modernidad y de vitalidad, Rimitti continua cantando canciones comprometidas, en las que denuncia las condiciones en las que viven las mujeres en el mundo y cada una de sus letras es un desafio a represiones y tabúes.

tracks list:
01. Nouar
02. Nakhla
03. Hak Hak
04. Saïda
05. Mani Man
06. Koum Oula Talag
07. Ouah Ya Ould Bladi
08. Osman
09. Khalouhom
10. Rassoul Allah

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Azam Ali – From Night To the Edge of Day (2011)

2011-12-29T20:39:00.002Z

Tercer disco en solitario de Azam Ali, su disco más personal e íntimo en el que recopila una serie de nanas y canciones de cuna de Oriente Medio (algunas escritas por ella misma y su hijo) en un álbum delicado y cálido, melancólico y sereno, centrado principalmente en la armoniosa voz de Ali, y en el que colaboran sus compañeros de Niyaz, Loga Ramin Torkian y Carmen Rizzo.
El nacimiento de su primer hijo es lo que ha inspirado a la canadiense de origen iraní Azam Ali a grabar un álbum de nanas y canciones de cuna, From Night To the Edge of Day. Un álbum que recoge su memoria sentimental, canciones de ensueño, de sonidos ricos y exhuberantes, suaves y de texturas melancólicas, contemplativas, en los que se sustenta la voz evocadora de Ali arropada por las sonoridades del tradicional oud y de las cuerdas.
Aunque el disco tuvo su origen en las nanas que cantaba Ali a su hijo, el proyecto creció rápidamente, revisando canciones de cuna de todo Oriente Medio, muchas de ellas pertenecientes a comunidades minoritarias como la kurda iraquí y la azerbaiyana iraní. Otras proceden de Turquía y Palestina. Temas que remodela y que se convierten en algo más que simples nanas: un mensaje personal para todas aquellas generaciones futuras para poner fin a las luchas y conflictos inter-étnicos que arruinan la región. Y aunque el trasfondo es la opresión, la guerra y el exilio, la voz de Ali conlleva en sí el cálido sonido de la esperanza de que una generación futura tenga una visión más iluminada que les permita vivir en una coexistencia pacífica.
Hermosos temas que incluyen canciones del folklore turco, como "Dandini" y "Neni Desem"; "Lai Lai", una bella melodía kurda en dialecto soranî; la nana tradicional de Azerbaiyán "Shirin"; "Tenderness" (composición propia de Ali), temas que musicaliza ("Nami Nami" y "Mehman", de Irán), y una preciosa canción compuesta, especialmente para Azam y su hijo, por el cantante e intérprete de oud palestino Naser Musa, "Faith".

Disco dedicado a su hijo Imán, "Estas canciones, que canté para ti durante los primeros años de tu vida, son mi pequeño regalo para ti, para que siempre recuerdes estas melodías y lo que representan para tu madre. Somos gente de Oriente, y aunque nuestros caminos nos han llevado lejos de la tierra a la que pertenecemos, nuestro legado es profundo como el más antiguo de los árboles, y nuestras canciones cuentan historias que nunca deben ser olvidadas. Mi gran esperanza es que siempre permanezcas conectado a estas raíces y que encuentres tu propio camino donde ellas perduren".

Página web oficial: Azam Ali

tracks list:
01. Noor (The Light In My Eyes)
02. Dandini
03. Nami Nami
04. Neni Desem
05. Shrin
06. Mehman (The Guest)
07. Faith
08. Tenderness
09. Lai Lai
10. Faith (Reprise)

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Feliz, feliz Navidad ;-)

2011-12-24T10:45:00.002Z

...No te rindas, por favor no cedas,
Aunque el frío queme,
Aunque el miedo muerda,
Aunque el sol se esconda,
Y se calle el viento,
Aún hay fuego en tu alma
Aún hay vida en tus sueños.
Porque la vida es tuya y tuyo también el deseo
Porque lo has querido y porque te quiero.
Porque existe el vino y el amor, es cierto.
Porque no hay heridas que no cure el tiempo.
Abrir las puertas,
Quitar los cerrojos,
Abandonar las murallas que te protegieron,
Vivir la vida y aceptar el reto,
Recuperar la risa,
Ensayar un canto,
Bajar la guardia y extender las manos
Desplegar las alas
E intentar de nuevo,
Celebrar la vida y retomar los cielos...

Anoushka Shankar – Traveller (2011)

2011-12-20T18:35:00.002Z

Anoushka Shankar está constantemente desplazando fronteras en lo musical a todos los niveles. En esta ocasión, su curiosidad y su amor por el flamenco la han llevado a remontarse a los orígenes y raíces indias de este género musical, sumergiéndose de lleno en el diálogo entre la música tradicional de su cultura y la flamenca. Y lo hace con un disco titulado Traveller, producido por Javier Limón, que ella misma subtitula "raga flamenco journey".
El proyecto del disco, editado internacionalmente por el sello Deustche Grammophon, se originó por el deseo de la artista de retomar el vínculo de mil años entre las tradiciones musicales de India y España. Por ello, en su grupo conviven artistas de ambas orillas de una talla impresionante. Del lado flamenco están la cantaora Sandra Carrasco, el percusionista Piraña, el propio Javier Limón a a la guitarra y, como artistas invitados/as, el maestro Pepe Habichuela, el pianista Pedro Ricardo Miño, el cantante Duquenque y la cantante Concha Buika. Y del lado hindú, Pirashanna Thevarajah a la percusión, Sanjeev Shankar al shehnai, Tanmoy Bose a la tabla, Kenji Ota a la tanpura, y las voces de Shubha Mudgal, Sanjeev Chimmalgi y Aditya Prakash.
Como se indica en el libreto del disco, en Traveller Shankar se abre camino entre los matices del flamenco moderno gracias a la vívida lente de la técnica indostaní. En esencia, Traveller rastrea el vínculo espiritual a lo largo del tiempo y el espacio entre dos formas extraordinariamente evolucionadas de expresión musical, desde su antigua gestación a su moderno cenit. Este es un álbum de innovación y renacimiento: una culminación perfecta de antiguo y nuevo. El propio Javier Limón señala emocionado: "Cuando Anoushka interpreta música india pura, para nosotros está tocando flamenco puro… Anoushka cambió mi vida: ahora tengo un concepto diferente de la música. Cuando tocaba la granaína, era como una cantaora, no como una guitarrista flamenca. Eso es lo asombroso: toca el sitar como una cantaora. Sus melodías son como las de los cantaores gitanos. Creo que los guitarristas van a aprender mucho de ella. Su forma de expresar las melodías me hace llorar".

Página web oficial: Anoushka Shankar

tracks list:
01. Inside Me
02. Bulería con Ricardo
03. Krishna
04. Si no puedo verla
05. Dancing In Madness
06. Boy Meets Girl
07. Kanya
08. Traveller
09. Ishq
10. Casi Uno
11. Bhairavi
12. Lola´s Lullaby

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Se ha ido Cesária... la Ruiseñora de Cabo Verde

2011-12-19T13:30:00.000Z

Se ha ido Cesária Évora, la dama de los pies descalzos. "Para este último viaje, Cize, como la conocían sus familiares y amistades, ya no necesitará el pasaporte diplomático de cubierta color rojo sangre... y que ella enseñaba en los controles fronterizos con sonrisa de niña traviesa".

Noticia: Cesaria Evora, cantante, la voz de Cabo Verde

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Madredeus - Movimento (2001)

2011-12-12T17:35:00.004Z

Movimento (2001) es una de las obras cumbre de Madredeus, ese maravilloso grupo que a lo largo de su trayectoria quiso transmitir poesía a través de la música. Embajador de la cultura portuguesa por todo el mundo, llevaron este magnífico proyecto en miles de conciertos, en los que transmitieron y contagiaron el amor por la música, el amor por los misterios del "saudade", una obra única que difícilmente se puede encuadrar bajo un sólo término.
El álbum Movimento (2001) se programó, originariamente, para que fuese doble, pero después de varios meses, Emi Portugal decidió que de los más de treinta títulos que había disponibles sólo fueran 16 los que conformaran esta producción, que contiene material inédito de Madredeus desde 1997. Aunque su título sugiriera la idea de cambio o renovación, en Movimento se sigue la línea ya clásica de la banda pero aludiendo a la vida itinerante del grupo y a su compromiso de buscar nuevos paisajes musicales y compartir su música.

Madredeus es poesía, sentimiento, sonidos nostálgicos y un baúl inmenso de hermosos recuerdos. Sus discos son una obra para el corazón y la sensibilidad que deben estar en cualquier colección de la gente amante de la música.

tracks list:
01. Anseio (Fuga Apressada)
02. Ecos na Catedral
03. Afinal - A Minha Canção
04. O Labirinto Parado
05. O Olhar
06. A Lira - Solidão No Oceano
07. O Segredo do Futuro
08. A Quimera
09. Graça- A Última Ciência
10. Vida Bao
11. Um Raio de Luz Ardente
12. A Capa Negra (Mano a Mano)
13. Palpitação Listen
14. Ergue-te ao Sol
15. Vozes no Mar
16. Tarde, por favor

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Fanfare Ciocărlia – Iag Bari (2001)

2011-12-10T09:01:00.001Z

Con más de quince años en su haber, Fanfare Ciocărlia es una de las mejores bandas rumanas de todos los tiempos. Representan el auténtico espíritu de las bandas de pueblo, y en sus representaciones terminan danzando junto al público bajo el concepto de la eterna fiesta gitana que ellos nos presentan, "el zafarrancho musical procedente de los Cárpatos".
Compuesta por doce miembros, procedentes de la nororiental localidad rumana de Zece Prăjini, la banda comenzó como un conjunto flexible de músicos a tiempo parcial para tocar en bodas y bautizos locales. En octubre de 1996, el ingeniero de sonido y productor alemán Henry Ernst visitó Zece Prăjini y, prendado del sonido de la banda, convenció a varios de los músicos para montar una banda de gira. Estos músicos decidieron llamar a la banda Fanfare Ciocărlia: Fanfare es una palabra francesa que ha pasado al rumano y se utiliza para designar una banda de música; Ciocărlia es la palabra rumana para la alondra. Desde su descubrimiento por Ernst, quien ejerce desde entonces como manager, han tocado en más de mil conciertos aproximadamente en 50 países de todo el mundo.

Enraizados en las antiguas bandas militares de Austria y Hungría, la línea instrumental de Fanfare Ciocărlia incluye trompetas, tubas, clarinetes, saxofones, trompas, batería y percusión. Sus letras son en romaní y rumano, y su estilo musical bebe, primariamente, de las tradiciones del romaní y del folk rumano, aunque también de los estilos musicales turco, búlgaro, serbio y macedonio, incorporando temas recogidos de radios internacionales, Hollywood y Bollywood en su amplio repertorio. Conocidos por no usar partituras en sus actuaciones, su sonido se caracteriza por la velocidad e intensidad de sus solos.
Iag Bari es su tercer disco. Se trata esencialmente de la música del pueblo elevado a los niveles más altos, jugando con fuego, garbo y mucho sentido del humor. Sensación inequívoca de los Balcanes en sus armonías, reforzada con los y las vocalistas invitadas, en especial The Bulgarian Voices Angelite. A esto se añade un video como bonus track. Un trabajo de irresistible musicalidad.

Página web oficial: Asphalt Tango Production

tracks list:
01. Doina
02. Wild Silence
03. Iag Bari
04. Dusty Road
05. Lume, Lume
06. Jocul Boldenilor
07. Hora Din Petrosnitza
08. Banatzeana
09. Tu Romnie
10. Moliendo Café
11. Balada Lui loan
12. Besh O Drom
13. Hora Andalusia
14. Hurichestra
15. So Te Kerau?
16. Hora lautareasca
17. Ginduri De Om Batrin
18. Bubamara
19. Manea Cu Voca (video)

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Fanfare Ciocărlia – Gili Garabdi (2005)

2011-12-10T08:48:00.002Z

En 2005 se presentó el álbum de la Fanfare Ciocărlia Gili Garabdi - Ancient Secrets of Gypsy Brass, donde incorporan influencias del jazz y hacen una personalísima interpretación del tema de James Bond y del "Caravan" de Duke Ellington. El resto del disco sigue siendo fiel a su sonido festivo, colaborando en ello el vocalista búlgaro Jony Iliev.
Ganadores de uno de los "BBC Radio 3 Awards for World Music” de 2006, se cuenta en el disco que cuando la esclavitud de los gitanos de Rumania terminó oficialmente en 1864, decenas de miles huyeron del país hacia nuevos horizontes. Varios miles desembarcaron en los Estados Unidos, estableciéndose en su gran mayoría en los guetos negros de los estados sureños, donde continuaron haciendo música. A Ioan, el más antiguo miembro de la banda e historiador del grupo, le preguntaron una vez si el jazz tenía gran influencia en Fanfare, a lo que respondió: "¿Quién no le dice a nuestros primos que fueron a los EE.UU que no ayudaron a inventar el jazz?" En Ancient Secrets este tema y otros misterios de la magia gitana se establecen.

Página web oficial: Asphalt Tango Production

tracks list:
01. 007 (James Bond Theme)
02. Alili
03. Sirba moldoveneasca
04. Caravan
05. Ma Maren Ma
06. Hora arabeasca
07. Golden Days
08. Lume Lume
09. Sandala
10. Moldavian Mood
11. Hora evreiasca
12. Time Out
13. Godzila
14. Ibrahim
15. Rumba de la Iasi
16. Alili (radio version)

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Issa Bagayogo – Timbuktu (2002)

2011-12-08T12:48:00.001Z

El cantante y compositor Issa Bagayogo ofrece una innovadora visión de la rica tradición musical de Malí, su tierra natal, combinando sus raíces basadas en texturas acústicas con sonidos de la música electrónica y del dub. El resultado es una de las fusiones más personales y originales entre la música tradicional del Oeste africano y la electrónica que actualmente se pueda encontrar, sumándose a ese movimiento que se ha dado por llamar "afro-electro".
Editado por Six Degrees, la grabación de Timbuktu se inició en Malí, donde Bagayogo empezó a incorporar líneas de bajo funky y ritmos electrónicos a la rica tradición Wassulu (cultura centenaria del sudoeste del país). Junto con su ngoni, su aterciopelada voz y contando con la producción de Yves Wernert, las canciones de Issa versan sobre temas comunitarios y de denuncia social.

El aspecto más convincente de Timbuktu es la forma como los ritmos se conjuntan, tanto aquellos que pertenecen a un contexto occidental de la música de club como a los sonidos tradicionales de la música griot. "Baro", con su guitarra blues, sus coros pegadizos y sonido acústico pero contemporáneo, es un buen ejemplo de esto. "Sisi”, que trata sobre el abuso de la droga por parte de la juventud, se inicia con el ngoni e incluye el balafón, tambores tradicionales, una sección de viento y unos suaves coros femeninos. "Tounga" tiene el sonido que define el Afro-pop actual: guitarras eléctricas punzantes, tempo rockero y un bajo vibrante; es en este tema donde Bagayogo canta sobre la emigración y la lucha por la integridad cultural y artística.
"Dambalou", una canción que compuesta en honor de los guerreros que construyeron el imperio Mandinga, ha sido trabajada a fondo, con un ritmo electrónico ralentizado, un excelente solo de guitarra acústica, y los sonidos de la samba brasileña. En el otro lado del espectro musical de este álbum se encuentra precisamente la pieza que da título al disco, "Timbuktu", que posee un sonido lleno de blues, atemporal, incluso con un toque de raíces árabes, bebiendo de las mismas influencias musicales que otras grandes figuras de Malí como Ali Farka Touré y Habib Koité. Las letras de Bagayogo idealizan Timbuktu como una ciudad multiétnica, donde musulmanes, cristianos y personas de distintos grupos étnicos de Malí viven conjuntamente en harmonía.
"Gnele" posee un ritmo electrónico que ya suena como una mezcla para pistas de baile. "Nogo" ("Polución") posee una de las producciones más sofisticadas de la obra, gracias a la conjunción de los instrumentos tradicionales y la voz de Issa. "Saye Mogo Bana" es una fusión entre la percusión acústica y la digital, cuerdas eléctricas y acústicas, técnicas de producción modernas y un tema eterno, "la muerte hace desaparecer la carne, pero no tu nombre". Y "Dama", la pieza que cierra el disco y que también versa sobre la muerte, es una fiesta que consigue compensar el peso de la acústica y de la electrónica, rememorando una de las tradiciones más antiguas de Malí: los tambores que sirven para marcar los funerales.
El desaparecido Charlie Gillet, una de las grandes personalidades de la BBC que impulso los "BBC Radio 3 Awards for World Music", dijo en su momento de Issa Bagayogo: "Cuanto más escucho su música más pienso que está llamado a convertirse en un clásico de la música africana en general y de la escena de Malí en concreto".

tracks list:
01. Sisi
02. Baro
03. Tounga
04. Nogo
05. Timbuktu
06. Dambalou
07. Toroya
08. Saye Mogo Bana
09. Banani
10. Gnele
11. Tamagnoko
12. Dama

Entradas relacionadas: Issa Bagayogo - Mali Koura

Amina Alaoui - Arco Iris (2011)

2011-11-25T09:07:00.003Z

La cantante de origen marroquí Amina Alaoui presenta con Arco Iris un proyecto donde se teje un diálogo musical que intenta aliar y hermanar los sonidos del fado, del flamenco y del andalusí con una obra poética que celebra los idiomas históricos de la Península Ibérica: el castellano, el portugués y el árabe.
Nacida en Fez (Marruecos), Amina Alaoui pertenece a una familia profundamente ligada tanto a la tradición popular marroquí como a los medios intelectuales y artísticos. Desde su infancia estudió canto arábigo-andaluz, piano clásico, danza contemporánea y clásica, marroquí y oriental, estudios que Amina Alaoui profundizó junto a grandes maestros y en el Conservatorio de Rabat. A los diez años publicó ya sus primeros poemas y, más tarde, sus estudios universitarios le llevaron a consagrarse a la filología y la lingüística (árabe, francesa y española).

A partir de entonces, Amina Alaoui ha desarrollado un trabajo de búsqueda en los cantos arábigo-andaluces y orientales, especializándose en el cántico gharnati. Con Djallal Akhbari se inició en el canto clásico persa, y con Henri Agnel en el canto medieval europeo. Por todo ello, se puede asegurar que Amina Alaoui no sólo posee una de las voces más fascinantes de la actualidad, sino también una de las mejor preparadas y formadas. En los últimos diez años, ha realizado conciertos con músicos de la talla de Djamchid Chemirani, Pedro Soler, Hameed Khan, Pablo Cueco, Hughes de Courson, Lluis Llach, Nena Venetsanou o Soeur Marie Keyrouz. También ha colaborado en numerosos espectáculos de danza de los más prestigiosos coreógrafos.
Con Arco Iris (su cuarto disco, después del estupendo Siwan), la cantante propone un proyecto que, aun siendo una música con raíces mediterráneas, tiene la pretensión de trascender fronteras y de traspasar los límites estilísticos y geográficos en los que se asienta.
En este disco Alaoui celebra la obra poética de diversos autores que han escritos en tres de las lenguas históricas de la Península Ibérica (el castellano, el portugués y el árabe), abarcando las canciones seleccionadas un arco temporal que va desde el siglo XI con la poesía de Al-Mu’tamid Ibn Abbad, hasta los fados del siglo XX con la obra de António de Sousa Freitas, pasando por la obra mística de Santa Teresa de Jesús.
Con la elección de poetas y músicas que la acompañan (el fado, el flamenco y la música andalusí), Alaoui quiere poner de manifiesto la porosidad de las fronteras, el intercambio cultural que se produce de manera natural entre las diferentes formas de música, resultando imposible poner puertas al campo. Asímismo, se encuentran por primera vez el laúd andalusí, la guitarra flamenca y el mandolín fadista. Los cinco músicos que le acompañan son excepcionales, con el violín árabe de Saïfallah Ben Abderrazak, el oud de Sofiane Negra (ambos tunecinos) y la guitarra flamenca de José Luis Montón, a menudo actuando como solistas junto a la hermosa voz de Alaoui, entretejiendo los sonidos en toda complicidad y sinergia hasta alcanzar lo que comúnmente se llama en el fado "entendimiento". Música exquisita.

tracks list:
01. Hado
02. Búscate en Mí
03. Fado Al-Mu'tamid
04. Flor de nieve
05. Oh Andaluces
06. Ya laylo layl
07. Fado menor
08. Búscate en Mí, var.
09. Moradía
10. Las Morillas de Jaén
11. Que faré
12. Arco Iris

Teófilo Chantré – Mestissage (2011)

2011-11-11T17:00:00.000Z

Mestissage es el sexto álbum de estudio de Teófilo Chantré, uno de los más grandes compositores de Cabo Verde y autor de muchos de los éxitos de Cesária Évora, la diva de los pies descalzos. Las canciones, casi todas cantadas en francés y criollo portugués, se apartan de la costumbre y van en busca de una generosa fusión musical.
Fue en el álbum Miss Perfumado de Cesária Évora (álbum aparecido en 1992 y que la consagraría a nivel internacional) cuando apareció por primera vez para el gran público el nombre de Teófilo Chantré, primer representante de la saudade caboverdiana (sodade). Una música que iba a mitad de camino entre la bossa nova, la morna, la coladeira y el bolero. De esta manera fue creando un estilo propio y fueron apareciendo sus grabaciones en solitario: Terra & Cretcheu (1994), Di Alma (1997), Rodatempo (2000), Azulando (2004) y Viajá (2007).

En este sexto álbum, Chantré se ha abierto a influencias novedosas, mostrándonos de nuevo su destreza para convertir melancolía en canción. Su música sigue estando enraizada en lánguidas coladeiras y mornas agridulces -inmerso en el dulce dolor de la nostalgia que es el saudade-, pero al igual que otras y otros grandes artistas de Cabo Verde (incluyendo a Mário Lúcio y Mayra Andrade), Teófilo Chantré mira esta vez hacia Brasil, encontrando en el francés (Marc Estève es el autor de varias de las letras) una nueva vía para expresar el saudade. Una joya llena de sofisticación y melancolía atlántica.

Página web oficial: Teófilo Chantré

tracks list:
01. Tu Verrais
02. Tout En Ce Monde
03. Alem Disso
04. Gongon
05. Oli´Me Ma Bô (con Bernard Lavilliers)
06. Entre-temps
07. Un Monde Honorable
08. Lua Desencantada
09. Galans De Noche
10. Alma Morna
11. Pai Pa Fidje
12. Firmamento De Nos Sodade
13. Au Restau De L´Exil

Blick Bassy – Hongo Calling (2011)

2011-11-08T12:05:00.002Z

Celebrado como "la nueva voz soul" de Camerún, el cantante, guitarrista y compositor Blick Bassy nos presenta su segundo álbum en solitario, Hongo Calling, fusionando sonidos tradicionales de Africa Occidental con la bossa nova, el jazz y el soul, invitándonos a un viaje musical a través de la originaria "ruta de la esclavitud" de Camerún a Brasil, a través de Benin, Senegal y Cabo Verde.
Cantando principalmente en Bassa (uno de 260 dialectos de Camerún), así como en francés y portugués, Bassy nos muestra los fuertes paralelismos existentes especialmente entre la samba brasileña y la música y los ritmos con los que creció (el Assiko, del sur de Camerún), fusión que funciona excepcionalmente bien en nuevas e interesantes direcciones, atreviéndose a mezclar instrumentos y sonidos que raramente se registran juntos. "Liké", "Bolo Mo" y "Fala Portugués" (una canción de celebración) son un ejemplo de ello.
El timbre de su voz envuelve como una capa suave, de nuevo, temas como "Likanda" (con Richard Bona), "Lola" y "Je Te Ya Mo", donde se entrelazan delicados tonos hasta llegar a puntos culminantemente hermosos, siempre con un sentimiento subyacente de balanceo de calma que se teje a través de una canción a la siguiente. Haciendo uso de la kora, la cabasa, el ngoni y el kaméléngoni, Blick Bassy nos sirve un cóctel refrescante y musicalmente brillante, como ya hiciera en su disco anterior, demostrando no sólo que posee una preciosa voz sino que también es un gran compositor y productor.

tracks list:
01. Liké (Camerún)
02. Nyang (Camerún, feat. Richard Bona)
03. Likanda (Camerún)
04. Hongo Lipém (Camerún / Benin)
05. Bolo Mo (Benin)
06. Ndjéck (Benin, feat. Lenine)
07. Lola (Senegal, feat. Alune Wade)
08. Je Te Ya Mo (Senegal)
09. Iléla
10. Hémle (Cabo Verde)
11. Sabada (Cabo Verde, feat. Régis Gizavo)
12. Fala Portugués (Brasil, feat. Lenine)
13. Omaya
14. SDF
15. Lullaby Mangond

Entradas relacionadas: Blick Bassy - Léman

Astor Piazzolla – Best Of (2007)

2011-11-07T17:32:00.000Z

Estupenda selección, realizada en Francia, de lo mejor de Astor Piazzola, uno de los músicos de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX, bandoneista y compositor argentino, que llevó el tango popular a una forma seria de arte, "música para escuchar y no para bailar" (como señalaba el maestro).
Nacido en Mar de Plata y criado en sus primeros años en Nueva York, Astor Piazzolla comenzó a estudiar el bandoneón de la mano de Bela Wilda, pianista húngaro discípulo de Sergéi Rachmaninov. En su juventud, regresó a Buenos Aires donde comenzó a trabajar como bandoneista y arreglista en la orquesta de Aníbal Troilo. Es en el mismo período cuando se dedica a la música de concierto y de cámara, componiendo diversidad de obras para orquesta sinfónica.
Funda, a mediados de siglo, dos bandas, The Buenos Aires Eightet y L'Orchestra di Corde, que revolucionan la música en Buenos Aires. Comienza a realizar innovaciones en el tango (en lo que respecta al ritmo, timbres y armonía), pero es muy criticado por los tangueros de la "Guardia Vieja". Piazzolla responde con una nueva definición: "Es música contemporánea de Buenos Aires". Es, en los años posteriores, cuando sería reivindicado por intelectuales y artistas de rock.
Su reconocimiento viene en 1974, cuando el jurado de la duodécima edición de "The Recording Critics Award" le concede, por unanimidad, el primer premio al mejor álbum instrumental "por la aptitud de las composiciones y por el poder increiblemente inventivo de dar al tango una nueva dimensión", siendo aclamado en L´Olympia en París en octubre de 1974.
Compositor de más de 300 piezas de tango, 50 bandas sonoras para películas y composiciones para teatro y ballet, la recopilación que aquí se presenta constituye una perfecta introducción a su obra, tanto como músico como compositor, e incluye piezas muy conocidas como "Libertango" y "Persecuta", además de "Close Your Eyes and Listen" (de su famosa sesión con Gerry Mulligan, Summit).

tracks list:

CD1
01. Libertango
02. Adios Nonino
03. Amelitango
04. Biyuya
05. Cite’tango
06. Escualo
07. Meditango
08. Novitango
09. Persecuta
10. Tristango
11. Violentango
12. Thriller
13. Tangueria 1
14. Tango Fever
15. Chador

CD2
01. Chat Et Fugue
02. Solitude
03. Milonga Tres
04. Le Voyage de Noces
05. La Maison de Monique
06. Jardin D’Afrique
07. Il Pleut Sur Santiago
08. Undertango
09. L’Amour
10. Movimiento Continuo
11. Escolaso
12. Chanson Pour Un Homme Triste
13. Baires Promenade
14. Seul Tout Seul
15. Close Your Eyes and Listen (con Guerry Mulligan)

The Rough Guide To Bellydance Café (2007)

2011-11-06T10:35:00.000Z

Encuentros, tarde en la noche, en terrazas de café, cachimbas, charla y olor a café son parte del distintivo sabor de la calle en Oriente Medio... tanto como el "shimmying", uno de los ritmos del fenómeno musical conocido como bellydance. Desde The Orchestra Of The Salatin El Tarab de Siria, Moktar Al Said de Egipto y Mohamed Iskander de Líbano, The Rough Guide to Bellydance Café ofrece una amplia panorámica de los sonidos más seductores de Oriente.

tracks list
01. Jalal Joubi Ensemble - Marmar Zamani (Siria)
02. Nazareth Orchestra featuring Lubna Salame - Al-Atlal (Israel)
03. Ensemble Hüseyin Türkmenler - Söleyin Yildizlar Sevegilim Nerde (Turquía)
04. Mohammed Ali Ensemble - Enta Omri (Egipto)
05. Sami Ali - Ashshimtini (Egipto)
06. Mokhtar Al Said - Tabla Solo (Egipto)
07. Selim Sesler - Gözyasi (Turquía)
08. Glykeria - Min Perimenis Pia (Grecia)
09. Salatin El Tarab Orchestra - Helm (Intro Taksim) (Siria)
10. Salatin El Tarab Orchestra - Tahtihou Dajha (Siria)
11. Salatin El Tarab Orchestra - Awazil Yabou Ziloof (Siria)
12. Mayodi - Habibi Ya Eini (Marruecos)
13. Upper Egypt Ensemble - Mazamir Holiday (Egipto)
14. Sami Nossair Orchestra - Mawwal Al Hawa (Egipto)
15. Sami Nossair Orchestra - Ala Nar (Egipto)
16. Giasemi (Yasmin) & Nikos Saragoudas - Tsahpinoula Moy (Grecia)
17. Mokhtar Al Said & El Ferka El Masaya - Souhair´s Tabla (Egipto)
18. Mohamed Iskander - La Tasalouni (Líbano)

Entradas relacionadas: Beginner´s Guide To Bellydance

Rachid Taha - Bonjour (2009)

2011-11-05T19:13:00.000Z

Rachid Taha lleva desde principios de los 80 haciendo música, primero con Carte de Séjour (Permiso de Residencia) y desde 1990 bajo su propio nombre. Su música siempre ha sido intensa, vigorosa y sus textos revulsivos. Sin embargo parece que en este disco se desmarca un poco y nos muestra la cara más pop de este "nuevo" Rachid Taha.
Si parecía que había transitado por todos los caminos posibles, raï, chaâbi, rock, electro, techno... de nuevo nos vuelve a sorprender y emprende nuevas sendas. De hecho, Gaëtan Roussel y Mark Plati (productor de David Bowie y The Cure, entre otros) son los nuevos realizadores de su trabajo Bonjour (2009). Si su magnífico anterior disco, Diwan 2, empezaba con un canto a la soledad, éste lo hace con una melódica dedicada al enamoramiento, "Je T’Aime Mon Amour". Lo cierto es que en las diez canciones de las que consta el disco, las flautas, el oud o las darbukas, dejan paso a las guitarras (muchas acústicas) y los teclados, y solo la maravillosa mandola de su fiel Hakim Hamadouche le da ese plus oriental característico del de Orán. "Sélu" (con palmas flamencas), "It´s An Arabian Song" (un bonito homenaje a los filósofos y escritores árabes, Camarón incluido) y la robusta "Mine Jaï", son los temas más intensos y que más recuerdan al Taha de toda la vida. Un disco de transición.

Sitio web oficial: Rachid Taha

tracks list
01. Je T´Aime Mon Amour
02. Mokh´tar
03. Ha Baby
04. Bonjour (en dúo con Gaëtan Roussel)
05. Mine Jaï
06. Mabrouk Aalik
07. Ila Liqa
08. It´s An Arabian Song (en dúo con Bruno Maman)
09. Sélu
10. Agi

Entradas relacionadas: Rachid Taha - Diwân, Diwân 2

Kiran Ahluwalia – Aam Zameen: Common Ground (2011)

2011-10-27T13:51:00.003+01:00

Quinto lanzamiento musical de Kiran Ahluwalia, Aam Zameem: Common Ground es un viaje a través de los sonidos. Escogiendo elementos de los ghazales punyabíes y de la música tradicional india y tuareg (gracias a los legendarios Tinariwen y Terakaft, que participan en el disco), Ahluwalia se ha encontrado con un estilo totalmente propio, mostrando una capacidad única de mezclar géneros, tonos y sonidos en su música.
Kiran, nacida en India y residente en Canadá, es cantante y compositora, famosa por sus interpretaciones de canciones populares punyabíes y su poesía en forma de gazal. No obstante, su música tiene mucho de fusión de melodías populares, música e instrumentos indios, con jazz e instrumentos occidentales (sobre todo, de la mano de su marido, el guitarrista de jazz Rez Abbasi) e incluso otra música tan diferente de la tradición india como el fado, o como la de Tinariwen, el gran grupo musical tuareg de Malí. En palabras de Ahluwalia: "Los ritmos (de la música de Tinariwen) son mucho más simples que los indios, y no obstante, son tan hipnóticos... En mi opinión, es una música minimalista. Tiene muchas menos notas que las que tiene la música india en una canción pero tiene las notas exactas necesarias". Precisamente con ellos colabora en su último disco Aam Zameen: Common Ground.
Aam Zameen, producido por Justin Adams y Rez Abbasi, tiene mucho de ambiente y meditación, fluyendo junto con la voz de Kiran y la música de fondo de Tinariwen y Terafakt, creando en la persona oyente un efecto casi de trance, aprovechado plenamente en el cuerpo de la música. En el disco se atreve también a utilizar letras escritas por poetas de ascendencia indostánica de la zona de Toronto y, sobre todo, sus propios poemas, dando un toque más electrónico que el que se puede apreciar en su anterior Wanderlust (2008). En general, su música pretende mezclar tradiciones musicales en torno a la música tradicional india y el eclecticismo es precisamente la esencia de su trabajo. Eso hace que cada pista de este nuevo album sea completamente diferente de la anterior y, sin embargo, tengan en común la cuidada voz de Kiran y la tradición india como marco.
Intenta, así mismo, recuperar el gazal y el concepto de la mushaira (reunión de poetas en la que cada uno recita su gazal, una composición en que cada "dístico" es independiente del resto del poema, con un valor más lírico que narrativo, y en cuyo último verso se introduce el pseudónimo o takhallus del autor).
En definitiva, un disco fantástico que sin duda hará las delicias de todas aquellas personas que buscan ampliar sus horizontes musicales.

Página web oficial: Kiran Ahluwalia

tracks list:
01. Mustt Mustt (feat. Tinariwen)
02. Rabba Ru (Intro)
03. Rabba Ru (feat. Terakaft)
04. Raqba
05. Yaar Naal
06. Saffar
07. Mustt Mustt Redux
08. Matadjem – Waris Shah
09. Zindagi
10. Lakeerai
11. Mustt Mustt (Extended)

Entradas relacionadas: Kiran Ahluwalia - Wanderlust

Uxía – Meu Canto (2011)

2011-10-21T09:48:00.001+01:00

Veinticinco años de carrera artística convierten a Uxía en una de las voces más populares y valoradas en lengua gallega. Sus canciones siguen teniendo la presencia latente de la música tradicional tratada de forma innovadora. Meu Canto, su nuevo trabajo, es un poético viaje, a través de Brasil y Portugal, al corazón del canto galego.
Uxía Senlle, Uxía, comenzó a cantar muy joven, atraída por las más diversas expresiones musicales populares y manifestando una fuerte inclinación por la poesía gallega, de cuya divulgación se ha encargado a través de sus composiciones. En 1986, con el album Foliada de Marzo, Uxía acabó por marcar el panorama de la música popular gallega al restaurar la tradición largarmente interrumpida del canto. Los músicos que la acompañaron en el estudio acabaron por convertirse, en 1987, en sus compañeros en el sendero de la música, cuando la invitaron a integrarse en el grupo Na Lúa. Pocos meses despues, el disco A estrela de Maio exhibía ya su hermosa y expresiva voz.
Su trayectoria en esta etapa, coincide con la del propio grupo Na Lúa, realizando numerosos conciertos dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1988, en Lisboa, sería grabado Ondas do Mar de Vigo (Premia do Critico Golego) y que constituye la última señal discográfica de su paso por Na Lúa. En 1991, Uxía abandona el grupo y publica su segundo album como solista, el cosmopólita Entre cidades.
El 6 de Marzo de 1994 forma parte del espectáculo "Mulleres a viva voz", junto a Amália Rodrígues y María del Mar Bonet, y también en la mustra luso-galega "Bailía das Frores, Os Sons da Fala", con presencia de artistas de Cabo Verde, Angola, Mozambique y Portugal y, posteriormente, fue la responsable del diseño y coordinación de un espectaculo de mujeres que reunió a cantantes de los más diversos estilos (Leilía, María Joao, Filipa Pais, María González, Minela, María del Mar Bonet y la propia Uxía).
En 1995 Uxía graba para Nubenegra su Estou vivindo no ceo. Un disco sereno e intimista, donde la voz más interesante de Galicia reivindica su condición de raiana (fronteriza) atravesando, cuantas veces considera, la línea administrativa que separa Galicía de Portugal. Julio Pereira, figura indiscutible de la música popular portuguesa, participa activamente en la gestación y desarrollo de la grabación. En 1997 Uxía se reune con María Salgado, Rasha (Sudán) y Xesús Pimentel (guitarrista) para editar La Sal de la Vida, un delicioso disco donde se festeja la posibilidad de reunir modos muy distintos de acercarse a la canción y celebrar el entendimiento mutuo y la complicidad de artistas e intérpretes como un canto vital a la diversidad.
En 2000, Uxía publica Danza das Areas, una propuesta musical compleja en la que participan más de 40 vocalistas, entre las y los que destacan Dulce Pontes, Xosé Manuel Budiño, María del Mar Bonet, Karen Matheson, Donald Shaw (Capercaillie), Michael McGoldrick, João Afonso, Susana Seivane y Quim Fariña. Eterno navegar, su quinto disco en solitario, no llega hasta 2008, en el que se rodea de artistas galegos, africanos y portugueses.

Y en 2011 llega Meu Canto, una relectura de los temas fundamentales del repertorio en directo de Uxía y temas que hasta ahora nunca había abordado. Una propuesta limpia de artificios en la que lo fundamental es su excepcional voz, una voz hermosa y serena que huye del virtuosismo exhibicionista y se hace transparente, para mostrarnos una artista madura, que hace tiempo que comprendió que no hay nada más sofisticado que lo esencial y que la voz es el único instrumento que nunca miente.
Meu Canto es un ejercicio de reflexión sobre el acto de cantar y las emociones que provoca, sobre la voz y la esencia, siguiendo la estela de una cultura que viaja y cambia el significado y la naturaleza de las fronteras. En esta ocasión su travesía nos lleva a Brasil, donde fue grabado este trabajo (en los estudios Biscoito Fino en Rio de Janeiro). Para Meu Canto Uxía ha seleccionado 15 canciones, muchas cantadas en portugués, que van desde los ritmos animados de "Alalás encadeados" a la popular canción de cuna "A Rianxeira', un homenaje a la Virgen de Guadalupe cuyo trasfondo es la emigración en barco del pueblo gallego a América, especialmente a México.
Producido por Jaime Alem (productor de Maria Bethânia), y contando con el talento y la complicidad del virtuoso multiinstrumentista Sérgio Tannus, el disco entronca, sin esfuerzos, estilos brasileños con su propia sensibilidad gallega. Canciones somo "Cantar e Sorrir", con un texto recitado por Carlos Blanco, establece la atmósfera. "Como la Cigarra", con toques de acordeón, evoca con suavidad a la gran cantora argentina Mercedes Sosa. La ternura de "Os teus ollos", dueto con el cantante brasileño Lenine, paraliza de emoción, al igual que su versión de "Menino de bairro negro", del portugués José Afonso. Meu Canto nos ofrece una serie de canciones que nos da a comprender lo que es cantar para aquellas y aquellos artistas que lo llevan en la sangre, en la vida, con la convicción de que un pueblo que cantó desde tiempos inmemorables no puede perder un instrumento tan fundamental como la propia voz. Algo muy cercano a un álbum perfecto.

Página web oficial: Uxía

tracks list
01. Verde gaio
02. A Rianxeira
03. Os teus ollos (con Lenine)
04. Daquelas que cantan
05. Alalás encadeados
06. Menino do bairro negro
07. Minha missão
08. Cantar e Sorrir
09. Rosa Namorada
10. Terra minha e sua (con Socorro Lira)
11. Ramo Verde
12. O Cuco a Cantar (con Fred Martins)
13. Como la Cigarra
14. Xente da festa
15. Alalá das Mariñas

Dawda Jobarteh – Northern Light Gambian Night (2011)

2011-10-17T22:25:00.002+01:00

Dawda Jobarteh presenta su primer disco en solitario, Northern Light Gambian Night, un disco delicado y bello en el que la kora es protagonista, junto con la guitarra, el bajo, alguna ocasional flauta y un sutil coro de voces femeninas.
Miembro de la gran dinastía familiar de la kora de Gambia (hijo de Amadou Bansang Jobarteh, nieto de Alhaji Bai Konteh, sobrino de Malamini Jobarteh y Dembo Konteh, y tío de Sona Jobarteh), para esta colección Dawda ha creado un sonido rico y original, ayudado por colaboradores internacionales como la del extraordinariamente versátil guitarrista danés Carlsen Preben y el bajista ghaniano Nana Osibio, junto con breves apariciones como la del antiguo flautista de John McLaughlin, Shashank Subrinayan, y Toumani Diabaté.

En Northern Light Gambian Night, "Karang Folo", tradicional, es algo así como "una primera lección de kora por la que se debe pasar cuando se comienza". "Nkanakele", una canción para sus hijos, expresa su preocupación acerca de las guerras y de la explotación, creando una atmósfera de ensueño meditativo. La kora mágica de Dawda es entrelazada, de forma perfecta, con la guitarra de Carlsen, revelando un profundo conocimiento de la afinación de instrumentos y melodías, junto con el subyacente bajo de Nana Osibio en la mayoría de las canciones, y las voces de Maria & Marie-Line Marolany (cantantes de la banda de Salif Keita). En la mayoría de los temas tienen similar carga las letras, como en "Nakano" (Mi Amor), donde denuncia el dolor causado por la poligamia, que no por eso deja de restar ni un ápice de dulzura al disco. Y de cierre, un excepcional dueto con el gran Toumani Diabaté grabado en Malí. Todo, producido por él mismo.

tracks list:
01. Namo
02. Tama Silo
03. Bamba Bojang
04. Sama Kebbalu
05. Karang Folo
06. Dinding Do
07. Tama Silo (acoustic)
08. Nkanakele
09. Nakano
10. Yankouba
11. Mbassi
12. Duwa
13. Tabara (with Toumani Diabaté)

Carolina Chocolate Drops – Heritage (2007)

2011-10-09T13:33:00.017+01:00

Armada con banjos, violines, guitarras, harmónicas, jarras, kazoos, cucharas y otros varios "instrumentos" de percusión, Carolina Chocolate Drops revisa la "old time music" de los años 20 y 30 del siglo XX con el ánimo de los más enérgicos hip-hop y la perspicacia de los pioneros de este folk, fieles a la tradición pero sin dejar de expresar sus inquietudes artísticas de forma particularísima.
Carolina Chocolate Drops se formaron después de que sus miembros iniciales Dom Flemons, Rhiannon Giddens y Justin Robinson coincidieran en el Black Banjo Gathering en Boone, Carolina del Norte, en 2005, siendo formados en el estilo del banjo de Piedmont y en su tradición musical (old time) bajo la tutela de Joe Thompson quien, a los 90 años, es una leyenda viva de la época dorada de las string band de Piedmont. Desde entonces, son de los pocos grupos afroamericanos especializados en la "old time music", género folk norteamericano con raíces en el folk irlandés, escocés, inglés y africano.
Los miembros de Carolina Chocolate Drops provienen de diversos orígenes musicales. Flemons es autodidacta en música tradicional norteamericana gracias a su prodigiosa colección de discos y a su inmenso conocimiento de los diferentes estilos del blues, country y las tradicionales string band. Giddens, además de su trabajo con Joe Thompson en su Piedmont natal, se formó en ópera en el Oberlin Conservatory, habiendo participado en una banda celta y sumergiéndose como bailarina antes de unirse al trío. Robinson, violinista del grupo, también toca el banjo, y se educó en una casa llena de artistas (su madre es cantante de ópera de formación clásica y cellista; su hermana, una pianista clásica, y su abuelo tocaba la armónica).
Después de su primer disco de estudio Dona Got a Ramblin’ Mind (2006), con Heritage (2008) siguen buceando en la tradición musical, en los estandars de la "old time music". Ragtime, blues y gospel se dan la mano en este projecto, la música mas profunda a base de un trio con mucha vitalidad y actitud.

Página web oficial: Carolina Chocolate Drops

tracks list:
01. Another Man Done Gone
02. Wayward Gal
03. Don't Get Trouble In Your Mind
04. Black Eye Blues
05. Georgie Buck
06. Earl King
07. Jack O'Diamonds
08. Short Life Of Trouble
09. Po' Lazarus
10. Rickett's Hornpipe
11. Cornbread And Butterbeans
12. Bye-Bye Policeman
13. Real Old Mountain Dew
14. Sittin' On Top Of The World
15. Banjo Dreams/Jaildong
16. Gambia

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Carolina Chocolate Drops – Genuine Negro Jig (2010)

2011-10-08T13:40:00.019+01:00

Genunine Negro Jig es el último trabajo de Carolina Chocolate Drops, un grueso de canciones tradicionales y propias interpretadas con absoluta precisión que nos transporta a la más pura tradición folk norteamericana.
Contando de nuevo con la producción de Joe Henry, en el disco el grupo es capaz de convertir en una maravilla un hit r&b olvidado, como demuestran en "Hit´em Up Style", utilizando un banjo, un violín y la pericia en el beat-boxing de uno de sus miembros. También se atreven con un tema de una personalidad tan grande como la de Tom Waits, "Tampled Rose", versión que no tiene nada que envidiar a la original. Magníficas interpretaciones de canciones tradicionales, como "Cornbread And Butterbeans" y "Troubled In Your Mind", y temas de composición propia componen el resto del disco. Un disco que posee un componente afroamericano que se estaba perdiendo (cuando, en realidad, fueron quienes fundaron sus bases) y que les ha valido el Grammy de 2010 en la categoría "Best Traditional Folk Album".

Página web oficial: Carolina Chocolate Drops

tracks list:
01. Peace Behind The Bridge
02. Troubled In Your Mind
03. Your Baby Ain´t Sweet Like Mine
04. Hit´em Up Style
05. Cornbread And Butterbeans
06. Snowden´s Jig (Genuine Negro Jig)
07. Why Don´t You Do Right?
08. Cindy Gal
09. Kissin´ And Cussin´
10. Sandy Boys
11. Reynadine
12. Trampled Rose

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Los de Abajo – Actitud Calle (2009)

2011-09-22T19:22:00.000+01:00

Los de Abajo es la banda, en la actualidad, más representativa del ska latino que fusionan con el rock, dance y la música de raíz con toque de hoy. Su fama llegó a través del sello discográfico de David Byrne, que sugirió que su música debería llamarsa "salsa punk".
Los de Abajo empezaron en 1992 con la idea de crear una mezcla de sonidos latinos con ska. El nombre del grupo no sólo se refiere a sus propias raíces, sino también a una novela clásica mexicana, escrita por Mariano Azuela, que cuenta la historia de los campesinos durante la Revolución Mexicana.
Formada inicialmente por Carlos Cuevas, Yocupitzio Arellano, Liber Terán y Vladimir Garnica, en 1993, la banda toca en escenarios del underground de Ciudad de México, descubren que están al margen del circuito oficial, y comienzan a tocar en actos políticos y en fiestas, ganando popularidad. Quien propulsó la banda a nivel internacional fue David Byrne con su sello Luaka Bop, que escucha unos "demos" que ésta envía a sus oficinas, viajando a Ciudad de México a conocerles y escuchar sus ensayos. Firman con la discográfica y producen su primer disco, Los de Abajo (1998).
Posteriormente, Luaka Bop les presenta a Macaco y les produce, bajo la Hermandad Chirusa (su sello) Cybertropic Chilango Power (2002), incursionando en nuevos sonidos (rumba, hip-hop , salsa, reggae, rock, funk, electrónica…) y contando con la participación de Amparanoïa. Este álbum gana uno de los "BBC Radio 3 Awards for World Music" en 2003.
Es en 2003 cuando lanzan su tercer disco, Latin Ska Force, producido independientemente por ellos para satisfacer al creciente mercado del ska, y en 2004 graban en directo Complete & Alive in L.A. y es distribuido en USA. Su quinto álbum, Los de Abajo vs. The Lunatics (2005), se convierte en representativo del sonido ska, es producido por Temple of Sound y masterizado en los estudios Real World de Peter Gabriel. Y en 2006, Los de Abajo no olvidan a su fiel audiencia de México y graban su sexto disco No Borrarán, año en el que se dedican a hacer una gira por todo México.

La trayectoria de este grupo viene marcada por el compromiso político y social de la banda desde sus orígenes. La crítica ácida y lúcida de la vida social, política y económica mexicanas se hace universal y muchos de sus textos podrían generalizarse a los demás países americanos y europeos. Sus textos rebeldes hablan de lo vivido en la calle y su música mezcla el pasado con el presente, lo urbano con lo rural, el asfalto con el campo.
Ahora están de vuelta, con nuevos miembros y con su último trabajo, Actitud Calle (producido por Sandy Hoover para Wrasse Records), con un sonido pulido, distintivo y enérgico aunque ya no tan experimental como en el pasado. No obstante, la banda (especializada en la variedad) cambia sin ningún problema entre estilos, desde el ska metálico y el hip-hop a estilos tradicionales mexicanos y la salsa: pasan de un "Fiesta" y "Actitud Calle" (con ritmos latinos) a atreverse con una sección de metal de sonidos balcánicos en "Nasdrovia", terminando con nu-jazz en "To Much Power". Sin perder un ápice de su mordaz crítica social.

Página web oficial: Los de Abajo

tracks list
01. Fiesta
02. Actitud Calle
03. Teresa
04. Sueño Americano
05. Amor que Mata
06. Atrapao
07. Que será
08. La Patriota
09. Ahí viene la rumba
10. Nasdrovia
11. Cabriolet Coctail
12. La Línea Divisoria
13. La Línea Divisoria (remix)
14. To Much Power (remix)

Asa – Asha (2007)

2011-09-21T20:31:00.002+01:00

Asha es el encantador disco debut de Asa (Bukola Elemide), cantante nigeriana que vive a caballo entre París y Lagos, digna heredera de la música afro-folk. El pulso de África se refleja en el ritmo de sus canciones, un disco lleno de soul, r&b, pop y funk cantado en inglés y yoruba.
La historia de Asa (que se pronuncia Asha) comienza en Lagos, Nigeria, una ciudad repleta de gente en las calles y con una energía arrolladora pero, a su vez, cargada de profundas raíces espirituales. Tribus islámicas mezcladas con la fe cristiana en un clima de tolerancia, la juventud imitando los patrones americanos y la turbulenta ciudad sumergiéndose sin descanso en un infernal pero, a la vez, armónico ballet de amor y odio, relax y violencia, pobreza y prosperidad. Como ella misma señala, "Lagos es el Nueva York de Nigeria. Si quieres llegar a algún sitio musicalmente, es el lugar donde hay que estar en Nigeria. Se encuentran las mejores oportunidades pero también las mayores decepciones". En el hogar paterno, Asa se encuentra con una extensa y ecléctica colección de clásicos del soul y de música tradicional de Nigeria. Así que Asa crece empapándose e inspirándose en los sonidos y mensajes de artistas como Marvin Gaye, Aretha Franklin, Bob Marley y los nigerianos Fela Kuti, Sunny Ade y Ebenezer Obey, que le sirven como piedra angular cuando más tarde comenzó a escribir sus propias canciones.
Es en su época de estudiante en París cuando realmente configura su estilo musical, sumergiéndose en las canciones de sus contemporáneas/os musicales -Erika Badu, D'Angelo, Raphael Saadiq, Lauryn Hill y Angélique Kidjo-. En 2004 conoció a su mánager, Janet, quien le presentó a Cobhams Emmanuel Asuquo, que acabó convirtiéndose en su compañero musical, y durante un tiempo toca con artistas como Nubians, Manu Dibango, Doctor L y Tony Allen. Posteriormente, Asa firma un contrato con el sello Naïve. En compañía de Cobhams, y con el nuevo apoyo de Christophe Dupouy, produce un magnífico disco de título homónimo.
En Asha, su disco debut (2007), Asa fusiona pop, r&b, world music, funk, soul y reggae en un álbum en el que canta en inglés y yoruba. Con una percusión impecable, un órgano Hammond y un bajo reggae, el álbum cuenta con dos pistas promocionales: "Jailer", una canción acerca de "la ironía de la opresión, la que opera en la vida cotidiana" y "Fire On The Mountain". Inspirada por su herencia musical, sus letras hablan de su país, de las cuestiones rutinarias de la vida y de su propia vida con sutil ironía. "Quiero que mi música conmueva a la gente. Como africana, quiero dar esperanza a mi gente, pero también gritar en su nombre. Quiero mostrar al mundo que algo bonito y positivo puede surgir del continente negro e inspirar a la gente joven en todo el mundo".

Página web oficial: Asa

tracks list:
01. Jailer
02. 360º
03. Bibanke
04. Subway
05. Fire on the mountain
06. Eye Adaba
07. No one knows
08. Awe
09. Peace
10. So beautiful

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Asa – Beautiful Imperfection (2010)

2011-09-21T20:29:00.002+01:00

En un momento de plena expansión y con una gran variedad de experiencias en su haber, Asa elabora su segundo disco, Beautiful Imperfection, en un tono absolutamente positivo y vital.
Tras el significativo éxito (sobre todo en Europa) de su anterior trabajo homónimo del año 2007 lleno de soul/pop acústico, nos volvemos a reencontrar con la voz suave y vaporosa de esta artista, que buscó consuelo a la dura realidad de su infancia en su imaginación e inteligencia confiando en alcanzar algún día sus sueños de estrellato musical.
Con una nueva imagen, reflejo de su propia evolución como persona, apuesta por un cambio en su sonido (más poppy) que le permita expresar su visión más íntima y optimista de la vida; tonos más alegres y felices aunque los problemas sociales sigan presentes en su discurso: "Mi primer trabajo reflejaba mi estado de ánimo por aquel entonces. Tenía mucho de qué hablar – temas políticos y sociales-. En esta ocasión me sentía diferente, quería crear algo que hiciese salir a la gente de este estado de ánimo pesimista que nos invade y tratar de animarles al máximo".
El disco se gestó en Lagos, donde la artista encontró su inspiración, así que el álbum es estrictamente sobre su lugar de procedencia; de hecho, vuelve a cantar en inglés y en yoruba, su idioma nativo. Sorprende con su primer single, "Be My Man", una pista a un buen ritmo que bucea directamente en las raíces del soul de los años sesenta. Otro tema representativo del disco es "Why Can´t We", adornado de pulsos de guitarra y bellas armonías, que transmite lo que es el espíritu del disco: el optimismo de lo sencillo, un disco más asequible para todos los públicos, despreocupado en apariencia pero sin dejar de tocar, de vez en cuando, la reivindicación. Acerca del título del disco, Asa comenta: "El mundo tiene infinitas imperfecciones, pero, de algún modo, eso es lo que lo convierte en algo tan bonito. Además, creo que sólo si aceptamos que es imperfecto, podremos intentar hacer de él un lugar mejor para todos". Los mejores temas, sin duda, los cantados en yoruba ("Bimpé", "Oré" y "Broda Olé").

Página web oficial: Asa

tracks list:
01. Why Can’t We
02. Maybe
03. Be My Man
04. Preacher Man
05. Bimpé
06. The Way I Feel
07. OK OK
08. Dreamer Girl
09. Oré
10. Baby Gone
11. Broda Olé
12. Questions

Entradas relacionadas: Asa - Asha

Terrakota – World Massala (2010)

2011-09-20T11:29:00.002+01:00

Frescura, diversión, excelente música y fusión con acertado criterio de músicas populares de los diversos lugares del planeta caracterizan World Massala, cuarto trabajo del grupo luso Terrakota. "Tudo na misma panela" es su grito de batalla, que bien resume su estilo y su carácter.
Solo con escucharlos una vez, la música de Terrakota atrapa y captura por su fuerza y su calor, su alegría y su ritmo, con una mezcla impresionante de sonoridades, lenguas y culturas de las más variadas y heterogéneas.
Terrakota es fusión sin ningún compromiso, "tudo misturado" como dicen, un viajar entre sonidos, ritmos y voces que no tienen fronteras pero sí una identidad y unas raíces bien fuertes. Y en este mismo sentido, una ciudad como Lisboa en donde raíces, orígenes y culturas se van cruzando y asimilando en cada momento, no podía ser el lugar mejor para el encuentro de estos músicos que, llegando desde distintos puntos del planeta (Portugal, África, Italia) terminaron juntándose y convirtiéndose en una de las realidades mas interesantes del panorama musical internacional.
Una música la de Terrakota que empieza su largo recorrido en la África de Angola, de Senegal, del Sahara, una música que crece bajo el sol jamaicano, que va recorriendo el Caribe, pasa por la India y finalmente llega hasta nuestros oídos resumida y enriquecida en una forma y en un estilo que son uno y todos al mismo tiempo.

Trece temas contiene su primer disco, Terrakota (2002), un disco alegre y vital que trae consigo la frescura y el entusiasmo de un grupo donde el juego de voces entre Romi y Junior y la increíble cantidad y variedad de percusiones, bien acompañadas eléctricamente por bajo y guitarra, nos hacen sentir y vivir un verdadero viaje en el tiempo y en el espacio.
Con el segundo disco, Húmus Sapiens (2004), Terrakota se acerca aun más a su querida Africa, marcando un paso importante tanto a nivel musical como emocional. Grabado en el estudio Xippi de Yossou N'Dour, en Dakar, cuenta con la participación de algunos músicos senegaleses y es, sin duda, un disco más maduro, muy diferente del primero y en donde aumentan las incursiones entre sonidos, ritmos y lugares del mundo. Y en Oba Train (2007), considerado su mejor disco, cuentan con las participaciones especiales de U-Roy (Jamaica), Conductor (Buraka Sound Sistema) e Ikonoklasta, del Conjunto Ngonguenha (Luanda).
Word Massala (2010) es el resultado de sus viajes por escenarios de todo el mundo. Romi Anauel y su gente han ido recogiendo sabores, colores y olores de aquí y de allá. Se abre con música del Rajasthan y ramificaciones rastas en "World Massala", que le da título, y se cierra con el tema titulado "Raíz", un canto a África. De nuevo, el continente negro está muy presente en el grupo luso a través de la música gnawa del norte, el afrobeat de Nigeria, el soukous (la rumba congoleña) o el mbalax de Senegal. Y, como sucede en ese plato de cocina india que aparece en el título, en sus trepidantes composiciones y en sus poéticas y comprometidas letras, se intuyen los múltiples elementos con los que se construye la base: raíces como identidad, memoria como conciencia.

tracks list:
01. World Massala (feat. Mahesh Vinayakram, Vasundhara Das & Rajasthan Roots)
02. Kay Kay (feat. Modou Mbaye)
03. Ilegal
04. I am
05. Slow Food
06. Né Djarabi (feat. Paulo Flores)
07. Pé na Tchon
08. Chelo Habibi (feat. Mahesh Vinayakram)
09. Gripe Económica (feat. Kumar)
10. Ualelepo
11. Raíz (feat. Paulo Flores)

Abida Parveen – Faiz by Abida (2002)

2011-09-20T09:44:00.000+01:00

Abida Parveen, cantante pakistaní, es una de las máximas exponentes de la música sufí (Sufiana Kalaam), principalmente gazales, canciones de amor Urdu y, su fuerte, Kafis, género de canto en solitario acompañado por armonio, tabla y dholak, con repertorio de canciones de poetas sufíes. Faiz by Abida es uno de sus discos magistrales.
Conocida por su voz rica y melodiosa, Parveen canta en urdu, sindhi, seraiki, Punjabi y persa, y junto con Nusrat Fateh Ali Khan, es considerada uno de las mejores vocalistas de Sufi de la era moderna, calificando a Muhammad Najeeb Sultan como su maestro espiritual en diversidad de canciones.
Faiz by Abida fue lanzado en la India y el extranjero en marzo de 2002 y, desde entonces, ha ido ganando en popularidad. La colección se compone de seis nazms, de los más conmovedores y humanistas del legendario poeta Faiz Ahmed.
Inspirado por la ideología comunista, la poesía de Faiz exhibe fuertes connotaciones políticas, no limitándose exclusivamente al contenido político sino abarcando temas como el amor y la belleza. Faiz era marxista, pero mucho más un humanista inmerso en la rica tradición del subcontinente y su literatura. En términos literarios, Faiz continuó la tradición clásica de Ghalib e Iqbal. Su grandeza reside en su capacidad de escribir sobre temas de actualidad y la tragedia humana. En la voz de Abida, su poesía emerge como una celebración de vida, un testimonio palpitante de belleza.

tracks list
01. Gul Huyi Jaati Hain
02. Hamne Sab Sher Mein
03. Woh Jiski Deed Mein
04. Yeh Jafaa-e-Gham Ka Chara
05. Nahin Nigah Mein Manzil
06. Shaam-e-Firaq

Syriana – The Road to Damascus (2010)

2011-09-08T18:32:00.001+01:00

En un lugar donde se superponen la imaginación y la realidad, Syriana evoca el paisaje sonoro de las ajetreadas calles de Damasco. Es más que una banda. Es un concepto, una actitud, una perspectiva. Un lugar donde temas como la tolerancia, la libertad y la esperanza vienen envueltos en ritmos árabes y reproducidos a través de un filtro occidental. Donde la interacción musical libre es un hecho -a pesar de las ironías de la realidad política-. Es un proyecto sin un instrumento dominante. En Syriana el total es realmente mayor que la suma de sus partes. Un encuentro entre sonoridades de Oriente y Occidente: el qanun, el dulcimer árabe, el contrabajo, la guitarra eléctrica (símbolo de la musica popular occidental desde Beirut a Texas), el oud, la viola, el acordeón, la percusión árabe y los violines, cortesía de la Pan Arab Strings of Damascus.
The Road to Damascus empieza a gestarse en Londres, cuando Nick "Dubulah" Page (guitarrista, bajista y productor greco-británico de Transglobal Underground y Temple of Sound) y el virtuoso sirio del qanun y compositor, Abdullah Chhadeh, comenzaron a trabajar en un proyecto de colaboración, proyecto al que pronto se unirían el cellista y compositor Bernard O´Neill, y artistas del rico crisol multicultural de Londres: el virtuoso percusionista egipcio Sherif Ibrahim, el acordeonista sirio Mazzin Abu Sayf, y el cantante jordano-palestino e intérprete de oud Nizar Issa.

Con el fin de obtener un ambiente auténtico para el álbum, Page, Chhadeh, O'Neill y el ingeniero de sonido Toby Mills grabaron en Damasco las cuerdas y la imponente voz de la soprano siria Lubana Al Quntar. La estancia en Damasco, la capital de Siria, dejó una marca indeleble. La más antigua de la ciudades habitadas del mundo, y la Capital Árabe de la Cultura en 2008, abruma a sus visitantes con el peso de su historia.
Syriana es, entonces, donde se superponen la imaginación y la realidad. Es el lugar donde se hacen las preguntas, se considera la evidencia y los estereotipos son demolidos. Oriente-Occidente, Occidente-Oriente, las fronteras caen en The Road to Damascus.

Más información: The Road to Damascus

tracks list:
01. The Road to Damascus
02. Syriana
03. Gharibb (Stranger)
04. Black Zil
05. Galatian Bridge at Dawn
06. Al Mazzeh
07. Al Araby
08. The Great Game
09. Jannat al Dunia
10. The Templehof File
11. A Ya Zain (Dedicated to Hamza Thompson)
12. Checkpoint Charlie
13. Love in a Time of Chaos

Rokia Traoré – Tchamantchè (2008)

2011-09-08T10:04:00.000+01:00

Tchamantchè es el último disco, hasta la fecha, de la cantante y compositora maliense Rokia Traoré, un disco más rock, más blues, pero sin desdibujar la herencia africana, basado en el sonido de la mítica guitarra "gretsch", adorada por las bandas de rockabilly de los años 50 y 60 del siglo XX y que George Harrison encumbró al Olimpo del rock. Un disco en el que las canciones suenan con la maravillosa afinación de un instrumento tradicional africano como un balafón o un ngoni. Y es esta fusión lo que le permite a la artista dar una dimensión universal a su música.
Nacida en la región de Belidougou, en Malí, cerca de la frontera con Mauritania, Rokia pertenece a la etnia Bambara. Hija de diplomático, su posición social privilegiada le permite residir, durante su infancia y juventud, en diversos países como Argelia, Arabia Saudí, Francia y Bélgica. Es en sus años de estudiante en Bruselas cuando comienza su carrera musical, aunque será a su regreso a Malí cuando encontrará la música que de verdad quiere hacer, contando entre sus maestros al gran Alí Farka Touré (al que conoce en 1997).
Es en 1997 cuando gana el premio "Découverte Afrique" de Radio Francia Internacional, lo que le proporciona la oportunidad de darse a conocer fuera de Mali. Su primer disco publicado internacionalmente, Mouneïssa (1998), y su segundo trabajo Wanita (2000), son recibidos con entusiasmo por la crítica especializada. Rokia compone una música que combina instrumentos tradicionales de la música popular de Malí como la kora y el balafón con estructuras y géneros musicales plenamente contemporáneos como el jazz, el blues o el pop.
En 2003 publica su tercer disco, Bowmboï, en el que colabora el cuarteto Kronos Quartet, con el que obtiene uno de los "BBC Radio 3 Awards For World Music". Su participación en el WOMAD y en otros festivales como el "Africa Live" contra la malaria la sitúan en la primera fila de artistas de Africa con proyección internacional como sus compatriotas Alí Farka Touré y Salif Keita, el camerunés Manu Dibango, el argelino Khaled, o el senegalés Youssou N’Dour.
Tchamantchè (2008) es producido por Phil Brown, experimentado productor y antiguo ingeniero de Island Records, donde Traoré canta con una madurez sobrecogedora, nueve temas que transitan entre la oscuridad y la sensualidad. Canciones llenas de emoción cantadas de forma intimista y desnuda en su idioma bambara con instrumentos occidentales y africanos, unidos ambos mundos bajo la sabia dirección de su fiel guitarrista Sibiri Koné. Un disco cuyas letras tienen un marcado carácter social y reivindicativo, atractivo tanto para amantes del blues como del rock, inclasificable.

Página web oficial: Rokia Traoré

tracks list:
01. Koronoko
02. Yorodjan
03. Dunia
04. Kounandi
05. Aimer
06. Tounka
07. Dianfa
08. Tchamantchè
09. Kolokani
10. A ou ni sou

Raghu Dixit – Raghu Dixit (2007)

2011-08-19T19:32:00.003+01:00

Raghu Dixit es uno de los músicos de India con más espectacular auge en los últimos tiempos. No sólo es un símbolo metropolitano de la escena musical alternativa de India, sino que empieza a ser estimado a nivel internacional. La música que hace The Raghu Dixit Project es una verdadera representación de la India de hoy. Étnica y de raíces pero, al mismo tiempo, global en su perspectiva. No es de extrañar que a Raghu se le haya denominado como la mejor exportación cultural de la India de los últimos tiempos.
Nacido en Karnataka, al sur de India, y establecido en Bangalore (Bengaluru), a pesar de su máster en Microbiología y de su aprendizaje de baile clásico hindú, Raghupathy Dixit es ahora conocido como guitarrista autodidacta, cantante, compositor y músico.
Raghu inició su carrera musical en la banda de culto india Antaragni y escribiendo partituras musicales en lengua kannada (su lengua materna) para películas, producciones teatrales y danza contemporánea, lo que le ha valido para lanzarle a la condición de estrellato en su país.
Su actual banda, denominada The Raghu Dixit Project, cuenta con la guitarra eléctrica y con el violín (muy lejos, musicalmente, de la tradición hindú o de la música de Bollywood). Su álbum, editado en 2008, ha sido descrito por la revista Songlines como "accesible, contagioso, exuberante, folk-rock…". De hecho, "Hey Bhagwan", el primer tema del disco, es un firme candidato para ser premiado por dicha revista en los premios anuales que convoca. Su voz ha sido comparada con la de Khaled, y la sensibilidad pop de sus canciones optimistas sugieren una equivalencia india de The Waterboys, unos "The Waterboys bangaloreanos".
Como señala Songlines, si se convocara una categoría de premios para el "músico de más deslumbrante sonrisa", entonces Raghu Dixit ganaría por mayoría. Afortunadamente la música Raghu es tan alegre como su sonrisa y, en un plazo asombrosamente corto de tiempo, se ha hecho un nombre por sí mismo.

Página web oficial: The Raghu Dixit Project

tracks list
01. Hey Bhagwan
02. Mysore Se Ayi
03. Gudugudiya Sedi Nodo
04. Ambar
05. Khidki
06. No Man Will Ever Love You, Like I Do
07. I´m in Mumbai Waiting for a Miracle
08. Sorutihudu Maniya Maligi

The Creole Choir of Cuba – Tande-La (2010)

2011-08-08T17:35:00.002+01:00

Cubanos descendientes de esclavos, que arribaron desde Haití hace más de doscientos años, conforman las y los diez integrantes del coro The Creole Choir of Cuba, creado en 1994. En sus cantos transmiten la historia de su criollización realizada desde las luchas contra la esclavitud y las dictaduras. La coral canta en creole, la lengua de un pueblo condenado al exilio en diversas ocasiones: primero, de África a Haití a través del comercio de esclavos; después, de Haití a Cuba reducidos una vez más a la esclavitud por sus amos franceses después de la revolución haitiana de 1790, y por último, parte de la inmigración llegada a Cuba en el siglo XX, escapando de la agitación política, la pobreza y la opresión del bárbaro régimen que impusiera Papa Doc Duvallier.
The Creole Choir of Cuba publica Tande-La (2010), un sensacional homenaje a sus ancestros haitianos. Procedentes de la ciudad y provincia azucarera de Camagüey, en el centro del país, estos cuatro hombres y seis mujeres surgieron del corazón de esta ciudad, la tercera del país, reconocida por la UNESCO por la arquitectura de su centro histórico, edificado por los colonos españoles en el siglo XVI.

El nombre original del Creole Choir, Desandann, significa literalmente "descendiente". Las canciones de su último álbum Tande-La (que se traduce como "escuchen") cuentan las historias de sus ancestros haitianos que fueron llevados a Cuba para trabajar en las plantaciones de azúcar y café. De melodías auténticas seguidas por ricas armonías y ritmos caribeños se compone el canto pasional de un grupo único que celebra sus raíces, la resistencia y los irresistibles ritmos de la vida.
A cargo de la directora coral Emilia Díaz Chávez, los cantos se ofrecen en creole, también segunda lengua de Cuba, este creole que los esclavos africanos modificaron a través de los siglos, mezclando los dialectos amerindios, el castellano, el inglés y el francés.
Son estos momentos, estas historias, estas vidas, este desarraigo que el Creole Choir of Cuba nos propone compartir aquí, con este homenaje vibrante a través de voces profundas, emocionantes y carismáticas. Voces únicamente acompañadas por sutiles percusiones que se ponen a disposición de un repertorio de canciones tradicionales haitianas, canciones más actuales, y canciones de inspiración cubana, son, guaguancó, cha cha chá… Unas polifonías y unas prestaciones escénicas aclamadas por el público y la prensa de los lugares en que se han presentado.

Página web oficial: The Creole Choir of Cuba

Coro:
Fidel Miranda: tenor
Dalio Vital: barítono
Marcelo Luis: bajo
Yordanka Fajardo: soprano
Yara Diaz: soprano
Emilia Diaz Chavez: contralto
Teresita Miranda: contralto
Marina Fernandes: contralto
Irian Montejo: contralto
Rogelio Torriente: percusiones

tracks list:
01. Edem Chanté
02. Se Lavi
03. Maroule
04. La Mal De Travay
05. Neg Anwo
06. Peze Café
07. L'Atibonite Oh
08. Tande
09. Lumane Casimir
10. Fey
11. Dulce Embelezo
12. Chen Nan Ren

Chambao – Endorfinas en la mente (2003)

2011-08-02T11:21:00.000+01:00

Hace diez años que apareció en la escena musical española, casi por sorpresa, Chambao, para unir sin prejuicios los sonidos cálidos del sur con la electrónica contemporánea. El tiempo le ha dado la razón a esa apuesta arriesgada, Chambao ha sido capaz de fundir con sentido artístico ciertas armonías y palos del flamenco con la música electrónica como nadie lo ha hecho, creando un estilo propio: el estilo Chambao.
Corría el verano de 2001 cuando Henrik Takkenberg coincidió en la barriada malagueña de Pedregalejo con "la Mari" (Mª del Mar Rodríguez), "el Edi" (Eduardo Casañ) y "el Dani" (Daniel Casañ). Edi y Dani, siendo primos, habían tocado música juntos desde siempre; Mari había sido introducida al flamenco por su madre, siendo su pasión y su arte. Se dieron cuenta de que compartían importantes intereses musicales, y empezaron a grabar canciones que hablan de la cultura playera, siempre manteniendo una base flamenca. Dieron casualmente con el nombre mientras montaban un "chambao" en la noche de San Juan, como es típico hacer. Según el dialecto andaluz, un "chambao" es una tienda de campaña improvisada para protegerse del sol y la brisa de la tarde en la playa.
Así que el nombre evoca la esencia del proyecto. Acoplando a estas raíces musicales flamencas un sonido contemporáneo surgió "el sonido Chambao", una fusión que extrae lo mejor del flamenco y lo mejor de la música ambient. Mari se encarga de las voces, con todo su acento andaluz y, sobre todo, su dulzura. Apoyándole en los coros está el resto de la banda, reflejando ideas poéticas y a la vez humildemente elegantes.
Flamenco Chill aparece en 2002, un doble recopilatorio que, además de llevar su nombre, les sirvió de trampolín para darse a conocer en gran parte del mundo. Cuenta con seis de sus composiciones, además de dos versiones de clásicos de la música andaluza como "Tu frialdad", de Triana, y "Como el agua", de Camarón de la Isla. En ese interesante CD aparecieron también temas de Vicente Amigo, Howie B., Denis Stern o Fundación Eivissa, entre otros.
En 2003 aparece su disco en solitario, Endorfinas en la mente, con el que obtuvieron el Premio Ondas a la mejor creación musical. En 2005, se publica un nuevo álbum, Pokito a poko, ya sin Dani. El disco, que obtiene un sonado éxito, sigue en la línea creada por Chambao, con sonidos cálidos y envolventes de lo que es un nuevo estilo musical, el flamenco-chill.

En 2006 Chambao publica Caminando 2001-2006, la integral de su obra (mas temas inéditos) que se edita en una edición especial con 2 CDs además de un DVD con su mejor concierto, "Chambao puro", grabado en directo en el Castillo de Sohail en Fuengirola (Málaga) con Bebe, Antonio Carmona y Miguel Campello (El Bicho) como artistas invitados. En el mismo año, la preciosa voz de la Mari llega a ser solicitada, ni más ni menos, por la propia Cesária Évora para cantar a dúo "Um Pincelada" en su delicioso disco Rogamar.
A finales de 2007 Chambao publica su nuevo álbum de estudio, titulado Con otro aire. Se trata de doce nuevas canciones (nueve compuestas por la Mari) que nacen con la vocación de traspasar fronteras. Con otro aire ofrece un sonido más fresco y étnico, con letras vitalistas y reivindicativas. Entre las colaboraciones que aparecen en el álbum, destacan dos de las grandes estrellas del flamenco, Estrella Morente y Enrique Morente y el grupo mexicano Camila. Y en 2009 Chambao edita En el fin del mundo, un concierto muy especial en la Patagonia frente al Parque Natural del glaciar Perito Moreno, considerado como la octava maravilla del mundo, un concierto de artistas para artistas, sin público, ante un impresionante escenario.
Endorfinas en la mente (2003) fue grabado entre los estudios Coín Records de Coín (Málaga) y Milán, contando con la producción de Bob Benozzo (que también ha participado en los siguientes proyectos). Chambao mezcla la esencia y el alma del flamenco con la técnica del chill out. Catorce temas del disco son composiciones propias, salvo una versión que hacen de "Volando Voy", el tema de Kiko Veneno inmortalizado en su día por Camarón. El primer single, "¡Ahí estás tú!", fue todo un éxito en España al convertirse en banda sonora de un spot publicitario de la Junta de Andalucía para el turismo.

tracks list:
01. Chambao
02. Lo verás
03. Desconocido
04. ¡Ahí estás tú!
05. Vida
06. Volando voy
07. Los muchachos de mi barrio
08. Mejor me quedo aquí
09. Una de tantas
10. As de corazones
11. Olvidarme de ti (bulería)
12. Instinto humano
13. Playas de Barbate
14. Verde mar (Fundación Eivissa Strings Remix)
15. Instinto humano (Chambao goest to The club. Dr. Kucho! Weekend Vocal)

Entradas relacionadas: Chambao - Pokito a poko

Chambao – Pokito a poko (2005)

2011-08-02T11:04:00.005+01:00

"Vivir el presente hacia el futuro, guardar el pasado en el arcón, trabajar por el cambio de conciencia, dibujar en el aire una canción". La letra de "Dibujo en el aire" define la intención de Chambao con su tercer disco: caminar hacia el futuro paso a paso y desarrollar una música personal y diferente.
Pokito a poko (2005) no defrauda porque mantiene y reafirma la propuesta musical del proyecto. Son once canciones en las que los ritmos flamencos vuelven a unirse con las programaciones y las secuencias manteniendo siempre un tono cálido, inequívocamente andaluz y sureño, con la guitarra flamenca planeando por todo el disco de manera sutil y abriendo un nuevo camino a una música enraizada y contemporánea al mismo tiempo.
El álbum fué producido, de nuevo, por Bob Benozzo y Eduardo Casañ, grabado en Punta Paloma (Cádiz) y masterizado en Milán. En edición limitada a las primeras 30.000 copias incluía un DVD con cinco video clips inéditos más making off en estudio y fotos.
Pokito a poko es un álbum inspirado, callejero y alejado de elitismos. Alegre y relajado al tiempo, está marcado por un sentido rítmico más vivo que en trabajos anteriores, sin olvidar esos ambientes relajados tan característicos de Chambao. Pokito a poko recoge la esencia de las bulerías, tangos y rumbas para crear un lenguaje nuevo en el que todo pasa por un filtro tan personal que nada es lo que parece. Hecho con una naturalidad apabullante, expresada con corazón caliente y no con frialdad tecnológica. Los sonidos orgánicos del sur ganan la partida a la técnica distante del ordenador y marcan el carácter del disco.
Se vislumbran las bulerías en canciones como "Mi primo Juan", "Como la luz" y "Chicuelo"; las sevillanas se apuntan en "Uleré" en una mezcla de tiempos flamencos con secuencias contemporáneas; la canción "Polito a poko" es una rumba que se sostiene con un groove marcado por las programaciones; "Camino interior" huele a tangos; en "Roé por la escalera" Chambao se inspira en esos estilos de ida y vuelta y viaja hasta Cuba; "Dibujo en el aire", un alegato a favor del cambio y de la evolución; "Sueño y muero" es una síntesis de bossa nova mezclada con tangos; "Como lo siento" cuenta con la colaboración de Miguel, cantante de El Bicho; "Te la creío tú" podría ser un ejemplo de pasodoble contemporáneo con olor a salitre...
Un disco redondo, fresco, innovador y tradicional, en la que las raíces de la música de Andalucía se entremezclan con sonidos para soñar. (Fuente: LaHiguera.net)

tracks list:
01. Mi primo Juan
02. Pokito a poko
03. Uleré
04. Camino interior
05. Roé por la escalera
06. Dibujo en el aire
07. Como la luz
08. Sueño y muero
09. Como lo siento
10. Chicuelo
11. Te la creío tú

Entradas relacionadas: Chambao - Endorfinas en la mente

Beginner´s Guide to Greece (2007)

2011-07-29T18:35:00.002+01:00

Beginner´s Guide To Greece, del sello británico Nascente, de Demon Music Group, presenta una selección actual de lo más representativo de una de las más antíguas, históricas y míticas naciones musicales. Una colección de 3 discos que lleva a cualquier oyente a viajar por la música griega en toda su variedad de estilos regionales, folklore y fusiones. Desde la antigua Creta y la música de la parte continental y de las islas, hasta los sonidos de la Grecia moderna, Beginner´s Guide To Greece es una completísima oportunidad de introducirnos y conocer el rico patrimonio musical de Grecia, su cultura y sus gentes.

tracks list:

Cecilia Gauna – Aliento (2010)

2011-07-29T01:27:00.002+01:00

Aliento es el segundo disco de la cantante y compositora argentina Cecilia Gauna, once canciones de su autoría con influencia de ritmos latinoamericanos que hablan de la búsqueda de la voz como símbolo de identidad individual y social.
Formada en el Conservatorio Provincial Juan José Castro (donde se graduó como Profesora Superior de Canto), como cantante lírica ha sido integrante del Coro Polifónico Nacional, el Grupo Música Ficta y el Coro Estable del Teatro Colón de Buenos Aires, actuando en diferentes teatros de Argentina y del exterior, y cantando zarzuela en el Teatro Avenida de Buenos Aires. Como cantante de música popular ha formado parte de diferentes agrupaciones de jazz, blues, rock y folklore, trabajando junto a grandes artistas de la escena musical argentina como Mercedes Sosa, Jairo, el virtuoso del bandoneón Néstor Marconi, y Ariel Ramírez, entre otros.
Non Stop (2006) fue su primer trabajo como compositora e intérprete. Bajo la dirección musical de Mariano Fernández, en Non Stop Cecilia musicaliza poemas de autoras latinoamericanas, siendo considerado el disco un valioso aporte a la difusión de la literatura latinoamericana por la Audiovideoteca de Buenos Aires y la Sociedad de Escritoras y Escritores de la Argentina.
Su nuevo disco, Aliento (de nuevo bajo la dirección musical de Mariano Fernández), nos permite disfrutar de un recorrido por canciones con un hermoso tratamiento musical, en boca de una cantante con excelente técnica y sentimiento, cargadas de contenido. Por ejemplo, "¿Dónde está la voz que canta?", extensible a las muchas mujeres que habitan en esta tierra ("Esta que calla, la más cuentera, esa que siembra lo que no riega", dice en "Nosotras"). También nos encontramos con dos canciones dedicadas a personajes memorables de los pueblos indígenas de Argentina: un homenaje a Lola Kiepja, última chamán y cantora selk´nam (ona) de Tierra del Fuego (cuyos cantos chamánicos fueron rescatados del olvido por la antropóloga Anne Chapman), y un bello aporte a la memoria de Hermógenes Cayo (artista andino cuya vida filmara Jorge Prelorán en 1969).
Aliento constituye un conmovedor y bello aporte a la memoria (como lo es el tema de la portada del disco, basado en las pinturas corporales que los selk´nam utilizaban en el Hain, una impresionante y riquísima ceremonia de iniciación). Como dice la propia Cecilia, "la palabra Aliento tiene varias interpretaciones: una de ellas es la del aire como elemento vital, que da origen al sonido y a la voz que nos identifica, valorando así nuestro ser único e irrepetible. Otro concepto de la palabra aliento es el que está ligado a la necesidad de sostener la esperanza frente a la violencia que a diario termina con la vida de miles de inocentes. La esperanza como sostén de la lucha en defensa de los oprimidos". (Fuente: Cecilia Gauna)

Página web oficial: Cecilia Gauna

tracks list:
01. ¿Dónde está la voz que canta?
02. Nosotras
03. Hombre de río
04. Mutaciones
05. Aliento
06. Hermógenes Cayo, el imaginero de la Puna
07. El secreto
08. Cuestión de piel
09. Lola, la última chamán selk´nam
10. Mi nombre
11. No saben

Koalas Desperados (2009)

2011-07-19T09:39:00.004+01:00

Koalas Desperados es el proyecto del productor Manar El-Abed y del productor y fundador de Rootdown Records Thilo "Teka" Jacks, treinta artistas musicales que producen bailables fusiones mezclando desde reggae y hip-hop hasta flamenco y fado, una "unión europea" (en el sentido más animado de la expresión) de koalas inmigrantes urbanos.
La historia es la siguiente. Manar El-Abed, crecido a caballo entre Siria y Alemania, vivía en Montpellier ejerciendo como DJ. Un día coincide con su viejo amigo Teka Jacks, de los viejos círculos del reggae y del punk de Frankfurt, y deciden colocar la primera piedra de una "casa europea" en la que no buscaban políticos, sino artistas con un creativo denominador común.
Teka se concentró, sobre todo, en la composición y producción. Manar se ocupó de la música. Tras la búsqueda de sonidos frescos y nuevos, recorrió diversas metrópolis europeas como Barcelona, donde se topó con dos grandes músicos: Macaco y Nubla. Poco tiempo después se reunieron con el DJ Ms Maiko de Gran Canaria y comenzaron la grabación como Koalas Desperados en "un lugar secreto dentro de la jungla urbana" (como se narra en "Legalize Eucalyptus", la introducción del disco), Hürth, un suburbio de Colonia, donde se fueron reuniendo las y los músicos procedentes de quince lugares del mundo.

Dani Carbonell, líder del grupo barcelonés Macaco, aportó a sus canciones un rápido y animadísimo número de baile de música con Jaqee (con raíces en Uganda y Suecia). El siguiente encantador dúo fue formado por la alemana-española Laura López Castro y Korbo, nacido en Burkina Faso pero crecido en Montpellier.
Además Nosliw, D-Flame y Maxim provienen de la escena del hip-hop y el reggae de Alemania; Chozpareï, de Francia (pero con delicioso perfume de la Europa del Este); de Argentina (con ascendencia peruana y paraguaya), Paco Mendoza; de Portugal, Bezegol y A Naifa; de USA, Akua Naru; de Cuba, L Habanero; Yannick Owona, de Zambia… Reggae y dub, dancehall, ska, reggaeton, hip hop, fado y sonidos latinoamericanos es el flujo de sonidos de Koalas.
Todas ellas y ellos aventureros artistas, que han entablado estrecho contacto gracias a Koalas. Un ejemplo de ello es el de la cantautora española-argentina Nubla, que habla en nombre de la gente que conforman el grupo, cuando dice que la música es sólo un vehículo para una convivencia tanto personal como artística. Un proyecto como éste se nutre de las diferencias de sus creadores que disfrutan compartiendo e intercambiando experiencias personales y culturales. Nubla espera que los Koalas tengan todavía una larga vida por delante y mucha diversión. Eso es lo que deseamos, seguir disfrutando de este delicioso viaje musical por la cultura del mestizaje.

Página web oficial: Koalas Desperados

tracks list:
01. Legalize Eucalyptus
02. Vengo (feat. Paco Mendoza, Akua Naru & Bezegol)
03. All Night Long (feat. Macaco, Jaqee & Bezegol)
04. Ele Fanan (feat. Korbo & Laura Lopez Castro)
05. Keep Marching (feat. Jaqee, Bezegol & Nubla)
06. Fado Chupao (feat. A Naifa & Laura Lopez Castro)
07. Tempu (feat. Bezegol & Korbo)
08. Me Voy (feat. Paco Mendoza, Ms Maiko, Nubla & DJ Tillo)
09. Emigrante (feat. L Habanero & D-Flame)
10. Willst Du Dabei Sein? (feat. Maxim, Jaqee & Chozpareï)
11. Awu (feat. Yannick Owona & Bezegol)
12. Security (feat. Jaqee & Nosliw)
13. Negro (feat. Foreign Beggars, L Habanero & DJ Tillo)
14. Lo Que Tienen (feat. Nubla, Ms Maiko, L Habanero & DJ Tillo)
15. Koalas All-Stars Outro

El Guincho – Alegranza (2007)

2011-07-14T18:45:00.002+01:00

Alegranza es el segundo álbum de El Guincho, que se ha convertido en un sorprendente fenómeno que ha encandilado tanto en España como en el mundo anglosajón. Primera edición de Discoteca Océano, el contenido de Alegranza se mueve por ritmos canarios, tropicales y africanos, y lo hace de la suave mano del pop y de una amable electrónica en un delicioso cocktail con ingredientes perfectamente medidos y escogidos.
Bajo El Guincho se esconde el nombre del músico canario Pablo Díaz-Reixa, batería de Coconot y componente de la banda Orquesta de la Muerte. Alegranza es su segundo trabajo en solitario, donde sigue usando los mismos recursos básicos que en el de su debut (Folías, 2007) pero todo más elaborado, un disco que invita al baile y que contagia con su vitalismo, de nuevo ingenuo pero en absoluto frívolo.
Para la gente que disfrutamos de sonidos tropicales y africanos, podrá ser un divertimento descubrir e identificar, de entre la enorme cantidad de recortes usados, algunas piezas familiares de canciones afrobeat y calypso (con una parte vocal que recuerda a Mano Negra), algún toque de sonido asiático y, cómo no, el propio folklore canario, al que Pablo homenajea en "Cuando Maravilla Fuí" y "Polca Mazurca".
En definitiva, un disco sorprendente y delicioso donde los haya, un soplo de aire fresco en la escena musical española que nos hace sentir que estamos disfrutando en las soleadas playas de alguna isla paradisiaca.

Página web oficial: El Guincho

tracks list:
01. Palmitos Park
02. Antillas
03. Fata Morgana
04. Kalise
05. Cuando Maravilla Fui
06. Buenos Matrimonios Ahí Fuera
07. Costa Paraíso
08. Prez Lagarto
09. Polca Mazurca

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El Guincho – Pop Negro (2010)

2011-07-14T18:43:00.001+01:00

Si Alegranza supuso mucho más que la confirmación de que El Guincho era un maestro del sampleo y el ritmo, Pop Negro (2010) se sale de ese aire artesano. Pablo Díaz-Reixa, todo un estudioso de las producciones, da salida a un universo de ideas que se salen de ese concepto artesanal y realiza un disco repleto de matices y de detalles, repasa esas raíces tropicales pero con aires muy ochenteros, con una producción recargada y cuidada y con un perfecto uso de los coros.
"Novias" y "Ghetto Fácil" son quizás los mejores ejemplos de ello. A pesar de ello, "Bombay" ha sido elegido como single de presentación, en el que quizás sea el tema con más continuidad del legado Alegranza. Hay mucha más presencia de instrumentos grabados en tiempo real (como la electrizante "Soca del Eclipse" o la tropical "Lycra Mistral"), y hasta cierta carga funky-ochentera con "FM Tan Sexy" (que pareciera un homenaje a Radio Futura).
Lo mejor de Pop Negro continúa estando en los sonidos más caribeños, en su adictiva rítmica y en su particular reinterpretación mestiza y globalizadora. Pop Negro (editado por Young Turks) no es un álbum para la gente amante de la world music más ortodoxa, sino que se trata de uno de esos trabajos que abre la perspectiva de aquellos y de aquellas que hasta ahora le daban la espalda a los sonidos tropicales. Y es también la puesta de largo de un artista que ha crecido con una loable dignidad y sabiduría. En su tercer larga duración, Pablo Díaz-Reixa ha perdido la espontaneidad del siempre favorito Alegranza para ganar en una fantástica madurez que evidencia que ser músico de verdad, ser inquieto y ser creativo no es algo que realmente esté al alcance de cualquiera.

Página web oficial: El Guincho

tracks list:
01. Bombay
02. Novias
03. Guetto Fácil
04. Soca del Eclipse
05. Lycra Mistral
06. Fm Tan Sexy
07. Muerte Midi
08. (Chica-Oh) Drims
09. Danza Invinto

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Music from the Coffee Lands (1997)

2011-07-06T20:04:00.000+01:00

Music from the Coffee Lands fue una de las primeras ediciones de Putumayo World Music, sello pionero en el afán de difundir la diversidad cultural del planeta Tierra. En esta primera edición, Putumayo nos regala canciones de intensidades y sabores variados como lo es el café de sus orígenes, un placentero viaje musical a través de Cuba, Kenia, Brasil, Uganda, México, Zimbabwe, Costa Rica, Hawai y Perú. Desde una cancioncilla ligera como el aire de Perú (Susana Baca) a los estilos más complejos de Colombia (Claudia Gómez), de la rumba congoleña de Ricardo Lemvo a la chimurenga de Thomas Mapfumo.
Music from the Coffe Lands es una travesía fascinante y deliciosa con un material bien seleccionado y documentado para su propósito (como acostumbra Putumayo, el libreto se presenta con preciosas ilustraciones de Nicola Heindl y con una reseña biográfica de cada una y de cada uno de los artistas seleccionados/as), una entretenida experiencia ideal para introducirse y disfrutar de las músicas y de las historias de estas preciosas tierras.

tracks list:
01. Julian Avalos (Perú) - Guajira Bonita
02. Claudia Gómez (Colombia) – Soltarlo
03. Samite (Uganda) – Wasuze Otya?
04. Susana Baca (Perú) – Maria Lando
05. Ernest Ranglin (Jamaica) – Below the Bassline
06. Raimundo Sodré (Brasil) – M´Ban Samba
07. Thomas Mapfumo (Zimbawe) – Hanzvadzi
08. Los Tradicionales de Carlos Puebla – Dilema
09. Café Tacuba (México) - Esa noche
10. James "Bla" Pahinui (Hawaii) - Gabby Kai
11. Ayub Ogada (Kenia) - Kothbiro
12. Juan Carlos Ureña (Costa Rica) – Este Son
13. Ricardo Lemvo & Makina Loca (Congo) – La Milonga de Ricardo en Cha-cha-chá

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Music from the Coffee Lands II (2001)

2011-07-06T20:02:00.005+01:00

Tras el éxito de la primera selección, Putumayo nos vuelve a deleitar con un segundo volumen de Music from The Coffee Lands, una sabrosa receta de melodías y ritmos a través de un nuevo viaje musical por las tierras del café de Etiopía, Brasil, Angola, República Dominicana, México, Venezuela, Indonesia, Colombia, Haití, Martinica y Congo.
De nuevo en el libreto se proporciona información detallada sobre las y los artistas, y una estupenda información sobre la historia del café y sus formas de prepararlo, incluyendo algunas recetas de mezclas de café exótico para acompañar a la audición. Melódica y refrescante, Music from the Coffee Lands II levanta el ánimo y renueva el espíritu.

tracks list:
01. Ceumar (Brasil) – Dindinha
02. Mario Rui Silva (Angola) – Nzaji
03. Geraldo Azevedo (Brasil) – Quem é Muito Querido a Mim
04. Titico y Los Caracoles del Amargue (República Dominicana) – El Atabal de Mi Negra
05. Correo Aéreo (México/Venezuela) – Fiesta Llanera
06. Sabah Habas Mustapha & The Jugala All Stars (Indonesia/Java) – Di Nagara Deungeun
07. Gigi (Etiopía) – Guramayle
08. José Luis Martínez Vesga (Colombia) – Bunde Tolimense
09. Emeline Michel (Haití) – Moso Manman
10. Kali (Martinica) – Monté La Riviè
11. Denis Tshibayi (Congo) – Nge Na Munu

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Anoushka Shankar – Rise (2005)

2011-07-04T20:03:00.002+01:00

Anoushka Shankar es una de las mas sobresalientes intérpretes femeninas del sitar. Después de años de investigar, junto con Ravi Shankar, en la fusión de la música tradicional de la India con diversos géneros, en 2005 edita Rise, resultado de su aventura como compositora por nuevos territorios sonoros acústicos y electrónicos.
Hermana de Norah Jones e hija del gran maestro Ravi Shankar (que ha hecho más que ningún otro músico por construir puentes entre la cultura musical hindú y la occidental), se educó a caballo entre Londres y Delhi. Desde los nueve años estudió con su padre, la música clásica india la enseñó directamente el maestro a su discípula, siendo estudiante también de piano clásico. Debuta a los trece años en un concierto homenaje en el 75 aniversario de su padre, y en 1997 toca con el mismo el Concerto No 1 para sitar y orquesta, con Zubin Mehta al frente de la London Symphony Orchestra, en la celebración del 50 aniversario del día de la Independencia en India. En 1998 recibe el premio de la British House of Commons Shield. En 1999 se une a Mstislav Rostropovich para estrenar una obra para violonchelo y sitar en el Evian Festival de Francia. En el año 2000 toca con Ravi Shankar en el histórico concierto en el Carnegie Hall con Yehudi Menuhin, y a partir de ese momento la crítica de todo el mundo ha reconocido su talento, la han denominado sucesora de la gran tradición de su padre, y ha sido destacada como "Woman of the Year" (junto con Kareena Kapoor, Ritu Beri, y Rhea Pillai) en el International Women's Day de 2003, por su labor musical y humanitaria.

Tras sus discos Anoushka (1998), Anourag (2000) y Live at Carnegie Hall (2001), en los que tocaba obras paternas, en Rise Anoushka sigue su propio camino (como en su momento lo hiciera el gran Ravi). Producido y compuesto por ella misma, junta a músicos de Oriente y Occidente con instrumentos acústicos y electrónicos de una manera exquisita, trabajo en el que aparece "Soleá", una aproximación al flamenco junto con el pianista sevillano Pedro Ricardo Miño. En Rise, Anoushka conjunta tradición y modernidad, cada tema sigue los parámetros de los raga, ordenándolos de forma secuencial, como si capturara los estados de ánimo de cada momento particular del día (comenzando en la mañana y deslizándose hacia el final de la noche) pero de una forma personalísima gracias a la producción y a la instrumentación.
También aparece en Rise una versión de Karsh Kale de "Naked", con el que editó Breathing Under Water en 2007 (en el que aparecen Sting, Ravi Shankar y Norah Jones, entre otras personalidades). En 2011 tiene prevista la publicación de su nuevo proyecto, Traveller, producido por Javier Limón.

Página web oficial: Anoushka Shankar

tracks list:
01. Prayer in Passing
02. Red Sun
03. Mahadeva
04. Naked
05. Soleá
06. Beloved
07. Sinister Grains
08. Voice Of The Moon
09. Ancient Love
10. Beloved (Thievery Corporation Remix)
11. Naked (Karsh Kale "Mirrors" Remix)

Bassekou Kouyate & Ngoni Ba – I Speak Fula (2009)

2011-07-04T12:14:00.000+01:00

Después de que su primer álbum Segu Blue fuera premiado en la categoría de Mejor Disco del Año en la edición de 2008 de los "BBC Radio 3 Awards for World Music", Bassekou Kouyate y su banda Ngoni Ba presentan I Speak Fula (2009), disco que recoge la increíble energía del directo de Bassekou y su Ngoni Ba, un paso más en la carrera de uno de los músicos de Malí más emocionantes e innovadores.
En I Speak Fula, la banda vuelve a incidir, de nuevo, sobre la base tímbrica (el ngoni) de la música tradicional de Malí pero con la paradoja de revolucionar la forma de tocar dicho instrumento. De hecho, se cuenta que en los años 80 del siglo pasado, un joven Bassekou Kouyate en un programa de televisión, junto a la legendaria Rail Band de Malí, se levantó con su ngoni y, adelantándose al frente del escenario, comenzó a tocarlo como si fuera un Jimi Hendrix africano, quedando el público atónito ante semejante provocación (hasta entonces la tradición marcaba que se debía tocar sentado).
La carrera como solista de Bassekou comenzó relativamente tarde, aunque el ngoni era tradición en sus ancestros (es nieto del reverenciado Jeli). Primero fue su padre, Yagara Damba, quien le enseñó. Más tarde, en Bamako, colaboró con Toumani Diabaté, con quien grabó hasta nueve discos. La primera vez que vino a Europa lo hizo con el mismo Toumani Diabaté y Habib Koité. Ha colaborado con Ketama (en Shongai 2), Taj Mahal, Dee Dee Bridgewater, Youssou N'Dour, Ali Farka Touré... Fue después de la desaparición del gran Ali Farka cuando formó la banda Ngoni Ba, animada por la productora Lucy Duran (que también ha producido sus dos discos). Primero fue un cuarteto y grabó su primer disco, Segu Blue (2007).

A partir de entonces no ha parado de tocar en festivales de world music por todo el mundo. Sus shows son auténticas celebraciones musicales y la energía que se desprende del escenario es muy parecida a la de un concierto de rock, además de saber transmitir esa alegría intrínseca de su música. Con el tiempo el cuarteto se ha transformado en septeto y junto a los cuatro ngonis diferentes le acompañan dos percusionistas y su esposa Amy Sacko a la voz (conocida como la Tina Turner de Malí). Además de conseguir que el ngoni sea conocido por el gran público, Bassekou sigue investigando en sus posibilidades, añadiéndole más cuerdas y probando nuevas formas de pulsarlas.
En I Speak Fula se rodea de los amigos de siempre: Toumani Diabaté (kora), Vieux Farka Touré (guitarra eléctrica), Kasse Mady Diabaté (vocal), Harouna Samaké (kamalengoni), Andra Kouyaté (coro), Zoumana Tereta (vocal y soku) y Baba Sissoko (dunun). En él captura toda la pasión por vivir que genera África con su música. Disco que ha sido distinguido por la revista fRoots como Álbum del año 2009. Un nuevo paso de uno de los más interesante e innovadores músicos de Malí, uno de los países con más genios de la música popular del mundo.

Página web oficial: Bassekou Kouyate

tracks list:
01. I Speak Fula
02. Jamana be diya (feat. Kasse Mady Diabaté, Toumani Diabaté)
03. Musow - for our women
04. Torin torin (feat. Harouna Samake)
05. Bambugu blues (feat. Andra Kouyaté, Vieux Farka Touré)
06. Amy (feat. Zoumana Tereta)
07. Saro (feat. Vieux Farka Touré)
08. Ladon
09. Tineni (feat. Toumani Diabaté)
10. Falani
11. Moustapha

Virgínia Rodrigues – Recomeço (2009)

2011-07-01T08:15:00.000+01:00

Virgínia Rodrigues, impresionante cantante de voz contralto, regresa cuatro años después de su último lanzamiento con Recomeço (2009), en el que grandes clásicos de Brasil ganan con una interpretación única y unos arreglos magistrales en el estilo de música de cámara en que se presentan.
Después de ganarse al gran público con Nós (2000) y Mares Profudos (2004), Virgínia resurge con un trabajo para la casa discográfica Biscoito Fino, acompañada únicamente por el piano de Cristóvão Bastos, que realiza unos arreglos musicales impecables. El repertorio, básicamente compuesto por canciones de amor, contiene temas de Chico Buarque, Vinícius de Moraes, Sueli Costa, Antonio Carlos Jobim, José Maria de Abreu y Dolores Duran, entre otras/os, que ganan nueva vida tanto con la originalidad de las interpretaciones de la cantante como con los singulares arreglos, que dotan de un aire de minimalismo a todo el disco.

Más información: Biscoito Fino

tracks list:
01. Todo o Sentimento
02. Alma
03. Canção de Amor
04. Eu te amo, amor
05. Beatriz
06. Triste Baía da Guanabara
07. Por toda a minha vida
08. Estrada Branca
09. A noite do meu bem
10. Porto de Araújo
11. Boa noite, amor

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Mamak Khadem – Jostojoo (2007)

2011-06-28T12:22:00.003+01:00

Mamak Khadem es una maravillosa cantante de formación clásica persa, perteneciente a esa nueva generación surgida de la diáspora iraní de los años 80 del siglo XX que difunde, a lo largo del mundo, su exquisita cultura originaria a través de nuevos talentos musicales que combinan tradición e innovación al mismo tiempo.
Irán le dotó a Khadem de raíces familiares y de raíces musicales. Su historia musical está vinculada con la historia política de su país. En su infancia, Mamak Khadem formó parte del Coro Infantil de la Radio y Televisión Nacional de Irán, emigrando a Estados Unidos siendo una adolescente. Después de la revolución iraní de 1979, su pasión por el canto y el aprendizaje de los estilos vocales persas creció, inspirándose en la década de 1980 en las obras de grandes maestros musicales y viajando regularmente a Irán para estudiar con destacados vocalistas y músicos, donde se entrena en la forma tradicional de canto conocida como Radif (que organiza las melodías en torno a diferentes espacios tonales llamados Dastgah). Una característica destacada de la ornamentación vocal clásica iraní es el temblor, un efecto de lamento conocido como Tahrir que Mamak realiza de forma extraordinaria.
También estudia canto clásico hindú en el Ali Akbar Khan College of Music del norte de California y canto de Europa del Este con el Los Angeles-based women’s choir Nevenka.
Años de exposición a la música clásica occidental y el jazz le impulsan a llevar a cabo las líneas vocales de la Radif en contextos no tradicionales para lograr una expresión vocal más personal. Encuentra el ambiente perfecto para estas exploraciones como vocalista principal de Axiom of Choice, que funda con Loga Ramin Torkian en 1990. El grupo de emigrantes iraníes incorpora a su repertorio ritmos y melodías de Oriente Medio, música clásica persa, música clásica occidental y efectos electrónicos logrando un sonido único y apasionante. Con Axiom of Choice edita tres discos en los siguientes diez años, Beyond Denial (1996), Niya Yesh (2000) y Unfolding (2002).
Su afán por difundir la cultura persa, su personalísima fusión de música vocal tradicional iraní con influencias occidentales, le ha llevado a participar en numerosísimos eventos y lugares de Estados Unidos (the Skirball Cultural Center, the Greek Theater, the Smithsonian Museum, Getty Center, the World Festival of Sacred Music - Los Angeles…). También ha sido invitada especial en diversos festivales a lo largo del mundo entre los que se incluyen the Voices of Women Festival y the Museum of Folk Instruments en Grecia, Irish World Academy of Music and Dance, y Germany's House of Culture. En 2010 inició su gira por Europa, actuando en Londres, Atenas, Gottenberg, Suecia y en el Women of the Orient Festival in Istanbul. Khadem también ha participado como cantante en numerosas bandas sonoras de cine y televisión, en el album Alif de Omar Faruk Tekbilek, con Jamshied Sharifi en A Prayer For The Soul Of Layla, y en el álbum Season of Souls de Tulku.

Su carrera en solitario comienza con la publicación, en 2007 (en Banyan Tree Production), de su primer disco, Jostojoo (Forever Seeking). Inspirado en sus viajes por Oriente Medio, Khadem adapta la poesía persa de autores clásicos y contemporáneos, como Rumi, Baba Taher, Amir Fatahi, Hazard Ali y Siros Jamali, para reorganizar en torno a ellas melodías tradicionales de diferentes regiones de Irán, Beluchistán, Armenia, Turquía, Grecia y Kurdistán. "Lalaii" es un tema con letra de Ahmad Shamloo y música del compositor armenio Parseg Ganachyan escrito durante el régimen del Shah pero de plena vigencia actual, al denunciar la opresión que sufre la oposición a los regímenes totalitarios.
Producido por Jamshied Sharifi (que también aporta teclados y acordeón, y arreglos que respetan el rico origen de las melodías), Jostojoo cuenta con la participación de artistas de Irán y de Oriente Medio, incluyendo al maestro Omar Faruk Tekbilek (voces, darbuka y baglama), el clarinetista Ole Mathisen y el multipercusionista Benjamin Wittman. Jostojoo traspasa fronteras y nos invita a disfrutar de los sonidos de la región con la poesía de trasfondo como un todo, música contemplativa, exquisita visión de futuro de la música persa.

Página web oficial: Mamak Khadem

tracks list:
01. Baz Amadam (the Return)
02. Gelayeh (Plaintive)
03. Heydar
04. Bisotoon
05. Jostojoov(Forever Seeking)
06. Varan Rain
07. Lalaii (Lullaby For the Awakening)
08. Avareh (Homewrecked)
09. Mandeh (Weary)
10. Lachrymosa
11. Bigharâr (Restless Yearning)

Entradas relacionadas: Mamak Khadem - A Window To Color

Mamak Khadem - A Window To Color (2011)

2011-06-28T11:54:00.002+01:00

Mamak Khadem sigue buscando retos en su odisea musical. Su próximo disco, A Window To Color, se basa en las palabras del poeta místico sufí y pintor, de origen iraní, Sohrab Sepehri (1928 -1980), que incorpora ideas budistas en sus escritos pérsicos. Una ventana de color a la felicidad que presenta en su actual gira por Europa y Estados Unidos, donde se reflexiona sobre el mensaje de paz y entendimiento que se expresa, a través de lo sagrado, en el canon de la cultura persa.
Al igual que Sepehri, Khadem presenta en A Window To Color la intersección entre las tradiciones del Este y del Oeste. Con la colaboración de intérpretes tradicionales de Irán y destacados artistas occidentales, Mamak pretende transmitir un mensaje de contemplación y celebración de la naturaleza y el medio ambiente. Producido por Hamid Saeidi (que también interpreta el santur), vuelve a contar con la colaboración de Jamshied Sharifi, que también aporta exquisitos arreglos en los teclados, y con el clarinetista Ole Mathisen. El resultado: un tapiz tejido sin costuras en torno al tema del amor. Extraordinario.

Página web oficial: Mamak Khadem

tracks list:
01. Shakpooy part 1
02. Shakpooy part 2
03. By The Water's Edge
04. Invocation
05. Rapture
06. From Green To Green
07. Water
08. A Call To Beginning

Entradas relacionadas: Mamak Khadem - Jostojoo

Jack De Johnette & Foday Musa Suso - Music from the Hearts of the Masters (2006)

2011-06-23T18:32:00.000+01:00

From the Hearts of the Masters es el encuentro entre dos maestros indiscutibles de sus instrumentos, Foday Musa Suso (innovador y maestro griot de la kora), y Jack De Johnette, uno de los mejores bateristas actuales, creando un juego sublime y una experiencia emocionante para los oidos gracias al inspirado diálogo improvisado entre batería y kora.
Como director, compositor y baterista, Jack De Johnette ha colaborado con algunos de los músicos más reconocidos e innovadores de nuestro tiempo, incluyendo a artistas de la talla de Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Carlos Santana, Keith Jarrett, Herbie Hancock y Path Metheny.
Considerado como uno de los más grandes bateristas de jazz, De Johnette, originalmente influenciado por maestros como Miles Davis y John Coltrane, ha buceado en fuentes que van más allá del jazz. Artista inquieto, nunca dispuesto a quedarse establecido en una línea como para ser etiquetado, hace más de treinta años que describe su trabajo como "música multi-direccional".
Foday Musa Suso es un músico reconocido internacionalmente y griot mandingo (músico/historiador oral del pueblo mandinga), nacido en Gambia. Suso creció en una sociedad donde los griots funcionan como "bibliotecas andantes", cantando sus relatos para la comunidad a la vez que proporcionan historia, sabiduría y entretenimiento.
Además de su virtuosismo con la kora y el canto, Suso también es percusionista y compositor. Despues de años de riguroso estudio en su tierra natal, se estableció en Chicago en la década de 1970. Desde entonces ha actuado en toda África, Asia, Europa y América del Norte. Interesado en los lenguajes tradicionales e innovadores, Suso ha viajado y grabado con diversidad de destacados músicos, incluyendo a Herbie Hancock, Philip Glass, Pharoah Sanders, Ginger Baker y Medeski, Martin and Wood. Suso es considerado un pionero musical, dando una nueva dimensión al aspecto tradicional y espiritual de la kora con el uso de nuevas tecnologías.
El primer encuentro entre De Johnette y Suso fué tras las bambalinas de un concierto de Philip Glass en el Festival Hall de Londres, donde decidieron trabajar juntos, llegando Suso a New York en enero de 2002. Como señala De Johnette, "hubo una química inmediata". El dúo pasó cuatro días en el estudio, incluyendo dos días de ensayos y pruebas. En estas sesiones cortas pero intensas se creó From the Hearts of the Masters, siendo la primera edición (en 2006) del nuevo sello discográfico de Jack De Johnette, Golden Beams. En propias palabras de Suso, "todo lo que tocamos juntos es como si lo hubieramos estado haciendo durante treinta años o más... a cualquier canción que interpreto Jack le proporciona ritmos que funcionan como magia".
From the Hearts of the Masters contiene sonidos profundos e hipnóticos pasajes de inspirada improvisación a través del diálogo de los instrumentos. Una vez que las melodías se establecen, los artistas se elevan por encima de ellas, proporcionando una dimensión totalmente distinta este emparejamiento no convencional de kora y batería, trascendiendo a las etiquetas. Dos maestros que crean un juego sublime, la batería de De Johnette como complemento perfecto de la virtuosa interpretación de Suso con la kora.

Página web oficial: Jack De Johnette, Foday Musa Suso

tracks list:
01. ocean wave
02. ancient techno
03. rose garden
04. worldwide funk
05. kaira
06. mountain love dance
07. party
08. voice of the kudrus
09. sunjatta keita

Lionel Loueke – Mwaliko (2010)

2011-06-18T09:42:00.001+01:00

Mwaliko ("Invitación" traducido del swahili), es el último trabajo de Lionel Loueke, cantante y guitarrista originario de la pequeña nación de Benín, que ha disfrutado de un ascenso meteórico en su carrera musical de los últimos años gracias a sus exquisitas propuestas de fusión jazzistica, en las que culminan búsquedas e incursiones en diferentes culturas musicales que sólo alguien como él podría elaborar.
Lionel Loueke comenzó su formación con la música afrobeat que escuchaba de la banda de su hermano, y empapándose de la música tradicional africana de Benín, así como de la de Nigeria, Congo, Zaire, Malí y Senegal. Asiste al Instituto Nacional de Arte de Costa de Marfil, y en 1994 al "American School of Modern Music" de París; más tarde, se gradúa en "Berklee College of Music" de Boston (USA) y estudia en el "Thelonious Monk Institute of Jazz" en Los Ángeles, donde conoce y comienza a tocar con sus tres grandes mentores: el pianista Herbie Hancock, el saxofonista Wayne Shorter y el trompetistaTerence Blanchard. Con el sexteto de Terence Blanchard graba dos discos (Flow es nominado a los Grammy de 2005) siendo, posteriormente, un destacado miembro del cuarteto de Herbie Hancock y participando en la grabación de River: The Joni Letters (2007), que gana los Album of the Year y Best Contemporary Jazz Album de los premios Grammy de 2008.
In a trance (2005) y Virgin Forest (2007) son sus dos primeros trabajos en solitario para sellos independientes, donde empieza a fusionar las técnicas del jazz con sus raíces. Su primer trabajo discográfico con Blue Note Karibu (2008) lo catapultó como una de las nuevas estrellas del panorama jazzístico internacional y The New York Times encomió su voz sorprendentemente original.

En 2010 edita Mwaliko, que recientemente ha presentado en España con los miembros de su banda Massimo Biolcati (contrabajo) y Ferenc Nemeth (batería). Makossa (música popular camerunesa), folk beninés, baladas y chunky, armonías inspiradas en su lengua nativa y standards, todo ello mezclado e interpretado en clave de jazz moderno con altas dosis de swing compone Mwaliko, que contiene dúos con Angélique Kidjo, Esperanza Spalding, Richard Bona y Marcus Gilmore.

Página web oficial: Lionel Loueke

tracks list:
01. Ami O
02. Griot
03. Twins
04. Wishes
05. Flying
06. Intro to L.L.
07. L.L.
08. Nefertiti
09. Vi Ma Yon
10. Shazoo
11. Dangbe
12. Hide Life

Eva Cortés – Back 2 The Source (2011)

2011-06-14T12:12:00.000+01:00

Eva Cortés es una de las voces más prodigiosas y prometedoras del panorama jazzístico español. Back 2 The Source es su disco más estrictamente jazzero y, posiblemente, el mejor hasta la fecha después de sus dos trabajos anteriores, Como agua entre los dedos (2008) y El mar de mi vida (2010).
Back 2 The Source es la mirada personal de Eva Cortés a lo que ella considera el pilar de su influencia musical, el jazz. Escoge temas standards populares (Henri Mancini, Cole Porter o Rogers & Hammerstein II) y construye sus propios solos vocales, con una nítida influencia del jazz femenino de los cuarenta y levísimas notas flamencas arropadas por la guitarra española. De hecho, en su música siempre hay una relación directa con el jazz, "fundido" con elementos tanto de la música tradicional latinoamericana como andaluza y es que, habiendo nacido en Honduras, creció en Sevilla y, en la actualidad, reside entre París y Madrid.
Interpretado en castellano, inglés y francés, sorprende por sus impecables arreglos (las versiones en castellano son del desaparecido Augusto Algueró), la sólida base instrumental conseguida a base de muy buenos músicos (Pepe Rivero al piano, Toño Miguel al contrabajo, batería de Marc Miralta y Georvis Pico, y guitarras de Javier Limón y Mark Whitfield) y la cuidada producción (grabado en Casa Limón), que hacen de Back 2 The Source un disco elegante, medido y exquisito.
Sin duda, este es el álbum que afianza a Eva Cortés como una de las figuras más solidas del panorama del jazz vocal español.

Página web oficial: Eva Cortés

tracks list:
01. you go to my head
02. los dias de vino y rosas (the days of wine and roses)
03. tight
04. if i were a bell
05. moon river
06. embrujo (bewitched, bothered and bewildered)
07. mood indigo
08. dentro de mí (i've got you under my skin)
09. body and soul
10. llévame a la luna (fly me to the moon)
11. sous le ciel de paris
12. my favourite things
13. in a sentimental mood
14. el rio de la luna (moon river) (bonus track)

Eyuphuro - Mama Mosambiki (1986, 1990)

2011-06-13T13:05:00.002+01:00

Fundado en 1981 por Omar Issa, Remane Gimo y la vocalista Zena Bacar, Eyuphuro ("torbellino" en lengua macua) es uno de los grupos más aclamados de Mozambique, en su afán por preservar los ritmos tradicionales de su Ilha de Moçambique. Su música refleja, precisamente, su sincretismo cultural (influencias africanas, árabes y portuguesas), ofreciendo una rica mezcla de ritmos de la provincia de Mampula (toba, namahandga, masepua, djarimane, morro y chakacha) que narran la forma tradicional de vida de la isla junto con canciones de amor y crítica social.
En 1989, Eyuphuro se embarcó en su primera gira europea, convirtiéndose en todo un éxito en el circuito de festivales europeos. Sus impresionantes actuaciones en el festival WOMAD les llevaron a que Real World lanzará su Mama Mosambiki en 1990, convirtiéndose en el primer grupo de Mozambique en hacer un lanzamiento internacional, llevando a su cantante Zena Bacar a ser reconocida como "la voz de oro de Mozambique", y a Eyuphuro ser considerado como patrimonio cultural del país.

tracks list:
01. Samukhela (The Nostalgic Man)
02. Mwanuni (The Bird)
03. Akatswela (Love Is So Bewildering)
04. We Awaka (You Are Mine)
05. Kihiyeny (Leave Me Alone)
06. Nifungo (The Key of the House)
07. Oh Mama (Oh Mother!)
08. Nuno Maalani (A Single Mother of a Single Mother)

Entradas relacionadas: Eyuphuro - Yellela

Eyuphuro – Yellela (2001)

2011-06-13T13:04:00.002+01:00

En 1998, Eyuphuro comienza una nueva etapa liderada por Zena Bacar (después de que dos de sus líderes abandonaran el grupo por motivos familiares), lanzando Yellela en 2001 con canciones de Issufo Manuel y de la propia Zena Bacar, bajo la producción de Roland Hohberg y el sello World Music Network.
Yellela cuenta, además, con las percusiones de Mussa Abdala, Belarmino Rita Godeiros y Jorge Cossa, el bajo de Firmino Luis Hunguana y la guitarra de Mahamudo Selimane, además de contar con la participación especial de Mariamo Mussa Hohberg (voces), Orlando da Conceicao al saxofón y Benedito Mazbuko en los teclados.

De nuevo, en Yellela se escuchan canciones sobre el amor perdido, la dura vida de las mujeres africanas y las inquietudes de la política en África. Yellela es un disco lleno de letras melancólicas pero con estupendas armonías musicales y ritmos que transmiten esperanza, que reflejan un Mozambique como punto de encuentro entre África, el islam y las culturas europeas e iberoamericanas.

tracks list:
01. Ohawha / Suffering
02. Othiawene / My Faraway Love
03. Muanadjulu / Nightbird
04. Yellela / This Is It
05. Ethuila Exeni / What´s happening?
06. Orera Kurrera / False Vanity
07. Masikini / Poverty
08. Ohiyu / At Night
09. Africa
10. Ayaka / My Husband

Entradas relacionadas: Eyuphuro - Mama Mosambiki

Bau – Café Musique (2010)

2011-06-07T20:10:00.002+01:00

Conocido inicialmente como director de la orquesta de Cesária Évora (entre 1995 y 1998), Bau ha demostrado con creces, a lo largo de su carrera musical, ser uno de los artistas con más talento de la rica escena musical de Cabo Verde. Café Musique (2010) es una preciosa recopilación de sus seis discos en solitario y una edición ampliada de Cape Verdean Melancholy (2002), su primera selección de éxitos.
Rufino Almeida, Bau, es compositor e intérprete del violín, la guitarra y el cavaquinho (pariente de la guitarra y el timple), instrumentos que él mismo fabrica y labor que aprendió de su padre, un fabricante de instrumentos de cuerda en Mindelo.
La compilación Café Musique reune 18 de sus mejores temas instrumentales de sus seis álbumnes como solista, selección que nos permite disfrutar de su virtuosismo instrumental y de su instintiva sensibilidad autodidacta: Tôp d´Coroa (1993), Jailza (1995), Inspiração (1998), Blimundo (2000), Silencio (2004), e Ilha Azul (2005), todos disponibles en Lusafrica. Señalar que muchas de sus piezas han sido utilizadas por la gran bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, y el tema "Raquel" forma parte de la banda sonora de la película de Pedro Almodóvar "Hable con ella".

tracks list:
01. Mazurka
02. Bau
03. Situações Triangulares
04. Blimundo
05. Som di Nha Esperança
06. Raquel
07. Toy
08. Pescador
09. Céu Azul
10. Ronco di Mar
11. Top D'coroa
12. Estronhe e Criolo
13. Cucli
14. Nhe Peadade
15. Morena
16. Café Musique
17. Ilha Azul
18. Jailza

Ravid Kahalani - Yemen Blues (2011)

2011-06-06T19:29:00.000+01:00

Yemen Blues es un fascinante proyecto de Ravid Kahalani, un punto de encuentro entre las melodías tradicionales de sus orígenes yemenitas con aromas del jazz, funk y blues y con la música de África Occidental que, junto con modernas composiciones y arreglos, configuran una impresionante y asombrosa experiencia musical.
Yemen Blues fue fundado por Ravid Kahalani, un cantante israelí con mucho talento que creció en el seno de una familia tradicional yemenita. Aprendió el lenguaje y los cantos tradicionales de sus orígenes e incorporó sus experiencias en los géneros del blues y el soul de África Occidental desde el desierto del Sahara hasta los cantos de la ópera clásica y el blues afroamericano.
Ravid junto con Omer Avital, prestigioso bajista y compositor, dieron forma a Yemen Blues, un grupo de excelentes músicos de Nueva York, Israel y Uruguay.
Los conciertos de Yemen Blues son una celebración de ritmos africanos, de cantos yemenitas, una experiencia musical nueva con sonidos innovadores llenos de profundas emociones y mensaje.

Más información: El espíritu del Sur

Página web oficial: Yemen Blues

Personal:
Avi Lebovich (Israel) - Trombone
Itamar Borochov (New York) – Trumpet
Rony Iwryn (Israel/Uruguay) – Latin Percusion
Itamar Doari (Israel) – Mid East Percusion
Hilla Epstein (Israel) - Cello
Galia Hai (Israel) - Viola
Hadar Noiberg (New York) - Flute
Omer Avital (New York) – Oud, Bass, Vocals
Ravid Kahalani (Israel) – Vocals, Percusion

tracks list:
01. Wamid
02. Eli
03. Um Min Al Yaman
04. Yemen Blues
05. Jat Mahibathi
06. Trape La Verite
07. Min Kalbi
08. Yoducha
09. Baraca
10. At Va´ani (bonus track)

Agnes Obel – Philharmonics (2010)

2011-06-02T20:17:00.003+01:00

Philharmonics es el título del primer álbum de la pianista y compositora danesa Agnes Obel. Composiciones lentas, sombrías, e incluso lúgubres en ocasiones, pero dotadas de un sentido singular de la belleza, austeras y delicadas, construidas perfectamente en torno al piano y la voz, que hacen de este trabajo un disco excepcional.
Realizado bajo la licencia de PIAS Recordings, Philharmonics es, prácticamente, un trabajo artesanal, compuesto, interpretado y producido por la propia Agnes Obel entre 2004 y 2010 en Dinamarca, Noruega, Alemania y otros países europeos.
Philharmonics es como una instantánea autobiográfica, una mirada de una vida sencilla con doce piezas en el conjunto, efímera, frágil y carente de cualquier tipo de artificio o decoración innecesaria. La intensidad que evocan las interpretaciones es sorprendente; voz y piano (ocasionalmente acompañados de alguna instrumentación sutil –como el cello o la guitarra-) en un esfuerzo sostenido de excluir cualquier elemento que pueda perturbar la tranquilidad sonora que se evoca. Ejemplo de ello es el tema de igual título "Philharmonics", un arreglo a modo de vals bendecido con unas armonías vocales encantadoramente límpias. O "Beast", un suave himno con un fascinante juego de piano y cello.
"Riverside" es una delicada canción, una balada de raíces populares que nos habla de tiempos perdidos y lejanas voces ancestrales, al igual que "Brother Sparrow", una preciosa instantánea cotidiana de la añoranza a través de una ventana. "Just So" es un pegadizo tema con coros de Alex Brüel Flagstad. "On Powdered Ground" brinda al disco un cierre señorial y majestuoso.
En definitiva, Philharmonics es un impresionante álbum debut, construido con canciones atemporales para perdurar a lo largo del tiempo y de las modas. Esencial.

tracks list:
01. Falling, Catching
02. Riverside
03. Brother Sparrow
04. Just So
05. Beast
06. Louretta
07. Avenue
08. Philharmonics
09. Close Watch
10. Wallflower
11. Over the Hill
12. On Powdered Ground

Majid Bekkas, Ablaye Cissoko & Khalid Kouhen – Mabrouk (2011)

2011-06-02T13:33:00.001+01:00

Majid Bekkas es un músico marroquí, maestro de la tradición gnawa y su instrumento emblemático, el guembri, que también toca la guitarra y el oud. Conocido en Marruecos como "el mago de los encuentros", en Mabrouk se acompaña de Ablaye Cissoko, a la kora, y de Khalid Kouhen (a la percusión), siendo los tres los que proporcionan las voces.
Sus influencias incluyen al gran Ali Farka Touré, Boubacar Traoré (otro gran guitarrista maliense), y el guitarrista de jazz estadounidense Wes Montgomery, revelando su estilo gran cantidad de técnicas.
Paralelamente a su carrera como músico tradicional, Majid Bekkas también ha colaborado con músicos de la escena del jazz europeo como el saxofonista Archie Shepp, el guitarrista Pedro Soler, el trompetista italiano Boltro Flavio y el saxofonista alemán Doldinger Klaus. Con el pianista alemán Joaquim Kühn y el baterista alicantino Ramón López ha editado tres exquisitos trabajos (Kalimba, Out Of The Desert y, recientemente, Chalaba) donde se destacan sus maestrías musicales en una conversación policultural para dar forma a un espacio lingüístico propio. Fruto de su inquietud por el diálogo intercultural y de su prolífica capacidad creativa, también en este año 2011 se ha presentado el trabajo Makenba, con músicos de distintas nacionalidades.

El álbum Mabrouk se distingue principalmente por el diálogo entre el guembri de Bekkas y la kora de Ablaye Cissoko, al estilo de un megáfono para transmitir la poesía que en ellos habita, con acuáticas resonancias de las tablas (en "Mabrouk") y el lirismo gnawa del oud (en "Masmoudi"). En el repertorio se alternan piezas tradicionales y composiciones propias de Majid Bekkas, y en "Salya" aportan las letras para el tema original del grupo senegalés Touré Kunda. En definitiva, un maravilloso álbum con el que podemos imaginar una reunificación musical entre el norte y el sur del Sahara, un viaje que se cierra con un homenaje a los ancestros lleno de emoción ("Hommage Aux Ancestres"), que resuena con un gran talento para transmitir la voz de las tradiciones a las que tanto debe la música marroquí.

tracks list:
01. Banya
02. Fangara
03. Mabrouk
04. Salya
05. Masmoudi
06. Bala Moussa
07. Le Monde A L´Envers
08. Hommage Aux Ancestres

Omara Portuondo y Chucho Valdés – Omara & Chucho (2011)

2011-05-31T09:21:00.000+01:00

El pianista y compositor Chucho Valdés y la diva cubana Omara Portuondo vuelven a unir su talento para grabar juntos grandes clásicos de la música cubana en Omara & Chucho, catorce años después de que hicieran Desafíos (1997), repitiendo lugar: el estudio Ojalá de Silvio Rodríguez.
En su primer disco, Desafíos, no quisieron preparar ni ensayar nada, porque querían ver qué pasaba si se metían en un estudio y dejaban volar la imaginación. Omara y Chucho, que se conocen desde que el gran Bebo Valdés (su padre) y ella participaban en el mítico Club Tropicana, vuelven a repetir aquí la misma fórmula. En esta ocasión, la complicidad entre ambos les permitió grabar este disco en tan solo "un día y pico", a pesar de los problemas con la luz.
Omara & Chucho, título de este álbum, contiene grandes clásicos de la música cubana y latina, entre los que destacan "Noche cubana" (de Narciso Cesar Portillo de la Luz, con dos versiones en solitario, una por Omara y otra por Chucho), "Alma mía" y "Esta tarde ví llover" (del mexicano Armando Manzanero, en el que participa el trompetista estadounidense Wynton Marsalis), y se completa con "Claro de luna", "Me acostumbré a estar sin ti" (de Juan Almeida), "Si te contara" (de Félix Reyna), "Huesito" (del colombiano Fredy Solano-Serge), "Mis sentimientos", "Nuestra cobardía", "Babalú Ayé" (de Margarita Lecuona) y "Recordaré tu boca" (de Tania Castellanos).

Página web oficial: Omara Portuondo, Chucho Valdés

tracks list:
01. Noche cubana
02. Claro de Luna / Llanto de Luna
03. Y decideté mi amor
04. Alma mía
05. Me acostumbré a estar sin ti
06. Esta tarde ví llover
07. Si te contara
08. Huesito
09. Mis sentimientos
10. Nuestra cobardía
11. Babalú Ayé
12. Recordaré tu boca
13. Noche cubana

Entradas relacionadas: Omara Portuondo - Flor de amor, Buika - El último trago

Issa Bagayogo – Mali Koura (2008)

2011-05-31T09:10:00.001+01:00

Issa Bagayogo es uno de los grandes innovadores de la música de Africa Occidental, en la mezcla de los sonidos tradicionales de su Malí natal con elementos de música electrónica y de baile. Mali Koura (2008) es su cuarto disco con el sello Six Degrees Records, resultando un disco redondo en cuanto a estructuras rítmicas afro-europeas se refiere.
Con la voz y el ngoni de Issa, y la producción y teclados de Yves Wernert, Sya, grabado originalmente en 1999, fue su primer disco con el sello Six Degrees (todo un éxito en la música maliense que le llevó a ser comparado con algunos de los grandes músicos de Malí como Ali Farka Touré y Toumani Diabaté), donde comenzó a fusionar el sonido nativo maliense con técnicas de producción electrónica. En 2002 aparece Timbuktu (como la antigua ciudad de Malí), donde continúa con su fusión de música africana con beats electrónicos, y Bagayogo muestra la tradición griot de cantar sobre temas de preocupación social como la tolerancia racial, el orgullo regional o el abuso de drogas.
En 2004, Bagayogo grabó su disco Tassoumakan ("voz de fuego"), su disco más sofisticado, con canciones más optimistas donde se pone especial atención en las voces femeninas de acompañamiento.
En Mali Koura, su último trabajo hasta la fecha, Issa Bagayogo incorpora trompas con inflexiones jazzísticas, con una estrategia distinta de grabación. El productor Yves Wernert le da total libertad para grabar los instrumentos malienses fuera del estudio, y a la producción final (realizada en Francia) se unen, como músicos invitados, el flautista Madou Diallo (de National Ensemble of Mali), Zoumana Tereta al sokou (violín tradicional), Adama Diarra al djembé y el guitarrista Mama Sissoko, con el que ya trabajó en su anterior trabajo. Como señalan las críticas, "un acercamiento diferente a la electrónica africana, un resultado brillante. Issa Bagayogo lleva el blues de Malí al universo digital del siglo XXI".

Página web oficial: Six Degrees Records

tracks list:
01. Sebero
02. Filaw
03. Poye
04. Tcheni Tchemakan
05. Dibi
06. Dunu Kan
07. N' Tana
08. Ahe Sira Bila
09. Namadjidja
10. Fimani
11. M'Ba Fodi

Entradas relacionadas: Issa Bagayogo - Timbuktu

Los Tigres del Norte - 30 Grandes Éxitos (2002)

2011-05-27T16:55:00.016+01:00

Los Tigres del Norte es una agrupación de música norteña. Fundada en 1968 en San José (California), la lírica de sus canciones fluctúa entre lo romántico y el corrido, y han dado paso a un nuevo género letrístico musical que ha sido denominado como narcocorrido, al ser narradas vivencias de miembros de bandas de narcotráfico que operan en México. Su estilo se basa en la música regional del norte de México que se fundamenta, principalmente, en instrumentos como el bajo eléctrico, acordeón, bajosexto, batería y, en ocasiones, incluye otros instrumentos de percusión.
Grupo prolífico como pocos, su repertorio musical incluye más de 30 discos grabados, con aproximadamente 500 temas, 130 discos de platino y 125 de oro. Además de participar en más de 14 películas, han sido ganadores –en diversas ocasiones- de los premios Grammy. Pero Los Tigres del Norte son mucho más: una fuerza social creativa, una voz eminente dentro del género Regional Mexicano, una voz de conciencia social y denuncia dentro de la música Latina en general, como bien se puede apreciar en la letra de sus canciones. Otra prueba de ello es su creación de la “Fundación Los Tigres del Norte”, con base en la Universidad de UCLA, en Los Ángeles, para la conservación y defensa de la herencia mexicana en los Estados Unidos. Si numerosos han sido los reconocimientos a su carrera artística, no son menos los recibidos por su importante labor social.
Debido a su éxito en un inicio recibieron el mote de "Los Incansables" por ser una agrupación que siempre se ha caracterizado por actuar en bailes masivos hasta altas horas de la madrugada; su éxito y su perseverancia ha hecho que se denomine a Los Tigres del Norte con el sobrenombre de "Los Jefes de Jefes".

Página web oficial: Los Tigres del Norte

tracks list

CD1
01 Jefe De Jefes
02 Contrabando Y Traicion
03 La Banda Del Carro Rojo
04 El Gato Felix
05 El Espinazo Del Diablo
06 El Circo
07 El Reportero
08 Los Dos Plebes
09 Por Ser Sinaloense
10 Pacas De A Kilo
11 El Avion De La Muerte
12 La Camioneta Gris
13 El Tama
14 La Mafia Muere
15 El Tahur

CD2
01 America
02 Ya Te Vele
03 La Puerta Negra
04 Jaula De Oro
05 La Tumba Del Mojado
06 El Chicano
07 El Mojado Acaudalado
08 Somos Mas Americanos
09 El Siete Leguas
10 Alla En El Rancho Grande
11 La Mesera
12 Nos Estorbo La Ropa
13 Golpes En El Corazon
14 Bohemio De Aficion
15 Plaza Garibaldi

Omar Faruk Tekbilek – Longing Best Of (2010)

2011-05-19T09:33:00.001+01:00

Longing es una selección de los temas más queridos de Omar Faruk Tekbilek seleccionados por Celestial Harmonies, el sello discográfico especializado en world music que editó sus primeros 7 álbumes, que ha compilado los temas más populares de esta época para este nuevo trabajo. La selección contiene varias de las composiciones originales de los discos Süleyman The Magnificent (1988) y Beyond The Sky (1992) –con Brian Keane-, Whyrling (1994), Mystical Garden (1996) y Crescent Moon (1998).
En la recopilación se muestran los principales elementos en los que se centran las obras de Omar Faruk: el sufismo, el amor, el folklore y la búsqueda. La cubierta del álbum ha sido diseñada por Sertac Pişkin, y la remasterización ha sido realizada por Mert Medeni bajo el patrocinio de la "Istanbul 2010 European Capital of Culture Agency" y Radio Voyage 107.4.

Página web oficial: Omar Faruk Tekbilek

tracks list:
01. Hasret (Longing)
02. Kolay mı?
03. Imaginary Traveller
04. Last Moments Of Love
05. Magic In The Evening
06. Long Wait
07. Laz
08. Hijaz Raks
09. Shaskin
10. Uşşak Semai
11. Fly Away
12. Mystical Garden
13. Al Fatiha

Entradas relacionadas: Brian Keane & Omar Faruk Tekbilek - Fire Dance

Carmen Souza – Protegid (2010)

2011-05-18T18:58:00.001+01:00

Carmen Souza es otra de las jóvenes exponentes de esa magnífica generación de cantantes y compositoras portuguesas de origen caboverdiano. Protegid es su tercer álbum, cantado en creole portugués, donde despliega su voz impresionante impregnada de las melodías de su cultura estructuradas en el jazz más contemporáneo que se pueda realizar.
Grabado en Portugal, Francia, Canadá y USA, y producido por Theo Pas´cal, Protegid cuenta con la colaboración de destacados artistas de todo el mundo (además de su banda) como el pianista cubano Omar Sosa, el brasileño Cláudio Cesar Lima Ribeiro (guitarra), el argentino Sebastian Sheriff (percusiones), el francés Marc Berthoumieux y el portugues João Frade al acordeón, el británico Derek Johnson (guitarra), el palestino Adel Salameh (oud), la portuguesa Tora Tora Big Band… Con este plantel, Carmen Souza realiza un trabajo que se mueve entre los límites de la música étnica (en especial en sus raíces caboverdianas), la world music, los ritmos afrolatinos y el jazz, como ya hiciera en sus trabajos anteriores (Ess ê nha Cabo Verde y Verdade)
Con temas escritos por la propia Carmen y con música de Theo Pas´cal, el disco cuenta con una magnífica versión del tema originario de Cesária Évora "Sodade", mientras que "Song For my Father" es una revisión del tema clásico del jazz de Horace Silver. Y el resto de canciones dan cuenta de un sonido plagado de guiños a ritmos afrolatinos y a un jazz de salón, que resulta en un jazz fusión acompañado de increibles inflexiones vocales con su punto justo de fraseo. Una combinación perfecta hecha con elegancia y sofisticación.

tracks list:
01. M´sta Li Ma Bô
02. Afri Ká
03. Dos Eternidade
04. Tentê Midj
05. Protegid
06. D´xam ess moment
07. Sodade
08. Song For my Father
09. Kem ê Bô
10. Magia ca tem
11. Decison
12. Mara Marga

Ali Farka Touré - Savane (2006)

2011-05-17T09:38:00.001+01:00

Savane es el último trabajo de Ali Farka Touré, fallecido en 2006, tras el magistral trabajo realizado con Toumane Diabaté, In the heart of the moon, que fué premio Grammy en 2006.
El disco empezó a gestarse en 2004, en unas sesiones ya legendarias que tuvieron lugar en el Hotel Mandé de Mabako a orillas del río Níger, en las que el productor Nick Gold consiguió que dos de los más reconocidos músicos de Mali grabaran tres discos: Ali Farka Touré y Toumani Diabaté registraron juntos In the heart of the moon (que obtuvo el Grammy for "Best Traditional World Music Album" en 2006) y Ali & Toumani, editado como homenaje póstumo a Ali Farka Touré en 2010. Savane fue el último de los tres.
Posiblemente a sabiendas de que sería su último trabajo, el gran músico dedicó un especial cuidado a su elaboración, percibiéndose mucho mimo en todos y cada uno de los trece temas que lo componen, mostrándose el propio Touré muy satisfecho con el resultado obtenido.
Como si se tratara ciertamente de dejar testimonio de su forma de concebir la música, Ali se rodea básicamente de instrumentistas expertos en las cuerdas de la zona (ngoni y njarka) que, junto a percusiones, coros y flautas tradicionales, se pasean por el cancionero de los peul (pastores nómadas del oeste africano), por el folclore sonräi y se acercan también hasta el vecino Níger para interpretar dos piezas en el dialecto zarma. El sonido de la música del desierto prevalece en el disco, y la intervención en algunos temas de los tres instrumentistas no autóctonos -Little George Sueref (británico de origen griego) con la armónica, el saxofonista norteamericano Pee Wee Ellis y el percusionista Faín Dueñas (director musical de Radio Tarifa)- es tan delicada y respetuosa que en ningún momento da la sensación que los invitados se alejen del guión africano en el que colaboran.
El resultado es un precioso disco cargado de emoción y de sensibilidad en el que se hermanan la música tradicional de Mali y el blues, dejando en evidencia la existencia de ese parentesco cercano que el músico, campesino y alcalde de Niafunké reivindicaba.
"Savane", la canción que da nombre al disco y que Ali Farka Touré canta en francés acompañado solamente por los ngoni de Mami Sissoko y Bassekou Kouyate, es un inmenso grito de dolor por la desertización y el empobrecimiento de su tierra que empujan a la gente a emigrar y una afirmación de su derecho a sobrevivir con su trabajo. Acaba diciendo, en referencia a las "ayudas" que envía Occidente: "En vez de darnos bombas, dadnos moto-bombas para que podamos por lo menos atender nuestras necesidades, para alcanzar la vida, la sabiduría y la sensatez" (Fuente: Maria Zaloña)

tracks list:
01. Erdi
02. Ye Bounda Fara
03. Beto
04. Savane
05. Soya
06. Penda Yoro
07. Machengoidi
08. Ledi Coumbe
09. Hanana
10. Soko Yhinka
11. Gambari Didi
12. Banga
13. N´jarou

Entradas relacionadas: Ali Farka Touré & Toumani Diabaté – In the Heart of the Moon

Septeto Santiaguero – Oye mi son santiaguero (2011)

2011-05-11T10:52:00.002+01:00

El grupo cubano Septeto Santiaguero presenta su sexto disco, Oye mi son santiaguero, un disco en el que se rinde homenaje al son cubano. Septeto Santiaguero es el mejor ejemplo de son cubano en la actualidad, cuya música ofrece los ritmos más genuinos de la música tradicional de Santiago de Cuba, el oriente de la isla: guaracha, danzón, changüí, bolero-son. Y si se trata de buscar el modelo más equilibrado, donde se conjuga veteranía y juventud, respetando la tradición, pero apostando por la innovación sonora y las composiciones propias de calidad, la agrupación que más brilla actualmente tiene formato de septeto y radica en Santiago. O sea, el Septeto Santiaguero.
El grupo, fundado en 1995 por Fernando Dewar (tresero y director del grupo), aglutina a siete virtuosos músicos que se han forjado en santuarios musicales como la Casa de la Trova o el Patio de los Dos Abuelos, y entre ellos hay tres cantantes solistas (Rudens Matos -guitarra y bajo- Inocencio Heredia e Ismael Borges –percusión menor-), Alberto Castellanos en la percusión, Adolfo Aguilera en el bajo y Edy Lobaina a la trompeta.
Septeto Santiaguero publicó cinco discos con Nubenegra, discos en los que abundan sobre todo los sones, pero también hay cabida para guarachas, boleros y guaguancó-son, canciones que quieren reflejar ese directo impactante, en el que nadie se toma respiro entre baile y baile. Ahora el Septeto renace con una autoproducción que distribuye en España el sello Picap, grabada en Santiago de Cuba, Madrid y masterizada en Girona.
Oye mi son santiaguero, en palabras de los propios artistas, es "más tranquilo y trata de las diferentes tendencias hoy en la música cubana". El ritmo del Septeto hace gala de esas letras picantes y con doble sentido típicas de la guaracha que afloran desde el primer tema, "Esa niña, qué cintura". Más explícitos son los temas "Son cocos" o "La acupuntura". Asimismo hay un tema, "Cuestiones de amor", obra del famoso sonero cubano Adalberto Álvarez. Tampoco falta en el disco un homenaje a Colombia "en reconocimiento al fallecido compositor Polo Montañés y a la aceptación de la música cubana en ese país", señala Fernando Dewar, con los temas "Colombia" o "La fiesta del changüí". Y un regalo: la colaboración, a sus 92 años, de Reinaldo Creach, solista de la Vieja Trova, en "Flor de ausencia".

tracks list:
01. Esa niña, qué cintura
02. Maduro, pero sabroso
03. Flor de ausencia
04. Cuestiones del amor
05. Colombia
06. Ojos perdidos
07. Son cocos
08. Tú tienes que cambiar
09. La acupuntura
10. Oye mi tono
11. La fiesta del changüi (bonus track)

Carminho – Fado (2009)

2011-05-06T11:12:00.001+01:00

Carminho es una joven lisboeta que ha editado su primer disco, Fado, en 2009, y está considerada "la gran esperanza del fado" tanto por su voz asombrosa y grave como por su estilo, que combina la tradición con la innovación, que funde lo nuevo y lo viejo convirtiéndolo en música exquisita como si de una veterana del fado se tratase.
Y es que Carminho lleva el fado en la sangre. Hija de la cantante de fado Tereza Siqueira, a los doce años canta por primera vez en el Coliseo de Lisboa y, a partir de ahí, empieza a cantar regularmente en la Taverna do Embuçado, propiedad de su madre y una de las tabernas más afamadas de Lisboa, donde contó con grandes maestras y maestros: su propia madre, Beatriz da Conceição, Fernanda María, Alcindo Carvalho, Paquito ("el gallego del fado") y Fontes Rocha. Precisamente su disco se llama Fado por su historia, sus raíces, su pasado, su presente y el futuro. Con una voz profunda y melancólica que recuerda al Garra Dos Sentidos de Mísia, Fado cuenta con la presencia de algunos de los mejores músicos de fado: Bernardo Couto, José Manuel Neto, Ricardo Rocha y Ângelo Freire (a la guitarra portuguesa), y Marino de Freitas en el bajo, además de la participación especial del contrabajo de Carlos Barretto en "Espelho Quebrado". Fado de siempre y fado de ahora, que transmite nostalgia, angustia y alegria, con un cante tan pronto llanto y tan pronto susurro.

Página web oficial: Carminho

tracks list:
01. Escrivi o teu nome no vento [Fado carriche]
02. A Bia da Mouraria
03. Meu Amor Marinheiro
04. Palavras Dadas [Fado Rosita]
05. Espelho Quebrado
06. Marcha de Alfama
07. O Tejo corre no Tejo
08. A Voz [Fado Licas]
09. Voltar a Ser
10. Carta a Lisboa [Fado Alexandrino da Rocha]
11. Carta a Leslie Burke
12. Uma vida noutra vida [Fado Pechincha]
13. Nunca é silêncio vão [Fado Pedro Rodrigues]
14. Senhora da Nazaré

Ladysmith Black Mambazo – Favourites (2000)

2011-05-03T23:16:00.001+01:00

Durante más de cuarenta años, las voces de Ladysmith Black Mambazo han casado los ritmos y armonías de las nativas tradiciones musicales de su querida Sudáfrica con los sonidos y sentimientos que emanan de la música gospel. El resultado es una alquimia musical y espiritual aclamada por una audiencia mundial que representa todos los rincones del panorama religioso, cultural y étnico. Sus trabajos musicales de las últimas cuatro décadas no sólo han cosechado elogios y reconocimientos de la industria discográfica sino que también ha supuesto una consolidación de su identidad como una fuerza cultural a tener en cuenta.
Grupo coral masculino liderado por Joseph Shabalala, su música representa el resurgimiento de la nueva Sudáfrica tras los duros años de racismo y apartheid. Surgido en torno a 1960, Ladysmith Black Mambazo forma parte de una larga tradición zulú llamada isicathamiya (que viene a significar algo así como "caminar o pisar con los dedos de los pies a la ligera"). Las raíces de isicathamiya se remontan a comienzos del siglo XX cuando grandes grupos de hombres dejaban sus tierras y familias para encontrar trabajo en la ciudad, viviendo en albergues con otros hombres cerca de las minas. Como no podían formar equipos para practicar deportes, utilizaban el canto como medio para permanecer cerca de sus raíces.
Ladysmith Black Mambazo comenzó a ser reconocido a nivel internacional gracias a su participación, en 1986, en el legendario disco Graceland de Paul Simon. Carente de instrumentos, su música es enormemente apreciada entre la afición de la world music. Varios premios Grammy han jalonado su trayectoria, el último en 2009, y ejemplo de su popularidad es que sus miembros fueron invitados a actuar a actuar en la ceremonia de entrega del premio Nobel de la Paz a Nelson Mandela, a quien acompañaron también en su toma de posesión como presidente de Sudáfrica.
Favourites es una colección de temas editados entre 1987 y 2000, seleccionados especialmente por su líder Joseph Shabalala, con la intención de transmitir a sus oyentes "armonía, amor y paz" con el canto a capella. Como señala Shabalala, "viajamos por el mundo difundiendo nuestro mensaje de paz, amor y armonía. ¿Qué puede ser mejor o más importante que eso?".

Página web oficial: Ladysmith Black Mambazo

tracks list:
01. Inkanyezi Nezazi (The Star and the Wiseman)
02. Sibezwa Bekhuluma (We Hear Them Talking)
03. Watatazela (You Seem to Be in a Hurry)
04. Amabutho (Warriors)
05. Ngaza Ngambona (I've Seen Him)
06. Khayelihle Khaya Lami (My Beautiful Home)
07. Lifikile Ivangeli (The Gospel Has Arrived)
08. Uthando Olungaka (What a Great Love)
09. Ebetlehema Yiyo Lenkosi (In Bethlehem, He Is the King)
10. Indukuzethu (Our Fighting Sticks)
11. Bakhuphuka Izwe Lonke (They Went Up To The Country)
12. Sadumela Intozabanye (We Surprised Other People)
13. Sithando Ngize Kuwe (Love, I've Come to You)
14. Thandiwe Wami (My Lover)
15. Baxabene Babangani (Friends Who Have Quarrelled)
16. Yinhle Lentombi (This Lady Is Beautiful)
17. Emgodini (Down the Mines)
18. Halleluya
19. Amazing Grace / Nearer My God to Thee

Buena Vista Social Club (1997)

2011-05-03T00:41:00.001+01:00

Buena Vista Social Club fue todo un fenómeno musical internacional que resucitó el interés por los ritmos tradicionales de Cuba. Grandes figuras como Compay Segundo, Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Orlando "Cachaito" López y Omara Portuondo, que parecían condenadas a desaparecer en el más absoluto de los olvidos, viven una segunda época dorada y son conducidas a un inesperado éxito comercial, de la mano de World Circuit, gracias a este hito inspirado en la música cubana de los años 50 del siglo XX.
El título del disco proviene, precisamente, del Club Social Buena Vista, fundado en 1932 en el barrio habanero Buena Vista, a unos mil metros de lo que sería después el famosísimo cabaret Tropicana, y que después se trasladaría al antiguo barrio de Alturas de Almendares. Sus miembros practicaban el baile y la música, viviendo el club una época dorada en las décadas de los años 40 y 50 gracias a las presentaciones de sus miembros y a los bailes organizados por las orquestas más destacadas del momento.
Casi cincuenta años después de que el club fuese cerrado, el director del grupo Sierra Maestra, Juan de Marcos González, viaja a Londres en 1995 con el fin de proponer a Nick Gold (presidente de World Circuit Records) la producción de un disco con una selección All Stars de antiguos músicos consagrados y rescatar el sonido de las grandes big bands de jazz afrolatino como Machito y los Afro-Cubans. Rápidamente, Juan de Marcos organiza en la Habana una nueva orquesta, la Afro-Cuban All Stars con cuatro generaciones de artistas de todas las épocas: Rubén González, Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Manuel "Guajiro" Mirabal Vázquez, Omara Portuondo, Orlando "Cachaito" López Vergara, Barbarito Torres, Manuel "Puntillita" Licea, Raúl Planas, Félix Valoy, Richard Egües, José Antonio "Maceo" Rodríguez, Pio Leyva y Julienne Oviedo Sánchez.

Paralelamente, el productor Ry Cooder viaja a los Estudios Egrem, en La Habana, con la idea de Nick Gold de reunir a músicos africanos y cubanos en un disco conjunto, pero la idea no cuaja porque los artistas africanos no pueden llegar por trabas administrativas. Conoce al grupo de legendarios músicos cubanos, antiguos miembros del club (cuyas edades fluctuaban entre los 60 y 80 años), y el resultado son tres discos, entre ellos A Toda Cuba Le Gusta (producido por Nick Gold y Juan de Marcos González) y Buena Vista Social Club (producido por Ry Cooder), éste último tocado por la magia gana el Grammy en 1998.
El director de cine alemán Wim Wenders graba, en 1998, el documental "Buena Vista Social Club" que registra el regreso de Cooder a Cuba, su reunión con el vocalista Ibrahim Ferrer y con el resto de los músicos con la intención de grabar el nuevo álbum. Junto a un reducido grupo de filmación, Wim Wenders observó a los músicos en el estudio y rastreó sus vidas en La Habana. Así se dio inicio a este documental, que registra el viaje de los ancianos desde su país natal hasta la ciudad de Ámsterdam -donde ofrecieron dos conciertos-, y que finaliza en Nueva York, con una presentación en el Carnegie Hall. El documental es nominado al Oscar al Mejor Documental y recibe numerosos galardones, entre los que se incluye Mejor Documental en el European Film Awards.
Así, pues, puede decirse que Buena Vista Social Club, disco de referencia para la world music con sus millones de ejemplares vendidos, fue un accidente. Que el mundo descubriera y se rindiera a veteranos como los ya fallecidos Compay Segundo, Rubén González, Orlando "Cachaito" López e Ibrahim Ferrer, o a Eliades Ochoa y la estupenda Omara Portuondo, fue cosa del azar o del destino. Pero ese azar supuso encender, por fin, el definitivo interés internacional por el legado de la "edad de oro de la música cubana" y por la música latinoamericana en general.

Página web oficial: Buena Vista Social Club

Personal:
Luis Barzaga (vocals)
Joachim Cooder (drums, percussion)
Ry Cooder (guitars)
Julio Alberto Fernández (vocals, maracas)
Ibrahim Ferrer (vocals)
Carlos González (bongos)
Juan de Marcos González (bandleader, backing vocals, güiro)
Rubén González (piano)
Salvador Repilado Labrada (bass)
Manuel "Puntillita" Licea (vocals)
Orlando "Cachaito" López (double bass)
Benito Suárez Magana (guitar)
Manuel "Guajiro" Mirabal (trumpet)
Eliades Ochoa (guitar, vocals)
Omara Portuondo (vocals)
Julienne Oviedo Sánchez (vocals, timbals)
Compay Segundo (vocals, tres)
Barbarito Torres (laoud)
Alberto “Virgilio” Valdés (maracas, backing vocals)
Lázaro Villa (congas)

tracks list:
01. Chan Chan
02. De Camino a La Verdeda
03. El Cuarto de Tula
04. Pueblo Nuevo
05. Dos Gardenias
06. ¿Y Tú Qué Has Hecho?
07. Veinte Años
08. El Carretero
09. Candela
10. Amor de Loca Juventud
11. Orgullecida
12. Murmullo
13. Buena Vista Social Club
14. La Bayamesa

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Massukos - Bumping (2007)

2011-04-29T21:45:00.001+01:00

Massukos son considerados un tesoro nacional en su país, conocidos tanto por su colorida música (una estimulante mezcla de sonidos tradicionales de Mozambique) como por la labor humanitaria que realizan. De día, el líder de Massukos, Feliciano dos Santos, es el director y fundador de la ONG "Estamos"; de noche, es el guitarrista de una de las bandas más veneradas de Mozambique. Aclamados como "los nuevos Buena Vista Social Club", su segundo álbum Bumping es descrito como "rayos de sol musicales que dan vida y ganas de bailar".
Originario de Niassa, en el norte de Mozambique (una de las zonas más pobres de África), el grupo Massukos usa su carisma y popularidad para denunciar las dificultades que afectan a sus vidas. Apasionados por el trabajo de desarrollo que hacen, la banda recore largas distancias hasta aldeas remotas para ofrecer sencillos mensajes educativos sobre higiene, saneamiento, agua y prevención del VIH Sida.
Realizado en Mozambique en 2007, en la presentación de Bumping participó hasta el propio presidente del país, llegando a ser número 1 en la RTP Portugal y votado como uno de los mejores álbumes de la "World Music Charts Europe".

Para saber más: "Canción de protesta para salvar vidas"

Página web oficial: Massukos

tracks list:
01. Mudacia Wana
02. Ndjango
03. Niassa
04. Bumping
05. Atulale
06. Pangira
07. Akwekwe
08. Kumalembe
09. Ntolilo
10. Muamwali
11. Pangira (Unplugged)

Sierra Leone´s Refugee All Stars - Rise & Shine (2010)

2011-04-19T11:02:00.002+01:00

Rise & Shine es el segundo disco de Sierra Leone’s Refugee All Stars, un sólido álbum con tomas semiacústicas junto a elaboradas canciones con mezclas dignas de la mejor producción, ritmos que nacen de las raíces del reggae jamaicano para desembocar en el soukous más africano.
La banda se fundó en los campos de refugiados en Guinea, donde fueron a parar buena parte de las personas huidas de la despiadada guerra civil que se desarrolló en su país de origen entre 1991 y 2002. Este atroz conflicto produjo, aparte de un horrible sufrimiento, miles de personas refugiadas que se desperdigaron por los países fronterizos.
Desde entonces, el empeño de Sierra Leone’s Refugee All Stars es denunciar esa guerra en la que detrás sólo existen motivos únicamente económicos: el control de la producción de diamantes. Living like a refugee (2006), su fulgurante debut, cuenta las duras historias de supervivencia y superación para poder dar continuidad a sus vidas en adelante, acompañado de un documental que inmortalizó el viaje hacia ninguna parte del pueblo de Sierra Leona.
Cuatro años después, Rise & Shine muestra un radical cambio de perspectiva, dirigiendo su mirada hacia los temas que preocupan a todo este mundo globalizado; la amenaza mundial que conlleva el cambio climático, el desarme o la escasez de alimentos. Y temas mucho más cercanos, como la corrupción aparecida después del final de la guerra y la desigualdad que impera en su querida Sierra Leona, además de alguna esperanzadora canción de amor.

Este nuevo disco, que empezó a grabarse en Freetown, Sierra Leona, y se concluyó en Nueva Orleans, cuenta con el inestimable trabajo del productor Steve Berlin. "Bute Vange" fue grabado en el Fuji Rock Festival de Nigata (Japón), y "Watching All Yours Ways" en Sutton, Canadá (alrededor de una fogata!). El grupo, un octeto liderado por Reuben M. Koroma, realiza una asombrosa fusión entre la música tradicional del oeste africano y el reggae, aderezada con otros ritmos como el rap, ragga, ska, soukous (rumba africana), ritmos guineanos y canciones espiritistas y religiosas, contando con la colaboración de los metales de The Bonerama Horns, de Nueva Orleans. Merece la pena recrearse con "Living Stone" y "Tamagbondorsu". Y como resultado, un estupendo trabajo lleno de esperanza y diversión para el disfrute general, un himno a la potencia redentora de la música de una gente que no se rinde.

Página web oficial: Sierra Leone´s Refugee All Stars

tracks list:
01. Muloma (Let Us Be United)
02. Global Threat
03. Oruwiebie/Magazine Bobo Medley
04. Living Stone
05. Dununya (The World)
06. Jah Mercy
07. Tamagbondorsu
08. Bute Vange
09. Jah Come Down
10. Bend Down The Corner
11. Goat Smoke Pipe
12. Gbrr Mani (Trouble)
13. Watching All Your Ways

Sophia Charaï – Pichu (2011)

2011-04-17T12:46:00.008+01:00

El nombre de Sophia Charaï circula desde hace tiempo por el circuito underground parisino. La gente recuerda su música llena de entusiasmo, canciones que apelan a diversidad de estilos, guitarras zingaras, ritmos que oscilan entre el lánguido fado portugues, la chanson francesa y los sonidos latinoamericanos que envuelven una voz personalisima, fuerte y expresiva. Y como telón de fondo, su "marroquismo" que lleva, no como bandera nacional, sino como referente musical. Sin duda alguna, Pichu es, por lo personal del trabajo, su frescura y capacidad de asombro, uno de los discos del año 2011.

Nacida en Casablanca, ha transitado por la fotografía y el teatro, lo que explica su poder fascinante en el escenario. Su segundo álbum Pichu, terminado en diciembre de 2010, está cantado en marroquí y un poco de francés, y podría ser la banda sonora de una película filmada conjuntamente por Pedro Almodóvar y Emir Kusturica. Realizado por Mathias Duplessy (que despliega su virtuosismo como multiinstrumentista: guitarras, banjo, oud, flauta, duduk, gombri, santur, acordeón, percusiones...), que también compone los temas junto con Sophia y Mohamed Zemmouri, y que también cuenta con la participación de la Macedonian Radio Orchestra (dirigida por Ivan Illic), Pichu ve la luz para distorsionar el mundo, las identidades y las costumbres. Trece temas que revelan los hechizos de la música de unión, que se asemeja a su errante vida artística, y que sólo consiguen la gente de raza mixta. Temas que se saborean deseando escuchar los siguientes para sentir la sorpresa que deparan.
Sophia Charaï es una cantante de jazz que se aventuró en la música del mundo, una vocalista del Sur que vuelve a desdibujar los contornos de la globalización con su vitalidad mediterránea, su capacidad comunicativa y sus ansias de atravesar fronteras con su equipaje musical colorista y entusiasta.

Página web oficial: Sophia Charaï, Mathias Duplessy

tracks list:
01. Pichu-Pichu
02. Casa
03. Dalamouni
04. Un P´tit Chouïa
05. Bouhali
06. Rouhi Marhouna
07. Mêle Ta Langue
08. Raksa
09. Khoud Iddiya Intro
10. Khoud Iddiya
11. Habiba
12. Dokak
13. Cow Girl

Penguin Cafe Orchestra - Signs of Life (1987)

2011-04-17T11:04:00.003+01:00

Penguin Cafe Orchestra surgió en mitad de los años 70 como una ocurrencia del Simon Jeffes, compositor, guitarrista clásico y arreglista, de mezclar su amor por la música folk con básicamente, lo que le viniera en gana. Él mismo se ha arriesgado a definir su estilo como "folklore imaginario" y "música de cámara moderna semi-acústica". De hecho, Jeffes se definía como amante de la música folk en todos sus matices, experimentando con composiciones en las que convivían piezas del folklore inglés e irlandés con trozos que recordaban a la armonía de la música clásica.
Llena de matices, principalmente debido a la variedad de instrumentos utilizados en su ejecución, y a la libertad con la que Jeffes componía, la música de Penguin Cafe Orchestra sigue siendo, al día de la fecha (y a pesar de la desaparición de Jeffes en 1997) una rara avis en la música contemporánea. Enérgica, melancólica por momentos, pero siempre vitalista y original, con una estética minimalista con reminiscencias ocasionales de Philip Glass.

Principalmente instrumental, la orquesta tuvo múltiples cambios de formación, una unión libre pero con Jeffes, la cellista y cofundadora Helen Liebmann y Emily Young (como autora de las curiosas portadas de sus discos) como piezas clave, a quienes se incorporaban artistas según los requerimientos de piezas musicales concretas o "performances". Actualmente, es su hijo Arthur Jeffes el que continúa con la formación, añadiendo nuevas composiciones al repertorio que tenía ya su historial.
Signs Of Life es un botón de muestra de la música de Penguin Cafe Orchestra: el encanto de lo sencillo como bandera de identidad que perdura a través de las modas, los tiempos y los matices de fondo, de forma o de innovación.

Más información: Simon Jeffes

Página web oficial: Penguin Cafe

tracks list:
01. Bean Fields
02. Southern Jukebox Music
03. Horns Of The Bull
04. Oscar Tango
05. The Snake And The Lotus (The Pond)
06. Rosasolis
07. Dirt
08. Sketch
09. Perpetuum Mobile
10. Swing The Cat
11. Wildlife

Nusrat Fateh Ali Khan & Party - Shahen-Shah (1989)

2011-04-16T20:51:00.002+01:00

Nusrat Fateh Ali Khan, paquistaní de origen afgano, ha sido uno de los cantantes más importantes de la música religiosa sufí. Sus poderosas dotes vocales le han valido la consideración de mejor intérprete asiático de qawwali. Su discografía es inmensa e incluye varias aproximaciones, en la década de los noventa, a los ritmos étnicos de fusión más electrónicos.
Considerado "el emperador del qawwali", la dedicación a la música qawwali le vino de una inquebrantable tradición familiar de más de 600 años. Su padre, Ustad Fateh Ali Khan, tenía un grupo junto a su tío, Ustad Mubarak Ali Khan, dedicado a transmitir la música qawwali. A la muerte de su padre y de su tío, Nusrat Fateh asumió la dirección del grupo, denominándole Party. Los antepasados familiares de Nusrat Fateh eran de Afganistán, en donde la familia Ali Khan ahonda sus raíces en el siglo XII. De allí emigraron siguiendo a Sheikh Hazrath, un asceta moje sufí que predicaba el tariqa o concepto sufí de amor místico. La posterior evolución dio lugar al qawwali, sendero que conduce al conocimiento a través del trance musical y el éxtasis. La canción no es una forma en sí, sino sólo un vehículo para alcanzar lo divino.
En los años 60 del siglo XX empezó a ser conocido masivamente gracias a Radio Pakistán. Comenzó a actuar por diversos países y en la década de los ochenta visitó regularmente Europa y los Estados Unidos. Radio France grabó alguno de sus conciertos en París, como el del 6 de noviembre de 1986, y los editó después en disco a través del sello Ocora, dedicado a la música tradicional, discos considerados objeto de coleccionistas.
Sus formas acústicas y tradicionales sufrieron una revolución cuando Peter Gabriel le contrató para los primeros festivales WOMAD. La poderosa energía de Nusrat Fateh cautivó al público británico, extendiéndose la atención por todo el mundo. Peter Gabriel le propone participar en Passion, la banda sonora de "La última tentación de Cristo" y, posteriormente, le propone que el canadiense vanguardista Michael Brook produjera un nuevo trabajo de Nusrat Fateh para su sello Real World. El resultado fue Mustt Mustt, una obra sorprendente en la que el qawwali tradicional sufí se mezcló con alta tecnología y ritmos bailables. Posteriormente, Ali Khan combina la edición de discos basados en formas ancestrales junto con discos en los que se fusionan cantos tradicionales con sonidos electrónicos.
Shahen-Shah (1989) fue el primer trabajo que realizó para Real World. Una muestra excepcional de qawwali, una oportunidad única para introducirse en ese canto de tipo repetitivo, hipnótico, bello y místico.

tracks list:
01. Shamas-Ud-Doha, Badar-Ud-Doja
02. Allah, Mohammed, Char, Yaar
03. Kali Kali Zulfon Ke Phande Nah Dalo
04. Meri Ankhon Ko Bakhshe Hain Aansoo
05. Nit Khair Mansan Sohnia Main Teri
06. Kehna Ghalat Ghalat To Chhupana Sahi Sahi

Arto Tunçboyaciyan - Love Is Not in Your Mind (2005)

2011-04-16T12:50:00.003+01:00

El magnífico multiinstrumentista y vocalista de origen armenio Arto Tunçboyaciyan, creador de la avant-garde folk music (el sonido de generaciones pasadas fusionado con la vida actual), interpreta en colaboración con el deslumbrante pianista de su Armenian Navy Band, Vagahn Hayrapetyan, composiciones propias en las que refleja su amor por la familia y estrena un instrumento nuevo de invención propia, el bular.
Arto Tunçboyaciyan, turco de descendencia armenia de raíces de Anatolia, comenzó su carrera musical muy joven, interpretando y grabando música tradicional con su hermano Onno Ohannes, una de las grandes influencias en su música y en su vida. Con 24 años se traslada a Estados Unidos para explorar nuevas posibilidades creativas y dimensiones a su visión de vida lanzando, en 1985, dos álbumes en solitario: Virginland y Main Root. Colabora con artistas de la talla de Chet Baker y Elefthería Arvanitáki y, por entonces, comienza una destacada cooperación con el músico de laud armenio Ara Dinkjian, con el que graba Tears of Dignity y Onno para el sello griego Libra Music, albumes en los que la música, según el propio Arto, "tienen el sonido de mi vida". Onno es un homenaje a su hermano, fallecido inesperadamente, cuyas composiciones son un recuerdo de su hermano de antes y de después de desaparecer.
Con Ara Dinkjian también fundó el grupo Night Ark y grabaron los álbumes Picture, Moments, Wonderland y Petals On Your Path (lanzado en Febrero de 2000 por Universal Music). En 1998 participó en el proyecto italiano Triboh, concebido y codirigido con la vocalista Maria Pia De Vito y la pianista Rita Marcotulli, grabando el CD para el sello italiano Polosud.
Con el propósito de hacer sus "sonidos del mundo" audibles de la forma que deseaba, Arto inicia un viaje por Armenia, encontrándose en Yerevan con artistas de Armenia con diferentes experiencias musicales. Funda, en 1998, su nuevo grupo The Armenian Navy Band, una pequeña orquesta con raíces en la música tradicional de Armenia y Anatolia con inspiración y sonidos de hoy.

Love Is Not In Your Mind (2005, editado en España por Resistencia) es un trabajo anterior a su estupenda banda sonora para la película Le Voyage en Arménie, en el que Arto también hace un homenaje, en este caso a su madre, haciendo del disco una completa declaración de amor hacia ella. Junto al pianista Vagahn Hayrapetyan, desarrolla un trabajo donde se denota su afianzado conocimiento de la música tradicional armenia matizado con delicados sonidos electrónicos e influencias del blues y del jazz. Un disco lleno de percusiones con marcado sabor étnico y la voz de Arto que imprimen un precioso halo de misticismo, colocando en su libreto (al igual que hace en todos sus discos) tres palabras: amor, respeto y verdad. Y confianza. Mensajes que trata de lanzar en toda su música, reivindicando su origen armenio, porque como el mismo dice "son cosas que no están demasiado presentes en nuestras vidas".

Página web oficial: Arto Tunçboyaciyan

tracks list:
01. Don´t fight against nature
02. April 24
03. How can I say goodbye to you?
04. Jangire Jungurna
05. Dancing with the devil
06. Street walk
07. New flower
08. Other side of the river
09. One moment of silence
10. Black water
11. Love is not on your mind
12. Welcome Boo Boo

Entradas relacionadas: Armenian Navy Band & Arto Tunçboyaciyan – How Much is Yours?

Armenian Navy Band & Arto Tunçboyaciyan – How Much is Yours? (2006)

2011-04-16T12:43:00.004+01:00

Cuarto disco de esta insólita big band de "folk de vanguardia" integrada por doce músicos armenios y liderada por el vocalista y multiinstrumentista Arto Tunçboyaciyan, autor de los catorce temas que contiene How Much is Yours?, con el que ganaron el premio de Audiencia de los "BBC Radio 3 Awards for World Music" en 2006. Una música que escapa a cualquier clasificación al uso y que refleja de forma elocuente su talento y su libertad de espíritu, a través de una variopinta mezcla de jazz moderno y sonidos tradicionales.
The Armenian Navy Band fue fundada por el percusionista y vocalista de descendencia Armenia, Arto Tunçboyaciyan. La música es un elemento fundamental de su vida, a traves de la cual comunica sus grandes valores: "amor, respeto y verdad"
El grupo esta compuesto por 12 artistas de Armenia, y las composiciones son todas originales de Arto Tunçboyaciyan que, según sus palabras, "tienen el sonido de mi vida". Su música esta impregnada por sonoridades tomadas de la tradición y de la actual cultura de Armenia y de Anatolia fundida con elementos que vienen de diversas experiencias musicales como el jazz, entre otras. Las composiciones originales de Arto expresan el sonido de las generaciones pasadas junto con la vida de hoy: esto es lo que él llama "avantgarde folk". Podemos decir que la Armenian Navy Band representa la síntesis del viaje musical de Arto.
Los instrumentos que toca la banda van desde los tradicionales (duduk, zurna, kemanché, kanun) a los contemporáneos (trombon, saxo alto, saxo tenor, saxo soprano, trompeta, bajo, batería, teclado y piano). El grupo, junto con la personal voz, percusión y bular de Arto, crea un viaje musical del pasado al presente, llevando el sonido hacia el futuro.

tracks list:
01. Let Factories Open (Que se abran fábricas)
02. Let' Not Become A Copy From A Copy (No seamos copias de copias)
03. Let's Try A New Road (Probemos un nuevo rumbo)
04. I Dont Forget My Faith (No olvido mi fé)
05. Here's To You Ararat (Dedicado a ti, Ararat)
06. My Door Is Open For Everybody (Mi puerta está abierta a todos)
07. Broken Waltz (Vals roto)
08. Red Bird (Pájaro rojo)
09. Kef Kef (Celebration)
10. Kitchen Song (Canción de la cocina)
11. Every Person Is One Life (Cada persona es una vida)
12. Oleyaman
13. Look At Your Forehead (Mira tu frente)
14. For The Souls Of Those Who Passe (A las almas de los fallecidos)

Entradas relacionadas: Arto Tunçboyaciyan - Love Is Not in Your Mind

The Chieftains featuring Ry Cooder – San Patricio (2010)

2011-04-15T13:02:00.003+01:00

Con motivo de su 40 aniversario, The Chieftains con Paddy Moloney al frente y Ry Cooder han grabado un disco, San Patricio, a los que se unen una gran variedad de artistas de México, Irlanda, USA y Galicia para crear un álbum en el que se fusiona el sonido tradicional de Irlanda y de México, mezclando ritmos celtas con rancheras en un disco sorprendente.
En San Patricio se narra la historia casi olvidada de los del batallón de San Patricio, un oprimido grupo de inmigrantes irlandeses reclutados por el ejército americano que desertaron en 1846 para seguir luchando junto al ejército mexicano contra los yanquis invasores en la guerra Mexicano-Americana (1846-1848).
Grabado en Dublín, Nueva York, San Francisco, Los Ángeles y Ciudad de Mexico, el actor Liam Neeson pone su voz narrando el sacrifico del Batallón de San Patricio en el tema "March to Battle (Across The Rio Grande)", compuesto por Moloney con letras del escritor Brendan Graham, y en el que nuestro gaitero más universal Carlos Nuñez se luce con la Banda de Gaitas de Batallón de San Patricio, única banda de gaitas irlandesas en activo en el país azteca. El multiinstrumentista norteamericano Ry Cooder participa con "The Sands of Mexico" y "Canción Mixteca", temas que cede para el proyecto, interviniendo en este último, en forma de corrido, Los Tigres del Norte. Chavela Vargas participa, a sus 92 años, con una sentida y descarnada "Luz de luna". Lila Downs aporta sus temas "La Iguana", "El Relámpago" y "El pájaro Cu", con el arpa de la estupenda Negra Graciana. "A la orilla de un palmar" la trae Linda Rondstadt aprendida de su abuelo mexicano (de su disco Canciones de mi padre). Y la cantante irlandesa Moya Brennan presta su voz a la sentimental "Lullaby for the Dead".

En definitiva, un interesantísimo experimento de The Chieftains, con una estupenda producción de Paddy Moloney y Ry Cooder, que hacen que St. Patrick, patrón de Irlanda, pase a ser San Patricio durante estos 19 increíbles temas donde la migración, el hambre, el colonialismo, la religión y la revolución hacen que México e Irlanda se sientan, más unidos que nunca, por una historia común.

Página web oficial: The Chieftains

tracks list:
01. La Iguana (Lila Downs)
02. La golondrina y el zacate (Los Folkloristas)
03. A la Orilla de un Palmar (Linda Ronstadt)
04. Danza de Conceros (Los Folkloristas)
05. El Chivo (Los Cenzontles)
06. San Campio (Carlos Nuñez)
07. The Sands of Mexico (Ry Cooder)
08. Sailing to Mexico (Carlos Nuñez)
09. El Caballo (Los Camperos de Valles)
10. March to Battle (Across The Rio Grande) (Banda de Gaita de Batallón, Liam Neeson, Los Cenzontles, L.A. Juvenil)
11. Lullaby for the Dead (Moya Brennan)
12. Luz de Luna (Chavela Vargas)
13. Persecución de Villa (Mariachi Santa Fe de Jesús y "Chuy" Guzmán)
14. Canción Mixteca (Intro) (Ry cooder con Van Dyke Parks)
15. Canción Mixteca (Los Tigres del Norte)
16. Ojitos Negros (Los Cenzontles)
17. El Relámpago (Lila Downs)
18. El Pajaro Cu (La Negra Graciana)
19. Finale (Los Cenzontles, Carlos Nuñez, Los Folkloristas, Banda de Gaita de Batallón de San Patricio y L.A. Juvenil)

Hüsnü Şenlendirici ve Trio Chios – Ege´nin İki Yanı (2010)

2011-04-12T12:04:00.003+01:00

Ege´nin İki Yanı (Los dos lados del Egeo) es el nuevo trabajo del turco Hüsnü Şenlendirici junto al grupo griego Trio Chios, un disco excepcional y de factura impecable interpretado por artistas que viven en orillas opuestas y que se unen en este proyecto para entrecruzar sus músicas como una recitación de amistad y fraternidad.
Hüsnü Şenlendirici es uno de los mejores clarinetistas del etno-jazz y el más destacado de su país. Considerado uno de los embajadores del clarinete turco, Şenlendirici ha tocado con casi todas las leyendas de la historia de la música popular turca y con reconocidas estrellas internacionales.
Originario de la ciudad de Bergama (Pergamos), cerca de la costa del Mar Egeo, toca el clarinete desde los cinco años por tradición familiar. A los dieciséis años se incorporó a la Magnetic Band junto al que hoy es famosísimo percusionista Okay Temiz. A finales de los años 90 fundó su propia banda, Laço Tayfa que, junto con The Brooklyn Funk Essentials, grabaron In the Buzzbag (1998), un álbum consistente en la interpretación de melodías tradicionales turcas con enfoque de funk y acid jazz. Con la realización de Bergama Gaydisi (2000) y Hicaz Dolap (2002), consolidan su estilo musical intenso y balcánico sin paliativos, combinando tradición, jazz y sonidos orientales. En 2005 Husnu Şenlendirici lanzó su primer álbum en solitario, Hüsn-Ü Klarnet (The Joy of Clarinet), una joya que instantáneamente se convirtió en un clásico, un récord de primera para un álbum instrumental.
De 2007 es el proyecto Taksim Trio, un sublime trabajo con dos maestros de la música turca, İsmail Tunçbilek sobre la bağlama y Aytaç Doğan sobre el kanun. Y ahora nos llega un flamante y precioso disco, Ege´nin İki Yanı, con excelentes músicos (Aytaç Doğan de nuevo con el kanun) y la formación Trio Chios (cuyo nombre evoca la isla griega) con Markellos Poupalos a la guitarra, laud y voz, Manolis Stathis al buzuki y Stamatis Poupalos al violín.

En Ege´nin İki Yanı Şenlendirici nos sorprende con dieciséis magníficos temas que, unos instrumentales y otros cantados en griego por Stamatis Poupalos o en turco por Merve Özvey, rezuman belleza y nos transportan al azul intenso del Mar Egeo, a sus vivaces colores y a sus puestas de sol idílicas. Pero, sobre todo, nos invitan a creer en la posibilidad de un puente, en una pasarela por la cual ambos pueblos, el griego y el turco, pudieran caminar hasta encontrarse, reconociéndose en las coincidencias (que son infinitas) y en la riqueza de sus culturas. De nuevo, la música al servicio del diálogo cultural.

tracks list:
01. Mini Mini Nihavend Peşrev
02. Gel Gel Kayıkçı
03. Pare Ta Hnaria Mou (Klarnet Edit)
04. Şeftalisi Ala Benziyor
05. Bkledim de Gelmedin
06. İzmir´in Kavakları
07. Ta Ziliarika Sou Matia
08. Ada Sahilleri
09. Buzuki Taksim
10. Iroini Ke Mavraki
11. Bergama Zeybeği
12. Kanun Taksim
13. Kadifeden Kesesi
14. Pare Ta Hnaria Mou
15. I Lahanades
16. Bekledim de Gelmedin (bonus track)

Entradas relacionadas: Hüsnü Şenlendirici - Hüsn-Ü Klarnet, Taksim Trio - Taksim Trio

Hüsnü Şenlendirici - Hüsn-Ü Klarnet (2005)

2011-04-12T11:54:00.003+01:00

Hüsn-Ü Klarnet (The Joy of Clarinet) es el primer álbum en solitario de Hüsnü Şenlendirici, virtuoso del clarinete turco y reconocido a nivel internacional por sus trabajos con el grupo Laço Tayfa y por el magistral proyecto Taksim Trio (2007).
Hüsn-Ü Klarnet está abocado a convertirse en un clásico. En él, el clarinete es la voz de uno de sus mejores representantes, y podemos admirar su técnica como instrumentista y alabar sin reservas su gusto a la hora de interpretar y seleccionar cada una de las piezas que interpreta. La música de Şenlendirici sueña y juega con las evocadoras melodías tradicionales de Anatolia combinadas con la sensibilidad del jazz occidental. El clarinete, intenso, evocador, vivaz, sedoso y susurrante alcanza cotas inimaginables desde los labios de Hüsnü Senlendirici.
Música que llena las calles al atardecer de la vieja Estambul, envuelto por un manto de sonidos evocadores y sensuales.

tracks list:
01. Oyun Havası
02. Çığ
03. Fla-mango
04. İstanbul İstanbul Olalı
05. Şina Nari
06. Leylim Ley
07. Bülbülüm Altın Kafeste
08. Kumsalda
09. Kimseye Etmem Şikayet
10. Tatlı Dillim
11. Dört Zeybek

Entradas relacionadas: Taksim Trio - Taksim Trio, Hüsnü Şenlendirici ve Trio Chios – Ege´nin İki Yanı

Judith R. Cohen y Eduardo Paniagua – "Empezar quiero contar" Canciones de Sefarad (2000)

2011-04-08T10:18:00.000+01:00

Bajo la producción de Eduardo Paniagua, Pneuma presenta en su Colección Histórica Canciones de Sefarad, realizadas por Judith R. Cohen (textos, selección de canciones e investigación basada en sus artículos sobre música Sefardí y su discografía) y su hija Tamar Ilana Cohen.
Judith R. Cohen, nacida en Montreal, de familia judía ashquenazí (sus abuelos procedían de Lituania y Rusia), es, además de intérprete, etnomusicóloga y medievalista. Sus investigaciones académicas incluyen la música sefardí, las tradiciones musicales de los Cripto-Judíos en Portugal, el adufe/pandero cuadrado a ambos lados de la frontera de España-Portugal y la música medieval. También trabaja con la música de los Balcanes, con el romancero pan-europeo, y con las canciones en yiddishe (el idioma de sus abuelos) y en francés.
Por su parte, Tamar Ilana Cohen Adams nació en Toronto en 1986. A su herencia judía-ashkquenazí se añaden las de la familia de su padre, de la tribu indigena-canadiense Cree-Saulteaux, y de inmigrantes rumanos y escoceses. Estudia baile español y también participa en bailes tradicionales indígenas y en bailes de los Balcanes.

Judith R. Cohen: canto, viela de arco, adufe, pandero y darbuka
Tamar Ilana Cohen Adams: canto, adufe y conchas
Eduardo Paniagua: qanún, flautas tenor y alto, fhal, tar, címbalos, triángulos y sistro
Wafir Sheik: laúd árabe y viola
David Mayoral: darbuka, pandero, atabal, pandereta y cascabeles

tracks list:
01. Mi al har Khorev (s. XII)
02. Dror Yiqra (canción s. X, tradicional-judíos yemenitas)
03. hayizkor hakhen yedida (canción s. X)
04. Allá en el midbar (coplas judeo-españolas, Oriente)
05. Ay, madre (canción judeo española, Marruecos, Oriente)
06. La envenenadora (romance judeo-español, Marruecos)
07. De Burgos partió el rey (La muerte del Príncipe Don Juan) (romance judeo-español, Marruecos)
08. Pour autrui movrai mon chant (s. XII, Francia)
09. Moir'e faço dereito / E mal día non ensando ei (s. XIII, Portugal)
10. O pandeiro (tradicional, Tras-os-Montes, Portugal)
11. A padeirinha (tradicional, Beira Baixa, Portugal)
12. ¿Adonde váis, Señor Yitzkhak? (judeo-español, Marruecos)
13. Ester mi bien (Los Tres padres de Israel) (coplas judeo-español, Marruecos)
14. De hoy en este día (cantar de boda judeo-española, Bulgaria/Turquía)
15. Empezar quiero contar (coplas de Purim, judeo-español, Marruecos)
16. Alabar quero al Dió (coplas de Purim, judeo-español, Salónica)
17. Ashira keshirat Moshe (canción de la Pascua judía, Marruecos)
18. Ansí se me arrimó (cantar de boda judeo-español, Marruecos)
19. A la puerta del río (seguidillas, judeo-español, Marruecos)

La diversidad de músicas de México (2008)

2011-04-08T09:54:00.004+01:00

La diversidad de músicas de México, que recoge la edición de 2007 del Festival La Mar de Músicas, pretende mostrar la diversidad y pluralidad de las músicas de México, haciendo un recorrido a través de sus diferentes estilos, territorios y artistas, desde el son, el bolero y la trova yucateca, la música tropical y ranchera y el corrido hasta el rock y la música electrónica.
La Mar de Músicas es un festival organizado por el Ayuntamiento de Cartagena (Murcia) que, desde 1999, viene promocionando el valor de la diversidad cultural, dedicando cada año un monográfico a las distintas culturas musicales, literarias y cinematográficas del Planeta Tierra. Desde 2000 también viene editando, junto con FNAC y la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI), y la producción de Fabricantes de Ideas, monográficos musicales a los que se ha dedicado el festival desde su inicio (Balcanes, Magreb, Caribe y América Latina, África Negra, Escocia, Escandinavia, Japón, India, Turquía, Marruecos…).

Página web oficial: La Mar de Músicas

tracks list:
01. Panteón Rococó – Vendedora de caricias
02. Los de Abajo – El indio
03. Shock Bukära – Mocambo
04. Big Metra – Que me entierren con rumba
05. La Mata del Son – El tabaco
06. Lila Downs – La cumbia del mole
07. Cecilia Toussaint – Corazón
08. Eugenia León – Llegando a ti
09. La Negra Graciana – El cascabel
10. Guty Cárdenas – Presentimiento
11. Son de Madera – Los juiles
12. Wakal – Terraza mantel
13. Tovar – Rumbero mayor
14. Jorge Reyes/Suso Sáiz – Romper con el canto

G. Rag y Los Hermanos Patchekos – Hold Fast (2009)

2011-04-06T12:57:00.002+01:00

Hold Fast es el sexto trabajo del Dj G. Rag y Los Hermanos Patchekos, un proyecto de la propia discográfica de Andreas Stäber (Gutfeeling Records) que realiza producciones englobadas dentro de lo que se conoce como global music, género que eclosiona de la world music y del world beat.
Los Hermanos Patchekos se fundaron en 1999, durante un Oktober Fest, y hasta la fecha tienen seis discos, entre vinilos y compactos: Radio Tijuana (1999), 0321H (2001), Cadeau Bizarre (2003), München 7 (2005), Lucky Goddamn (2007) y Hold Fast (2009), todos con el sello Gutfeeling Records. Stäber también mantiene en activo a otro par de proyectos musicales: G.Rag and The Landlergschwister y al trío Dos Hermanos.

La banda, compuesta por once miembros, oriunda de Munich, toca instrumentos como guitarras (eléctricas, acústicas y steel), contrabajo, armónica, acordeón, trompetas, clarinetes, melódicas, percusiones varias y megáfonos. Hold Fast constituye un coctel de lo más sabroso: música afrocaribeña, swing gitano, alt country, bluegrass, latin groove, cajun, boogaloo, polka, ska, blues y rebetiko, entre otras corrientes. Melodías que evocan desde el mejor Tom Waits hasta canciones tradicionales bávaras que no dejan de sorprender y divertir… como se divierten sus miembros. Maestría que se pulsa y se goza.

Página web oficial: Gutfeeling Records

tracks list:
01. Traversia Caliente
02. Gambling Bar Room Blues
03. Nervous Breakdown
04. Cajun Maid
05. Mi Barrio
06. Rags'n'Bones
07. Le Massacre Du Melodica
08. Get On Board
09. Swing Vergol
10. Jockey Full Of Bourbon
11. Influence
12. J'ai Tardé
13. Cold Cold Heart